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Les origines de la musique blues

Les origines du blues, comme celles du gospel, se retrouveraient dans les chants et les manifestations musicales typiques des esclaves noirs déportés du continent africain vers l’Amérique du Nord, soit les spirituals et des hollers (des appels brefs lancés par un meneur et repris en réponse par d’autres esclaves). Ainsi, le langage blues serait basé sur ce système de question-réponse chanté – il aurait été transposé en musique en quelque sorte – que sont les hollers et les field-hollers. Le blues serait donc né dans les terres sudistes des États-Unis, dans le Delta du Mississippi, vers la fin du XIXe siècle – voilà un genre de musique qui accompagne depuis longtemps l'histoire du peuple noir américain.

Cependant, comme mentionné plus haut, les origines exactes de la musique blues sont plutôt mal connues, et il n'est d'ailleurs pas si difficile de comprendre pourquoi. Comme toutes les formes populaires de musique issues d'une culture orale, la tradition du blues a pendant une longue période été mal documentée; ce n’est que durant les années 20 qu’ont été produits les premiers enregistrements d'artistes dits blues. Par ailleurs, la naissance du blues correspondrait à l’éclosion des désillusions de la population noire après l’abolition de l’esclavage ainsi qu’aux errances et mouvements de ce peuple pour quitter le sud vers les régions industrialisées des États-Unis. À partir de l’année 1912 et de la publication des premières partitions de compositions portant l'appellation de blues, le style musical s’est trouvé formalisé rapidement. Les blues enregistrés par des chanteuses dites classiques (comme Ma Rainey, Bessie Smith et Billy Holiday) n’ont que confirmé cette formalisation. En outre, le ragtime, largement accessible grâce à la partition et très populaire à la fin du siècle dernier, aura joué un rôle d'importance en familiarisant le public avec la syncope rythmique qui à son tour a été utilisée par les compositeurs classiques (par exemple Debussy et Ravel) ainsi que par ceux de Broadway (Berlin, Gershwin).

L’évolution de la musique blues Au début du XXe siècle, après l'abolition de l'esclavage, bon nombre de Noirs d’Amérique ont quitté le sud des É.-U. pour le Nord industriel afin de se libérer du joug de leurs anciens maitres et trouver un travail dans l’une des grandes industries américaines. Des propriétaires auront alors essayé d'enrayer cette migration, mais celle-ci a redémarré au début de la Première Guerre mondiale. Ainsi, durant la période allant de 1916 à 1940, près de 2 millions de Noirs seront passés au Nord dans l'espoir de se faire embaucher par les industries. Pendant ces années auront augmenté notablement les populations des villes américaines de New York, Détroit, Chicago, Philadelphie, Boston, Pittsburg et Cincinnati.

La majorité des Noirs se sont retrouvés à Détroit. Cette ville – dont l'économie reposait sur l'industrie de l’automobile avec la présence de Ford – a accueilli un nombre important de Noirs jusque dans les années 20. C’est dans le ghetto Black Bottom, sur la rue Hasting, que beaucoup de bluesmen ont eu leur premier contact avec le public. Cette migration vers le Nord américain a changé le blues. À un moment donné, ce dernier est devenu moins l’expression du groupe que celle de l’individu; l’influence de la situation géographique a également été importante. Et alors que jouer à la campagne dans une grange ou un juke-joint ne nécessitait pas d'amplification, les musiciens urbains ont dû, à un moment donné, pour se faire entendre, abandonner la guitare acoustique. C’est pourquoi, en ce temps, le blues se jouait au piano; puis, à partir des années 30 et 40, on s’est mis à utiliser les guitare électrique et

