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Curso de Guitarra Eléctrica Por: Omar Pacheco

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Prohibida su reproducción total o parcial.

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Contenido

Contenido.................................................................................. 2 INTRODUCCIÓN......................................................................... 5 Capítulo I ................................................................................... 7 ¿Qué necesitas para este curso? ............................................ 7 Partes de una guitarra .......................................................... 10 Posición de la guitarra .......................................................... 14 Afinación de la guitarra ........................................................ 16 Capítulo II ................................................................................ 19 Cualidades del sonido...........................................................19 Notación musical .................................................................. 20 Partituras.............................................................................. 23 Tablatura .............................................................................. 25 La clave de sol....................................................................... 26 Notas musicales....................................................................26 Sostenidos �#� y bemoles �b�............................................... 27 Armadura ............................................................................. 28 Compas y tiempos ................................................................ 29 Marcador de tiempo............................................................. 30 Acorde de acompañamiento ................................................ 30 Los puntos de repetición ...................................................... 30 Casillas.................................................................................. 31 Ligadura................................................................................ 32 Puntillo ................................................................................. 32 Calderón ............................................................................... 33 Capítulo III ............................................................................... 34

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Intervalo ............................................................................... 34 Acordes................................................................................. 36 Escala musical.......................................................................37 Tónica, dominante y subdominante ..................................... 39 Cejilla.................................................................................... 40 Escala cromática ................................................................... 41 Círculos armónicos ............................................................... 42 Acompañamiento ................................................................. 45 Acordes triadas.....................................................................47 Acordes cuatriadas ............................................................... 48 Acordes de 5ta y acordes de 6ta........................................... 48 Acordes de 7ma, 9na, 11va y 13va ....................................... 49 Capítulo IV...............................................................................51 Escala menor ........................................................................ 51 Acordes menores.................................................................. 53 Arpegio ................................................................................. 54 Escala pentatónica menor .................................................... 55 Acordes aumentados, disminuidos, suspendidos ................. 56 Progresiones armónicas ....................................................... 57 El Blues ................................................................................. 58 Rock...................................................................................... 61 Heavy metal.......................................................................... 62 Técnicas de guitarra ................................................................ 64 Slide...................................................................................... 64 Vibrato.................................................................................. 65 Hammer On y Pull Off...........................................................67 Bend ..................................................................................... 68 Finger Picking ....................................................................... 69

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Palm Mute ............................................................................ 70 Armónicos Naturales ............................................................ 72 Tapping................................................................................. 73 Armónicos Artificiales...........................................................75 Sweep Picking.......................................................................76 Legato................................................................................... 78

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INTRODUCCIÓN

Antes que nada quiero felicitarte por haber adquirido el curso de �Guitarranet.com� diseñado para aprender a tocar guitarra eléctrica de la manera más fácilmente posible. Al terminar este curso estarás tocando de manera fluida los temas que te apasionan.

Este curso consta de dos partes. La parte teórica que está escrita en el cuadernillo que ahora estás leyendo y la parte práctica, un cuadernillo repleto de ejercicios que te harán dominar el instrumento progresivamente.

Al principio tal vez te parezca más interesante el cuadernillo de ejercicios, a final de cuentas es el que te lleva a tocar inmediatamente, el sueño de cualquier guitarrista naciente. Pero te advertiré del error que cometen muchos guitarristas que mueren en el intento: dejan a un lado los conceptos teóricos de la música.

Tal vez te resulte un poco fastidios al principio tantos términos nuevos, pero créeme, resulta imposible hablar o tratar de enseñar a alguien a tocar algún instrumento sin los conceptos esenciales. Además, el conocimiento de estos términos diferencia a un buen guitarrista de uno del montón.

Soy consciente de que al principio te resulte fastidioso leer y aprender la teoría, si es que no tienes antecedentes musicales. Por eso me comprometí contigo antes de que recibieras el curso a que íbamos a resumir lo mayormente posible estos conceptos, y así están impresos.

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En las siguientes páginas encontrarás una serie de temas de teoría musical cuidadosamente seleccionados y ordenados en cinco capítulos de tal manera que su comprensión se facilita mucho, además están orientados total y exclusivamente al aprendizaje del manejo de la guitarra.

Cada capítulo de este cuadernillo viene acompañado por su correspondiente en el librillo de ejercicios. Deberás concluir cada lección satisfactoriamente para que obtengas buenos resultados en la que le sigue. De lo contrario corres el riesgo de crear malos hábitos y tener una técnica sucia, donde los notas que tocas son ruidosas.

Otro factor importante es que deberás ensayar por lo menos 20 minutos diarios. De nada sirve que tengas una sesión de 5 horas a la semana, cuando obtienes muchísimos mejores resultados ensayando todos los días por lo menos 20 minutos.

La velocidad con la que adquieras las habilidades para tocar, dependerá en gran medida del tiempo que le dediques al ensayo. Por otro lado es muy común en guitarristas principiantes el deseo de adquirir rápidamente velocidad en los dedos lo que los lleva a tratar de tocar ejercicios a una velocidad alta sin haberla dominado con velocidades menores. Asegúrate de no caer en estos errores que pueden entorpecer tu proceso de aprendizaje.

Solo resta desearte mucha diversión en el transcurso y Muchos logros como guitarrista.

Omar Pacheco

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Capítulo I

¿Qué necesitas para este curso? A diferencia de la guitarra de caja, la guitarra eléctrica no puede ser utilizada por sí sola. Una guitarra eléctrica necesita de un amplificador y de algunos elementos adicionales que incrementan la calidad y diversidad de su sonido, todo depende del sonido que desees darle a tu instrumento. Así que para este curso necesitarás los siguientes elementos.

Guitarra. Resulta obvio contar con el instrumento del cual queremos aprender a utilizar. Cualquier guitarra eléctrica está bien para seguir el curso. Si aún tienes pensado adquirir una, elige la que mas te agrade, solo asegúrate de que su digitación es suave, recorre todo el brazo de la guitarra con tu mano izquierda como si la estuvieras tocando para asegurar que no resulta tosco el movimiento, es más fácil aprender a tocar con una guitarra suave.

Computadora. Necesitarás una computadora en la cual conectar tu guitarra. Te servirá como amplificador y como procesador de efectos. Si cuentas con un amplificador de guitarra eres libre de utilizarlo para el curso, aunque yo recomendaría que lo reservaras para las tocadas. Durante el curso te darás cuenta del potencial que tiene la computadora como suite para ensayo. Te recomiendo contar con unas buenas bocinas, si no las tienes, procura ensayar con unos audífonos, resulta mejor que ensayar con bocinas genéricas.

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Software. Si ya tienes pedales o efectos para tu guitarra, te recomiendo que los guardes para las tocadas junto con tu amplificador. Si aún no cuentas con nada de esto, ni te preocupes por que los estudios virtuales para la guitarra tienen esto y mucho más. Mejor aún, con estos estudios puedes obtener cualquier sonido o efecto de guitarra que hayas escuchado con alguno de tus bandas favoritas, sin necesidad de pedales externos.

Eres libre de conseguir cualquier estudio que hay en el mercado, aunque yo te sugeriría que consiguieras �Guitar Rig�, es un software muy intuitivo, fácil de usar y cuenta con una gama muy amplia de amplificadores virtuales, distorsiones y otros efectos muy útiles y muy recurridos para la guitarra eléctrica, además cuenta con una gran cantidad de configuraciones pre-cargadas que se asemejan mucho a los sonidos de varias bandas conocidas.

Asegúrate de familiarizarte un poco con el software que hayas elegido antes de ir a los siguientes capítulos. Si te inclinas por �Guitar Rig� no te preocupes por el control externo con el que se vende, no lo vamos a utilizar en este curso. También quiero que tengas en mente que no abordaremos el tema de cómo utilizar este estudio de guitarra, no te preocupes, es muy simple su instalación y su uso, si lees el manual del software, también está la versión en español. Encontrarás muchísimas cosas interesantes.

Editor de tablaturas. Es un software con el cual podremos leer y escribir tablaturas. Las lecciones y canciones de este curso y en internet vienen en el formato Power tab, un editor de distribución gratuita que puedes

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obtener en www.Power-tab.net. Consíguelo para que puedas reproducir las lecciones adecuadamente.

Afinador. Es un dispositivo electrónico en el cual conectas la guitarra y te indica la altura de una cuerda si la pulsas. Cuenta con indicadores gráficos que te indican como manipular la tensión de cada cuerda de la guitarra para llegar al tono de cada una y afinar adecuadamente la guitarra. No te preocupes por conseguir un afinador electrónico si optaste por utilizar �Guitar Rig�, viene con un afinador virtual excelente.

Metrónomo. Es un dispositivo que reproduce un pulso de sonido cada intervalo de tiempo regular, tiene la función de llevar la velocidad del tiempo en la música. Para un guitarrista principiante es altamente recomendado contar con un metrónomo, ya que el sentido del ritmo en él no es maduro y tienden mucho a fallar en cuestiones del tiempo y ritmo. �Guitar rig� cuenta con un metrónomo virtual.

Cable. Asegúrate de contar con un cable de buena calidad. Generalmente los cables con los que vienen las guitarras cuando las compras no son muy buenos, se estropean fácilmente. Cámbialo inmediatamente que te empiece a fallar si es que ya cuentas con uno de estos.

Plug. La mayoría de las tarjetas de audio de las computadores usan un plug fino para la línea de entrada, sin embargo el cable para las guitarras traen un plug grueso. Deberás conseguir en una tienda de electrónica un convertidor de plug grueso a fino, es muy fácil de conseguir.

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Plumilla. A diferencia de la guitarra acústica, las pulsaciones de la cuerda con los dedos en la guitarra eléctrica no producen un sonido fuerte y claro. Una plumilla o púa es una herramienta de plástico que te ayudará mucho a sacar un buen sonido de tu guitarra, así como para obtener algunos efectos muy interesantes. Por su tamaño suelen perderse fácilmente, así que asegúrate de contar con unas tres y carga siempre una en tu billetera.

Compra plumillas de varias medidas la primera vez, después selecciona la que te acomode mas, recuerda su medida para que puedas comprarla la próxima vez.

Partes de una guitarra. Revisa las partes de tu guitarra y hablemos el mismo lenguaje durante el curso. Ten en cuenta que existen algunas diferencias de modelo en modelo, identifícalas para el caso de tu guitarra. La guitarra que yo utilizaré es una GIO de Ibanez.

Cuerpo. El cuerpo es la parte fundamental de la guitarra. Está compuesto por una pieza de madera sólida que le da soporte a los demás componentes del instrumento. La calidad de la guitarra depende en cierta medida del tipo de madera con el que se fabrique. Esta pieza le da el toque estético que distingue a cada modelo de guitarra convirtiéndola en uno de los factores decisivos a la hora de seleccionar el instrumento adecuado para cada guitarrista. En lo particular te recomiendo que elijas una guitarra con el espacio necesario en la parte inferior del cuerpo, de tal manera que puedas tener fácil acceso a los trastes más cercanos a las pastillas con suficiente facilidad.

