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La Bâtie-Festival de Genève40e édition
2 - 17 septembre 2016
contact : Zoya AnastassovaResponsable Relations Publiques et
Lieu CentralTél direct: +41 22 908 69 56 [email protected]
La Bâtie – Festival de Genève case postale 1525 - 1211 Genève
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Tél: +41 22 908 69 50 www.batie.ch
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dossier de présentation à l’attention de la
CECCOmai 2016
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JOHN ADAMS & L’Orchestre de la Suisse Romandeavec Leila
Josefowicz
Vendredi 2 septembre à 19h
Victoria Hall
1ère suisse / Durée 100’ entracte compris
Discipline conseillée: musique
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Le programmeLes trois pièces détaillées ci-dessous seront
interprétées par les talentueux musiciens de l’OSR, dirigé par la
baguette de John Adams, grand Invité du Festival, autour duquel
gra-vite une constellation d’événements. Un événement.
Shaker Loops (1978 transcrit pour orchestre à cordes en
1983)L’origine de la pièce est un quatuor à cordes appelé
Wave-maker, qui tentait de reproduire avec une écriture
instrumen-tale les expérimentations d’Adams avec les synthétiseurs.
La pièce est un échec, mais Adams la reprend pour en faire Shaker
Loops, en inventant une écriture orchestrale à base de boucles et
d’ondes, proche de la musique de phase de Steve Reich ou de In C de
Terry Riley. Shaker Loops a été créé le 8 décembre 1978 au Hellman
Hall de San Francisco par le New Music Ensemble of the San
Francisco Conserva-tory sous la direction de John Adams. Shaker
loops a béné-ficié d’une bonne exposition grâce à l’utilisation de
Shaking and Trembling dans le film Barfly de Barbet Schroeder.
Short Ride In A Fast Machine (1986)John Adams a terminé Short
Ride In A Fast Machine en 1986. Il décrit la pièce comme une «
fanfare pour orchestre ». Ce travail est un exemple emblématique du
style post-minima-liste d’Adams, qui est utilisé dans d’autres
œuvres comme Phrygian Gates, Shaker Loops et Nixon in China. Ce
style découle du minimalisme tel que défini par les œuvres de Steve
Reich, Terry Riley et Philip Glass, bien qu’il procède à « faire
usage de techniques minimalistes dans les milieux les plus
dramatiques ».
Scheherazade.2 (2014)En utilisant une terminologie empruntée à
Berlioz, John Adams décrit son Scheherazade.2 comme une « symphonie
dramatique » (« violon concerto » aurait été tout aussi bien). Il
décrit cette pièce comme l’histoire d’une femme luttant pour sa
vie. Il s’est inspiré d’innombrables cas choquants dans les
nouvelles en provenance d’Afghanistan, du Moyen-Orient et même
d’Amérique.
John AdamsCompositeur et chef d’orchestre américain né le 1er
janvier 1947. Issu d’un milieu mu-sical, John Adams étudie la
clarinette et joue dans des fanfares avant de poursuivre sa
formation en direction d’orchestre et en composition à l’Université
d’Harvard (1965-1971). Il se consacre ensuite à l’enseigne-ment et
la direction au Conservatoire de musique de San Francisco, ainsi
qu’à la composition, pour tout type d’effectif: mu-sique de
chambre, orchestrale, vocale et électroacoustique.Ses premières
œuvres s’apparentent aux musiques répétitives (Phrygian Gates pour
piano, 1977 ; Shaker Loops pour septuor à cordes, 1978). Le
compositeur exploite un thématisme et une harmonie issus du
post-romantisme, l’énergie du jazz et du rock ainsi que les rythmes
des musiques traditionnelles, synthétisant ainsi les mu-siques
savantes et populaires, écrites et orales. Ses opéras sont le fruit
de collabo-rations avec Alice Goodman (Nixon in Chi-na, 1987; The
Death of Klinghoffer, 2011) ou encore Peter Sellars (I Was Looking
at the Ceiling and Then I Saw the Sky, 1995 ; Doctor Atomic, 2005 ;
A Flowering Tree, 2006). En 2003, le Prix Pulitzer lui est dé-cerné
pour On the Transmigration of Souls, œuvre commémorant les
événements du 11 septembre 2001. Invité et joué partout dans le
monde, John Adams a reçu un doc-torat d’honneur des Universités de
Cam-bridge (2003) et Harvard (2012).
