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2

Ernest Bloch (1880-1959)

01 Sonata No. 2 for violin and piano,

Poème mystique (1924) 20’24

Andante moderato – Animato –

L’istesso tempo – Animato

02 Nigun, from Baal Shem (Three Pictures

of Chassidic Life) (1923) 6’33

Sonata No. 1 for violin and piano (1920)

03 Agitato 11’38

04 Molto Quieto 9’12

05 Moderato 7’55

Arvo Pärt (1935°)

06 Fratres (version for violin and piano, 1980) 9’07

Elsa Grether, violinFerenc Vizi, piano

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4’5

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3

Recording: 28-31 July 2012, Flagey (Studio 4), Brussels (Belgium) – Recording engineer, recording producer, editing, mastering: Aline Blondiau – Cover picture: © Jean-Baptiste Millot – Design: mpointproduction – Proofreading: Charles Johnston – Executive producer: Frederik Styns

« À Henri Guillot et Christiane Riedel, en pensée »

4

This recording is the result of a genuine passion for the sonatas of Ernest Bloch,

which made an intense impact on me when I discovered them. I was deeply moved

by their humanism, their sincerity, their generosity. The sentiment of universality that

imbues the Poème mystique underpins the whole programme of the disc, and has

even given it its name.

The meditative atmosphere of Bloch’s Poème mystique reappears in Arvo Pärt’s Fra-

tres, though it has now become crepuscular. Over and above the great differences of

style and language between the two composers, their works are linked by the same

fervour. They constantly transport us beyond ourselves, thereby touching on some-

thing essential and universal – a heritage shared by all Humanity.

It is that fervour, that fl ame, sometimes blazing, sometimes brightly glowing, that

I hope I have expressed and conveyed to others as faithfully as possible through

this recording.

Elsa Grether

5

Ce disque est né d’un véritable coup de cœur pour les Sonates d’Ernest Bloch, pour

lesquelles j’ai éprouvé un choc intense et dont l’humanisme, la sincérité et la géné-

rosité, m’ont profondément bouleversée. Le sentiment d’universalité qui imprègne le

Poème mystique sous-tend tout le programme du disque, lui donnant même son nom.

En regard du Poème mystique d’Ernest Bloch, une même atmosphère méditative

dans Fratres d’Arvo Pärt, mais crépusculaire. Et par-delà les grandes différences

de style et de langage des deux compositeurs, une même ferveur qui pourtant

relie ces œuvres – celles-ci nous portant toujours au-delà de nous-mêmes et tou-

chant par là, à quelque chose d’essentiel et d’universel ; un patrimoine commun à

l’Humanité entière.

Aussi est-ce cette ferveur, cette fl amme-là, tantôt brûlante ou incandescente, que

j’espère exprimer et traduire sur cet enregistrement le plus fi dèlement possible.

Elsa Grether

6

Nowadays, Ernest Bloch is mainly remembered for his triptych for violin and piano

Baal Shem, Three Pictures from Chassidic Life (1923), whose central movement

Nigun (included in the present CD) is a popular encore in every violin recital, and for

Schelomo, a ‘Hebrew Rhapsody’ for cello and orchestra (1916), a major piece in that

instrument’s not very large concerto repertoire. Both are part of his ‘Jewish Cycle’,

which also includes such masterpieces as the Israel Symphony and the Sacred

Service (Havodath Hakodesh), and indeed Bloch stands as the most celebrated

exponent of a specifi cally ‘Jewish’ musical style, though he seldom borrows tradi-

tional tunes. But Jewish pieces represent little more than one-fi fth of an extensive

catalogue of some seventy pieces, including the opera Macbeth, fi ve symphonies,

concertos for violin, piano, and viola, and above all a vast output of chamber music,

perhaps the most valuable part of his heritage. This encompasses fi ve string quar-

tets, two piano quintets, a Suite for viola and piano (also with orchestra), and the

two violin sonatas presented on this CD, in addition to a substantial number of

smaller pieces. They add up to a body of work second to none in the fi rst half of

the twentieth century, and worthy to stand comparison with Bartók, Schoenberg,

Martin°u or Enescu.

Born in Geneva in 1880 of Jewish parents, Bloch studied music in Brussels, Frank-

furt, Munich, and fi nally Paris. Whilst his style, true to his Swiss origins, blends Ger-

manic and Gallic infl uences, it is above all the utterance of a fi ercely independent EN

GLISH

7

creator, standing aloof from all fashionable trends, giving priority to individual

expression rather than theoretical systems. Using microtones or (late in life) twelve-

note structures when necessary, he nevertheless remained faithful to tonal (or

rather modal) bases, inherited formal structures (even if these are extended and

modifi ed), and the principles of thematic development and cyclic form. This allows

him to edify impressive large-scale structures: his immense String Quartet no.1 of

1916 lasts almost a full hour. His life story breaks down into four main periods: his

young manhood in Switzerland (after the completion of his studies abroad in 1905);

his fi rst stay in the United States (1916-30), when he was successively director of

the Cleveland Institute of Music and the San Francisco Conservatory and eventually

took American citizenship; his second period in Europe (Ticino in Switzerland and

Haute-Savoie in France) from 1930 to 1938; and his fi nal return to California and

Oregon, where he died in 1959.