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années 30 et 40, on s’est mis à utiliser les guitare électrique et microphone. Durant cette période, le bluesman traditionnel – et seul sur scène – s’est mis à former des groupes. Ceux-ci étaient composés, le plus souvent, d'un pianiste, de guitaristes et d'un batteur. Le blues urbain, et plus particulièrement le Chicago blues, est né de cette manière. Par la suite, les blueswomen et bluesmen des villes auront quitté les bars pour se produire dans des salles, les théâtres, et les compagnies de disques ont commencé à les enregistrer. Voici les grandes chanteuses et grands interprètes de blues de

l’époque qui mène à la Seconde Guerre mondiale : Mamie Smith, Ma Rainey (la mère du blues), Bessie Smith, Victoria Spivey; et, chez les hommes, Big Bill Broonzy, Sonny Boy Williamson, Blind Lemon Jefferson, Leadbelly, Lightnin’ Hopkins, Lonnie Johnson, Charlie Patton, Robert Johnson, Skip James et Blind Blake. Au début des années 50, le blues s’est recentré à Chicago avec l’arrivée de nombreux musiciens bluesmen du Mississipi : Howlin' Wolf, Jimmy Reed, Muddy Waters, Willie Dixon et Buddy Guy. C’était l’époque de l’électrification des guitares, un style dans lequel a excellé B.B. King. Durant cette période se sont illustrés les grands T-Bone Walker, Michael Walton et John Lee Hooker. Dans les années 60, le blues s’est surtout développé en Angleterre, avec les Rolling Stones, les Yarbirds, John Mayall, etc. Ces musiciens auront influencé la scène blues-rock américaine des années 70. À la fin de la décennie, le style West Side blues a été créé à Chicago par des artistes comme Magic Sam, Junior Wells, Earl Hooker et Otis Rush. Le West Side blues de Magic Sam, Otis Rush, Buddy Guy et Luther Allison était caractérisé par une guitare électrique sur-amplifiée. À l’époque, aux États-Unis, les bluesmen guitaristes et chanteurs B.B. King, John Lee Hooker et Muddy Waters inspiraient une nouvelle génération de musiciens, par exemple le New-Yorkais Taj Mahal. L'ère des Civil Rights a causé une croissance de l'auditoire du blues traditionnel, et des festivals comme le Newport Folk Festival ont eu à leur programme des prestations de grands bluesmen (p. ex. Son House, Mississippi John Hurt, Skip James, Big Joe Williams ou le Reverend Gary Davis). Des artistes américains comme Janis Joplin, Bob Dylan ou Jimi Hendrix, tous influencés à la fois par le blues traditionnel et le blues électrique, ont fait découvrir cette musique au jeune public de l'époque. L'interprétation que les artistes des sixties ont donnée à la musique blues a eu plus tard une très forte influence sur le développement de la musique rock. Pendant les années 80 et jusqu'à nos jours, le blues — tant traditionnel que contemporain — a continué d'évoluer par le travail d’artistes tels que Robert Cray, Bonnie Raitt, Taj Mahal, Ry Cooder, Albert Collins, Jessie Mae Hemphill, R. L. Burnside, Junior Kimbrough, Kim Wilson, James Harman (et ses deux guitaristes Hollywood Fats Mann et David Kid Ramos), Ali Farka Touré et bien d'autres. C’est aussi dans les années 80 que le style du Texas blues a été créé. Celui-ci se caractérise par l’utilisation simultanée des guitares solo et d'accompagnement. Le Texas blues a été fortement influencé par le blues-rock d'Angleterre. Voici des artistes importants du style Texas blues : Stevie Ray Vaughan (SRV), The Fabulous Thunderbirds et ZZ Top. À la même époque, John Lee Hooker a retrouvé sa popularité, grâce à ses collaborations avec Carlos Santana (parution de l’album The Healer), Miles Davis, Robert Cray et Bonnie Raitt.

