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Historia de
la Ópera
Parte - 2El período Barroco
C'est lui on les dieux ont fait choix Ópera Isis – Jean Baptiste Lully
El Barroco - La Opera Italiana - Revolución Musical del Siglo XVII
El Barroco, es una palabra que designa un estilo artístico y también un período que se extiende desde principios del XVII hasta la segunda mitad del siglo XVIII, se modifica profundamente, el mapa musical de Europa.
El periodo Barroco ocupó una época importante de grandes cambios en la historia de la humanidad. Por ejemplo, Galileo, Kepler y Newton estaban descubriendo nuevas formas de explicar el universo.
En la música, las artes, la arquitectura y la moda, la decoración y ornamentación sofisticada se convirtieron en norma.
La influencia italiana se extiende por todos los países, sobre todo en el campo de la Opera y en el de la música instrumental.
La ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como al oído. El decorado, la tramoya y los efectos escénicos se desplegaban buscando el mayor efectismo.
Otras de sus características fueron: la teatralidad, el dramatismo y su utilización como medio para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, principalmente ligados a celebraciones cortesanas y en particular bodas principescas.
Un exponente del decorativo estilo vocal barroco y en verdad la estrella de la ópera barroca y su creación más extravagante fue el castrato. El cantante era sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda, de soprano, mezzo-soprano o contralto.
Uno de los más famosos e internacionalmente conocidos fue el italiano Carlo Broschi “Farinelli” (1705–1782).
La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. En el caso de la opera seria, se apoyaba en elementos de la historia y la leyenda clásicas; prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y su correspondiente música.
La ópera seria fue elevada en tono y altamente estilizada en forma, consistiendo generalmente en recitativo seco, intercalado con largas arias “da capo”. Esto produjo grandes oportunidades para el virtuosismo vocal y durante la era dorada del barroco, el cantante se convirtió en la gran estrella de la ópera.
Características Musicales
Las características más definitorias de la ópera barroca son:
El uso del bajo continuo, que facilitó el desarrollo de la armonía tonal y el gusto por los fuertes contrastes sonoros, entre coros, entre familias instrumentales ó entre solista y orquesta, materializado en la policoralidad y el estilo “concertante”.
Ricordati che seiÓpera Farnace - Vivaldi
Había escenas corales pero pocas de conjunto. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera. La acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "seco", así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos.
En tanto que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales. Tenían una gran riqueza de coloratura, capacidad para conmover y belleza
La partitura consistía fundamentalmente en la parte vocal y en la línea del bajo; se esperaba que los clavecinistas y los tañedores de instrumentos pulsados (guitarra, mandolina , laúd) improvisaran armonías partiendo de las indicaciones escritas sobre la línea del bajo.
La orquesta, casi invariablemente, constaba de una sección de cuerdas que en ocasiones se vería reforzada por un fagot; más tarde se añadieron oboes, flautas y trompas; también podían utilizarse instrumentos de metal.
Compositores de Ópera del período Barroco
(1600-1750)
Pietro Francesco Cavalli (1602-1676)Marco Antonio Cesti (1623-1669)Francesco Provenzale (1627-1704)Jean Baptiste Lully (1632-1687)Alessandro Stradella (1645-1682)Henry Purcell (1659-1695)Alessandro Scarlatti (1660-1725)Apostolo Zeno (1668-1750)Antonio Vivaldi (1678-1741)Jean-Philippe Rameau (1683-1767)Georg Friedrich Haendel (1685-1759)Pietro Trapassi (1698-1782)Johann Adolph Hasse (1699-1783)Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)
La Ópera en Francia
En 1671 se fundó la Academie Royale de Musique, principal impulsora de la “Grand Opéra” francesa.
Fue sobre todo con el rey francés Luis XIV, el "rey sol", cuando la ópera se convirtió en el escaparate teatral del gobernante absoluto. En Versalles, se introdujo el ballet a la ópera, en buena medida porque el propio rey era un entusiasta bailarín.