The two violin sonatas, composed four years apart, belong to his Cleveland years

and form a sharply contrasting, in fact complementary pair of works, to such an

extent that Bloch considered they should be performed together.

The First Sonata is the third in a series of four major chamber masterpieces, begin-

ning with the First String Quartet mentioned above (1916) and the Viola Suite (1919).

Then comes the present violin sonata (1920), and the series reaches a fi nal climax

with the First Piano Quintet of 1923. Aside from the Second Violin Sonata (Poème mys-

tique) of 1924, there was to be no major chamber music work until the Second String

Quartet more than twenty years later (1945), which marks the opening of his fi nal

creative period.

With its three extended movements lasting over half an hour in all, the First Violin

Sonata shows Bloch at his most uncompromising and radically extreme, in a par-

oxysm of ruthless violence; it is one of his very few mainly atonal works, with only

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the fi nal catharsis asserting E major. In this respect it holds a position comparable

to Bartók’s First Violin Sonata, completed less than a year later (Bartók was the

younger of the two by just a year), and the parallel extends to their respective Sec-

ond Violin Sonatas, both of them shorter and more relaxed.

The First Sonata was begun in New York in February 1920, and its fi rst two move-

ments were completed there by April. Then came Bloch’s appointment in Cleveland,

where he arrived in September, and where the sonata’s fi nal movement was com-

pleted on 20 November. The world premiere was given at the Aeolian Hall in New

York on 20 February of the following year by the outstanding Polish team of violinist

Pawel Kochanski and pianist Artur Rubinstein, both well known for their perfor-

mances of Szymanowski’s music. As might have been expected, the reception was

a mixed one, and this was also the case with subsequent performances both in the

United States and abroad: critics and audiences were taken aback or even appalled

by the music’s ruthless violence. The composer himself called it ‘tormented’, written

‘shortly after the terrible war and the terrible peace’, for he could foresee the seeds

of a future, even more devastating second world war in the uneasy compromises

reached at Versailles. He also shared with the equally lucid Charles Ives a sense of

bitter disillusionment at America’s turn to isolationism when the country preferred

Harding to Wilson in the 1920 presidential election (Ives expressed his feelings in

his virulent song An Election).

The opening Agitato, a brutal and aggressive piece, repeats with almost manic

obsessiveness its short motif of only three adjacent notes in the violin’s low reg-

ister, a motif systematically frustrating any attempt to escape towards the most

impassionate rhapsodic improvisation, within the just recognisable framework of

a free sonata form. After this nightmare vision comes a Molto quieto of ‘Tibetan’

calm (the composer’s own expression), an evocation of another, remote world, as

indicated by the movement heading molto misterioso, which expresses a desire

to escape rather than a real reconciliation, and reaches a powerful central climax

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before falling back to an uneasy calm. The fi nale, Moderato, opens with a heavy,

barbaric march theme that treats the piano as a percussion instrument, gradually

rising to a peak of intensity. But a reminiscence of the opening movement is needed

before the music can fi nally liberate itself in a Lento assai epilogue of real tender-

ness, its tranquil E major expressing peace that is no longer ‘Tibetan’, but that of an

authentic inner reconciliation.

With so extreme a work, Bloch felt he had overtaxed his audiences and performers.

And after it had once again met with incomprehension, he decided to write a second

sonata that would be at once more relaxed and more peaceful. Between 11 Novem-

ber and 29 December 1924, he stayed at Santa Fe, New Mexico, in order to rest and

compose in peace, and the decision proved to be so benefi cial that he produced no

fewer than six new works within that brief period and almost completed what would

become his popular Concerto Grosso no.1. The new sonata was written in ten days

(he fi nished it on 20 November), to the composer’s own amazement: never before

had he produced a large piece lasting some twenty minutes in so short a time. The

title Poème mystique (in French) more or less chose itself, and perfectly defi nes

the work’s mood. Bloch said that the First Sonata had shown ‘the world as it is, the

frantic struggle of blind and primordial forces’, whereas the new work shows ‘the

world as it should be: the world of which we dream . . . full of idealism, faith, fervour,

hope’. In contrast to the fi rmly structured three-movement form of its predecessor,

this is a much freer and more rhapsodic one-movement piece, precisely more of a

poème than a sonata, and the presence of some Jewish melodic idioms alongside

quotations of Gregorian chant (parts of the Credo and almost the entire Gloria from

the Mass Kyrie fons bonitatis) stresses its spiritual dimension and in a sense fore-

shadows the later Sacred Service. It was fi rst heard in a private New York home on

