Balthasar-Neumann-Chor und EnsembleThomas Hengelbrock directionDetlef Bratschke préparation du chœur Agnes Kovacs sopranoRoxana Constantinescu, Annelie Sophie Müller mezzo-sopranoLinard Vrielink ténorAndré Morsch barytonKiril Chobanov basse

résonances 19:30 Grand AuditoriumArtist talk: Thomas Hengelbrock im Gespräch mit Tatjana Mehner (D)

04.12.2019 20:00Grand Auditorium

Mercredi / Mittwoch / WednesdayGrands classiques

Piotr Ilitch Tchaïkovski (1840–1893)Adagio molto en mi bémol majeur (Es-Dur) (1863/64)5’

Pavel Tchesnokov (1877–1944)Dix Hymnes pour la Communion op. 25: N° 5 «Spasenie sodelal»

(Le Salut a eu lieu / Taten der Rettung wirkt er) (1912)4’

Angelus op. 40: N° 2 «Sovet prevechnyi» (La Volonté éternelle / Den urewigen Ratschluss) (date inconnue)

4’

Hymne des Chérubins (Cherubim-Hymnus) op. 27 N° 5 (date inconnue)

7’

Alexandre Glazounov (1865–1936)Thème et variations pour orchestre à cordes en sol mineur (g-moll)

op. 97 (1895) 1. Thema (Moderato) 2. Var. I 3. Var. II (poco più mosso) 4. Var. III (Tranquillo) 5. Var. IV (Moderato scherzando) 6. Var. V (Allegro moderato) 7. Var. VI (Allegretto) 8. Tempo primo13’

César Cui (1835–1918)Magnificat op. 93: «Velichit dusha moya Gospoda» (Mon âme loue le

Seigneur / Meine Seele lobet den Herrn) pour soprano solo et voix mixtes (1914)10’

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Camille Saint-Saëns (1835–1921)Oratorio de Noël op. 12 pour solistes, chœur, cordes, harpe et orgue

(1858) N° 1: Prélude (dans le style de Jean-Sébastien Bach) N° 2: Récit et Chœur: «Et pastores erant – Gloria in altissimis Deo» N° 3: Air: «Expectans, expectavi Dominum» N° 4: Air et Chœur: «Domine, ego credidi – Qui in hunc mundum venisti» N° 5: Duo: «Benedictus, qui venit in nomine Domini» N° 6: Chœur: «Quare fremuerunt gentes» N° 7: Trio: «Tecum principium» N° 8: Quatuor: «Alleluia» N° 9: Quintette et Chœur: «Consurge, Filia Sion» N° 10: Chœur: «Tollite hostias»40’

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Harpe, orgues et voluptés sonoresLaetitia Le Guay-Brancovan

Piotr Ilitch Tchaïkovski, Adagio molto en mi bémol majeur pour quatuor à cordes et harpe Tchaïkovski a moins de vingt-cinq ans lorsqu’il écrit son Adagio molto en mi bémol majeur, l’une des nombreuses pièces composées pendant ses études au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. L’éta-blissement, flambant neuf, a été créé par le pianiste et compositeur Anton Rubinstein. Il s’est ouvert l’année même où Tchaïkovski y est entré. Concertiste de réputation internationale, ami de Liszt, Chopin, Mendelssohn et bientôt de Saint-Saëns qui écrira pour lui son Concerto pour piano N° 2, Anton Rubinstein a voulu doter la Russie d’un enseignement musical professionnel. Son frère Nikolaï fit de même à Moscou en 1866, en y fondant à son tour un conservatoire.

Élève d’Anton Rubinstein pour l’instrumentation et de Zaremba pour le contrepoint et l’harmonie, Tchaïkovski s’essaie à tous les effectifs : piano, musique de chambre, orchestre symphonique, chœur. Exercices d’étude, certaines de ses pages n’en entreront pas moins dans son catalogue définitif : tel l’Impromptu en mi bémol mineur pour piano qui, avec un Scherzo à la russe, sera publié sous le numéro d’opus 1, ou l’ouverture symphonique L’Orage op. 76, d’après la pièce d’Ostrovski qui inspira plus tard à Janácek son opéra Katia Kabanova.