Pendant les années 80 et 90, des blues scenes ont été créées partout aux États-Unis, au Canada ainsi qu’en Europe. Ces scènes musicales comprenaient, entre autres, des magazines de blues (par exemple Living Blues et Blues Revue), des festivals de blues et des clubs où est joué ce genre de musique. Loin d'être devenue ringarde, la musique blues est encore d'actualité : elle est toujours vivante et a encore de beaux jours devant elle... En fait, le blues évolue toujours, sous la créativité de nombreux musiciens talentueux, pour le plus grand plaisir des mélomanes et mordus de musique blues!

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Définition du blues – mais qu’est-ce que le blues e xactement? La signification de blues Le mot anglais blue est associé à la mélancolie ou la dépression depuis l’ère élisabéthaine, mais la personne qui aurait inventé le mot blues au sens où nous le connaissons aujourd’hui serait l’auteur américain Washington Irving, en 1807.

L’essence du blues Au départ, le blues évoquait en fait un cri du cœur. Les individus qui ont inventé le blues chantaient des airs imprégnés de rudes sentiments, de peines et de souffrances. Ils s'accompagnaient d'une guitare et, parfois, d’un harmonica. À un moment donné, des bluesmen guitaristes auront commencé à glisser un bout de métal sur les cordes de leur instrument… Et c’est comme cela qu’a été inventée la slide guitar.

Plus parole que musique, malgré une structure harmonique définie, le blues serait « une chronique autobiographique et poétique qui, toujours entre humour et mélancolie, métaphore et lucidité, inscrit dans l'universel la joie et le malheur, l'espoir et la souffrance d'un groupe d'individus, et lui donne statut. » (encyclopédie Universalis)

Le fondement théorique du blues La gamme pentatonique est certainement ce qui représente le fondement théorique du blues. Saviez-vous que cette gamme n’est pas nécessairement typique du continent africain ou de tout autre continent en particulier? En fait, elle est nettement répandue; celle-ci se retrouve par exemple dans les folklores populaires européens – la gamme est présente de l'Andalousie au croissant celte (formé de l’Écosse, de l’Irlande, de la Bretagne). La gamme pentatonique été introduite en Amérique par l’arrivée des colons espagnols, par celle des immigrés des îles britanniques, mais aussi par ces Africains asservis, victimes de déculturation. Note : Les caractéristiques les plus spécifiquement africaines de la musique blues sont donc sans aucun doute le feeling et le groove, ces dimensions émotionnelles et gestuelles de la musique, mal qualifiables, mais immédiatement perceptibles dans toutes les formes d'expression musicale afro-américaines. Les structures musicales du blues D'un point de vue technique, le blues repose sur 3 éléments en particulier, les suivants : Un rythme souvent ternaire syncopé; L'harmonie en I-IV-V (les notes tonales de la tonalité, connues depuis les anciens Grecs); Une mélodie qui utilise la gamme blues et les notes bleues. Le blues se caractérise souvent – mais pas toujours – par une humeur teintée de quelque langueur ou d’une certaine mélancolie.

Le rythme en blues Le blues repose sur un rythme ternaire syncopé. Chaque temps est donc découpé en 3 croches dont on ne marque que la 1re et la 3e. Si le rythme peut être plus ou moins rapide, la musique blues est traditionnellement jouée plutôt lentement. De plus, le terme de shuffle indique généralement un tempo moyen. Quant à la musique boogie, cela implique en général une cadence plus appuyée.