24 January 1925, played by the Swiss violinist André de Ribaupierre, one of Bloch’s

oldest and closest friends, with Beryl Rubinstein at the piano. The public premiere,

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by the same performers, followed in Cleveland on 24 April, at the very Institute of

Music from which Bloch was brutally dismissed just two weeks later. The Poème

mystique did not enjoy a happy career. Bloch assigned it to the German publisher

Leuckart of Munich, who had published his very fi rst symphony, but when Hitler

seized power in Germany all copies were destroyed as ‘degenerate’ Jewish music,

and for a long period the work was not available. Many years later, Bloch sent his

own manuscript copy to Jascha Heifetz, who eventually recorded it. Bloch had come

to realise that in its original form the work showed some slight weaknesses: occa-

sional ‘sugary’ harmonies, and overuse of octaves in the violin part and tremolos in

the piano. These he corrected towards the end of his life, but it seems the revised

version was never published.

Nigun (‘Improvisation’ in Hebrew), by far Bloch’s most popular piece, is the second

of the three pieces for violin and piano that make up the cycle Baal Shem, Three

Pictures of Chassidic Life. This is a product of the fruitful years in Cleveland. The fi rst

piece, Vidui (Contrition), was written on 13 May 1923, and premiered almost imme-

diately on 24 May by the faithful André de Ribaupierre, with the composer at the

piano. Nigun followed on 21 October, and the concluding Simchas Torah (Rejoicing

in the Law) exactly one week later. The complete cycle was fi rst heard with the same

performers at the B’nay Jeshurum Temple in Cleveland on 6 February 1924. As one

might expect, this attractive and approachable music enjoyed immediate and last-

ing success, although Nigun has overshadowed not only its two neighbours but also

Bloch’s remaining ‘Jewish’ pieces for the same combination, such as Abodah or the

late Suite hébraïque. The title Baal Shem refers to the Polish rabbi Baal Shem Tov

(‘The Master of the Holy Name’), who lived from 1698 to 1780 and founded the Chas-

sidic movement of Judaism, still very much alive today, which aimed at reaching God

through the joy of song and dance. The work, which Bloch dedicated to the memory

of his mother, ‘who would have loved it’, is also popular in its version with orchestra,

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written much later in August 1939. Baal Shem, and especially Nigun, is far removed

from the radical style of the sonatas and deliberately seeks to touch a popular audi-

ence. While it is clearly in a quite different artistic category, Bloch always thought

highly of it, even though he was sometimes irritated by its success at the expense of

more important works.

Our programme is completed by one of the best-known pieces of Arvo Pärt (born in

1935), Fratres, composed in 1977 and disseminated in a variety of transcriptions.

Pärt is a major exponent of the eastern European brand of minimalism, medita-

tive and mystical in its expression (alongside his Polish contemporary Gorecki and,

to a certain extent, his British counterpart Tavener, whose conversion to the Greek

Orthodox Church established a link with eastern spirituality). After an early would-

be ‘avant-garde’ phase using serial techniques, he quickly established his own style,

defi ned as ‘tintinnabulation’, an allusion to the harmonies of church bells.

Harry Halbreich,

December 2012

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ELSA GRETHERThe charismatic young violinist Elsa Grether, noted for her passionate and intensely

poetic playing, was born in Mulhouse, France. She was awarded a Premier Prix in

the violin by unanimous decision of the jury at the Conservatoire à Rayonnement

Régional de Paris on her fi fteenth birthday. Her lively curiosity prompted her to

continue her training abroad, with Ruggiero Ricci at the Salzburg Mozarteum and

then in the United States with Mauricio Fuks at Indiana University Bloomington and

Donald Weilerstein at the New England Conservatory in Boston. She subsequently

received guidance from Régis Pasquier in Paris.

She was joint winner with the pianist Delphine Bardin of the Prix International Pro

Musicis 2009 by unanimous decision of the jury. In 2012 she made recital debuts at

Carnegie Weill Hall in New York and in Boston. She has performed numerous concer-

tos with orchestra, among them works by Bach, Vivaldi, Mozart, Haydn, Beethoven,

Bruch, Brahms, Tchaikovsky, Shebalin, Dvorák, Prokofi ev, and Ravel (Tzigane).