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STEFAN KAEGI & LE BALRimini ProtokollRemote Libellules
Du samedi 3 au samedi 17 septembrePossibilité d’organiser des
séances scolaires (max 50 élèves par séance)
Audiowalk entre Vernier et Genève
Création 2013 / Dès 13 ans / Durée entre 1h30 et 2h
Disciplines conseillées: sociologie, géographie
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La performance
Les douces voix d’un GPS sont devenues aussi familières que les
timbres robotisés qui, dans les gares ou au télé-phone, annoncent
l’arrivée du train ou la déviation vers notre prochain
interlocuteur. Cette aide omniprésente et artificielle fait le cœur
du spectacle de Stefan Kaegi, ancien journaliste reconverti dans le
théâtre documentaire et la performance insolite.
Conçu in situ, Remote Libellules propose ainsi une excur-sion
dans la ville - de part et d’autre du quartier des Libel-lules,
entre Genève et Vernier -, que 50 personnes vont effectuer munies
d’un lecteur MP3 et d’un casque leur indi-quant où aller, que
regarder, comment se comporter. Douce et féminine, la voix avertira
tôt le voyageur pédestre qu’elle est « artificielle, sans visage,
sans yeux, sans bouche et sans lèvres ». Elle le guidera au gré
d’un parcours en dehors des centres d’intérêt traditionnels,
faisant de « la horde » un objet de curiosité pour les passants.
Seul mais en bande, puis en sous-groupes, le badaud interagit aussi
bien avec ses semblables qu’avec l’environnement urbain, sous les
di-rectives de « la voix », parfois cajoleuse, parfois impérieuse
ou angoissante.Présentée avec succès dans des décors urbains aussi
di-vers qu’Avignon, Berlin, São Paulo, Bangalore ou
Saint-Pé-tersbourg, cette expérience volontaire de notre
conditionne-ment quotidien se présente comme un bijou
d’intelligence à la fois réflexif, critique et ludique.
Stefan Kaegi
Né à Soleure en Suisse, Stefan Kaegi suit des études d’art à
Zurich puis de sciences théâtrales appliquées à Giessen en
Alle-magne. Il réalise des pièces de théâtre do-cumentaire, des
pièces radiophoniques et des mises en scène dans l’espace urbain
sous les formes les plus diverses. Dans ses productions, il donne
la parole à ce qu’il appelle des « experts du quotidien ». Avec
Helgard Haug et Daniel Wetzel, Ste-fan Kaegi fonde le collectif
Rimini Proto-koll. Ensemble, ils rompent avec la réalité ressentie
et tentent de la dépeindre sous toutes ses facettes à partir de
perspectives inattendues. Stefan Kaegi a reçu le prestigieux Anneau
Reinhart (grand prix suisse de théâtre) en 2015.
Le BALDepuis 2008, des créateurs mènent le BAL (Biennale des
arts contemporains) aux Li-bellules, un quartier précarisé de la
com-mune de Vernier en cours de transforma-tion qui compte 500
logements et près de 1200 personnes, avec les records de chô-mage
du canton. Pour ses initiateurs-trices, ce projet vise à lier
étroitement création ar-tistique et vie quotidienne des
habitant-e-s. L’idée, avec ce projet en collaboration avec La
Bâtie-Festival de Genève, est de per-mettre de croiser les publics
- festivaliers et habitants des Libellules - et ainsi créer, grâce
à un spectacle, une mixité sociale.