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Puente. El puente es la parte montada sobre el cuerpo de la guitarra que se encarga de sostener las cuerdas para poder tensarlas a una determinada altura (distancia de separación entre las cuerdas y el cuerpo de la guitarra). Estos pueden ser fijos o móviles, dando mayor versatilidad al sonido de guitarras con puentes móviles. Los puentes móviles tienen la capacidad de tensar y destensar las cuerdas con ayuda de una palanca obteniendo sonidos muy particulares del heavy metal. El Floyd Rose es un tipo de puente móvil muy popular en guitarras dedicadas al heavy metal, sin embargo la afinación de la guitarra se hace un poco más complicada.

Fig. Partes de la guitarra. Puede haber variaciones de modelo en modelo.

Pastillas. Las pastillas son los dispositivos electrónicos dedicados a la amplificación del sonido generado al pulsar las cuerdas de la guitarra. Técnicamente son bobinas (núcleo magnético rodeado de alambre de cobre) que capta la variación del campo magnético debido a la vibración de

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un cuerpo metálico (cuerdas) y genera una corriente inducida la cual es interpretada por un amplificador (bocina) y genera el sonido ejecutado en la guitarra. En tu guitarra puedes encontrarte con dos tipos de pastillas. �Single Coil� es aquella que solo está compuesta de un núcleo y �Humbucker� es la que cuenta con dos núcleos, muy fáciles de distinguir. En la figura anterior se distinguen claramente dos pastillas Single Coil y una Humbucker (más cercana al puente).

Trastes. Los trastes son tiras metálicas que se colocan a determinadas distancias a lo largo del brazo. Tienen la función de separar el mástil en semitonos. Generalmente al espacio del diapasón que existe entre cada tira metálica, donde presionas las cuerdas, también se le llama traste, y es en realidad a este espacio al que nos vamos a referir en esta guía cuando hagamos referencia a un �traste�. Se enumeran en orden ascendente desde el más cercano al clavijero.

Clavijas. Las clavijas son dispositivos mecánicos que permiten ajustar la tensión de cada cuerda, para variar su tono. Es la herramienta que se utiliza para afinar la guitarra.

Controles de tono y volumen. Como su nombre lo indica, son los responsables de regular el volumen y el tono del sonido que genera la guitarra. Algunas guitarras tienen más de un control de volumen y tonalidad. La guitarra Les Paul de Gibson, por ejemplo tiene un control de volumen y tono para cada una de las pastillas de la guitarra. Es importante que te familiarices con los distintos sonidos que puede alcanzar tu guitarra manipulando estos controles, ya que puedes darle una gran versatilidad a tu instrumento y a tus canciones. Ten en cuenta que si activas una pastilla

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�single coil�, obtendrás un sonido brillante. Si en vez de eso activas y le das mas volumen a una pastilla �humbucker� obtendrás una tonalidad más baja y agresiva.

Cuerdas. Son tiras metálicas que al pulsarlas vibran generando una corriente en las pastillas que amplifica el sonido. Las cuerdas se enumeran de abajo hacia arriba. La sexta cuerda es mucho más gruesa que la primera. La densidad de las cuerdas, su tensión y longitud, son lo que determina el tono que producen al ser pulsadas.

Selector de pastillas. El selector de pastillas es un control que te ayudará a elegir que pastillas de tu guitarra activas o desactivas. Generalmente una posición de este control activa una pastilla y apaga la otra, la siguiente posición puede ser que invierta las cosas, la siguiente posición encenderá las dos pastillas y funcionaran al mismo tiempo y en algunos modelos existe una posición con la cual desactivas las dos pastillas (apaga el instrumento). Algunos modelos de guitarra vienen con más de dos pastillas, descubre cuál es tu caso y has muchas pruebas para averiguar cuál es el sonido que más te gusta en tu instrumento.

Tremolo. Generalmente se le conoce como trémolo o palanca de trémolo a la palanca que sale del puente móvil. Tiene la función de generar una variación hacia tonalidades más bajas cuando se presiona hacia el cuerpo del instrumento o hacia tonalidades más altas cuando se aleja del cuerpo. Su uso es toda una técnica que cuando es dominada genera efectos muy llamativos.

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Brazo. Es la parte de la guiara que recorren todas las cuerdas y contiene los trastes que generan distintos tonos. Cuando estés eligiendo una guitarra recorre tu mano por todo el brazo de la guitarra y asegúrate de que la digitación es suave. Es decir que tus dedos puedan recorrer suavemente el brazo. Cuando uno es nuevo es muy incomodo trabajar con guitarras de digitación demasiado tosca y puedes caer en frustraciones.

Clavijero. También se le conoce como pala o cabeza de la guitarra. En esta están incrustadas las clavijas y no tiene más función que la de dar el soporte necesario a las clavijas para que las cuerdas sean tensadas adecuadamente. Su diseño puede variar mucho de modelo en modelo e incluso hay algunos modelos que prescinden de esta pieza, logrando la afinación del instrumento con una especie de tornillos.

Posición de la guitarra. La posición de la guitarra con respecto a tu cuerpo y la posición de las manos y los dedos sobre el brazo de la guitarra, pueden tener un efecto en la calidad del sonido debido a que se compromete la comodidad del guitarrista.

Hay una manera de sujetar la guitarra muy difundida en los medios, sin embargo varios guitarristas famosos muestran distintas maneras de hacerlo. Déjame decirte que la manera correcta es la que te haga sentir cómodo. Si tu cuerpo y tus manos están relajadas al momento de tocar, los sonidos de tu guitarra no se verán afectados por tu posición y tus movimientos serán más versátiles.

Recuerda que pasas periodos largos de ensayos y una posición incómoda puede resultar en dolores musculares. Te darás cuenta que no es fácil

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tocar sentado en un sofá o sobre una cama. Tampoco lo es si la guitarra está por debajo del estómago si es que tocas parado.

Para comenzar te sugiero que tomes en cuenta las posiciones que se muestran en la imagen. Después de un tiempo, sin darte cuenta habrás ajustado la pose a la que más te acomoda.

Fig. Posición correcta para sujetar la guitarra.

La presión de los dedos sobre las cuerdas no debe de hacerse con las yemas, sino con la punta de los dedos. Para lograr esta presión deberás encorvarlos un poco echando la mano izquierda hacia la parte delantera del mástil, de tal manera que el pulgar no se asome o si lo hace, lo haga solo un poco por detrás del brazo.

Descansa el antebrazo derecho sobre el cuerpo de la guitarra, un poco mas abajo del codo. Esto evitará la fatiga del brazo derecho. En el puente de la guitarra deberá estar recargada tu mano sin tocar las cuerdas. Este soporte te dará la precisión que necesitas en la mano derecha para pulsar las cuerdas adecuadamente.

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Cuando toques parado, hecha el brazo de la guitarra hacia arriba, de tal manera que sea cómodo pisar las cuerdas para tu mano izquierda. Si mantienes el mástil muy abajo tu mano será incapaz de pisar las cuerdas con la fuerza necesaria, además sufrirás de dolor de muñeca. El cuerpo de la guitarra queda sobre la cintura, en posición perfecta para la mano derecha.

Ajusta el talí o correa de la guitarra para que la guitarra te quede un poco arriba de la cintura. Muchos guitarristas en el ambiente rockanrolero la colocan por debajo de la cintura. Una posición mucho muy incomoda para un principiante.

Si ensayas sentado, trata de hacerlo sobre un banco, son muy cómodos para sujetar la guitarra. Descansa el cuerpo de la guitarra sobre la pierna derecha. El estilo clásico sugiere que sea sobre la pierna izquierda, las dos opciones son válidas, prueba ambas y elige la que más te acomode. Observa en la figura que la posición de la guitarra es más horizontal para este caso.

Afinación de la guitarra. La afinación de la guitarra consiste en ajustar la tensión de las cuerdas de tal manera que toquen la nota que les corresponde. Es uno de los temas de mayor preocupación para el guitarrista principiante, aunque en realidad no es tan complicado como parece al principio.

Deberás liberar un poco la tensión de las seis cuerdas al inicio de la operación. Una vuelta a las clavijas hacia el lado correcto estará bien.

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Ahora las cuerdas tienen tonos más graves o bajos del que deberían tener, así que durante la afinación solamente incrementaremos la tensión una por una hasta alcanzar el tono que les corresponde.

Primeramente ajustaremos el tono de la sexta cuerda. Reproduce el archivo �6tacuerda_Mi.mp3� que viene en el paquete de archivos del curso. Incrementando poco a poco la tensión de la sexta cuerda haremos que su sonido sea exactamente igual al reproducido por el archivo. Si no estás seguro de que igualaste el sonido de referencia afloja de nuevo la tensión de la cuerda y reinicia el proceso, hazlo tantas veces consideres necesario.

Al principiante le cuesta un poco de trabajo darse cuenta cuando el sonido de la cuerda que está siendo ajustada iguala al sonido de referencia. Este problema va disminuyendo muy rápido conforme el oído se va entrenando. No te sientas frustrado si al principio te sucede. Con la práctica irás adquiriendo esta habilidad.

Una vez que está afinada la cuerda sexta, la utilizaremos como referencia para afinar el resto. Pulsa la sexta cuerda mientras la pisas en el 5to traste y simultáneamente ajusta la tensión de la quinta cuerda hasta igualar el sonido. Una vez que lo logres estará afinada la quinta cuerda. Tendrás que repetir este procedimiento de tal manera que

. La cuerda 6ta. pisada en 5to. traste da el sonido de la 5ta cuerda. . La cuerda 5ta. pisada en 5to. traste da el sonido de la 4ta cuerda. . La cuerda 4ta. pisada en 5to. traste da el sonido de la 3ra cuerda. . La cuerda 3ra. pisada en 4to. traste da el sonido de la 2da cuerda. . La cuerda 2da. pisada en 5to. traste da el sonido de la 1ra cuerda. 17

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Felicidades, afinaste tu guitarra de manera adecuada, ahora puedes comenzar a tocar.

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Capítulo II

Cualidades del sonido. Es importante que entiendas algunos conceptos muy básicos de la física del sonido. Una descripción breve te ayudará a comprender mejor muchas de las definiciones que vienen en los siguientes capítulos.

Empecemos por definir el sonido. El sonido puede entenderse como una sensación cerebral producida por la propagación de ondas en el aire generadas por la vibración de un cuerpo. Estas vibraciones son captadas por el oído y el cerebro las interpreta como sonido.