Elsa Grether has been heard as a recitalist at many festivals and other venues in

France and abroad, including the Menton, Polignac and Toulon festivals, the Musica

Festival in Strasbourg, Le Printemps des Arts de Monte-Carlo, Bozar in Brussels,

the Salle Cortot in Paris, Les Musicales de Bagatelle, Les Rencontres Musicales de

Savoie, Musiciennes à Ouessant, Avery Fisher Hall in New York, the Myra Hess Con-

cert Series in Chicago, the Indianapolis Art Museum, the Radio Nationale in Algiers,

Schloss Mirabell in Salzburg, and the Palais des Festivals in Santander.

She has held scholarships from a number of foundations, among them the Fonda-

tion Safran pour la Musique, Natixis-Banque Populaire, the Fondation de France

(Prix Oulmont), the Fondation Cziffra, the Fondation Bleustein-Blanchet pour la

Vocation, the Fondation Alliance, and the AJAM. In 1993 she was a prizewinner at

the Young Soloists’ Competition organised by the RTBF in Brussels. She was the

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subject of a programme in Alain Duault’s television series Toute la musique qu’ils

aiment (France 3) and has often been a guest on the radio stations France Musique,

France Culture, Musiq3, and RTS Suisse.

Her appearances in 2012 included recitals in Venice at the Palazzetto Bru-Zane;

in Switzerland for Radio Suisse Romande and at the Cully Classique Festival; in

France at the Musicora Salon in Paris (Grand Auditorium du Palais Brongniart), the

Festival des Forêts, Lille Clef de Soleil, Présences Féminines in Toulon, Saoû chante

Mozart, and the Uzerche Festival; in Belgium at Bozar in Brussels, the Classissimo

and Stavelot festivals, and the Ostbelgien Festival; and at the Scène Nationale

de Martinique.

Forthcoming concerts will take her notably to the Festivals de Musique Sacrée of

Monaco and Perpignan, where she will appear with the actor Daniel Mesguich in a

programme based on her CD ‘Poème mystique’, and to the Salle Flagey in Brussels.

She performs regularly with the pianists Ferenc Vizi, François Dumont, and

Delphine Bardin, and with such artists as Régis Pasquier, Ronald van Spaendonck,

Marc Grauwels, Johan Schmidt, Marielle Nordmann, Pascal Contet, Geoffroy

Couteau, and Nicolas Stavy.

www.elsagrether.com

FERENC VIZIBorn in Transylvania, Romania, in 1974, Ferenc Vizi studied with András Körtesi in

his home town of Reghin and later with Gérard Frémy at the Conservatoire National

Supérieur de Musique de Paris. He has also received guidance from Cyril Huvé,

Jacques Rouvier, and Françoise Thinat at the École Normale de Paris. As a prize-

winner at the prestigious Rubinstein Competition in Tel Aviv and ARD Competition in

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Munich, he received engagements in South America, Japan, and several European

countries, and recorded Bartók’s Second Concerto for Bavarian Radio in Munich in

2003 with the Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks under the direction

of Peter Rundel.

His guest appearances in France have taken him notably to the Nohant Festival,

La Folle Journée in Nantes, the Festival de La Roque d’Anthéron, where he per-

formed Beethoven’s Diabelli Variations, and the Festival de La Chaise-Dieu, where

he played Liszt’s Totentanz with the Orchestre National d’Île de France conducted

by Yoel Levi. The Hungarian composer was once again on the agenda at Les Liszto-

manias in Châteauroux, where he premiered the programme ‘Rhapsodies – Liszt et

les Tziganes’ with the Hungarian folk ensemble Cifra. This production was subse-

quently heard on tour in France during the 2012/13 season, notably at the presti-

gious Théâtre de la Ville in Paris.

In November 2012 Ferenc Vizi toured the south of France as soloist in Tchaikovsky’s

Concerto no. 1 and Grieg’s Concerto with the Târgu-Mures State Philharmonic

Orchestra (Romania).

He has recorded two CDs, the fi rst (Beethoven’s Sonata op.111 and Schumann’s

Fantasy op.17) for the Æon label, and the second, entitled ‘Voyage’ and featuring

works by Schubert, Liszt, and Wagner, for Satirino Records.

15

Elsa Grether

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16

De nos jours, Ernest Bloch est surtout connu pour son triptyque pour violon et piano

Baal Shem, trois Images de la vie chassidique (1923), dont le volet central (d’ailleurs

inclus sur le présent CD) est un bis populaire dans les récitals de violon, et pour

Schelomo, Rhapsodie hébraïque pour violoncelle et orchestre (1916), page majeure

du répertoire concertant relativement restreint de cet instrument. Ces œuvres font

parti de son Cycle juif, qui inclut également des chefs-d’œuvre comme la Sympho-

nie Israël et le Service Sacré (Avodath Hakodesh). De fait, Bloch est connu comme

représentant le plus célèbre d’un style musical spécifi quement « juif », bien qu’il ne

fasse pratiquement jamais appel à des mélodies traditionnelles. Mais ces pages

« juives » représentent à peine un cinquième d’un catalogue de quelque soixante-dix

opus, dont l’opéra Macbeth, cinq symphonies, des concertos pour violon, piano, alto,

et surtout un vaste ensemble de musique de chambre, peut-être la partie la plus

précieuse de sa production. On y trouve cinq quatuors à cordes, deux quintettes avec

piano, une suite pour alto et piano (également avec orchestre), et les deux sonates

pour violon et piano présentées ici, sans compter les nombreuses pages plus brèves.

