CHINE.S Du 27 octobre 2018 au 17 février 2019 · 2020. 10. 13. · CHINE.S Du 27 octobre 2018 au 17 février 2019. 1. Musée Campredon – Expo Ph. Favier. Dossier d’accompagnement

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Musée Campredon – Expo Ph. Favier. Dossier d’accompagnement Erick Plantevin CPD Arts VIsuels

Philippe Favier

CHINE.S

Du 27 octobre 2018 au 17 février 2019

Musée Campredon

Une fois de plus dans cette exposition, Favier semble étoffer et enrichir son « ENCYCLOPÉDIE

BUISSONNIÈRE » qui n’a que faire de l’actualité et de ses modes. Dans sa champêtre solitude d’enlumineur

espiègle, il imagine et construit un inventaire saugrenu et pittoresque qui dessine au fil de quelques

décennies un parcours des plus originaux et des plus renouvelés.

Il a choisi pour le centre d’art CAMPREDON, un ensemble d’œuvres récentes, inédites pour la plupart. La

quasi-totalité des pièces présentées seront issues des nombreuses cueillettes (CHINES) qu’il effectue depuis

des années dans les puces et autres brocantes de plein air. Tel un cuisinier inventif et exigeant, il fait son

marché et "compose" un peu en fonction du panier. Ces petites escapades ont de multiples vertus, l’une qui

n’est pas des moindres permet d’éviter le confort de la redite qui menace et rend lentement monotone des

œuvres bien digestes, tellement digestes. Une centaine d’œuvres (dessins, sculptures, peintures et

collages) seront présentées dans les salles où Favier donne l’impression à chaque fois de s’amuser sans se

jouer de nous…Toutefois, le sérieux avec lequel il agit, nous laisse entendre que « PRÉVERT POLYMORPHE »

- titre de l’une de ces dernières expositions - n’est peut-être pas qu’un jeu…de mots.

En lien avec le Parcours d'Education Artistique et Culturelle l'exposition Philipe Favier vise à accueillir un public scolaire créant une continuité entre les différents cycles. Le PEAC a pour ambition de favoriser l'égal accès pour tous les élèves à l'art à travers l'acquisition d'une culture artistique personnelle. Cette exposition s’y intègre parfaitement. La richesse des travaux de Philippe Favier, son rapport au détail et son travail d'orfèvre ne peuvent que cultiver la curiosité et la sensibilité des élèves dans leur rencontre avec les œuvres.

Qui est Philippe Favier ?

Né à Saint-Etienne en 1957, Philippe Favier est un artiste virtuose qui depuis les années 80 tient une place à part dans le monde de l’art contemporain. Finesse du dessin, des matières, minutie des figures, Philippe Favier se distingue par sa délicatesse, son ironie, son humour. Ses œuvres sont exposées régulièrement en France et à l’étranger dans de grandes institutions culturelles. Régulièrement sollicité pour des commandes publiques, il a réalisé par exemple les vitraux de l’église de Jabreilles près de Limoges ou la grande verrière de la Direction des musées de France à Paris, et a conçu l’aménagement d’espaces publics notamment à Villeurbanne. Il a travaillé aussi pour les manufactures de Sèvres et conçu un rideau de scène pour l’Opéra de Monte-Carlo.

Apparu sur la scène artistique au début des années quatre-vingt, Philippe Favier s'est immédiatement distingué des courants picturaux dominants (graffitiste, Figuration libre, Trans-Avant-Garde) par sa verve de