Físicamente un cuerpo al ser golpeado, arañado o frotado, produce una alteración en el aire con el que está en contacto inmediato haciéndolo vibrar. Estas vibraciones son compresiones y extensiones del aire, es decir variaciones en la presión del aire, ondas que propagan alejándose del cuerpo disminuyendo su energía entre más alejados estén del punto de su origen. Cuando las ondas o variaciones de presión en el aire alcanzan nuestros oídos hacen vibrar una membrana (tímpano) que convierte estos movimientos en impulsos eléctricos que el cerebro interpreta como sonido.

El sonido cuenta con cuatro cualidades que nos permiten distinguir entre sonidos ruidosos y sonidos agradables, entre sonidos fuertes y sonidos débiles, entre sonidos graves y sonidos agudos y entre sonidos cortos y sonidos largos. Cualquier sonido que percibimos en el ambiente en sí, tiene un conjunto de cualidades que lo caracterizan y nos permiten diferenciarlos de los demás.

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Altura. Es la cualidad que nos permite distinguir entre un sonido grave o bajo (como el silbato de un barco) de uno agudo o alto (como el grito de un niño pequeño). La altura se puede medir como frecuencia y es definida como la cantidad de ciclos completos de la onda sonora que se alcanzan en un segundo (Hertzio). Entre más alta sea la frecuencia, el sonido será más agudo, y entre más baja sea la frecuencia, más grave será el sonido.

Intensidad. Nos permite distinguir entre un sonido fuerte y un sonido suave. Se trata del volumen en sí. Depende de la amplitud de la onda. Entre más grande sea la amplitud de la onda, mas fuerte será el sonido. En la música hay índices de este parámetro.

Timbre. El timbre es la cualidad del sonido que nos ayuda a distinguir un sonido de otro. Mediante esta cualidad podemos distinguir una trompeta de una flauta, sin importar que los dos instrumentos estén tocando la misma nota musical. Este mismo parámetro nos ayuda a diferenciar entre una voz y otra. Se le conoce como la calidad del sonido y está directamente relacionada con los armónicos de la frecuencia fundamental del sonido.

Duración. Nos permite distinguir entre sonidos largos y cortos. Es simplemente el tiempo durante el cual se percibe la vibración de las ondas.

Notación musical. En la música los sonidos se representan mediante gráficos llamados notas musicales ordenadas sobre un conjunto de 5 líneas horizontales paralelas llamado pentagrama. Dependiendo de la posición de las notas en el pentagrama y de la clave (símbolo inicial en la siguiente figura) reciben su nombre y el valor de su altura Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si (Las siete notas en estado natural).

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Cuando se necesita representar una nota que por su altura o frecuencia queda fuera del pentagrama se utiliza las líneas adicionales como referencia para facilitar su lectura. Después del último Si, vendría otro Do y se repite la secuencia.

Entre dos de estas notas cualesquiera hay una diferencia de alturas que se mide en tonos y semitonos (medios tonos). Un semitono es la diferencia menor que existe entre la altura de dos notas musicales. La distancia entre dos notas consecutivas de la escala natural de do es de 1 tono (dos semitonos) excepto los siguientes casos:

De Si a Do = 1 semitono y De Mi a Fa = 1 semitono

Fig. Escala natural de do. La posición de las notas en el pentagrama asigna el nombre a los 7 sonidos de la música.

Existe una notación universal que relaciona el nombre de las notas con el alfabeto de tal manera que

A=LA E=Mi B=Si F=Fa

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C=Do G=Sol D = Re

Las notas que corresponden a las cuerdas de la guitarra cuando no están presionadas sobre ningún traste son

6ta Mi (E) 3ra Sol (G) 5ta La (A) 2da Si (B) 4ta Re (D) 1ra Mi (E)

En una guitarra, el significado de un semitono es la diferencia que hay entre un traste y el siguiente. La siguiente figura es una representación de la porción del brazo de la guitarra más cercana al clavijero.

Fig. Diagrama de guitarra utilizada comúnmente para ilustrar la posición de los dedos al tocar algún acorde. El lado superior del diagrama corresponde al traste más cercano al clavijero.

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Partituras. Son simplemente documentos que contienen gráficos donde se indican de manera clara la forma en que debes tocar la guitarra para realizar una interpretación.

Una vez que entiendas como leer adecuadamente una partitura o una tablatura, no necesitarás nunca más a nadie para que te enseñe a tocar una canción. Serás capaz de tocar cualquier tema por ti mismo, habrás alcanzado tu independencia musical. Eso es algo que tiene mucho valor, por eso no te sientas un poco angustiado si comienzo a hablarte de conceptos nuevos para ti.

En la siguiente figura verás un fragmento de la partitura del tema �Since I�ve Been Loving You� de Led Zeppelin. Podrás observar en ella una gran cantidad de gráficos con los cuales tal vez no estés familiarizado aún. No te preocupes, analizaremos los símbolos que hay en ella para que comprendas la manera en que debes tocar este y cualquier otro tema del cual obtengas su partitura.

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SSSSSIIIIINNNNNCCCCCE EEEEIIIII�����VVVVVE EEEEBBBBBEEEEEEEEEEN NNNNLLLLLOOOOOVVVVVIIIIINNNNNG GGGGYYYYYOOOOOU UUUU

Fig. Modo de escritura musical para la guitarra.

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Las partituras y tablaturas se leen de izquierda a derecha, de la misma manera en que se lee cualquier texto normal. En la figura de la página anterior podrás notar que el documento comienza con los siguientes elementos

Fig. Elementos del inicio de la partitura y tablatura.

Tablatura. La tablatura es una forma muy amigable de escribir música para instrumentos como guitarra y bajo. Generalmente se hace acompañar de la partitura ya que no cuenta con elementos gráficos para definir la duración de las notas. Consta de seis líneas que representan las cuerdas cuando se trata de la guitarra y cuatro cuando representan el bajo. La línea inferior representa la sexta cuerda de la guitarra, la superior representa la primera. Sobre las líneas se escriben números que indican él o los trastes del instrumento que deben ser pulsados para obtener la nota deseada.

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La clave de sol es el símbolo de referencia que le da el nombre de Sol a la nota ubicada en la segunda línea (de abajo hacia arriba) del pentagrama. Además de esta clave existe la clave de Fa y la clave de Do, pero por ahora no deberías de preocupar mucho por estas, generalmente se utilizan para otros instrumentos. Basta con que sepas que la clave de sol le da su nombre a la nota que se dibuja sobre la segunda línea. Se dibuja al inicio de la partitura.

Notas musicales. Las notas musicales en el pentagrama además de indicar el tono o altura del sonido, también indican su duración. Comúnmente se le conoce como color de la nota.

Fig. Color de las notas musicales. El valor de su duración disminuye de izquierda a derecha. Los números entre paréntesis indican su duración con respecto a la nota negra.

De tal manera que una redonda dura en tiempo lo que duran dos blancas, cuatro negras, ocho corcheas y 16 semicorcheas. Ten en mente que cuando dos notas corcheas o semicorcheas van juntas en un pentagrama, se unen para generar nuevas figuras.

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Fig. Corcheas y semicor rcheas unidas por su presencia contigua en el p pentagrama.

Las pausas son igual d de importantes que las notas en lla música. Son lapsos de tiempo en los os cuales nuestra guitarra deberá eestar acallada. También se representan por gráficos que tienen su equivallente en notas en cuanto a su duración.

Fig. Signos de pausa o sileencio. Se muestra su equivalente en duración con las notas.

Sostenidos �#� y bemmoles �b�. Son accidentes mus sicales que se dibujan a un lado de las ssiete notas naturales y las alteran aaumentando o disminuyendo su altura e en medio tono. Un bemol afectará a a la nota sobre la que actúa disminuyenddo su altura en medio tono. El sos ostenido lo hará medio tono hacia arriba a. De tal manera que se cumplen las siguientes equivalencias

C# = Db D# = Eb F# = Gb

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G# = Ab A# = Bb

Es decir que una nota sostenida tiene el mismo sonido que la siguiente nota bemol. La alteración de las notas naturales generan cinco sonidos mas, obtenemos en total doce sonidos sobre los que se basa la escritura de la música occidental.

Do (C) Do sostenido (C#) Re (D) Re sostenido (Re#) Mi (E) --Fa (F) Fa sostenido (Fa#) Sol (G) Sol sostenido (G#) La (A) La sostenido (A#) Si (B) --

Recuerda que no existe Mi sostenido ni Si sostenido. En dado caso esos sonidos corresponderían con F y C respectivamente.

Armadura. La armadura es un conjunto de alteraciones en el pentagrama (sostenidos o bemoles) que definen la tonalidad específica a la obra musical. Se sitúan ordenadamente al inicio de la partitura e indican que las notas escritas sobre las mismas líneas que los sostenidos o bemoles en la armadura estarán afectadas por ellas a lo largo de toda la obra musical. Además, si una armadura al principio de una pieza indicara por ejemplo que la nota Si debe ser tocada como Si bemol, incluso las notas Si de posiciones superiores e inferiores en el pentagrama se verían afectadas por esta regla.

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Compas y tiempos. La escritura de la música se divide en partes iguales de tiempo denominada compases. La separación de estos segmentos se hace mediante la colocación de líneas verticales a lo largo del pentagrama. Su duración depende del valor que se le asigna mediante un número cociente al inicio de la partitura.

El numerador representa el número de tiempos que tendrá el compás y el denominador representa la unidad de tiempo o figura que llenará un tiempo del compás (2 para blanca, 4 para negra, 8 para corchea, 16 para semicorchea)

Debe quedarte claro que un compás de 2/4 no significa estrictamente que llenes de notas negras la partitura. Significa que deberá haber el equivalente en tiempo a dos notas negras por compás, ya sea corcheas, blancas, semicorcheas, etc. En la figura anterior cada ejemplo muestra dos opciones válidas de llenado por compás.

Fig. Significado del compás. En el primer ejemplo se interpreta un compás de 2/4, es decir dos tiempos (numerador) de notas negras, (denominador 4 = negra) por cada subdivisión de tiempo (segmento de la partitura entre las líneas verticales).

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Marcador de tiempo. Es un número que indica cuantos bits o pulsos por minuto reproducirá el metrónomo como unidad de tiempo. Cada bit será la duración que se asigne al color de la nota que precede al marcador de tiempo. Generalmente viene acompañado por una corta frase que describe el ritmo del tema.

Acorde de acompañamiento. Es el nombre abreviado del acorde que acompaña la melodía en cada sección de la partitura. Profundizaremos en el tema mas adelante.

Además de los símbolos que se presentan al inicio en las partituras, existen otros que pueden colocarse en diferentes partes a lo largo de la obra musical. Algunos con los que te vas a topar frecuentemente son los siguientes.

Los puntos de repetición. Indican que el segmento que encierran tendrá que repetirse después de que se hayan ejecutado por primera vez. Algunas veces es necesario repetir el segmento más de una vez, así que sobre los puntos de cierre del segmento habrá un número que indicará cuantas veces tendrá que ser repetido

Fig. Puntos de repetición.