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GUILHERME BOTELHOCompagnie Alias
Islands
Lundi 5 septembre à 20hThéâtre Forum Meyrin
Création 2016 / Dès 12 ans / Durée 1h
Disciplines conseillées: sport, philosophie
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Le spectacle
Est-il possible de partager ce qui nous est le plus intime ? Cet
intime si profond, dont l’origine nous est inconnue, sur lequel
nous n’avons ni contrôle ni pouvoir. Comment parta-ger ce qui est
si difficilement communicable, si personnel et privé ? Quel langage
peut nous relier à ce monde intangible si intime à autrui ?Etre
avec l’autre, c’est en substance s’identifier à lui, ce qui me
conduit à vouloir comprendre et explorer ce lien qui nous rattache
à autrui. Un lien qui précède les mots, la pensée qui prend vie
dans notre inconscient, dans l’inconnu au creux de notre part
d’ombre. Là, se trouve le point de départ de ma recherche
chorégraphique, le cœur de la pièce.
Une étude chorégraphique sur l’espace d’une ligne. Une longue
colonne vertébrale vivante et autonome, telle une structure qui est
un canal de communication intuitif entre ses composants. Chaque
mouvement et intention peuvent être anticipés par chacun d’entre
eux et se répercutent sur leurs semblables dans une pluralité de
sens, avec des allers-re-tours, des doubles sens et des changements
de direction.L’un des personnages est éclairé et visible, comme la
pointe d’un iceberg. Avec une suite de reflets qui disparaissent
dans la pénombre, on y devine les autres à travers leurs résonances
qui arrivent sur lui. Tous sont interdépendants et appartiennent à
une même lignée, leurs mouvements sont libres et décidés. L’on
expérimente et éprouve la force d’être ensemble avec la contrainte
et la limitation que cette struc-ture impose : la puissance par les
limites.
Guilherme Botelho
Guilherme Botelho
Originaire de São Paulo, Guilherme Bo-telho tombe en amour avec
la danse à 14 ans en voyant un spectacle d’Oscar Araiz. Cinq ans
plus tard, il rejoint le chorégraphe argentin au Ballet du Grand
Théâtre de Ge-nève. Il y dansera 10 ans avant de fonder sa
compagnie, Alias, en 1994, où il traite de grands thèmes de la
condition humaine dans des chorégraphies théâtrales : quête éperdue
de l’amour dans En manque, sa première création, violence
conjugale, masques des apparences, manipulations génétiques dans
Frankenstein, etc. La no-tion de destin est présente dans son œuvre
par la voie de l’accident et de choses qui tombent du ciel : eau,
papier, lumière, plaques de plâtre, etc. Ses décors sont souvent
impressionnants, comme cette ca-bane à la dérive sur la vague
immobile de Vaguement derrière.Fin 2014, la compagnie Alias a
célébré son 20e anniversaire par la production de plusieurs
événements et notamment avec la création d’ANTES, une pièce pour 12
danseurs qui clôt la trilogie Distância (Sideways Rain,
Jetuilnousvousils).
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CHRISTIAN RIZZOI.C.I - CCN de Montpellier
Langudoc-Roussillon
le syndrome ian
Mardi 6 septembre à 20h30Château Rouge/AnnemasseNavettes
gratuites à disposition
Création 2016 / Dès 12 ans / Durée 1h
Disciplines conseillées: sport, musique
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Le spectacle
Continuant l’exploration des pratiques de danses anonymes
confrontées à la notion d¹auteur, le syndrome ian se place sur le
terrain du clubbing et de la nuit.
1979. Alors que la planète vibre sous le son du disco et de ses
adeptes d¹une danse ondulatoire et lanscinante, l¹An-gleterre offre
une musique sombre et poétique rythmée par des corps électriques,
angulaires et saccadés. Difficile de faire un choix clanique précis
alors que la musique électro-nique balbutiante appelait à un
rassemblement pop !
Certains clubs, aux influences croisées, permettaient pour-tant
ce metissage. C’est à ce corps aux influences para-doxales que je
voudrais me confronter. Comment ces deux systèmes physiques de
représentation s’incarnent dans un même mouvement, une écriture
singulière ? Décontextuali-sant ces pratiques de danse pour n’en
garder que le maté-riau abstrait, le syndrome ian réunira onze
danseurs dans une vibration commune où le silence se distribuera
entre physicalité des sub-bass et plaintes mélodiques, en écho à la
poésie de Ian Curtis. Répétitifs tous les deux, les mo-tifs
factuels de cette époque ont construit un imaginaire de corps qui
est encore aujourd’hui à l’œuvre avec ses altéra-tions.