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conteur, sa délicatesse et son humour. Privilégiant une échelle miniature, pied de nez à une certaine grandiloquence caractérisant l'art de l'époque, il développe, à l'instar d'un écrivain sur sa feuille de papier, un univers qui emprunte tant aux scènes ordinaires du quotidien qu'au très vaste répertoire de l'histoire de l'art, des danses macabres médiévales aux féeries exotiques des Orientalistes. Durant quelques années, il adopte un mode très complexe de collage, avant de passer à une adaptation de la technique du fixé sous verre. Avec une virtuosité éblouissante, il compose alors des séries où les références à Bonnard et à Matisse constituent comme autant d'hommages et de clins d'œil - à l'échelle d'une carte postale - à de grands aînés dont il n'aurait pas démérité. Amoureux du détail, il travaille en orfèvre, cisèle ses figures, guilloche ses fonds. Il retrouve la patience des enlumineurs, jusqu'à revisiter les circonvolutions mutines et fantasmagoriques des manuscrits du Moyen-Âge. Il alterne, depuis, l'emploi de supports tantôt transparents, comme le verre, tantôt opaques, comme l'ardoise ou le carton, et décline une thématique qui balance entre les débordements narratifs et l'extrême retenue, voire le presque rien. Ce qui frappe, au vu de l'œuvre accompli durant ces deux décennies de création c'est la très grande cohérence du propos, la tentative constante de se renouveler, enfin la sincérité absolue d'un engagement rare. Et si sa place dans l'art d'aujourd'hui est sans cesse battue en brèche par des formes plus incisives ou plus démonstratives, cette œuvre n'en demeure pas moins une des aventures les plus singulières, les plus authentiques et les plus attachantes menées par un artiste de sa génération. » (Guy Tosatto, 2004)

Tout à la fois dessinateur, graveur, peintre, illustrateur, scénographe, il est resté fidèle à ses émotions d’enfant : ses œuvres donnent à voir l’invisible, le caché, l’inconscient, bousculent les normes et les habitudes. Il se passionne ainsi pour les miniatures, qui lui permettent d’inverser l’ordre du monde. Grâce à elles, le grand se fait petit, le monumental rétrécit. En réduisant motifs et personnages, elles opèrent une salutaire mise à distance. Ce qui est petit est à la fois inoffensif et amusant. De surcroît, la miniature oblige

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le spectateur à un examen attentif, s’il veut voir ce qu’elle représente. Et il ne sera pas déçu. Car Favier truffe ses micros tableaux de paysages et de personnages étranges, qui font songer à ces grotesques dont les enlumineurs ornaient les parchemins.

A ce propos, parlons du Street art miniatures… Si le but de l’art est de nous faire voir la vie différemment, alors l’art miniature remplit cette fonction comme aucun autre. La miniature c’est l’art de jouer avec les échelles, de réveiller notre âme d’enfant, de nous faire voir notre environnement sous un angle inattendu et de nous inciter à prêter une attention plus minutieuse à ce qui nous entoure. Le spectateur se retrouve tout d’un coup dans la peau d’un géant qui observe un univers de fourmis pour lesquels un brin d’herbe est un baobab, une flaque un océan, et une canette de soda abandonnée une soucoupe volante venue de mars.

- Slinkachu est un street-art anglais né en 1979 qui a lancé le « Little People Project » en 2006. Pour ce projet, l’artiste crée et peint des petites figurines qu’il met en contexte, photographie et laisse ensuite dans la rue. Slinkachu aime l’élément de surprise dans son art et veut encourager les citadins à prêter

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attention à leur environnement. Les scènes que Slinkachu crée, photographie, et auxquelles il donne des titres souvent évocateurs, matérialisent avec humour la solitude et la mélancolie des grandes villes. Slinkachu veut provoquer l’empathie chez ses spectateurs.

- Pablo Delgado est un artiste visuel originaire du Mexique. Après s’être installé à Londres pour ses études, Delgado a émergé en 2011 comme l’un des street artists majeurs de la scène londonienne. Son travail est à la fois accessible et conceptuel : il est particulièrement connu pour ses collages de scènes miniatures pour lesquelles il réutilise l’imagerie de la culture populaire dans des compositions humoristiques et surréels. Pablo Delgado récolte ses images dans les livres, les magazines ou internet, et les extrait de leur contexte. Delgado utilise la juxtaposition pour créer un dialogue entre les différents niveaux de signification dans son travail. L’échelle minuscule de ses œuvres permet à Pablo Delgado de se faire l’écho des problématiques sociales et environnementales de notre époque. Pour Delgado, le monde est déjà une véritable cacophonie de discours discordants, et l’échelle de ses œuvres est aussi une manière d’inciter à se faire petit. Delgado choisit le lieu de ses œuvres avec précaution et intègre souvent des éléments de l’environnement dans ses compositions. Ses œuvres sont par essence éphémères et interagissent avec le spectateur.