La danza siguió siendo un rasgo característico de la ópera francesa, al principio como expresión del orden jerárquico del estado pero más tarde porque se convirtió en el espectáculo favorito.
La ópera francesa recibió su forma y consistencia de Jean Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Combinó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza.
La más importante comedia-ballet fue “Le bourgeois gentilhomme” (1670), realizada junto con Molière y que se hizo famosa más tarde debido al tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento.
Les SauvagesÓpera Les Indes galantes - Rameau
La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragedia lírica, una forma característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos ó con música detalladamente compuesta.
Contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas.
Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767).
Sus argumentos los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los temas exóticos, como “Les Indes galantes” (1735).
A la música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los dogmas del racionalismo.
La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección principal rápida, a menudo fugada.
La redacción del texto poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de París y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital.
La Ópera en Inglaterra
La aparición de la ópera en Inglaterra se retrasó debido a la guerra civil y a la Commonwealth (1642-1660). Cromwell y los puritanos despotricaron contra las diversiones públicas y prohibieron el teatro y la ópera. El rey Carlos II anunció la Restauración en 1660, incluyendo la restauración del drama isabelino de Shakespeare.
Hubo representaciones de obras de Shakespeare, de ampulosas piezas históricas y comedias francesas. Henry Purcell (1659-1695), el más destacado compositor inglés, escribió música incidental (The Fairy Queen, King Arthur, etc.) para cuarenta y siete de estas piezas, ampliándolas con canciones, coros y bailes
Su única ópera propiamente dicha, “Dido and Aeneas”, representada en 1689, ópera de cámara, escrita para un corto número de personajes e instrumentos de cuerda, ofrece una variante de las óperas-ballet y relata el desdichado amor entre la reina de Cartago y el héroe troyano.
Los breves y melodiosos números musicales adquieren un colorido vívido y característico a causa de la utilización de armonías atrevidas. El adiós de Dido, cantado justo antes de ascender a la pira funeraria, es un sucesor hondamente conmovedor del Lamento d'Arianna de Monteverdi y de otros innumerables lamentos operísticos.
Por instigación de Jonathan Swift, el poeta John Gay escribió The Beggar's Opera en 1728; situada en el submundo criminal, consta de canciones populares, danzas y melodías bien conocidas, arregladas por John Christopher Peppusch, un inmigrante de Berlín.
No fue sino a comienzos del siglo XVIII cuando la ópera italiana hizo de Londres un baluarte del “bel canto”. Los empresarios privados tuvieron un buen éxito al trasplantar a Londres el florecimiento de la ópera en el continente.
Ombra mai fuÓpera Serse - Handel
Georg Friedrich Haendel
Uno de los compositores traído a Londres fue Georg Friedrich Haendel, que había nacido en la ciudad de Halle, Alemania en 1685, el mismo año de Johann Sebastian Bach y que murió en Londres siendo ciudadano británico en 1759.
Es considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los mejores y más influyentes compositores de la música occidental.
Su inmenso legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.
Llegó a Londres desde Hanover en 1711 y desplegó una energía casi sobrehumana escribiendo ópera tras ópera para el teatro que dirigía.
Alcanzó sus primeros éxitos en el Theater am Gänzemarkt de Hamburgo. Estudió la ópera italiana sobre el terreno, llegando a ser músico favorito del público en Roma y en Venecia, como clavecinista y como compositor de ópera, y en 1709 los italianos quedaron cautivados por "il caro sassone" cuando representó su ópera Agrippina con vestuario clásico.
Haendel presenta figuras de la mitología y la historia antiguas finamente delineadas contra un decorado que es suntuoso y en ocasiones de carácter oriental
Se apoya invariablemente en el vigor melódico del aria “da capo” y utiliza pocos conjuntos, a pesar de que su lenguaje orquestal es muy colorista y pleno de matices.
En las manos magistrales de Haendel la ópera barroca italiana alcanzó su culminación. La melodía y el ritmo son supremos. La gestualidad expansiva de la ópera barroca queda legitimada por la infalible capacidad de Haendel para la expresión emocional.