Christian Rizzo, Note d’intention
Christian Rizzo
Né en 1965 à Cannes, Christian Rizzo fait ses débuts artistiques
à Toulouse où il monte un groupe de rock et crée une marque de
vêtements, avant de se former aux arts plastiques à la villa Arson
à Nice et de bifurquer vers la danse de façon inat-tendue. Dans les
années 1990, il est inter-prète auprès de nombreux chorégraphes
contemporains, signant aussi parfois des bandes son ou la création
des costumes. En 1996, il fonde l’association fragile et présente
performances, objets dansants et des pièces solos ou de groupes en
alter-nance avec d’autres projets ou commandes pour la mode et les
arts plastiques.
Au 1er janvier 2015, Christian Rizzo prend la direction du
Centre chorégraphique natio-nal de Montpellier
Languedoc-Roussillon. Pour le ccnmlr nommé maintenant I.C.I, il
propose une vision transversale de la créa-tion, de la formation,
de l’éducation artis-tique et de l’ouverture aux publics. Prenant
support sur les pratiques et les territoires, le projet est avant
tout un espace prospec-tif qui prend à bras le corps, l’invitation
d’ar-tistes, l’écriture du geste chorégraphique et les
manifestations de son partage.
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THOMAS HAUERTCompagnie ZOO
Inaudible
Mercredi 7 à 19h et jeudi 8 septembre à 17hSalle des Eaux-Vives
Création 2016 / Tout public / Durée 1h05
Disciplines conseillées: musique, arts plastiques
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Le spectacle
Avec sa nouvelle pièce de groupe pour six danseurs, Tho-mas
Hauert a pris comme point de départ la question de
l’in-terprétation : l’interprétation comme mode d’exécution d’une
pièce, d’un texte, d’une partition : celle de l’artiste. Mais
aus-si l’interprétation comme sens donné à un signe, un son, un
geste : celle du spectateur.
En somme, les deux formes d’interprétation qui se ren-contrent
pour donner naissance à l’expérience artistique. Thomas Hauert
confronte également sur scène l’interpréta-tion musicale à
l’interprétation chorégraphique. Il utilise des morceaux musicaux
existants qu’il met en relation étroite avec des interprétations
chorégraphiques, danses écrites ou improvisations structurées, en
lien avec la musique.
Dans cette nouvelle création, Thomas Hauert et ses cinq acolytes
triturent la notion d’interprétation et font de la mu-sique le
moteur de la danse. Avec le Concerto en fa de Gershwin, c’est la
physicalité de la mélodie même qui en-vahit les corps, tandis que
l’œuvre choisie du contemporain Mauro Lanza s’infiltre plus
sensuellement dans les gestes. Et toujours avec le chorégraphe
suisse de Bruxelles, l’im-provisation est au cœur de la pièce : la
prouesse des inter-prètes tient à une intégration de partitions de
mouvements rigoureusement définis, qu’ils déroulent ensuite sur le
pla-teau, intuitivement. Colorée, technique et virtuose, cette
nouvelle création nous en met plein les mirettes, et en mu-sique
s’il vous plaît.
Thomas Hauert
Chorégraphe suisse installé à Bruxelles, Thomas Hauert est un
penseur du mou-vement. Après avoir travaillé avec Anne Teresa de
Keersmaeker, Gonnie Heggen, David Zambrano et Pierre Droulers, il
fonde en 1998 sa compagnie ZOO. Il crée une quinzaine de spectacles
dont Cows in Space (1998), Jetzt (2000), Modify (2004), Accords
(2008) et MONO (2013).
Basée sur le postulat que la danse peut parler directement au
corps des specta-teurs, sa recherche fait de l’anatomie hu-maine la
base de son travail et s’affranchit des formes habituelles de
mouvement.