- Isaac Cordal est un artiste né en 1974 qui utilise des personnages miniatures et des lieux savamment choisis pour éveiller l’imagination des passants et les inciter à dénicher ses oeuvres dans les recoins cachés des villes. Les œuvres d’Isaac Cordal cherchent à attirer notre attention sur notre relation dégradée avec la nature à travers un regard critique porté sur les effets secondaires de notre évolution. Avec la précision d’un metteur en scène, les personnages d’Isaac Cordal sont placés dans un décor qui devient soudain une porte ouverte vers d’autres mondes. L’artiste représente souvent des actions de nos vies quotidiennes, des hommes et des femmes suspendus et isolés dans des attitudes libres d’interprétation. Ils capturent l’absurdité de notre existence, et on les trouve dans les caniveaux, sur le toit des immeubles, à des arrêts de bus et dans bien d’autres endroits incongrus.

https://www.artsper.com/fr/artistes-contemporains/espagne/4479/isaac-cordal

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- Christopher Boffoli est particulièrement connu pour sa série intitulée « Big Appetites » qui représente des figurines miniatures posant dans des décors de nourritures aux proportions gigantesques. Cette série a été inspirée des programmes télévisés de son enfance et du potentiel dramatique et comique de la juxtaposition des échelles – déjà utilisée au XVIIIème siècle par Jonathan Swift dans Les Voyages de Gulliver. Le recours à la nourriture et aux jouets rend les photos de Christopher Boffoli accessibles à tout le monde. Quel que soit la culture, s’asseoir autour d’un bon repas nous fait nous sentir humain. L’expérience sensuelle du repas renvoie à nos instincts primaires et au début de notre évolution. La nourriture est l’un des rares sujets dont on peut parler avec passion et pourtant sans controverse. Le choix du monde alimentaire comme environnement de la série « Big Appetites » n’a donc pas été fait au hasard.

- Depuis 2002, les deux fanatiques de gastronomie que sont Pierre Javelle et Akiko Ida photographient des scènes alimentaires burlesques intitulées « Minimiam » associant figurines miniatures et décors alimentaires, et nous proposent des mini-parodies de photographies culinaires. A travers le project « Minimiam », ces deux professionnels de la photographie gastronomique attirent notre attention sur des questions d’actualité comme le réchauffement climatique ou notre rapport à la nature tout en divertissant le spectateur et en le faisant sourire.

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- Joshua Smith nous faire redécouvrir les rues délabrées des grandes villes américaines, et ce dans les moindres détails : alarmes opérationnelles, sacs plastiques qui trainent, stickers sur les portes ou les poubelles, tags sur les portes, lumières automatiques, rouille… Alors on se prend au jeu et on recherche ces petits détails réalistes…

- Petros Chrisostomou crée des maquettes miniatures, de la taille d’une boîte à chaussures et les photographie par la suite. Il met en scène des objets manufacturés qui l’ont marqué à la manière d’une nature morte. Entre le réel et l’irréel, il se joue de nous !

- Quand Picasso disait : « Chaque enfant est un artiste. Le problème c’est de rester un artiste quand on grandit », il ne croyait pas si bien dire, mais il n’avait encore jamais rencontré Samsofy ! Cet artiste qui s’empare des legos de son fils pour créer des scènes miniatures drôles faisant intervenir super héros, street art et autres références geek, et on adore suivre leurs mésaventures.