Ces grandes œuvres constituent un ensemble qui ne le cède à aucun autre dans la

première moitié du vingtième siècle et qui est digne de soutenir la comparaison avec

Bartók, Schoenberg, Martin°u ou Enescu.

Bloch, né à Genève en 1880 de parents juifs, fi t ses études musicales à Bruxelles,

Frankfurt, Munich et enfi n Paris. Si sa musique, conformément à ses origines FRA

NÇ

AIS

17

suisses, fait la synthèse d’éléments germaniques et latins, elle est avant tout l’ex-

pression d’un farouche indépendant, hors de toute tendance à la mode, donnant

la priorité au message individuel plutôt qu’aux systèmes théoriques. Faisant appel

parfois à la microtonalité ou (à la fi n de sa vie) à des structures dodécaphoniques si

nécessaire, il demeura néanmoins fi dèle à des bases tonales (ou plutôt modales), à

des structures formelles héritées, même si élargies et modifi ées, aux principes du

développement thématique et des retours cycliques. Cela lui permit d’édifi er des

architectures d’une ampleur impressionnante : son immense Premier Quatuor à

cordes de 1916 dure tout près d’une heure. Sa vie se divise en quatre périodes prin-

cipales : sa jeunesse en Suisse (après ses études à l’étranger terminées en 1905),

son premier séjour aux États-Unis (1916-1930), où il dirigea les Conservatoires de

Cleveland et de San Francisco et où il adopta la nationalité américaine, son retour

en Europe (Suisse italienne, puis Haute-Savoie) de 1930 à 1938, et enfi n son retour

défi nitif en Californie et en Oregon, où il mourut en 1959.

Ses deux sonates pour violon et piano, écrites à quatre ans d’intervalle, appar-

tiennent aux années de Cleveland, et constituent un diptyque fortement contras-

tant, et en fait complémentaire, au point qu’il considérait qu’elles devaient être

jouées à la suite l’un de l’autre.

La Première Sonate est la troisième d’une série de quatre chefs-d’œuvre majeurs

de musique de chambre, inaugurée par le Premier Quatuor à cordes mentionné ci-

dessus (1916), suivi de la Suite pour alto (1919). Puis vient notre Sonate (1920), et

la série culmina avec le Premier Quintette avec piano de 1923. A l’exception de la

Seconde Sonate pour Violon et Piano (Poème mystique) de l’année suivante, il n’y eut

plus de grande œuvre de musique de chambre avant le Deuxième Quatuor à cordes

plus de vingt ans plus tard (1945), qui inaugure sa dernière période créatrice.

Avec ses très vastes mouvements dépassant de peu la demi-heure au total,

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la Première Sonate pour violon montre Bloch sous son aspect le plus radical et le

plus extrême, sans aucun compromis, au paroxysme d’une violence impitoyable,

et c’est l’une de ses très rares œuvres en prédominance atonales, seul le catharsis

fi nal affi rmant Mi majeur. De ce point de vue, elle occupe chez Bloch un position

comparable à celle de la Première Sonate pour violon de Bartók, son cadet d’un an

seulement, composée moins d’un an plus tard, et ce parallèle s’étend même à leurs

secondes sonates respectives, toutes deux plus brèves et plus détendues.

La Première Sonate fut commencée à New York en février 1920, et ses deux pre-

miers mouvements y furent achevés en avril. Puis vint la nomination de Bloch à

Cleveland, où il arriva en septembre, et où le Finale de la Sonate fut terminé le 26

novembre. La création de l’œuvre eut lieu à l’Æolian Hall à New York dès le 20 février

suivant, par deux éminents artistes polonais souvent associés, notamment dans

la musique de Szymanowski, le violoniste Pawel Kochanski et le pianiste Artur

Rubinstein. Ainsi qu’il fallait s’y attendre, l’accueil fut plutôt mélangé, et ce fut éga-

lement le cas lors des exécutions suivantes, tant aux États-Unis qu’ailleurs, cri-

tiques et public étant choqués, voire épouvantés par la violence impitoyable de la

musique. Le compositeur lui-même la qualifi ait de « tourmentée, écrite peu après

la terrible guerre et la terrible paix ». En fait, il pressentit clairement la menace d’un

second confl it mondial pire que le premier dans le compromis boiteux de Versailles,

tout comme il partageait avec Charles Ives le sentiment d’amère désillusion causé

par le virage des États-Unis vers l’isolationnisme lorsqu’ils préférèrent Harding à

Wilson lors de l’élection présidentielle de 1920 (Ives, tout aussi lucide, exprime ses

sentiments dans sa mélodie révoltée An Election).