Vitesse, luminosité, musique, tension, relâchement, rotation et
gravité sont au-tant de paramètres et de contraintes qui guident
ses investigations dans l’espace et l’aident à répondre à ce pari
impossible : créer une pièce qui a une structure, tout en étant
improvisée. Surgissent ainsi des chorégraphies organiques, fluides
et rigou-reuses, chaotiques et harmonieuses, dans lesquelles
l’unisson et la force du collectif s’expriment avec fulgurance.
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DIMITRI DE PERROTZimmermann & De Perrot
MYOUSIC
Vendredi 9 septembre à 21hThéâtre du GrütliCréation 2016 / Dès
12 ans / Durée 1h20
Discipline conseillée: musique
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Le spectacle
Imaginez, vous allez à un concert et vous n’entendez ni ne voyez
rien – bien que la représentation ait déjà commencé. Imaginez que
ce concert n‘est d‘abord qu‘un fond sonore, qui joue avec le rien,
qui célèbre le petit moment de pause avant l‘ouverture, qui savoure
la tension avant l‘explosion.Et qui joue avec vous, avec vos
exigeances et vos réac-tions. Vous êtes un composant élémentaire de
la soirée. Vous agissez en faiseur de son, en instrument, en caisse
de résonance. Vous êtes interprète et auditeur. Et tout à coup vous
remarquerez que votre siège frémit, que vous entrez en pulsion et
commencez à vibrer avec tout ce qui vous en-toure. Et soudain vous
pouvez voir des sons, même vos pen-sées deviennent consonance. Dans
ce but, l’artiste sonore et metteur en scène Dimitri de Perrot
place dans Myousic le batteur bernois Julian Sartorius sur scène.
Myousic vous donne accès à de nouveaux univers sonores, vous
emporte à travers toute la salle porté par ses histoires
accoustiques et vous enmène avec sound et groove au delà du foyer,
vers la ville et le monde.
Myousic est la nouvelle pièce de Dimitri de Perrot (Zimmer-mann
& de Perrot), une ode à son obsession de toujours : l’échange
entre émetteur et récepteur, le jeu avec les dif-férents espaces
sonores, le dialogue sans parole avec le public, il veut rendre
audibles les sentiments et les pensées, sans les nommer.
Imaginez, renvoyé à vous-même vous devenez un concert.Imaginez,
vous êtes la musique.
Dimitri de Perrot
Dimitri de Perrot est né en 1976 à Neuchâ-tel en Suisse. Il fait
son baccalauréat au gymnase artistique de Zurich puis se forme en
autodidacte : de DJ de soirée en musi-cien et compositeur.
A partir de 1998, il se tourne vers le théâtre et démarre son
travail de metteur en scène et scénographe. Commence alors sa
colla-boration avec le chorégraphe et metteur en scène Martin
Zimmermann. Les deux artistes créent les pièces Gopf (Blauer Saal
Zurich, 1999), Hoi (Théâtre Vidy-Lausanne, 2001) et Janei (La Ferme
du Buisson, Marne-la-Vallée, 2004) avec le collectif MZdP, Anatomie
Anomalie (La Ferme du Buisson, Marne-la-Vallée, 2005).
En tant que Zimmermann & de Perrot ils mettent en scène Gaff
Aff (Théâtre Vidy-Lausanne, 2006), Öper Öpis (Théâtre
Vidy-Lausanne, 2008), Chouf Ouchouf (Palais Moulad Haafid Tanger,
2009, inter-prété par le Groupe acrobatique de Tanger) et Hans was
Heiri (Théâtre Vidy-Lausanne, 2012).
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LAURENCE YADI, NICOLAS CANTILLONCompagnie 7273
Shooting Stars
Vendredi 9 et lundi 12 septembre à 19hSalle du Lignon /
VernierCréation 2016 / Tout public / Durée 1h
Disciplines conseillées: musique, sport
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Le spectacle
Une pièce contemporaine, une écriture ornementale, une
chorégraphie inspirée par l’univers céleste. L’histoire de quatre
étoiles filantes, chacune fine poussière cosmique vaporisée
entièrement avant d’atteindre le sol, et qui se ré-vèlent
profondes, intenses, insaisissables.