- Saviez-vous que dans un autre monde, un monde où nous ferions 2 cm, nous pourrions interagir avec les plus grandes œuvres de l’histoire de l’art ? C’est ce que l’artiste Gaspard Mitz a l’air de vouloir nous montrer dans ses sculptures sous forme de boîtes, des personnages miniatures interagissent avec des œuvres d’art mythiques, d’Hokusai à Lichtenstein en passant par Yves Klein. Et on ne peut s’empêcher de sourire devant ces scènes pleines d’humour.

https://www.artsper.com/fr/artistes-contemporains/angleterre/1681/petros-chrisostomou

https://www.artsper.com/fr/artistes-contemporains/france/1979/samsofy

https://www.artsper.com/fr/artistes-contemporains/france/2559/gaspard-mitz

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- Derrick Lin, ses outils de bureau, crée des scènes miniatures et adorables auxquelles il ajoute de petits personnages.

Revenons à Philippe Favier…. Dans cet étonnant casting, la vedette revient au squelette et à la tête de mort. C’est un motif récurrent dans l’œuvre de Favier. Il réinterprète à sa manière les vanités chères aux artistes baroques. Ses crânes et squelettes modèles réduits sont moins inquiétants que leurs grands frères. Ils font sourire, mais ce sourire est déjà une revanche sur la mort, dont ils signalent l’omniprésence. A ce propos, parlons des vanités… En peinture, la vanité est un genre pictural, appliqué aux natures mortes, évoquant différents éléments symbolisant la vie, la nature, l'activité et la mort. Ces tableaux ont généralement une grande valeur symbolique et philosophique. Ce type d'art a pour but de faire réfléchir le spectateur sur la futilité des plaisirs du monde face à la mort qui nous attend tous. La peinture de Vanités est un genre particulier de nature morte à haute valeur symbolique, qui se développe au XVIIe siècle, particulièrement dans la peinture hollandaise à l'époque baroque. Dans les vanités, les objets représentés sont tous symboliques du vide de l'existence terrestre. La vie humaine est considérée comme vaine, précaire et sans valeur : memento mori (souviens-toi que tu vas mourir). De tous ces objets, le crâne humain est un incontournable et l'un des plus emblématiques (la mort). Mais on trouve aussi fréquemment la chandelle en partie consumée (la lumière qui va s’arrêter), le sablier ou la montre (la fin qui s’annonce), la bulle de savon (la futilité de la vie), les fleurs fanées (la mort)… Le genre de la Vanité disparaît presque complètement au XVIIIe siècle, avant d’être repris par des artistes modernes au XXe siècle. Le contexte est différent – la vanité exprime dorénavant toute représentation de la dépouille humaine - l’intention

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de l’artiste et la perception du spectateur sont dorénavant plus libres.

Les vanités au XVIIème siècle :

Simon Renard de Saint André, Vanité (1650). Musée des beaux-arts, Lyon

Vanité, Philippe de Champeigne

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Les vanités au XXème siècle :

Magritte Picasso Dans son arrière-boutique, l’alchimiste renouvelle avec bonheur son langage au contact du verre, du papier, du tissu, de l’ardoise, des boîtes de sardines... Il sublime ces rebus chinés aux puces ou dans les brocantes pour réécrire son histoire. Philippe Favier se définit lui-même comme « un chineur ». Il découvre des objets, il s'en empare pour les transformer. Il part de ce qu'il trouve. Le ready made…

Le ready-made, un concept inventé par Marcel Duchamp, a un impact dans l'art contemporain. Selon le Dictionnaire de l'art moderne et contemporain (Hazan, 1992), il s'agit du « nom donné par Marcel Duchamp à partir de 1915 aux objets "tout faits" qu'il choisit et signe depuis 1913 affirmant ainsi son abandon de la peinture [...]. Le ready-made a souvent été interprété comme capital dans l'histoire de la sculpture "... Le principe consiste donc à choisir des objets et, du fait même de la qualité de l'artiste, de leur donner le statut d'œuvre d'art. L'artiste peut intervenir sur la pièce pour rendre plus forte sa signification. Depuis le jour où Marcel Duchamp a mis en place ce principe, l'art n'est plus le même. Ainsi le ready-made le plus connu de Marcel Duchamp est un urinoir présenté à l'envers que l'artiste a baptisé « Fontaine » en 1917.