L’Agitato initial, brutal et agressif, ressasse de manière presque maniaque l’ob-

session de son thème tournant sur trois notes contiguës dans le grave du violon,

thème qui viendra interrompre toutes les tentatives d’évasion vers l’improvisation

rhapsodique la plus passionnée, dans le cadre tout juste reconnaissable d’une

forme sonate. A cette vision de cauchemar succède un Molto quieto, d’un calme

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« tibétain » selon l’auteur lui-même, évocation d’un autre monde lointain, défi nie

par l’indication liminaire molto misterioso, et qui exprime plutôt une volonté d’éva-

sion qu’une réconciliation véritable, culminant en un puissant sommet d’intensité

avant de refl uer vers une paix encore troublée. Le Finale, Moderato, commence par

un thème de marche, pesante et barbare, qui traite le piano en instrument de per-

cussion, et s’élève graduellement à un nouveau sommet. Mais il faudra le passage

par le souvenir du premier mouvement pour que la musique se libère enfi n en un

épilogue Lento assai d’une grande douceur, se terminant en Mi majeur et exprimant

une paix non plus « tibétaine », mais celle, authentique, de la vie intérieure.

Avec une œuvre aussi extrême, Bloch sentit qu’il avait dépassé les limites de son

public et de ses interprètes. Et après qu’elle eut une fois de plus rencontré l’incom-

préhension, il décida d’écrire une Seconde Sonate à la fois plus détendue et plus

paisible. Du 2 novembre au 29 décembre 1924, il séjourna à Santa Fe, au Nouveau

Mexique, pour s’y reposer et composer en paix. Cette décision s’avéra si bénéfi que

qu’il produisit non moins de six œuvres nouvelles durant cette brève période, ache-

vant presque ce qui allait devenir son populaire Concerto Grosso n° 1. La nouvelle

sonate fut composée en dix jours et achevée dès le 20 novembre, à la stupéfaction

de son auteur : jamais encore il n’avait pu mener à bien une grande pièce de quelque

vingt minutes en un temps si court. Le titre (en français) de Poème mystique s’im-

posa de lui-même, et en défi nit parfaitement l’atmosphère. Bloch disait que la (Pre-

mière) Sonate avait dépeint le monde tel qu’il était, comme la lutte frénétique de

forces confl ictuelles primaires et aveugles, alors que l’œuvre nouvelle le montre tel

qu’il devrait être et que nous le rêvons, une expression d’idéalisme, de foi, d’espé-

rance et de ferveur. Au contraire de la forme fortement structurée en trois mouve-

ments de son aînée, c’est une œuvre d’un seul tenant, beaucoup plus libre et rhap-

sodique, réellement plus Poème que Sonate, et la présence de certaines tournures

mélodiques juives, comme de citations de plain-chant grégorien (parties du Credo

20

et Gloria presque complet de la Messe Kyrie fons bonitatis) souligne sa dimension

spirituelle et annonce en quelque sorte le futur Service Sacré. La première audition

eut lieu dans une maison privée de New York le 24 janvier 1925 par le violoniste

suisse André Ribaupierre, l’un des vieux amis les plus proches de Bloch, avec Beryl

Rubinstein au piano. La première exécution publique, par les mêmes interprètes,

suivit à Cleveland le 24 avril, dans ce même Conservatoire dont il devait être si bru-

talement renvoyé à peine deux semaines plus tard. Le Poème mystique ne connut

pas une carrière heureuse, Bloch l’ayant confi é à l’éditeur allemand Leuckart de

Munich, qui avait publié sa toute première Symphonie, mais lorsque Hitler prit le

pouvoir en Allemagne, tous les exemplaires furent détruits comme musique juive «

dégénérée », et pendant longtemps l’œuvre ne fut plus disponible. Bien des années

après, le compositeur envoya une copie de son propre manuscrit à Jascha Heifetz,

qui en fi t alors un enregistrement. Il s’était rendu compte que dans sa rédaction

originale l’œuvre présentait quelques menues faiblesses : des harmonies parfois un

peu « sucrées », un abus d’octaves dans la partie de violon et de trémolos dans celle

de piano. Il les corrigea vers la fi n de sa vie, mais il semble que ces changements ne

furent pas publiés.

Nigun (Improvisation en hébreu), de loin la page la plus populaire de Bloch, est la

deuxième des trois pièces pour violon et piano constituant le cycle Baal Shem, trois

images de la vie chassidique. C’est un produit de ses fécondes années de Cleveland.