La ópera final de Haendel “Serse” (1738) es un puente entre el barroco tardío y el rococó; se aproxima claramente al nuevo estilo con su yuxtaposición de pathos, lirismo y comedia.
Su expresión emotiva tiene gran hondura y dignidad, sus escenas de la naturaleza son impactantes y concisas, y sus cantinelas, como el célebre "Largo" de Serse, son de gran amplitud y de un ritmo claramente definido.
Sus oratorios bíblicos, empezando en 1742 con “Messiah”, eran óperas adornadas con vigorosos coros, ejemplares narraciones dramáticas que han quedado generalmente como modelos excelsos en su género.
El teatro de Haendel, con su superabundancia de figuras heroicas, las intrigas en que andaban enredados primadonnas y castratos, los decorados ostentosos y el público londinense anhelante de sensaciones, impulsó en su conjunto la sátira y la burla.
Crude FurieÓpera Serse - Handel
La Ópera en Italia
El culto barroco a la ópera tenía en sí mismo a su peor enemigo. Los cantantes, especialmente los castratos se erigieron en déspotas. A los libretistas se les quemaban las pestañas de tanto escribir. La autocopia, la producción masificada y el manierismo eran inevitables. En realidad no había un repertorio; el público quería óperas recién salidas de la pluma.
Gradualmente, Venecia, donde los compositores habían permanecido más o menos fieles al austero estilo de Monteverdi, cedió la supremacía a Nápoles, que era la mayor ciudad de Italia a principios del siglo XVIII, con 300,000 habitantes y consecuentemente, la ciudad con mayor exigencia de diversiones.
La escuela napolitana se puso pronto a la cabeza del género. Francesco Provenzale (1627-1704), fue uno de los primeros compositores Napolitanos. Fue profesor en el Conservatorio de Sta. María di Loreto y luego profesor en el Conservatorio de Turchini.
Es autor de “Lo schiavo di sua moglie”, “Difendere l´offensore” y otras seis óperas, nueve cantatas y música sacra.
Alessandro Scarlatti (1660-1725), uno de los más grandes compositores Napolitanos compuso ciento quince óperas, ciento cincuenta oratorios y alrededor de seiscientas cantatas. Fue maestro de capilla de la corte en su ciudad natal y más tarde en Florencia, donde fue protegido por Fernando de Médicis.
Entre sus óperas más importantes figuran: “L´Errore Innocente”, “il Pompeo”, “L´honesta negli amori”, “Ovvero gli equivoci nel sembiante” y otras.
Compuso también 200 misas y una serie de Oberturas con varios tiempos ó movimientos, de las cuales se derivarían más tarde las Sinfonías clásicas.
Con su ópera “Rosaura” introdujo innovaciones en el recitativo, el Aria y comenzó a utilizar la Obertura Italiana ó Sinfonía con un esquema organizativo de los movimientos o tiempos (Allegro-Lento-Allegro) y una formación orquestal muy similar a la de los primeros sinfonistas clásicos (Sammartini, Stamitz, Monn, Haydn).
El mérito especial del estilo italiano meridional fue su ligazón con la “commedia dell'arte”, que aportó un esfuerzo hacia el realismo y la introspección psicológica, de modo que las figuras estereotipadas resultaron más humanas y aportaban más encanto sensual hacia la melodía y el color tonal.
Sensualidad, ingenio y comedia hicieron de la Ópera Buffa Napolitana un modelo que perduró hasta Mozart, Rossini y Donizetti.
Antonio Vivaldi (1678-1741), compositor y violinista veneciano, uno de los más grandes compositores del período barroco
Es universalmente conocido, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta “Las cuatro estaciones”. Esta obra, que forma parte del ciclo de su Opus 8 “il cimento dell'armonia e dell'inventione",
Fue también compositor y empresario de óperas en Venecia y viajaba a Roma, Mantua y otras ciudades para supervisar las representaciones de sus óperas.
Artaserse OvertureJohann Adolph Hasse
Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha Triumphans, el Gloria, Misas y Motetes.