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Philippe Favier fait quand même partie de ces artistes inclassables, prolixes, qui nous surprennent par leur inventivité sans cesse renouvelée. Il porte une interrogation récurrente sur la nature humaine, dérisoire, absurde ou tragique à la fois, dans des compositions où foisonnent dessins à l’encre, aquarelles, collages, écritures, des objets et des œuvres sur papier, qui montrent son intérêt constant pour l’univers de la papeterie et de l’écrit. Tampons, porte-plumes, lutrins, tout ce qui sert à écrire, décrire, illustrer depuis des temps immémoriaux. Papiers vieux, cartes de géographies et relevés cadastraux, carnets de notes anciens, sont couverts de petits personnages étranges dans lesquels on reconnaît des squelettes, des crânes, des os, des machines impropres à l’usage, qui sont devenus étrangement les acteurs de saynètes plus ou moins grinçantes.

A ce propos parlons de la série « Les Noircissiques » … Les « Noircissiques » forment une série dans laquelle Philippe Favier recouvre de noir des images, photographies, cartes, trouvées en chinant ou dans des magazines ne laissant apparaitre que quelques visages ou quelques formes.

Le noir…

- Pierre Soulages, né le 24 décembre 1919 à Rodez (Aveyron), vit et travaille entre Paris et Sète (Hérault). Figure majeure de l’abstraction, il est reconnu comme un des plus grands peintres de la scène française actuelle pour son œuvre qui traverse la seconde partie du XXe et le début du XXIe siècle. «Soulages choisit très jeune la couleur qui porte toutes les autres: le noir. Il y reste très attaché, si bien qu’elle participe de son identité artistique. Majeure dans son art, elle se décline, selon les outils avec lesquels elle est appliquée, en surfaces lisses ou accidentées, qui révèlent une lumière multiple et insoupçonnée». S’intéressant à la Préhistoire et à l’art roman, «Soulages élabore sa création en dehors de tout groupe stylistique, selon une démarche solitaire et libre». (Extraits de Camille Morando, Soulages, Paris, éd. Centre Pompidou, 2015).

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Et de Prévert polymorphe… Depuis son enfance, il collecte (il ne collectionne pas) dictionnaires, encyclopédies et codex divers. Dans ses nouvelles séries, il les exhume, découpe, décapite, et tout ce nouveau monde s'en va avec rigueur s'éparpiller sur des cartes de géographie, à qui un voile de peinture noire poudrée a redonné une virginité inespérée.

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Quelques thématiques…

Thématique Notions clés

Le détail, la miniaturisation Les représentations plastiques Valeur expressive de l'écart, symbole, signe, allégorie, mythe ...

Le détournement, la narration, la fiction

Transformation des images dans une visée poétique, artistique sublimation, citation, détournement, composition et organisation d'images à des fins narratives...

La matérialité, les outils et le support

effets du geste et de l'instrument, couleurs, qualité plastique, effets visuels obtenus, prise en compte du support, traitement de la matière…

La présentation de l'œuvre

Les séries, les collections, les inventaires original, référence, copie, unicité de l'œuvre répétition, collection...

Pendant l'exposition …

- Les élèves peuvent repérer et dessiner le vocabulaire plastique de l'artiste. - Ils se fixent sur une œuvre et notent leurs ressentis - Ils dessinent un détail qui attire leur attention ou le prennent en photo. Il sera exploité plastiquement

ensuite en classe. - Les élèves peuvent repérer et nommer les effets plastiques produits grâce aux couleurs, supports et

outils utilisés par l'artiste. A la suite de l'exposition, en classe, ils choisissent leurs propres outils et couleurs pour exploiter leur créativité.