Pour cette création, Laurence Yadi et Nicolas Cantillon
en-filent le masque de chorégraphes. Les quatre interprètes de
Shooting Stars sont des étoiles formées au multi styles Fuittfuitt.
Leurs mouvements se déroulent sur l’implacable sonorité subtilement
contrastée et exécutée par le maître du genre, Sir Richard Bishop.
Réputé pour son insolence avec son groupe mythique les Sun City
Girls, Sir Richard Bishop créera pour Shooting Stars une galaxie
aux contours ethno surf.
Cette nouvelle création est un shoot d’exaltation. C’est
l’his-toire d’une danse jubilatoire, sensuelle. C’est aussi un
véri-table exposé sur la meilleure façon de rendre une danse
dé-sirable et chic. Les danseuses vont présenter une collection de
mouvements devant un cyclorama étoilé qui représente le cœur de la
nébuleuse, dans un décor de conquête spa-tiale.
Poursuivant leur travail inspiré du Moyen-Orient, mêlant
construction et déconstruction de mouvements ornemen-taux,
combinant mouvements surfés et allures délicatement somptueuses,
Laurence Yadi et Nicolas Cantillon imaginent un ensemble de pas
enchaînés hautement contemporain et doté d’une signature bien
distincte.
Laurence Yadi, Nicolas Cantillon
Depuis la création de la Compagnie 7273 (2003), Laurence Yadi et
Nicolas Cantillon développent un style de danse invitant le corps à
se dérouler continuellement, sans fin.Leur démarche s’inspire des
maqâms propres à la musique arabe. Déjouant le système tonal
occidental, ces quarts de ton permettent de jouer entre les notes
et donnent une grande liberté de jeu à l’inter-prète. Nommé multi
styles FuittFuitt par les chorégraphes, le transfert de cette
tech-nique au corps leur permet de tisser les mouvements entre eux
dans une danse ondoyante, spiralée et hypnotique.
Au fil de leur carrière, Laurence Yadi et Nicolas Cantillon ont
créé une vingtaine d’œuvres, allant d’une pièce interprétée dans le
silence au concert dansé ; du duo à la pièce de groupe. Celles-ci
ont fait l’ob-jet de tournées internationales. Les choré-graphes
donnent régulièrement des ses-sions de formation en Suisse et à
l’étranger. Ils sont également invités à transmettre le multi
styles FuittFuitt à de jeunes danseurs en cours de formation
professionnelle.
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SALIA SANOUCompagnie Mouvements perpétuels
Du Désir d’horizons
Mardi 13 & mercredi 14 septembre à 20h30Esplanade du
Lac/Divonne-les-BainsNavettes gratuites à disposition
Création 2016 / Tout public / Durée 1h
Disciplines conseillées: histoire, géographie, sociologie
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Le spectacle
Depuis l’automne 2014, je conduis des ateliers dans le camp de
Sag-Nioniogo au Burkina Faso dans le cadre du programme « Refugees
on the Move », conduit par African Artists for Development (AAD) ;
c’est un des trois camps au Burkina qui rassemblent plus de 35’000
réfugiés Maliens qui ont fui la guerre. Plusieurs danseurs
m’accompagnent dans le projet, mais aussi des musiciens et un
photographe cameraman.Il est des expériences humaines, des images,
des mots qui offrent des espaces de liberté à l’imagination et à la
pensée. Aussi, en parallèle des ateliers, je prépare la création de
Du désir d’horizons, une pièce chorégraphique pour neuf
inter-prètes. Il y sera question de l’exil et des frontières,
thèmes de prédilection que je revendique d’une création à
l’autre.Je souhaite proposer sur le plateau une forme où le sens et
l’essence même du corps viendront témoigner d’un état du monde.
Sans illustrer ce que peut être une situation d’iso-lement, d’exil
ou de déplacement, il s’agira de chercher un sens artistique
articulé sur le travail de corps d’hommes et de femmes réapprenant
à vivre dans des espaces d’enfer-mement.