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Algunas veces dentro del segmento de repetición sucede que la primera vez que se interpreta termina con una sucesión diferente a la de la segunda vez. Para poder escribir esto sin necesidad de repetir todo el segmento se hace uso de la siguiente herramienta.

Casillas. Las casillas se utilizan generalmente con los puntos de repetición. Se colocan sobre los compases que se tocarán o se omitirán, según se trate de la primera ejecución o de la repetición.

En la figura de abajo puedes observar su escritura. Lo que indica es que se tocarán los primero cuatro compases, incluyendo el de la casilla uno. Al llegar a los puntos de repetición se volverán a tocar los compases uno, dos, tres, se omite el compás cuatro (casilla uno) y se interpreta el compás cinco (casilla dos).

Casillas

Fig. Casillas. Reducen considerablemente la escritura de la música.

Otros signos muy recurridos en la notación musical, son los símbolos de prolongación de tiempo. Estos le suman duración a la nota sobre la cual actúan. Imagínate un sonido que dura lo que una nota negra y un poco más, pero no alcanza a durar lo de dos negras. Entonces necesitamos un símbolo que nos ofrezca esa duración. Para esto contamos con dos herramientas.

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Ligadura. Es un símbolo que une dos o más notas de la misma altura, y se interpretan como un sonido único con la duración igual a la suma de las duraciones de las notas involucradas. Cuando usas esta herramienta con notas de distintas duraciones obtienes la herramienta que buscamos.

Puntillo. Es un símbolo que se dibuja a la derecha de una nota, e indica que a la nota se le suma la mitad de su duración. Una nota negra con un puntillo duraría un tiempo y medio, lo que sería equivalente a unir en una ligadura una nota negra con una corchea. Una nota blanca con un punto duraría tres tiempos. Observa con atención la siguiente figura que te dejará más claras las cosas.

Puntillo Ligadura Fig. Relación del puntillo y la ligadura.

Un segundo puntillo le daría a la nota el valor de su duración mas la mitad de su duración mas la mitad de la mitad de su duración. ¿Suena un poco complicado verdad?, en realidad no lo es. Observa el siguiente ejemplo.

Fig. Ejemplo del puntillo doble.

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Considera también que puedes encontrarte con el uso de puntillos aplicados a los silencios, ten en mente las mismas reglas que con las notas para su apropiada lectura.

Calderón. Es un símbolo que indica que la nota afectada puede durar el tiempo que el intérprete desee. Generalmente encontrarás este símbolo al final de una interpretación donde puedes alargar la duración de la nota tanto como te plazca.

Fig. Representación gráfica del calderón.

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Capítulo III

Intervalo. La diferencia en altura o frecuencia que existe entre dos notas se denomina intervalo. Cada posición por arriba o por debajo de una nota en el pentagrama es un grado que distinguirá a una segunda nota como 2da, 3ra, 4ta, etc., según el número de grados que las separen. También puede determinarse el nombre del intervalo por la cantidad de semitonos que separen a las dos notas.

Fig. Un intervalo indica la relación entre dos notas.

El número de tonos y semitonos y el grado dan el nombre al intervalo como se muestra en la siguiente tabla.

INTERVALO GRADO TONOS Y SEMITONOS 1ra justa 1 0

1ra aumentad1 1 semitono

2da disminuid 2 0 2da menor 2 1 semitono 2da mayor 2 1 tono

2da aumenta 2 1 ½ tonos 34

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3ra disminuid 3 3 1 tono 3ra menor 3 1 ½ tonos 3ra mayor 3 2 tonos d 3 2 ½ tonos 4ta disminuid 4 2 tonos 4ta justa 4 2 ½ tonos 4ta aumentad 4 3 tonos

3ra aumenta5ta disminuid 5 3 tonos 5ta justa 5 3 ½ tonos d 5 4 tonos 6ta disminuid 6 3 ½ tonos 6ta menor 6 4 tonos 6ta mayor 6 4 ½ tonos d 6 5 tonos 7ma disminu 7 4 ½ tonos 7ma menor 7 5 tonos 7ma mayor 7 5 ½ tonos a 7 6 tonos 8va justa 8 6 tonos

5ta aumenta6ta aumenta7ma aumentTabla. Relación entre el nombre de un intervalo, los grados y tonos que separan a las dos notas.

Lo interesante aquí, es la clasificación de los intervalos en MAYORES, MENORES, JUSTOS, AUMENTADOS y DISMINUÍDOS. La comprensión de las escalas y acordes se basa totalmente en la identificación del tipo de intervalos que los forman. Trata de tener siempre presente esta tabla.

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Acordes. Cuando tres o mas notas en la guitarra son tocadas simultáneamente se le da el nombre de acorde. Tienen una relación muy estrecha con las escalas musicales para su fabricación y son especialmente utilizados para acompañar una melodía (acompañamiento).

Fig. Acorde de Do mayor (C).

Dependiendo de la relación interválica que guarden las notas que componen el acorde recibe el nombre de mayor, menor, de 7ma, de 5ta, suspendido, aumentado, disminuido, etc.

El gráfico anterior indica que para tocar el acorde habrá que pisar la segunda cuerda en el primer traste, la cuarta cuerda en el segundo traste y quinta cuerda en el tercer traste.

La �X� que está dibujada en el diagrama sobre la sexta cuerda indica que no se toca. Los círculos sobre las cuerdas primera y tercera indican se deben pulsar sin pisar traste alguno. Para tocar el acorde en tu guitarra simplemente pulsa las cuerdas de arriba hacia abajo con la plumilla, todo con un solo movimiento.

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Tal vez al principio te falte fuerza en los dedos para lograr un sonido claro. No te preocupes inténtalo varias veces hasta que logres hacerlo de la manera correcta. Nunca te desesperes.

En el apéndice encontrarás una lista completa de los diagramas de los acordes mayormente utilizados. Ten en mente de que el número de acordes que se pueden formar es muy grande. La lista que te presento es muy amplia y abarca todos los que te puedas topar por mucho tiempo.

Escala musical. Una escala es un conjunto de notas tocadas una detrás de otra, seleccionadas de entre los doce sonidos musicales que ya conoces, con las que se construyen las melodías, todos con relación a un solo tono que le da el nombre a la escala (ejemplo: escala natural de Do). Las escalas son la base para aprender a armonizar, componer, e improvisar en cualquier instrumento.

Una escala puede formarse de un determinado número de notas, pero siempre habrá una relación agradable al oído entre sus notas (relación consonante). Esto depende, al igual que con los acordes, de la relación interválicas que existen entre las notas que forman la escala.

Existen una cantidad grande de escalas y variaciones. Generalmente reciben un nombre con relación al número de notas que las componen y la configuración de tonos y semitonos para toda la escala.

La configuración tonal de la escala mayor es de Tono, Tono, Semitono, Tono, Tono, Tono, Tono y Semitono. Observa la siguiente figura. Donde Do

(C) es la base de la escala (primera y última nota). 37

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Fig. Escala de Do Mayor. Recuera que entre E y F existe medio tono, lo mismo entre B y C.

A cada una de las notas que conforman la escala les corresponde un grado, desde el I, hasta el VIII, en este caso, generalmente se escriben con números romanos. De la misma manera podemos citar la configuración tonal para otras escalas.

ESCALA TONOS (T) SEMITONOS (ST)

MenorNatural T S T T S T Menor Armónica Menor Melódica Pentatónica MayorT T T+S T T+S

rT+S T T T T+S

T T+S T T+S Pentatónica Japone2T T T+S T S Enigmática S T+S T T T S Blues T+S TSST+S

T S T T S T+S T S T T T T S Pentatónica MenoPentatónica Orient T Tabla. Configuración tonal de algunas escalas musicales.

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Dependiendo del género que quieras tocar, te convendrá aprender ciertas escalas. Mas adelante veremos las configuraciones de algunas relacionadas con el Blues, Rock y Metal. Para dominarlas será necesario que las aprendas, lo que te dará gran versatilidad y una gran herramienta para una de las más importantes técnicas, la improvisación.

Tónica, dominante y subdominante. En las escalas y en los acordes hay tres notas que predominan. Son la tónica, dominante y subdominante en orden de importancia representados por lo grados I, V y IV respectivamente. Son los pilares de la tonalidad que conforman.

Durante el desarrollo de la melodía (sucesión de notas en un tema musical) y armonía (sucesión de acordes) de un tema musical, estas tres notas juegan un papel muy importante. La reacción sentimental (tensiones y relajaciones) de la canción recae en ellas. De esta manera logras transmitir emociones en las obras musicales.

En una progresión armónica la región donde se desarrolla la tónica ofrece una sensación de reposo, conformada por acordes estables, la región subdominante da la sensación de movimiento, transición o suspenso, mientras que la región dominante tiende a resolver hacia acordes estables.

La progresión armónica mas simple puede ser I � IV � V � I (tónica, subdominante, dominante, tónica). El desarrollo de la armonía ha puesto muchos de sus esfuerzos en enriquecer esta sucesión. A partir de ellas podemos hablar de los círculos armónicos, básicos para el acompañamiento con la guitarra que mas adelante retomaremos.

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Cejilla. La cejilla es una técnica en la cual el dedo índice de la mano izquierda presiona todas las cuerdas de la guitarra sobre un mismo traste al mismo tiempo. Generalmente se utiliza para tocar ciertos acordes y se representa gráficamente mediante una línea gruesa que cubre las líneas que representan las cuerdas sobre el traste en el que se va a utilizar.

Existen dispositivos que se fijan temporalmente al brazo de la guitarra (principalmente acústicas) con sistemas mecánicos de torniquete que presionan las seis cuerdas. Estos dispositivos resultan muy poco prácticos para la guitarra eléctrica.

Los acordes que se tocan con cejilla resultan ser un poco complicados para los principiantes. Se debe a que todavía no cuentan con la fuerza necesaria en el dedo índice para obtener un sonido limpio. Si lo sientes necesario utiliza el dedo medio sobre el índice para marcar la cejilla. Tendrá que ser temporal, solo para probar el sonido limpio que debe salir. El dedo medio tendrás que utilizarlo seguramente para presionar otra cuerda para un mismo acorde.

A manera de ejercicio marca los siguientes acordes procurando obtener un sonido nítido en las seis cuerdas de la guitarra. Pulsa las seis cuerdas deslizando la plumilla desde la sexta cuerda hasta la primera, hacia abajo. Pon atención en el nombre del acorde y la posición en el brazo, deberás aprenderlos.

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Date cuenta que lo único que cambia en estos acordes es su posición sobre el brazo de la guitarra. El número de la esquina inferior derecha de cada diagrama indica cual es el primer traste representado, en este caso equivale al traste en el cual debe ubicarse la cejilla.

Escala cromática. La escala cromática es la sucesión de los doce sonidos musicales tocados uno después de otro. Se conoce como la madre de las escalas por que cualquier escala musical se deriva de esta. El intervalo que existe entre una nota y la siguiente en esta escala, es la mínima existente en la música, un semitono o medio tono.