L’Adagio molto est conçu pour quatuor à cordes et harpe, instrument familier des salons de l’aristocratie et de la grande bourgeoisie russes où l’on faisait de la musique, mais il est joué ce soir par

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un orchestre à cordes. Trois parties se succèdent, la harpe n’inter-venant qu’au milieu en égrenant des arpèges. Le début et la réexposition sont confiés aux seuls instruments du quatuor dans une écriture évoquant Ludwig van Beethoven.

Avec les trois autres mouvements de quatuor composés égale-ment en 1863/64, l’Adagio molto témoigne déjà de l’attirance de Tchaïkovski pour le quatuor à cordes, genre que les compositeurs n’abordent souvent qu’à la maturité. Il en composera trois par la suite, qui, par le professionnalisme de leur écriture et leur puissance d’inspiration, compteront parmi les premiers de l’école russe. L’Adagio molto ne fut édité pour la première fois qu’en 1967 par les éditions Muzyka à Moscou.

Pavel Tchesnokov « Spasenie sodelal », « Sovet prevechnyi » et Hymne des Chérubins Le chant orthodoxe russe connut une véritable renaissance à la fin du 19e siècle, dans un esprit comparable à celui qui inspirait le Groupe des Cinq. Elle se fit sous l’impulsion de l’Institut synodal de Moscou, alors principal établissement d’enseignement du chant religieux en Russie. L’Institut synodal avait, par ailleurs, un chœur très réputé. L’idée de cette réforme, dont l’un des pionniers fut le compositeur et musicologue Alexandre Kastalski (1856–1926), était de dégager la musique religieuse des influences italiennes et germaniques pour revenir aux sources nationales et populaires du chant religieux. Une nouvelle écriture chorale se développa, caractérisée par la recherche de la magnificence sonore.

Depuis toujours, le chant orthodoxe faisait une place essentielle aux solistes, en vertu de l’importance des litanies dans la liturgie. Ces dernières, on le sait, font alterner un diacre − ou un prêtre − (le soliste) et les réponses du chœur : « Gospodi pomiluj » (Kyrie eleison). Mais à la fin du 19e siècle, les parties de solistes prirent parfois un caractère opératique qui donnait au chant religieux une dimension théâtrale inédite.

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Pavel Tchesnokov (1877–1944) fut l’un des acteurs essentiels de ce renouveau. Élève du Conservatoire de Moscou, il étudia aussi à l’Institut synodal où il devint professeur en 1895. Il créa son propre chœur en 1905. Après 1917, Tchesnokov dut diriger des chœurs laïcs. Il fut professeur au Conservatoire de Moscou. L’essentiel de son œuvre sacrée – près de quatre cents œuvres, dont des cycles de la liturgie – fut composée avant la Révolution : harmonisation de mélodies anciennes et quantité d’œuvres origi-nales. Son cycle opus 25 réunit des hymnes pour la communion, dont le « Spasenie sodelal », hymne pour le vendredi, basé sur un chant kiévien. Le texte est tiré du psaume 74, verset 12, évoquant l’aide de Dieu dans la détresse. Deux thèmes, énoncés l’un après l’autre, sont suivis d’une coda, et répétés. La coda revient à la fin, modifiée. Commencé dans un sombre si mineur, l’op. 25 N° 5 se conclut de façon lumineuse en ré majeur.

L’une des œuvres les plus célèbres de Tchesnokov est son opus 40, qui fait intervenir successivement des solistes de différents registres : soprano, alto ténor, basse et octaviste (basse profonde). C’est au ténor qu’est confiée la partie soliste de la deuxième pièce : « Conseil éternel » (op. 40 N° 2). Le chant évoque la visite et les paroles de l’ange Gabriel à la Vierge pendant l’Annonciation.