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L’harmonie en blues Initialement assez libre, la structure harmonique du blues s’est fixée progressivement pour aboutir à une forme de base articulée autour de 3 accords, généralement sur 8, 12 ou 16 mesures – la forme en douze mesure est la plus commune (on parle de 12-bar blues (blues de 12 mesures)). Ces 3 accords, désignés par les chiffres romains I-IV-V, représentent les 1er, 4e et 5e degrés (c.-à-d. tonique, sous dominant et dominant) de la gamme majeure correspondant à la tonalité du morceau. Les accords de base comportent le plus souvent la 7e (mineure). Dans des formes plus élaborées de cette musique, les musiciens blues recourent fréquemment à des accords de 9e ainsi qu'à différentes altérations. La mélodie en blues La gamme blues traditionnelle est tout simplement une gamme pentatonique mineure à laquelle on a ajouté 1 note. C'est cette dernière (la quinte diminuée) qui donne la couleur blues au morceau, d'où son nom de blue note (note bleue en français). L'autre gamme fréquemment utilisée en blues est la pentatonique majeure. Le timbre du blues Au sens large, le timbre est la couleur du son. On a coutume de dire que les chanteurs classiques essaient d'imiter les instruments, tandis que les instruments de blues essaient d'imiter la voix humaine (ou parfois celle de Donald Duck, d'un bombardier ou même d'une mitraillette…). Les bluesmen ont beaucoup exploré le timbre : ils ont notamment été les premiers, pendant les 50, à employer des amplificateurs pour la guitare ainsi que l'harmonica. Les voix fortes et graves de chanteurs comme Howlin' Wolf et Muddy Waters jouent également beaucoup sur le timbre. La technologie et les effets de mode ont un peu plus tard ajouté d'autres éléments au son de la musique blues, comme les guitares sales et saturées des Stones ou de Slowhand (Eric Clapton), ou les effets psychédéliques employés, entre autres, par ce petit prodige de Hendrix – par exemple le feedback, la distorsion style fuzz et des effets plus étranges encore, comme l'effet leslie ou UniVibe, créé d'un haut-parleur en rotation. Le vibrato en blues Le vibrato est un effet appliqué à une note de musique. Très utilisé par les musiciens de blues, cet effet consiste à provoquer une rapide variation de la hauteur de la note. Comme tous les effets de nuance, le vibrato apporte une expressivité particulière en fonction de la façon dont il est effectué : vite ou lentement, de façon fluide ou saccadée... Le vibrato est un élément essentiel au son blues, que cela soit pour les voix ou sur des instruments tels que la guitare. Les formes de blues Le blues rural Le blues rural s'adressait à la population des campagnes américaines. C'était un blues simple, joué, le plus souvent, à la guitare, avec parfois l'ajout d'un wash board ou d'un harmonica. Les textes du blues rural y décrivent, comme son nom le laisse croire, les préoccupations des Noirs des campagnes… C'était également un blues qui, étant donné qu’il n’était pas du tout écrit – même par rapport aux paroles –, permettait de longues improvisations. Certains morceaux duraient des dizaines de minutes (ce qui ne se retrouvait pas sur disque, car ceux-ci sont de durée est limitée). Cette forme de blues est très liée au blues du Delta primitif, et on le jouait avant la guerre. Après la Première Guerre est venu le renouveau du blues rural. Celui-ci est redescendu de Chicago en emportant avec lui la guitare électrique et l'amplification. Le blues rural du Sud est alors devenu plus imposant.

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Les figures les plus emblématiques du blues rural : John Lee Hooker, Elmore James et Muddy Waters. Le Delta blues La région du Delta a été le berceau du blues. En effet, c'est dans les plantations de cotons qu'est né le blues vers la fin du XIXe siècle. Les véritables pionniers du blues n'ont donc pas eu la possibilité d'enregistrer; aussi ils sont restés complètement inconnus. C’est W.C. Handy qui a été le premier à écrire des partitions de blues en transcrivant les chants de travail qu'il avait entendu. Dès les années 30, Alan Lomax a quant à lui sillonné les États du Sud américain à la recherche de musiciens qu'il a enregistrés pour le compte de la bibliothèque du Congrès. Parmi ses découvertes, il y a eu notamment Leadbelly, Blind Willie Mac Tell, Honeyboy Edwards, Son House ainsi qu’un certain Mac Kinley Morganfield (Muddy Waters!). Parmi les autres pionniers de Delta blues de cette époque qui ont eu la chance d'enregistrer leurs performances, les plus représentatifs sont les suivants : Skip James, Elmore James, Bukka White, Tommy Johnson, Tommy MacClennan, Willie Brown, Sonny Boy Williamson II et, surtout, Robert Johnson et Charley Patton – ces derniers sont aujourd'hui des légendes du blues. Par ailleurs, certains de ces pionniers bluesmen ont fini par trouver une reconnaissance nationale – et même internationale – avec la renaissance du blues ayant eu lieu dans les années 60. Le Delta blues est une musique rurale profonde et authentique. Ses textes sont souvent remplis de métaphores; elle est une forme de musique poignante et intense qui peut révéler de fortes personnalités. Contrairement à ce que plusieurs croient, le Delta blues est généralement électrique, et parfois même sur-amplifié et métallique... C'est une musique très rythmique, généralement peu sophistiquée et qui utilise un minimum d'accords (un très bon exemple est sans aucun doute le blues du Mississippien David Junior Kimbrough) avec un son très brut de fonderie (T-Model Ford, Elmo Williams).