Pour Du désir d’horizons, je vais travailler avec des dan-seurs,
une récitante et des personnes issues des camps. Nourri d’états de
corps tels que l’attente, la tension, la len-teur, mais aussi
l’énergie, la vitalité, je souhaite explorer les mémoires
individuelles et collectives des tragédies contem-poraines. Au-delà
du propos grave qui est la question de l’exil, des frontières et
des déplacements, il s’agira d’inter-roger la dimension d’exil
intérieur que chacun porte en soi, comme une parcelle inaltérable
de force, de lutte, de désir.
Salia Sanou, Note d’intention
Salia Sanou
Salia Sanou, d’abord formé au théâtre et à la danse africaine,
intègre en 1993 la com-pagnie Mathilde Monnier au Centre
choré-graphique national de Montpellier. Il y ren-contre Seydou
Boro avec lequel il fonde la compagnie Salia nï Seydou en 1995 et
crée plusieurs pièces dont Taagalà, le voyageur et Poussières de
sang. Ensemble, ils di-rigent la biennale Dialogues de Corps à
Ouagadougou et sont directeurs du Centre de Développement
Chorégraphique La Termitière de Ouagadougou, le premier du genre en
Afrique.
En 2011, Salia Sanou fonde la compagnie Mouvements Perpétuels et
crée, seul, Au-delà des frontières en 2012 et derniè-rement
Doubaley, le miroir avec la musi-cienne japonaise Takumi Fukushima.
Il crée en 2014 Clameur des arènes qui ren-contre un vif succès
auprès des critiques et du public.
De nombreux prix jalonnent son parcours et saluent son
implication pour le dévelop-pement de la danse dans le monde.
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MIET WARLOPIrene Wool vzw
Fruits of Labor
Jeudi 15 et vendredi 16 septembre à 19hSalle des Eaux-Vives
Création 2016 / Dès 14 ans / Durée 50 min.
Disciplines conseillées: musique, physique
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Le spectacle
Fruits of Labor est né d’une idée qui est apparue au cours du
spectacle précédent, Dragging the bone : la plus vieille blague du
monde est comme une pierre qui renferme le tout premier éclat de
rire sur terre. Ce rire est l’énergie intangible et immatérielle
qui nous unit tous – transcendant les géné-rations et religions.
C’est l’expérience du temps activé, un passé qui résonne jusque
dans le présent.Fruits of Labor évolue autour d’une batterie dont
la rythmique domine la bande son et finit par toucher tout le
monde. Les sons et les images créent des paysages grâce à des
pulsa-tions et des motifs variés. De nombreux coups retentissent à
contretemps, tandis que des scènes défilent et défient leurs
limitations physiques.
Le spectacle traite de physique, des lois de la gravitation qui
influencent nos vies et des différentes manières dont nous
recherchons l’équilibre qui nous permettrait de devenir de
meilleurs êtres humains.Au cœur de la scène se trouve un mobile,
une sculpture en mouvement. Il n’est pas « monumental » en raison
de sa taille, mais à cause de son ambition d’engouffrer chaque
objet qui entre sur scène. Ce n’est qu’à la fin du spectacle que la
colossale construction trouve son équilibre, tandis que des objets
défient les lois de la gravitation et que les interprètes se
transforment en costumes, en accessoires ou en sculptures.Trois
interprètes et deux musiciens partagent l’immédiat de l’expérience
avec les spectateurs.
Miet Warlop
Miet Warlop
Miet Warlop, artiste visuelle belge, a créé la scénographie de
nombreux spectacles. En 2006 et 2007, sous le titre Grote
Hoop/Berg, elle continue d’explorer des formes au croisement des
arts visuels et de la scène : Proposition 1 : Reanimation,
Pro-position 2 : Reconstruction et Proposition 3: Play the Life.
Puis, elle crée Springville en 2009, un mouvement de 50 minutes,
tout en chaos, en expectative et en surprise, nommé au Festival de
Théâtre néerlando-flamand de 2010. En 2012, elle crée Mystery
Magnet qui a remporté le prix 2014 du Stückemarkt (Ber-lin). Depuis
peu, Miet Warlop est retourné à Bruxelles où elle à créée sa propre
or-ganisation : VZW Irene Wool. En 2014, elle créée son premier
solo, Dragging the bone, mêlant installations et sculptures.