L’Hymne des Chérubins ou, en slavon d’église, Chant des Chérubins, fait partie de la liturgie dominicale orthodoxe quelle que soit la période de l’année. Ce tropaire débute la partie la plus mystique de la liturgie, réservée aux baptisés. Par le chant recueilli, le monde visible des hommes s’unit au monde invisible des anges : « Nous qui dans le mystère représentons les chérubins et chantons l’ hymne trois fois sainte à la vivifiante Trinité, déposons à présent tous les soucis du monde. Pour recevoir le Roi de toutes choses, invisiblement porté par les armées des anges. Alléluia. » Ce texte a fait l’objet de centaines de mises en musique, dont les très célèbres Chants des Chérubins des Liturgies de Saint Jean Chrysostome de Tchaïkovski et Rachmaninov. Celle de Tchesnokov est un exemple par excellence des qualités de son auteur : « La spatialité sonore, la magnifique osmose de

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l’harmonie et des registres vocaux donne […] une sensualité exceptionnelle, écrit André Lischke, sans doute excessive pour l’office orthodoxe […]. Mais la réalité de ces faiblesses n’altère pas l’impact auditif et émotionnel que produit n’importe quel chœur de Tchesnokov. »

Alexandre Glazounov, Thème et variations pour orchestre à cordes en sol mineur op. 97 Enfant prodige qui fit entendre sa première symphonie à seize ans, Alexandre Glazounov se forma en privé auprès de Rimski-Korsakov. De 1897 à 1907, il fut le chef principal des concerts Belaïev qui faisaient découvrir la nouvelle musique au public russe. Son œuvre abondante, composée pour la plupart avant sa nomination au poste de directeur du Conservatoire de Saint-Pétersbourg en 1905, lui valut le surnom de « Brahms russe » pour son inspiration romantique et son classicisme de forme. Prokofiev qui eut maille à partir avec lui pendant ses années de conservatoire, voyait en lui le parangon de l’académisme. Glazounov n’en a pas moins occupé une place essentielle dans la vie musicale russe et soviétique, tant comme compositeur que comme pédagogue et directeur du Conservatoire de Saint-Pétersbourg, poste qu’il occupa jusqu’en 1928. Il parvint à assurer la continuité et l’excel-lence de l’établissement malgré les deux révolutions de 1917 et les difficultés extrêmes de la Guerre civile. Il fut en particulier un soutien précieux pour le jeune Chostakovitch dont il encouragea le talent. Il quitta la Russie en 1928 et mourut en exil en France, à Neuilly-sur-Seine. En 1895, l’année où il termine sa Cinquième Symphonie, Glazounov compose un Thème et variations pour quintette, jamais publié comme tel. Le compositeur le transcrira en 1918 pour orchestre à cordes. Il sera publié avec le numéro d’opus 97. Avec son thème élégant, très russe, et ses six variations, cette page reste méconnue.

César Cui, « Velichit dusha moya Gospoda » (Magnificat) pour soprano et voix mixtes op. 93 Musicien sans doute le moins connu du Groupe des Cinq, César Cui est né à Wilna (aujourd’hui Vilnius) d’une mère lituanienne et d’un père français, déserteur de l’armée de Napoléon. Baptisé catholique, élève du compositeur polonais Stanislaw Moniuszko, il ne se destina pas d’abord à la musique et étudia à l’École