Fig. Escala cromática de Do

En el mástil de la guitarra, la escala cromática de Do (C), luce como en la siguiente figura. Aprovecha para observar la configuración de las notas que cada traste genera cuando es presionado a lo largo del brazo hasta el

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traste doce. Las notas de la izquierda corresponden al sonido de las cuerdas al aire.

Fig. Escala cromática de Do sobre el mástil de la guitarra.

En los diagramas de este estilo suele ubicarse la sexta cuerda en la parte inferior y la primera cuerda en la parte superior. Es como si tu mismo estuvieras sujetando la guitarra y agacharas la cabeza para ver el mástil. Observa que sobre el traste doce encuentras las mismas notas que las de las cuerdas al aire. La nota E del traste doce es una octava superior de la nota E de la cuerda al aire. Así para las seis notas de las cuerdas al aire. Las notas resaltadas con otro color, identifican la nota de la escala.

Círculos armónicos. Los círculos armónicos son un conjunto de cuatro acordes correspondientes a una tonalidad, uno mayor (le da el nombre al círculo), dos menores y un acorde de séptima. Como comentamos anteriormente, los círculos armónicos son progresiones que se construyen bajo ciertas reglas. Específicamente

1er grado mayor -6to grado menor -2do grado menor -5to grado séptimo

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De tal manera que para el círculo armónico de La tendríamos como primer acorde a La mayor. Seis grados a partir de La nos encontramos con F#, entonces el siguiente acorde menor es Fa#m. Dm es el 2do grado menor y B es el quinto grado, pero recuerda que debe ser un acorde séptimo. Entonces el círculo armónico de La es: La (A) � Fa#m (F#m) � Si menor (Bm) � Mi siete (E7)

Fig. Acordes que componen el círculo de La.

Con las mismas reglas se obtienen los círculos para cada acorde mayor. Recuerda consultar el apéndice para saber donde colocar los dedos para cada acorde.

Muchas baladas español están compuestas con base a estos círculos. Cuando los toques seguramente el sonido se te hará familiar, trata de dominar el círculo de La, aprende el nombre y posición de los acordes que lo componen.

Analiza el siguiente tema para que aprendas el acompañamiento básico y aplícalo con los círculos armónicos hasta que los aprendas.

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CÍRCULO ACORDES QUE LO FORMA La (A) A -F#m � Sim � Mi7 Si (B) B G#m C#m F#7 Do (C) C-Am � Dm -G7 Re (D) D � Bm � Em -A7 Mi (E) E -C#m -F#m -B7 Fa (F) F � Dm � Gm -C7 Sol (G) G Em Am D7

Tabla. Círculos armónicos Mayores.

Con lo que has aprendido hasta ahora, tal vez te hayas dado cuenta de que existe una estrecha relación entre las escalas y los acordes. Se trata de un tema fundamental para los guitarristas que quieren empezar a componer.

Imagínate el siguiente ejemplo. Se te ha ocurrido la siguiente sucesión de notas (una melodía) a partir de la escala mayor de Sol: E D G E F# D A B C, suena muy bien, pero no tiene aún acompañamiento. Comienzas a tocar algunos acordes y te das cuenta de que no suenan bien con tu melodía. Es demasiado probable que llegues a encontrar que los siguientes acordes sí suenen bien con tu melodía: Em G Em G D D.

Si analizas las notas que forman los acordes anteriores te das cuenta de que Em se compone de las notas (E, G y B); G de (G, B y D) y por último D de (D, F# y A).

Nota que las notas que componen los acordes que utilizaste para acompañar tu canción, son los mismos con los que fabricaste tu melodía. Esto tiene un significado muy importante, armónicamente los acordes y las

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escalas son lo mismo. En el estudio de la armonía se dice que todo acorde es una escala, o que cada escala es un acorde, la única diferencia es la manera en que se tocan. Cuando tocas una escala, siempre existirá su correspondiente acorde.

Acompañamiento. Como su nombre lo dice se trata de acompañar rítmicamente una melodía, como a un cantante o algún otro instrumento. El objetivo es mantener el ritmo mientras la melodía desempeña su papel. Se logra mediante la reproducción de una sucesión de acordes de una misma tonalidad.

Las bandas que tienen dos guitarristas generalmente ocupan una de estas para hacer el acompañamiento rítmico, mientras que otra se dedica a la reproducción de riffs (figuras melódicas) y solos, aunque no exclusivamente, ya que casi siempre en alguna parte de la canción las dos guitarras tienen función de ser guitarras de acompañamiento o rítmicos, acompañando la melodía del cantante.

El método de pulsación de las cuerdas para el acompañamiento recibe el nombre de rasgueo. Simplemente es tocar todas o varias cuerdas de la guitarra al mismo tiempo. Para el acompañamiento algunos intérpretes prefieren no usar la plumilla, porque las manos le ofrecen un sonido más suave. Deberás descubrir que sonido te agrada más, el rasgueo con plumilla o sin plumilla.

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El rasgueo para el acompañamiento de la balada es el siguiente. Y se repite cuantas veces sea necesario. Cambiando de acorde cada repetición.

Lo que significa que en cuatro tiempos rasgarás las cuerdas de la guitarra. Em el primer tiempo hacia abajo, en el segundo hacia arriba y luego dos veces hacia abajo. El primer rasgueo es un poco mas fuerte que los demás. La velocidad es lenta, pero deberás ajustarla a tu gusto, recuerda que es una balada.

Ejercicio. Toca el círculo de Sol con ritmo de balada. Vuelve a revisar el rasgueo para la balada. Habrás concluido el ejercicio cuando el sonido que obtengas sea nítido.

Ahora utiliza el metrónomo a 120 bmp y sigue el ritmo que te marca con el mismos círculo, no descuides la nitidez del sonido y obtén constancia en el ritmo siguiendo los pulsos del metrónomo. Hazlo así para cada círculo rítmico, te llevará un tiempo dominarlos, pero es necesario.

La técnica de acompañamiento varía de género en género. Por ejemplo en el Metal basta con pulsar las cuerdas siempre hacia abajo generalmente con acordes de quinta. La velocidad dependerá de cada tema. En el rock puedes encontrar baladas que llevan la misma configuración que acabas de aprender, por eso es importante que la sepas ejecutar.

Muchos temas musicales tienen una técnica de acompañamiento muy singular. Analiza un poco los temas de tu preferencia, verás que muchos de

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ellos no siguen la configuración que vimos, sin embargo cuando hayas dominado la técnica de rasgueo para la balada se te hará muy fácil tocar otras configuraciones, bastará con identificarlas para saber como interpretarlas. Te repito, es muy importante que practiques la configuración de la balada, es tu salto a otras técnicas de acompañamiento.

Ejercicio. �Arranca corazones� es un tema con un acompañamiento muy similar al que aprendiste. Una vez que domines este, trata de acompañar el tema de Ataque 77. Te será muy fácil tocarlo.

Acordes triadas. Como su nombre lo indica, un acorde triada es un conjunto de tres notas tocadas simultáneamente, también se le llama armonía. La distancia de los intervalos entre las notas participantes es de una tercera. La calidad del acorde está dada por las distintas relaciones que existen entre las notas.

Los acordes triadas mayores se forman con la tónica, mediante y dominante, es decir, la tónica, la tercera mayor (dos tonos) y la quinta justa (tres tonos y medio) de la escala mayor. Según estas reglas, podemos definir los siguientes acordes mayores

. C Do, Mi y Sol . D Re, Fa# y LA . E Mi, Sol# y Si . F Fa,LayDo . G Sol, Si y Re . A La, Do# y mi . B Si, Re# y Fa# 47

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Acordes cuatriadas. Los acordes cuatriada son aquellos que se forman por cuatro sonidos diferentes tocados simultáneamente. Se generan a superponer una tercera mas al acorde triada.

Estos acordes también son conocidos como de séptima, debido a que esta es la relación que guarda con la fundamental del acorde con la nota agregada a la triada. De tal manera que están formados por una fundamental, su tercera, su quinta y su séptima. Según la cuatriada sea séptima mayor, séptima menor, mayor con séptima menor o disminuida los grados tercero y séptimo varían en su condición de tercera mayor o menor.

Acordes de 5ta y acordes de 6ta. Los acordes de 5ta son también llamados acordes de potencia, son acordes formados únicamente por dos notas. Tienen una gran recurrencia en estilos musicales como el Rock, Metal, Punk y otros géneros que se caracterizan por sonidos fuertes y agresivos en la guitarra. El efecto de distorsión en la guitarra les da ese sonido agresivo característico de los acordes de quinta.

Su elaboración es sumamente fácil, ya que solo utilizan la nota fundamental y su quinta. Son muy fácil de distinguir en la mayoría de los temas de artistas como Metallica, Iron Maiden, Nirvana, Pantera, Guns and Roses, Red hot chili peppers, Stone temple pilots, system of a down, entre muchos más.

Los acordes de 6ta también son fáciles de fabricar. Simplemente se necesita sobreponer la 6ta a una triada. El apelativo de 6ta mayor o 6ta

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menor depende de la triada sobre la cual se fabrico el acorde. Es decir que la 6ta sobrepuesta a una triada mayor, generará el acorde de 6ta mayor, y la 6ta sobrepuesta a una triada menor, generará el acorde de 6ta menor.

De tal manera que un acorde sexta queda conformada por los grados

Acorde menor de 6ta: Tónica, 3ra menor, 5ta, 6ta Acorde mayor de 6ta: Tónica, 3ra mayor, 5ta, 6ta

Acordes de 7ma, 9na, 11va y 13va. Si a una triada menor sobrepones una séptima menor o dominante, se genera un acorde menor de séptima, de tal manera que la estructura está dada por

Tónica � 3ra menor � 5ta justa � 7ma

De manera similar para los acordes de 9ª, 11ª y 13ª, debe añadirse la nota que cumpla el intervalo correspondiente con la tónica. Pero para el caso de estos tres tipos de acorde es una regla general que siempre contienen a la 7ma. En el caso del acorde de 11va no será necesario incluir la nota de 9na, aunque si será necesario que incluya la 7ma. Lo mismo sucede con los acordes de 13va.

La estructura para acorde menores queda entonces como

Acorde menor de 9na: Tónica, 3ra mayor, (5ta,) 7ma menor, 9na Acorde menor de 11va: Tónica, 3ra mayor, (5ta,) 7ma menor, 11va Acorde menor de 13va: Tónica, 3ra mayor, (5ta,) 7ma menor, 13va

Y

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Acorde mayor de 9na: Tónica, 3ra mayor, (5ta,) 7ma mayor, 9na Acorde mayor de 11va: Tónica, 3ra mayor, (5ta,) 7ma mayor, 11va Acorde mayor de 13va: Tónica, 3ra mayor, (5ta,) 7ma mayor, 13va

Para acordes mayores. En los dos casos la 5ta puede ser omitida.