La première pièce Vidui (Contrition) fut terminée le 13 mai 1923 et créée presque

immédiatement le 24 par le fi dèle André de Ribaupierre avec le compositeur au

piano. Nigun suivit le 21 octobre et Simchas Torah (Réjouissance dans le Torah)

une semaine plus tard. Le cycle complet fut interprété pour la première fois par

les mêmes exécutants au Temple B’naï Jeshurum de Cleveland le 6 février 1924.

Comme on pouvait s’y attendre, cette musique séduisante et accessible connut un

succès immédiat et jamais démenti depuis, bien que Nigun ait relégué dans l’ombre

21

non seulement ses deux voisines, mais les autres pages « juives » de Bloch pour la

même formation, comme Abodah ou la tardive Suite hébraïque. Le titre Baal Shem se

réfère au rabbin polonais Baal Shem Tov (« Le Maitre du Saint Nom » ou « Celui qui

accomplit des miracles en invoquant le Nom de Dieux »), qui vécut de 1698 à 1780 et

fonda le mouvement chassidique du judaïsme, toujours très actif de nos jours, et qui

voulait atteindre Dieu par la joie du chant et de la danse. L’œuvre, que Bloch dédia à

la mémoire de sa mère, « qui l’aurait adorée », est également populaire dans sa ver-

sion orchestrée, écrite beaucoup plus tard, en août 1939. Baal Shem, et particuliè-

rement Nigun, est très éloigné du style radical des sonates, et vise délibérément une

audience populaire. Bien qu’il relève d’une tout autre catégorie esthétique, Bloch

en fut toujours fi er, même si parfois il fut agacé par son succès aux dépens d’œuvres

plus importantes.

Notre programme est complété par l’une des pièces les plus connues d’Arvo Pärt

(né en 1935), Fratres, composée en 1977 et connue dans de nombreuses trans-

criptions. Pärt est un représentant majeur de la variante est européenne du mini-

malisme, d’expression méditative et mystique (de pair avec son contemporain

polonais Gorecki et, dans une certaine mesure, avec le Britannique Tavener, que sa

conversion à l’église orthodoxe grecque rapproche de la spiritualité d’Orient). Après

une phase précoce proche de l’avant-garde d’alors, faisant appel à des techniques

sérielles, il établit rapidement son propre style, qualifi é de « tintinnabulation », par

allusion aux harmonies des cloches d’église.

Harry Halbreich,

Décembre 2012

22

ELSA GRETHERJeune violoniste charismatique au jeu passionné et d’une intense poésie, Elsa Gre-

ther, née à Mulhouse, France, obtient un Premier Prix de violon à l’unanimité du jury

au CRR de Paris le jour de ses quinze ans. Poussée par une grande curiosité, elle

poursuit sa formation à l’étranger, au Mozarteum de Salzbourg avec Ruggiero Ricci,

puis aux Etats-Unis avec Mauricio Fuks à l’Université d’Indiana, Bloomington et

Donald Weilerstein au New England Conservatory de Boston. Elle bénéfi cie ensuite

des conseils de Régis Pasquier à Paris.

Lauréate du Prix International Pro Musicis 2009 à l’unanimité du jury avec la pia-

niste Delphine Bardin, elle fait en 2012 ses débuts en récital au Carnegie Weill Hall

de New York ainsi qu’à Boston. En soliste avec orchestre, elle a interprété de nom-

breux concertos (Bach, Vivaldi, Mozart, Haydn, Beethoven, Bruch, Brahms, Tchaï-

kovski, Chébaline, Dvorák, Prokofi ev, Tzigane de Ravel…)

On a pu l’entendre en récital dans de nombreux festivals et salles en France et à l’étran-

ger : Printemps des Arts de Monte-Carlo, Festival de Menton, Bozar de Bruxelles,

Salle Cortot à Paris, Musicales de Bagatelle, Festival Musica à Strasbourg, Festi-

val de Polignac, Festival de Toulon, Rencontres musicales de Savoie, Musiciennes à

Ouessant, Avery Fisher Hall de New York, Chicago Myra Hess Concert Series, India-

napolis Art Museum, Alger Radio Nationale, Salzbourg Schloss Mirabell, Santander

Palais des Festivals…).

Elle est lauréate de diverses fondations: Safran pour la Musique, Natixis-Banque

Populaire, Prix Oulmont (Fondation de France), Cziffra, Fondation Bleustein-

Blanchet pour la Vocation, Fondation Alliance, AJAM. En 1993, elle est lauréate

du Concours des Jeunes solistes organisé par la RTBF de Bruxelles. Alain Duault

lui a consacré une émission dans «Toute la musique qu’ils aiment» (France 3) et

elle a été invitée à diverses reprises sur France Musique, France Culture, Musiq3

et la RTS Suisse.