ZOOM SUR QUELQUES TECHNIQUES ARTISTIQUES A L’OEUVRE « Mais avant toute chose, je crois être un dessinateur plus qu’un peintre. J’aime le contact du crayon ou de la plume sur le papier, de la pointe sur le métal ou sur le verre, le mou du pinceau dans ce qu’il transmet de déséquilibre, de vertige, m’indispose quelquefois… » S’il se définit avant tout comme un dessinateur, P. Favier est bien un artiste multiple et complexe, qui explore avec virtuosité tous les matériaux : verre, céramique, papier, tissu, ardoise, etc.

- LE STYLE A BILLE : D'abord influencé par l'art conceptuel et le land art, Philippe Favier abandonne très vite cette voie pour réaliser de petits dessins au stylo à bille qu'il découpe et fixe directement sur le mur. « Ses miniatures découpées et collées directement contre le mur sont la marque d'une détermination farouche à entrer dans un univers qui ne connaît ni d'influences, ni d'équivalences. »

Robert Smithson Nils Udo

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Joseph Kosuth

- LE COLLAGE : Ses minuscules personnages et objets sont souvent collés sur un autre support : le mur, une bouteille de vin, des plaques de verres, etc. Il s’agit alors d’un assemblage savant mais souvent hasardeux. Le collage rejoint alors son goût pour la collecte, l’herbier, la collection, le répertoire, la planche d’encyclopédie, etc…

- L’EMAIL A FROID : Il s’agit d’une technique d’émaillage sans passer par la cuisson. L’émaillage à froid peut être réalisé sur quasiment tous les types de surface : verre, bois, mosaïque, plâtre, etc. Il nécessite de la résine époxy (sous forme de poudre) et un durcisseur.

Les opérations plastiques définies par Daniel Lagoutte (RITA), Christian Louis (SMOG) ou Patrick Straub (SMIGT : Support, Médium, Instrument, Geste, Technique)

REPRODUIRE ISOLER TRANSFORMER ASSOCIER

Copier, doubler, calquer Photographier, refaire Répéter, multiplier

priver du contexte, supprimer, cacher, cadrer, extraire, privilégier par rapport au contexte, montrer, différencier, enfermer, entourer, emballer, dissimuler, révéler, voiler, dévoiler

Dissocier, effacer, supprimer, fragmenter, ajouter, combiner, inverser, déformer, raccourcir, allonger, compresser, expanser, changer d'échelle montrer, suggérer, exagérer changer de technique (outils, supports, couleurs, formats)

Rapprocher, juxtaposer, superposer, alterner, relier opposer, assembler, rassembler, imbriquer, entasser, empiler, accumuler, collectionner

SUPPORTS MEDIUMS

papier : A5, A4, A3 … différentes tailles, nappe papier, papier journal, papier fabriqué, catalogues, papier kraft (marron et de couleurs…), cartons petits ou grands, bois de récupérations, cagettes, les murs, le sol (pré, cours, la rue, land art) plexiglas, linoléum pas de support pour des mobiles suspendus (air qui nous entoure),

Gouaches, encres, encres ou encres fabriquées à partir de plantes, terres, aquarelles, crayons graphites, crayons de couleurs, crayons aquarelles, fusains/ charbon, pastels secs, craies de trottoirs, pastels gras, craies à la cire, craies de trottoir, encre de chine, encres de couleur, brou de noix, terres broyées…

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OUTILS GESTES

Les doigts, la main, les pieds, les éponges (coupées en 2, 4, 6…selon taille), les pinceaux ronds, les brosses, les spatules, les bâtonnets de glace taillés ou non, les balayettes, les rouleaux, des bâtons, des objets de la nature, des bouchons en liège, des capsules, des couteaux à bout rond, pommes de terre pour tamponner, découpes de polystyrène

Ils sont induits par le support (la grandeur, la forme) et la consigne sous forme de verbes. on pourra dénombrer ceux-ci avec les élèves : Peindre, dessiner, tracer, accumuler, extraire, ajouter, écarter, resserrer, faire des boucles, traverser, couvrir, se promener, gribouiller, percer, couper, rythmer, alterner, …

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