Dependiendo del tipo de 7ma (mayor o menor), que contenga el acorde, al cual se le añade la 9na, 11va o 13va, resulta en un acorde mayor o menor. Es decir que para un acorde de 9na menor, se agrega una 9na al acorde de 7ma menor. Para obtener un acorde de 9na mayor, se agrega una 9na al acorde de 7ma mayor. El resultado es el mismo para los de 11va y 13va.

Compra un juego de cuerdas extras y guardalas en la funda o estuche de tu guitarra. Es muy molesto que por una cuerda reventada y tengas que parar el ensayo e ir a buscarla a la tienda musical más próxima.

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Capítulo IV

Escala menor. Se deriva de la escala mayor, compuesta igualmente por 7 notas pero tiene tres variedades, menor natural, menor armónica y menor melódica. Utilizada en una gran variedad de géneros. Es importante que la memorices.

Los semitonos para la escala menor se encuentran en los grados II-III y V-VI y lo que diferencia a las tres variedades de escala menor está en los grados VI y VII. En la escala menor natural, todos los grados conservan las alteraciones de su relativo mayor.

Fig. Escala natural menor de La.

En el mástil de la guitarra esta escala luciría como sigue

Fig. Escala de La Menor Natural sobre el mástil de la guitarra.

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Es muy común encontrar el grado VII alterado ascendentemente, de ahí surge el modo armónico de la escala menor.

Se puede catalogar como una de las escalas más utilizadas en los géneros metaleros, aunque un poco difícil de memorizar. Intérpretes como Malmsteen y Moore la introdujeron al metal para darle un toque clásico. El patrón de esta escala está dada por

Fig. Escala menor armónica.

Fig. Escala de La Menor Armónica sobre el mástil de la guitarra.

Si además de alterar el grado VII se altera el grado VI de la escala menor natural resulta en una nueva escala nombrada escala menor melódica. El propósito de la alteración de este grado es el de facilitar el movimiento melódico del VI al VII grado.

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Fig. Escala menor melódica.

Fig. Escala de La Menor Melódica sobre el mástil de la guitarra.

Te repito que las escalas menores son muy recurridas por gran cantidad de guitarristas en varios géneros incluyendo el Rock y el Metal. En el cuaderno de ejercicios encontrarás lecciones con las cuales podrás dominar estas escalas.

Acordes menores. Los acordes menores se caracterizan por tener una distancia tonal entre la tónica y su tercera igual a un tono y medio. Por ejemplo el acorde Do menor está conformado por las notas Do, Mi y Sol, de las que podemos ver que Do es la tónica, Mi es la tercera (a un tono y medio de la tónica) y Sol es la quinta (a tres tonos y medio de la tónica).

Fig. Transformación de un acorde Mayor a Menor.

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Observa el diagrama anterior. Tenemos los acordes Re y Re menor. Lo que convierte la triada de Re en Re menor es la reducción de de la tercera nota a un de dos tonos a un tono y medio. Esto tiene un significado que te ahorrará mucho tiempo en aprender los acordes menores.

Podemos decir entonces que en algunas ocasiones, cuando la tercera nota guarda una distancia de dos notas con la tónica en un acorde mayor, basta con recorrer la tercera nota un traste hacia abajo para conseguir el tono y medio, como puedes verlo en el diagrama.

Arpegio. El arpegio es una técnica en la cual las notas de un acorde no se tocan simultáneamente, sino en una sucesión (una tras otra). Es una técnica muy utilizada en la guitarra, grandes intérpretes la utilizan en sus solos de guitarra incluso.

La garantía de tocar arpegios, es que ninguna nota va a sonar disonante, puesto que pertenecen a un mismo grupo tonal. Puedes agregar al arpegio una séptima o novena de la fundamental, de tal manera que la técnica resulte más completa.

Deberás aprender a tocar arpegios, ya que son la base para una de las más deslumbrantes técnicas de guitarra utilizadas en el Metal. Se trata del sweep picking o barrido, en donde se toca las notas de una sucesión con una velocidad impresionante.

Para el arpegio basta con marcar el acorde con la mano izquierda y con la plumilla en la mano derecha tocar las cuerdas involucradas en el acorde. No hay reglas las cuales te indiquen cual cuerda tendrás que tocar después

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de otra. Mas bien se trata de utilizar el ingenio de cada intérprete y obtener los mejores sonidos posibles.

Ejercicio. Tal vez al principio no sepas por donde empezar con un arpegio, prueba hacerlo con un acorde de sol mayor, comienza a pulsar las cuerdas y deja que un ritmo te lleve, intenta encontrar los sonidos que mas te satisfagan. Utiliza tu metrónomo, elige una velocidad lenta.

Escala pentatónica menor. Se trata de una de las escalas más populares e importantes en la música popular moderna. Una vez que la dominas es fácil de identificar en muchos temas de géneros como Blues, Rock, Metal, incluso en el Pop en solos, riffs y melodías.

Como su nombre lo indica, se trata de una escala compuesta por cinco notas: La tónica, la tercera menor, cuarta, quinta y séptima menor. Si lo prefieres puedes verlos como la secuencia de: tono, semitono, tono, tono, tono, semitono; obsérvalo en la siguiente figura.

Fig. Escala pentatónica, La menor.

Siguiendo la estructura de intervalos que definen a la escala pentatónica menor, la escala pentatónica menor de G estaría formada por

Tónica: Sol Quinta: Re Tercera menor: La # Séptima menor:Fa Cuarta: Do

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Sobre el mástil de la guitarra, hasta el traste doce, luce así

Fig. Escala pentatónica La menor sobre el mástil de la guitarra.

Acordes aumentados, disminuidos, suspendidos. Se trata de acordes con alteraciones cromáticas, pueden ser aumentados o disminuidos en un semitono los grados 2do, 4to, 5to, 9na, etc. La formación de estos acordes está dada por los siguientes intervalos

Aumentados 1ra, 3ra mayor y 5ta aumentada.

Disminuidos 1ra, 3ra menor, 5ta disminuida, 7ma doble dis.

Con estas alteraciones la cantidad de acordes que pueden ser formados aumenta considerablemente, prácticamente sin tener límites. En el jazz son muy utilizados, mientras para el rock y el metal lo son, pero en menor medida.

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Fig. Acordes C disminuido (C Eb Gb A) y C aumentado (C E G#)

Para el caso de los acordes suspendidos, la 3ra puede ser sustituida por la 2da o 4ta, y como consecuencia el acorde no es mayor ni menor, se le asigna entonces el nombre de suspendido.

Fig. Acordes suspendidos Dsus2 y Dsus4.

Tomando como ejemplo el acorde de Re menor, se muestra en el diagrama la alteración de su tercera para formar los acordes Dsus2 y Dsus4. El nombre de los acordes resultantes indica claramente por qué intervalo fue sustituida la tercera.

Progresiones armónicas. Las progresiones armónicas son secuencias de acordes que se encuentran en todos los géneros musicales. La variedad es prácticamente infinita por las variantes que se pueden realizar con ellas. Sin embargo pueden identificarse como tal cuando son interpretadas.

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La progresión de Blues, por ejemplo, utiliza los grados I, IV y VII menor. Es decir que con tocar estos tres acordes puedes tocar secuencias de Blues muy fácilmente. El ejemplo siguiente muestra una progresión que podría utilizarse para tocar algo de Blues en términos de grados.

I7 -IV7 -I7 -I7 -IV7 -IV7 -I7 -I7 � V7 � IV7 � I7 � V7

Asignándole la tonalidad de Mi mayor quedaría de la siguiente manera

E7 � A7 � E7 � E7 � A7 � A7 � E7 � E7 � B7 � A7 � E7 � B7

Cuando a una progresión armónica le asignas alguna escala en forma de melodía, obtienes sonidos bien estructurados. Obtienes una diversidad grande cuando utilizas diferentes tipos de escalas sobre la misma progresión armónica. Incluso puede resultar en sonidos totalmente diferentes al utilizar escalas diferentes sobre la misma progresión.

El Blues. Uno de los géneros mas atractivos para tocar con la guitarra eléctrica es el blues. Se basa en la utilización de las notas de blues o �blue notes� y de patrones repetitivos con estructuras de doce compases. Característico por el uso de técnicas de guitarra muy expresivas como el bend, el vibrato y el slide, que influyeron en estilos como el Rock y posteriormente el Heavy Metal.

El Blues tiene sus orígenes en el sur de Estados Unidos como un canto sin acompañamiento creado por los trabajadores negros de escasos recursos, que después evolucionó a varios géneros incluyendo al Blues. Se han

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identificado rasgos en el Blues que tienen sus orígenes en la música africana.

Cronológicamente se sitúan sus orígenes alrededor de los años 1900 asociado a los tiempos en que los esclavos negros alcanzaron su libertad, abriéndose culturalmente con cantos que reflejan la obtención de su nuevo status social.

Como base melódica, el Blues utiliza la escala mayor mas las notas blues, es decir, terceras, quintas y séptimas (los grados bIII, bV y bVII). Aunque también suele utilizarse una forma reducida cinco grados mas los grados (I, IV, V bIII y bVII). La escala pentatónica menor es un ejemplo que bien puede remplazar las terceras naturales con sus terceras, las séptimas naturales con sus séptimas y las quintas añadidas entre las cuartas y las quintas naturales.

Fig. Notas Blue.

El objeto de las notas de blues es el de evitar los semitonos diatónicos en los grados III-IV y VII-VIII.

En los cuatro primeros compases de los doce característicos del Blues, se interpreta el motivo principal del tema, en los siguientes cuatro se repite con algunas posibles variaciones y termina interpretando un nuevo motivo para los últimos cuatro compases.

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Básicamente, el primero de estos tres segmentos es acompañado armónicamente por el acorde I, el siguiente segmento es acompañado al inicio por el acorde IV y en el compás siete regresa al acorde I, el tercer segmento comienza con el acorde V para retornar al acorde I en el compás número once.

Se conocen muchos temas en donde no existe la estructura de doce compases como tal. Hay variaciones en muchos temas que incluyen ocho compases y otros dieciséis (generalmente el blues tocado en escalas menores) e incluso mucho menos frecuente temas donde se interpreta una estructura de nueve compases.

Para tocar Blues debes saber improvisar. Algunas escalas pueden ayudarte como la pentatónica, la de blues, la dórica y la mixolidia, entre otras.

Fig. Escala de Blues en La menor.

Ejercicio. Genera la progresión de Blues para La mayor con los acordes mencionados anteriormente (I, IV, I, V) con la estructura de doce

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compases, grábala en tu computadora y trata de improvisar con las notas de la escala de Blues mostrada en la figura anterior.

Rock. El Rock tiene sus orígenes en el Blues y la música country por ahí de los años cincuenta en Estados Unidos. Se caracteriza por sonidos fuertes y rudos dominados por la guitarra, el bajo y la batería.