23

En 2012 on a pu l’entendre en récital à Venise au Palazzetto Bru-Zane, en Suisse à la

Radio Suisse Romande et au Festival Cully classique, en France au Salon Musicora

à Paris (Grand Auditorium du Palais Brongniart), au Festival des Forêts, Lille Clef

de Soleil, Présences féminines à Toulon, Saoû chante Mozart, Festival d’Uzerche,

en Belgique notamment au Bozar de Bruxelles, Festival Classissimo, Festival de

Stavelot, Ostbelgien Festival, à la Scène Nationale de Martinique.

Ses prochains concerts la mèneront notamment aux Festivals de musique sacrée

de Monaco et de Perpignan, où elle collaborera avec le comédien Daniel Mesguich

autour du programme du CD « Poème mystique », ainsi que Salle Flagey à Bruxelles.

Elle joue régulièrement avec les pianistes Ferenc Vizi, François Dumont,

Delphine Bardin ainsi qu’ avec Régis Pasquier, Ronald van Spaendonck, Marc

Grauwels, Johan Schmidt, Marielle Nordmann, Pascal Contet, Geoffroy Couteau,

Nicolas Stavy…

www.elsagrether.com

FERENC VIZINé en 1974 en Transylvanie, Roumanie, il se forme dans sa ville natale de Reghin

auprès d’András Körtesi et plus tard au CNSM de Paris avec Gérard Frémy. Il reçoit

également les conseils de Cyril Huvé, Jacques Rouvier et de la pianiste Françoise

Thinat à l’École Normale de Paris. En tant que lauréat des prestigieux concours

Rubinstein à Tel-Aviv et de l’ARD à Munich, il bénéfi cie d’engagements en Amérique

du Sud, au Japon, dans plusieurs pays d’Europe et enregistre en 2003 pour la Radio

de Munich le 2e Concerto de Bartók avec l’orchestre de la Bayerischer Rundfunk,

sous la direction de Peter Rundel.

En France, il est l’invité du Festival de Nohant, de la Folle Journée de Nantes,

du Festival de La Roque d’Anthéron où il donne les Variations Diabelli de Beethoven,

24

du Festival de La Chaise-Dieu où il interprète le Totentanz de Liszt avec l’Orchestre

National d’Île de France dirigé par Yoel Levi. On le retrouve dans Liszt encore aux «

Lisztomanias» de Châteauroux où, avec l’ensemble de musique traditionnelle hon-

grois Cifra, Ferenc Vizi crée le programme « Rhapsodies - Liszt et les Tziganes », qui

sera repris en tournée en France pendant la saison 2012 -2013, notamment sur la

prestigieuse scène du Théâtre de la Ville à Paris.

En novembre 2012 il effectue une tournée dans le Sud de la France avec

l’Orchestre Philharmonique d’ Etat de Târgu-Mures (Roumanie) au cours de

laquelle il interprète le Concerto no. 1 de Tchaïkovski et le Concerto de Grieg.

Deux CD sont parus, l’un comprenant la dernière Sonate de Beethoven et la Fantai-

sie opus 17 de Schumann, pour le label Æon, et l’autre, intitulé « Voyage », incluant

des œuvres de Schubert, Liszt, Wagner, pour le label Satirino Records.

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Ferenc Vizi

Studio 4 - Flagey

creating diversity...

Listen to samples from the new Outhere releases on:Ecoutez les extraits des nouveautés d’Outhere sur :

Hören Sie Auszüge aus den Neuerscheinungen von Outhere auf:

www.outhere-music.com

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FUG

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Production

This is an

Outhere is an independent musical productionand publishing company whose discs are publi-shed under the catalogues Æon, Alpha, Fuga Libera, Outnote, Phi, Ramée, Ricercar and Zig-Zag Territoires. Each catalogue has its own welldefined identity. Our discs and our digital productscover a repertoire ranging from ancient and clas-sical to contemporary, jazz and world music. Ouraim is to serve the music by a relentless pursuit ofthe highest artistic standards for each single pro-duction, not only for the recording, but also in theeditorial work, texts and graphical presentation.We like to uncover new repertoire or to bring astrong personal touch to each performance ofknown works. We work with established artistsbut also invest in the development of young ta-lent. The acclaim of our labels with the public andthe press is based on our relentless commitmentto quality. Outhere produces more than 100 CDsper year, distributed in over 40 countries. Outhereis located in Brussels and Paris.

The labels of the Outhere Group:

At the cutting edge of contemporary and medieval music

30 years of discovery of ancient and baroque repertoires with star perfor-mers

Gems, simply gems

From Bach to the future…

A new look at modern jazz

Philippe Herreweghe’sown label

Discovering new French talents

The most acclaimed and elegant Baroque label

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Here are some recent releases…

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