En outre, le bottleneck était fréquemment utilisé dans le Delta blues– c'est moins vrai aujourd'hui. La guitare reste l'instrument de base dans ce style de blues rural souvent marqué par un manque de moyens... De nos jours, même s'il demeure une grande tradition familiale, il y a malheureusement peu de jeunes pour perpétuer la tradition du Delta blues. Le Chicago blues Issu de la migration vers le Nord américain après la Première Guerre mondiale, le Chicago blues était un blues électrique joué en groupe. Le meneur en était le chanteur; il était souvent guitariste, mais parfois pianiste ou harmoniciste. Celui-ci jouait, avec des sidemen, des morceaux lents ou rapides faits pour être entendus dans une salle de contenance supérieure à celle d'une grange ou d’un juke-joint du Sud, bien entendu… Cette présence sur scène de plusieurs artistes a donné au Chicago blues des tranches d'improvisation. En effet, chacun des musiciens du band avait droit à sa partie soliste – même le batteur et le bassiste! Musicalement parlant, cela a fait du Chicago blues un blues plus riche que la forme traditionnelle de ce genre de musique. En outre, les stars n’étaient plus de bons paroliers, mais des guitaristes solistes de haut niveau… De cette manière, tout en conservant des morceaux fidèles à la structure musicale du blues, les accords joués étaient plus élaborés, et certains guitaristes se rapprochaient même de ce que les jazzmen pouvaient jouer… Les grands noms du Chicago blues : Big Bill Broonzy, B.B. King, Big Joe Williams et Sonny Boy Willamson.

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Le Piedmont blues Le Piedmont est une région du Sud-Est américain qui s'étend de la Virginie à la Floride, en passant par la Caroline du Nord, la Caroline du Sud, la Géorgie et l'Est du Tennessee. Cette région vivait des plantations de tabac, contrairement aux abords du Mississipi où les fermiers cultivaient en majorité le coton. Ce qui caractérise le Piedmont blues est l'élaboration du jeu. Il est beaucoup plus perfectionné que le blues du Delta (Delta blues) ou même le Chicago blues. Techniquement, il se rapproche davantage du picking utilisé en ragtime. Le Piemond blues est un blues beaucoup plus inspiré des chants folk des Blancs; de plus, il se joue le plus souvent à la guitare et à l'harmonica. Racines du boogie et du ragtime, le Piedmont blues est une musique qui laisse entendre à la guitare ce que le piano joue habituellement. Parmi les artistes les plus connus qui représentent ce style de musique blues l’on a : Sonny Terry et Brownie McGhee, le Reverend Gary Davis, Big Bill Broonzy, Blind Willie McTell et Buddy Moss. D’autres formes de blues :

Jump blues Boogie-woogie Cool blues West Coast blues Texas blues Memphis blues St. Louis blues Louisiana blues Kansas City blues British blues New Orleans blues, etc.