Sus óperas más famosas son:
Ottone in Villa (1713) La costanza trionfante degli amori e degl'odii (1716) La Coronación de Darío (1717) Tito Manlio (1719) Teuzzone (1719) il Giustino (1724) Dorilla in Tempe (1726) Orlando Furioso (1727)Farnace (1727)Motezuma (1733) La Olimpiada (1734) il Tamerlano (1735) Griselda (1735)
El Rococó
En la nueva ópera barroca había surgido la costumbre de insertar intermedios cómicos, farsas, en medio del tono aceptado y marchito del estilo heroico de la opera seria, tratando de dar cierta variedad a la diversión del público, que era bastante versátil en cuanto a sus preferencias operísticas.
Uno de estos interludios hizo historia en la ópera convirtiéndose en el prototipo de ópera cómica. Fue “La Serva Padrona” de Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736).
El periodo rococó se estaba iniciando, con sus formas elegantes, delicadas, su estilo galante y su sentimentalismo.
En la música tuvo lugar un proceso de transición gradual. El bajo continuo, se batía en retirada paso a paso.
Los instrumentos para continuo fueron perdiendo importancia: sólo el clave se mantuvo como soporte de los recitativos seco. Todo esto ocurrió de la mano de un cambio del gusto.
El contrapunto escolástico cayó en descrédito como un corsé pasado de moda. La gente había oído ya más que suficientes fugas, cánones y otros artificios polifónicos. Este rígido estilo de escritura se mantuvo más tiempo en la música religiosa.
Los racionalistas franceses proclamaron que el objetivo del arte era “Imitar la Naturaleza". Esto no significa copiar o remedar los aconteceres naturales sino más bien actuar como lo haría la naturaleza en un medio determinado.
La gente llevaban lunares en el rostro, vestía ropajes de pastoras y llevaba el corazón en la mano.
Como en los primeros días de la ópera, se adjudicó la mayor estimación a la monodia, al canto sencillo con un acompañamiento vivaz, una voz que sale del corazón antes que un virtuoso despliegue de destreza vocal.
Intermezzo La Serva Padrona - Pergolesi
La grandeza del compositor no reside en las estructuras contrapuntísticas espléndidamente ingeniosas sino en líneas melódicas expresivas, subjetividad convincente e individualidad estilística.
Al estar más cercana a la realidad, la Ópera Buffa empezó a destacarse, en tanto que la opera seria se fue esclerotizando gradualmente hasta convertirse en el arte de prestigio de las cortes.
La ópera heroica sobre los temas griegos y romanos, ya en su fase final, tuvo dos figuras con autoridad en medio de las hasta entonces poco consideradas filas de los libretistas.
Ambos fueron poetas cortesanos en Viena: el veneciano Apostolo Zeno (1668-1750) y Pietro Trapassi (1698-1782), de Roma, que se hizo llamar Metastasio.
El propósito declarado de Zeno era que la ópera debía fomentar la virtud presentando personajes nobles abocados a desenlaces felices después de haber superado los obstáculos.
Metastasio, cuyos libretos fueron utilizados incluso por Mozart, abordó los mitos y la historia en forma de complicadas intrigas y escribió versos eufónicos y llenos de vocales y símiles floridos, en italiano, por supuesto.
Johann Adolph Hasse (1699-1783), que había abandonado su región natal de Hamburgo para hacerse un nombre en Italia, estableció las nuevas formas estilísticas, con el acento en la emoción, tanto en la música instrumental como en la ópera, escribiendo sinfonías dulcemente melódicas y algunas óperas que responden plenamente al estilo galante, rococó, como “Artaserse” y “Catone in Utica”.
La lengua excelsa e inatacable de la escena operística durante todo el período rococó fue la italiana, excepto en París y, ocasionalmente, en Londres.
Para casi todos los compositores era aún forzoso escribir óperas. Sólo el teatro ofrecía éxito popular. La música instrumental era aún un producto marginal. El equilibrio no se alcanzó hasta los inicios del período clásico.
F I N
AVM 12.02.2012Referencia:http://www.weblaopera.com/primera.htm