Su popularidad tuvo tal alcance que rápidamente evolucionó a decenas de géneros que actualmente se conocen, entre ellos el Heavy metal, folk rock, blues rock, hard rock, rock, progresivo, rock alternativo, grunge etc. Por esta misma razón resulta muy difícil hablar de la estructura armónica definida del Rock.

El rock como tal tuvo, su evolución partiendo del Rock and Roll, un género totalmente definido armónicamente, donde las progresiones de acordes utilizan los grados I, IV y V. Muchas de las canciones del rock enriquecieron esta progresión para sus temas.

Puede distinguirse en una cantidad grande de temas los siguientes elementos ordenados: Introducción, estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, solo y estribillo.

Algunas de las escalas que pueden ayudarte a desarrollar dentro de este género son la escala jónica, dórica, frigia, lidia, mixolidia, eólica, sin olvidar la muy explotada escala pentatónica.

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Fig. Escala eólica. La (A).

Heavy metal. Se trata de un género musical derivado del Rock que se originó a finales de los sesentas y principio s de los setentas en Estados Unidos. Basándose en singularidades como guitarras sumamente distorsionadas, solos de guitarra largos y sonidos fuertes y agresivos.

El Metal tiene sus inicios con bandas como, Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabath adquiriendo rápidamente popularidad dentro de todo el país americano. Bandas nuevas aportaron nuevos elementos, como el incremento de velocidad y la introducción de rasgos de géneros como el rock punk. Esto hizo evolucionar al género rápidamente y crear variados subgéneros.

El papel de la guitarra eléctrica es fundamental. Los altos niveles de volumen y el agresivo efecto de distorsión, junto con el uso de notas de 5ta en tal grado no tienen precedentes. La guitarra pasa a adoptar el carácter de principal teniendo mucha participación que iguala la condición del vocalista. Incluso hubo la integración de dos y hasta tres guitarristas en bandas como Iron Maiden. Los riffs suelen ser muy elaborados con la

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inclusión de técnicas como el sweep picking, tapping y legato. Los solos muestran una velocidad inusual y un grado de complejidad importante.

El Metal se basa la construcción de sus riffs en tres principales rasgos, progresiones de escalas modales, progresiones cromáticas y usando tritonos y el uso de puntos de pedal (notas extra en una progresión de acordes).

Este género tiene una tendencia a utilizar escalas modales como los modos eólicos y frigio. De tal manera que las progresiones armónicas como la eólica estarían formadas por los grados I-VI-VII, I-VII-(VI), o I-VI-IV-VI y para las progresiones frigias I-.II-I, I-.II-III, o I-.II-VII por ejemplo

Algunas de las escalas que te pueden ayudar a la construcción de solos, riffs e incluso a improvisar son la Escala Natural Menor, Armónica Menor, Pentatónica, Blues, Frigia, Lidia, Rumana, Bizantina, entre otras.

Fig. Escala Frigia. La (A).

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Técnicas de guitarra

Slide

El slide es una técnica de guitarra muy fácil de ejecutar y extremadamente utilizada en los géneros de Blues, Rock y Metal. Consiste en presionar y pulsar una o mas cuerdas sobre algún traste del mástil, sin dejar de pulsar se recorren los dedos hacia algún otro traste (mayor o menor altura), hasta alcanzar otra nota. Al final del movimiento pueden pulsarse o no las cuerdas por segunda vez. Esta decisión de pulsar o no las cuerdas al llegar al traste final distingue al �shift slide� del �legato slide�. El primero hace la segunda pulsación mientras que el segundo la omite. Gráficamente se representan mediante las letras �sl� al pié de la tablatura, justo debajo de las notas afectadas, además de la unión de las notas involucradas con una línea ascendente cuando las notas finales son de mayor altura y con una línea descendente cuando son de menor altura. El �legato slide� se distingue del �shift slide� por la presencia de ligaduras en su representación gráfica.

Fig. Representación gráfica del �Legato Slide� y �Shift Slide�. En esta figura se realiza la técnica para dos cuerdas simultáneamente. Inicia con �Legato Slide� y termina con un �Shift Slide�.

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Existe una técnica que también se conoce como Slide o �bottleneck� (cuello de botella), donde se utiliza un cilindro liso colocado en alguno de los dedos de la mano izquierda. El material puede ser vidrio y generalmente se coloca en el dedo meñique.

La técnica consiste en tocar suavemente las cuerdas con este cilindro, pulsando las cuerdas y deslizando este cilindro a lo largo del brazo de la guitarra. El sonido generado es muy peculiar, pero no es tan común como los Slide que acabamos de revisar.

Vibrato

Seguramente has escuchado este efecto en gran cantidad de temas de Blues

o Metal. El vibrato es una técnica sumamente explotada en estos géneros musicales. Consiste en hacer variar rápidamente la afinación de una nota de manera idéntica que lo hace un cantante con su voz. Estoy seguro de que has escuchado la vibración de la voz de un cantante al final de una nota larga. Cuando pulsas una cuerda y mueves rápidamente la muñeca de la mano izquierda, haces que toda la mano se mueva con ella, incluyendo el dedo con el que estás pulsando. Este movimiento provoca que la cuerda suba y baje rápidamente afectando la afinación de la nota. El rango en el cual varía la altura de la nota es pequeño, pero la velocidad con la que se hace el movimiento permite que la vibración sea apreciable.

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El movimiento de la muñeca es muy similar al movimiento que se haces cuando te acomodas el reloj de mano para que baje a la muñeca, no es nada complicado hacerlo.

La vibración de la nota que produce esta técnica le da cierta vida principalmente a las notas largas, aunque también puede hacerse el movimiento para notas cortas. Seré necesario que domines perfectamente el vibrato en notas largas antes de poder realizarlo en notas cortas.

El �Wide Vibrato� es una variación de la técnica, donde el movimiento de subida y bajada de la cuerda se hace con mayor intensidad. La velocidad de esta variación puede resultar menor, pero la intensidad del movimiento compensa y permite la apreciación de la vibración.

Una línea ondulada sobre la tablatura representa el vibrato. Su longitud ocupará el espacio en la tablatura que dure la ejecución de la técnica. El �Wide vibrato� es representado por una línea de ondulaciones mas intensas.

Fig. Vibrato (Izquierda) y �Wide vibrato� (derecha). Observa que la longitud concuerda con la duración del efecto.

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Hammer On y Pull Off

Con el Hammer On puedes tocar dos notas sobre la misma cuerda, una seguida de otra, con una sola pulsación de la cuerda. De manera similar al Legato Slide. Solo que esta vez no será necesario desplazar el dedo hacia el siguiente traste, sino que habrá que golpear y mantener presionado el segundo traste con la ayuda de otro dedo.

Puedes intentarlo presionando con el dedo índice la sexta cuerda en el primer traste. Pulsa la cuerda, golpea con el dedo anular el tercer traste de la misma cuerda y deja presionado sin volver a pulsar la cuerda con la plumilla. El cambio en la nota fue abrupto, ¿cierto? Esta técnica es mejor apreciada con la presencia de un efecto de distorsión en la guitarra.

La utilización de esta técnica incrementa sustancialmente la velocidad de los guitarristas y es la base para la ejecución de la técnica de Legato, la cual, la mayoría de guitarristas quiere llegar a dominar.

Trata de realizar el ejercicio que acabas de ejecutar a la inversa. Es decir, pulsa la sexta cuerda presionando en el tercer traste con el anular. Una vez que la nota esté sonando y sin pulsar de nuevo la cuerda, libera el anular para hacer que la nota baje al primer traste, donde el índice ya estaba presionando. Esta técnica se denomina Pull Off.

Se distinguen en la tablatura estas dos técnicas por una ligadura sobre las notas involucradas y de la aparición de las letras H para Hammer On y P para Pull Off en la parte baja de la tablatura.

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Fig. Escritura del Hammer On y Pull Off. Observa que el Pull Off en esta tablatura se hace sobre una nota generada de un Hammer On previo.

Bend

La técnica del bend le da un toque muy especial al sonido de la guitarra. Algunos guitarristas prácticamente hacen llorar sus instrumentos con este movimiento. Se trata simplemente de subir el tono de la nota interpretada, mediante un el deslizamiento de la cuerda hacia arriba o abajo sobre el mismo traste, una cosa parecida al vibrato. Te explicaré con más detalle.

Cuando presionas una cuerda sobre un traste, la tienes sujeta. Si pulsas la cuerda y mueves el dedo hacia arriba sobre el mismo traste la cuerda sigue el mismo movimiento debido a la presión que estás ejerciendo sobre ella. Este movimiento hace que la nota original aumente su tono en una cantidad proporcional al desplazamiento de tu dedo. Es decir, para aumentar la nota en un tono deberás aplicar mayor desplazamiento y fuerza que para aumentarla en medio tono o un cuarto de tono.

El aumento en la altura de la nota a la que se le aplica el bend suele indicarse en la tablatura con ¼ para un cuarto de tono, ½ para medio tono y Full para un tono completo, y así para ¾ , 1 ¼ , etc.

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Cuando ejecutas el bend y la cuerda sigue sonando tienes dos opciones. Mantener la cuerda y la nota arriba (bend and hold), liberar la tensión de la cuerda hasta llegar a la nota original (bend and release). Cada una de estas variaciones tiene su representación gráfica en la tablatura.

Existe una variación más denominada pre-bend, que se trata de estirar la cuerda con el dedo de igual manera que el bend pero sin pulsar la cuerda hasta esta esté arriba. De esta manera solo se aprecia el sonido que sigue posterior al estiramiento, ya sea el hold o el release.

Fig. Representación gráfica de las variedades de la técnica Bend.

En la figura puedes observar de izquierda a derecha al Bend (a un tono), Bend and release (a ¼ de tono), Bend and hold (a un tono), Pre-Bend (a un tono), Pre-Bend and Release (a ½ tono) y Pre-Bend and Hold (a un tono).

Finger Picking

El Finger Picking consiste en pulsar las cuerdas de la guitarra con los dedos, como generalmente se hace con las guitarras acústicas, en vez de usar una

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plumilla o púa. El sonido que obtienes es más suave y muy eficiente para realizar arpegios. El efecto de distorsión, en este caso no es muy conveniente.

Esta técnica no es tan común en los géneros musicales rudos, sin embargo puede escucharse en más de un tema de rock y Metal. Un ejemplo clásico sería la introducción de �Nothing Else Matters� de Metallica.

La forma de ejecutar esta técnica no es única, depende del tema que se va a interpretar, sin embargo podemos decir que el pulgar de la mano derecha se debe ocuparse para la sexta, quinta y cuarta cuerda casi exclusivamente, el índice para la tercera, el medio para la segunda y el anular para la primera. Te repito que no se trata de una regla, sino de una forma cómoda de ejecutar la técnica. En varias ocasiones tendrás que utilizar el índice para la cuarta cuerda, incluso para la quinta.

Procura apoyar el pulgar en la sexta cuerda cuando no tengas que pulsarla, te dará mayor estabilidad y seguridad en los dedos restantes.

Palm Mute

El palm mute es una de las técnica mayormente utilizadas en el Metal. Junto con la distorsión le da a la guitarra un efecto muy agresivo y apagado comúnmente utilizado con los acordes de quinta para acompañamiento de fondo.

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La técnica se consigue apagando las cuerdas con la mano derecha mientras las pulsas con la plumilla. Lo mas seguro es que hasta ahora recargues la mano derecha en el puente de la guitarra para obtener estabilidad a la hora de pulsar cada cuerda con precisión. Ahora deberás recorrer esa misma posición solo un poco dentro de las cuerdas. El sonido que obtengas al pulsar las cuerdas deberá ser apagado, pero no totalmente. Si el sonido resultante es totalmente apagado quiere decir que recorriste la mano más de lo debido, regrésala un poco hacia el puente, hasta que obtengas un sonido en donde puedas distinguir la nota tocada.

Prueba hacerlo primero tocando las cuerdas sexta y quinta, es en estas en donde es más fácilmente identificado el sonido de la técnica. En sonidos agudos se vuelve un poco menos fácil de reconocer, por lo tanto un poco menos común en estas notas.

El palm mute se indica en la tablatura con la aparición de las letras P.M. sobre las notas que se verán afectadas.

Fig. Representación de la técnica de Palm Mute en la tablatura.

Durante la aplicación de la técnica podrás tocar cuantas cuerdas puedas abarcar con la plumilla. La utilización de los dedos para esta técnica no sirve

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de mucho, ya que no ofrecen la fuerza necesaria para obtener el sonido característico de la técnica.

Armónicos Naturales

Cada vez que pulsas una cuerda en la guitarra, obtienes un sonido que se compone de una fundamental y otros sonidos llamados armónicos que vibran con frecuencias múltiples a la fundamental. Todos en conjunto generan el sonido tal como lo escuchamos. Las técnicas denominadas armónicos apagan algunos de estos sonidos que acompañan a la fundamental y generan un sonido que se asemejan al timbre de las campanas.

Para obtener este sonido debes tocar ligeramente sin presionar por completo una de las seis cuerdas exactamente sobre los traste (entiéndase la laminilla vertical que se colocan sobre el mástil) doce, cuatro, cinco, siete, nueve, doce, diecinueve y veinticuatro. Cuando pulses la cuerda debes retirar el dedo de la mano izquierda, verás que el sonido toma su verdadera forma.

Cuando lo hagas por primera vez procura que sea sobre el traste doce, ya que es mayormente audible el armónico de cualquiera de las cuerdas sobre este traste.

La razón por la que los armónicos naturales son generados en los trastes antes mencionados, tiene una explicación física. Como las harmónicos vibran con frecuencias múltiples a la fundamental, sus longitudes de onda coinciden con la longitud de la cuerda y sus divisiones en dos, tres, cuatro, cinco, seis,�

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y �n� partes. Algunos de los nodos de vibración de estos harmónicos coinciden con algunos de los trastes en la guitarra. Cuando colocas el dedo ligeramente sobre la cuerda en algún traste eliminas aquellos armónicos cuyos nodos no coinciden con ese traste. Cuando lo haces sobre trastes que no coinciden con ningún nodo de ningún armónico apagas por completo el sonido.

Puedes identificarlos en la tablatura por las letras N.H. que se colocan sobre los armónicos en juego. Los números de los trastes se encierran en corchetes.

Fig. Armónicos naturales. Sobre el 7mo y 5to trate.

Tapping

El tapping es una de las técnicas mas sorprendentes de la guitarra eléctrica, aunque en realidad aplica para cualquier instrumento de cuerdas. Su propagación en el mundo del Rock se dio a partir de que Eddie Van Halen utilizó esta técnica en algunos de sus solos, y logró la consagración del movimiento en su tan famoso tema �Eruption�. En el mundo del Metal tuvo entonces presencia, contando con una gran variedad de guitarristas que aplican esta técnica hoy en día.

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Cuando logras dominar la técnica obtienes una herramienta muy poderosa para incrementar la velocidad de tus riffs, además de poder jugar con intervalos más grandes que eran imposibles de tocar con las técnicas convencionales. El empleo de las dos manos para desplazarse a lo largo del mástil sin necesidad de pulsar las cuerdas con la plumilla, es lo que le da a esta técnica esta posibilidad.

Su ejecución no es complicada, tiene el mismo principio que el Hammer On, solo que el dedo con el que martilleas, esta vez, pertenece a la mano derecha. Inténtalo pulsando la tercera cuerda en su modo abierto y ahora martillea con el dedo medio de la mano derecha en el traste doce. El sonido es idéntico al Hammer On, ¿verdad? Hazlo de nuevo pero esta vez, después de martillear, retira el dedo con un movimiento muy ligero hacia abajo. Haz logrado obtener el mismo sonido que en PulL Off, perfecto. El movimiento hacia abajo tiene una función similar que cuando pulsas la cuerda. Si intentas de nuevo el movimiento pero retirando el dedo sin hacer el movimiento hacia abajo te darás cuenta de que el sonido es débil.

El tapping puede hacerse sobre varias cuerdas, la versatilidad de la técnica dependerá del ingenio con que la uses. Procura obtener un sonido limpio desde el principio, de nada sirve tener velocidad en las manos cuando el sonido que producen no es nítido. Empieza lento, solo así dominaras la técnica a la perfección. Recuerda siempre que la mano izquierda se encargará de presionar sobre los trastes con notas mas graves, utilizando los dedos con los que te sientas más cómodo.

En la tablatura encontrarás señalada la técnica con una letra T debajo de la nota que martillea.

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Fig. El Tapping se representa con la letra T debajo de la nota que se produce por el golpeteo.

Armónicos Artificiales

Una técnica un poco mas complicada de ejecutar de las que hasta ahora hemos visto es la de armónicos artificiales. Con ella puedes obtener agudos chillantes de la guitarra para cualquier nota que toques. En esto difiere con los armónicos naturales que solo se pueden obtener en ciertos trastes a lo largo del mástil.

El dominio de esta técnica refleja en cierta medida la capacidad de un guitarrista para tocar extraordinarios riffs de Rock y Metal, géneros donde la presencia de los armónicos naturales son casi imprescindibles. Su utilización le da un toque especial a los riffs y solos de guitarra.

La técnica consiste en presionar cualquier cuerda en cualquier traste y pulsarla con la plumilla. Inmediatamente después de que pulsaste la cuerda deberás rozarla con el pulgar de la mano derecha, la que lleva la plumilla. La pulsación de la cuerda con la plumilla y el roce debe hacerse en un solo

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movimiento. Debes aprovechar el movimiento de caída del pulgar que tiene lugar después de pulsar la cuerda para acercarlo y lograr el roce.

Tendrás algunos problemas al principio para obtener el sonido chillante. Te recomiendo que logres obtenerlo antes de realizar los ejercicios para esta técnica. La posición de la plumilla es vital para obtener el sonido, sujeta la plumilla más cerca de la punta que de lo acostumbrado.

Deberás utilizar un efecto de distorsión con la guitarra para obtener un sonido más lúcido y chillante. Realiza los ejercicios del cuadernillo con este efecto. Prueba pulsar las cuerdas en diferentes partes a lo largo del espacio que hay entre el puente de la guitarra y el traste veinticuatro. Podrás identificar diferentes armónicos cambiando el lugar en el que pulsas la cuerda para un mismo traste.

Fig. A.H. es el símbolo que identifica la ejecución de un armónico artificial en la tablatura.

Sweep Picking

Se trata de una técnica de velocidad, con los mismos principios de ejecución que el arpegio. Sin embargo en ésta se hace un barrido hacia abajo o hacia arriba de las cuerdas en vez de hacer un movimiento de pulsación para cada cuerda.

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Para cualquier guitarrista principiante la técnica no es fácil de aplicar. Es sumamente importante como en todas las ejecuciones de guitarra que el sonido se claro. Puede ser que te cueste más tiempo dominar esta técnica que las anteriores. No te decepciones, tardarás un buen tiempo antes de que consigas la velocidad necesaria para que suene sorprendente.

El Sweep Picking requiere una gran coordinación entre la mano izquierda y la derecha, ya que la cuerda deberá ser pulsada en el momento exacto en que la mano izquierda logra la presión sobre el traste. Suena muy sencillo, ¿verdad? Pues esto se complica para velocidades altas. Por eso es más que importante que te asegures de ejecutar adecuadamente los movimientos a velocidades bajas y gradualmente llegar a la velocidad que deseas. Esta técnica suena muy bien utilizando un distorsionador.

El movimiento de los dedos de la mano izquierda deberán ser sumamente rápidos cuando hayas dominado la técnica. Los riffs donde hay dinámica en la mano izquierda son mas sorprendentes que aquellos donde mantienes los dedos fijos marcando algún acorde, sin embargo esta última forma de utilizarlos es ideal para comenzar a desarrollar la técnica. Una vez que hayas captado la idea del barrido en la mano derecha podrás incursionar en la dinámica de la mano izquierda.

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Fig. Los símbolos debajo de la figura indican el sentido en que deben ser pulsadas las cuerdas (V hacia arriba y . hacia abajo).

Legato

Es una de las técnicas más populares de la guitarra eléctrica. Básicamente se trata de utilizar la plumilla lo menos posible y obtener sonidos demasiado rápidos. Es una técnica avanzada orientada a guitarristas experimentados, sin embargo te la explico aquí por que seguramente escucharás mucho acerca de ella y querrás saber de que se trata.

El legato es una serie de notas tocadas una detrás de otra con suma rapidez y basándose en técnicas que anteriormente te expliqué con el propósito de alcanzar velocidades impresionantes. Puede resultar que la plumilla sea menos veloz que los dedos de la mano izquierda y llega al punto de quitarte tiempo en usarla para cada nota que toques.

Lo que ganas al quitar pulsaciones con la plumilla es tiempo. La técnica se basa en la utilización de del Hammer On y Pull Off, las cuales ya conoces y seguramente estas por dominar a estas alturas. Seguramente ya has experimentado la velocidad que puedes alcanzar con la utilización de ellas. Otra técnica que colabora enormemente a incrementar tu velocidad es el tapping, muy común en el Legato.

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El secreto para dominar esta técnica es la paciencia. Ten mucha paciencia, tarde o temprano llegarás a dominarla, es cuestión de perseverancia. Deberás concentrarte en dominar las técnicas anteriores antes de intentar incursionar en esta. Recuerda que se trata de algo un poco avanzado para principiantes.

Observa en la figura que solo hay una pulsación por cada cuerda. Se minimiza la necesidad de pulsarlas con ayuda del Hammer On.

Fig. Fragmento de una lección de Legato. Los �.� indican el lugar donde se debe pulsar la cuerda.

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