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supérieure du génie civil de Saint-Pétersbourg. Il fit carrière dans l’armée en tant qu’instructeur spécialisé dans l’art des forti-fications. Sa rencontre en 1856 avec Mili Balakirev, jeune compositeur-pianiste de 19 ans, fut décisive. Un an plus tard, Cui et Moussorgski formaient aux côtés de Balakirev le noyau du futur Groupe des Cinq que rejoindraient Rimski-Korsakov et Borodine. Abondante, l’œuvre de César Cui fut admirée par Franz Liszt, en particulier sa Tarentelle pour orchestre op. 12 qui fut à l’origine de l’une des dernières transcriptions pour le piano de Liszt. Cui dédia à ce dernier sa Suite op. 21, l’une de ses partitions pour le piano les plus virtuoses. Parallèlement à la composition et à ses fonctions d’officier, Cui mena encore une intense activité de critique musical dans divers journaux, en Russie et en Europe. Il était réputé pour sa plume mordante. Il ne composa pour l’église qu’à à la fin de sa vie : des psaumes, des Ave Maria et « Velichit dusha moya Gospoda » op. 93, Magnificat pour soprano solo et chœur mixte dont la partie soliste rappelle le compositeur d’opéra qu’était César Cui. La partie du chœur, elle, s’inscrit dans la tradition du chant orthodoxe.

Alexandre Glazounov en 1899

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Camille Saint-Saëns, Oratorio de Noël, Oratorium pro nocte Nativitate Christi op. 12Succédant à Louis-James Lefébure-Wély aux grandes orgues Cavaillé-Coll de l’Église de la Madeleine, Camille Saint-Saëns en devint titulaire en décembre 1857. Église récente et prestigieuse du huitième arrondissement de Paris, terminée en 1842 et consacrée trois ans plus tard, la Madeleine était très fréquentée et ses offices, somptueux au moment des fêtes. Saint-Saëns allait y rester vingt ans et y connaître, selon ses propres paroles « les plus grandes joies de son existence ».

Après un déclin de la musique religieuse en France aux lende-mains de la Révolution, la publication du Génie du christianisme de Chateaubriand (1802) et la Restauration contribuèrent à son regain. Le genre de l’oratorio, en particulier, fut prisé. Les Parisiens allaient écouter aux concerts Choron Le Messie de Händel, La Création et Les Saisons de Haydn, Le Christ au Mont des Oliviers de Beethoven, le Christus de Liszt, Paulus et Elias de Mendelssohn. En même temps, l’oratorio romantique à la française se définissait : Ruth de César Franck, Tobie de Gounod et, bien sûr, L’Enfance du Christ de Berlioz en 1854.

C’est dans ce contexte, un an après son arrivée à la Madeleine, que Saint-Saëns se mit à son Oratorio de Noël. Il en établit lui-même le livret en latin à partir de textes liturgiques et de psaumes. Composée en dix jours seulement, entre le 5 et le 14 décembre 1858, l’œuvre fut créée pendant la nuit de Noël. Saint-Saëns la dédia à la cantatrice Clémence de Reiset, vicomtesse de Grandval.

À vingt-trois ans, il n’en était pas à son premier essai en matière de musique religieuse : en mars 1857, il avait brillé avec sa Messe solennelle op. 4, créée à l’église Saint-Merri dont il tenait alors les orgues. « Voilà une œuvre capitale, grande, belle, admirable – lui écrivit plus tard Franz Liszt […] dans les œuvres contemporaines de la même sorte, je n’en connais point d’aussi frappante par l’élévation du sentiment, le caractère religieux, le style soutenu, adéquat, vigoureux, et d’une maîtrise consommée. C’est comme une magnifique cathédrale gothique où Bach aurait sa chapelle. » (Rome, le 4 août 1869).

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Loin du style « vigoureux » de la Messe solennelle, l’Oratorio de Noël frappe par son lyrisme mélodieux et intimiste. S’il y a quelques pages dramatiques, la dominante est recueillie et poétique. Faut-il y voir l’expression d’une piété personnelle ? Peut-être, si l’on en croit cette lettre du compositeur à l’abbé Renoud, en 1914 : « Je ne suis pas presque incroyant, je le suis absolument, ayant été très croyant dans ma jeunesse. »

Écrite pour cinq solistes (soprano, mezzo-soprano, contralto, ténor et baryton), chœur mixte, cordes, harpe et orgue, la partition, qui comporte dix numéros, est traversée par des influences stylistiques éclectiques : Bach et Beethoven, comme dans la Messe solennelle, mais aussi Mozart, Mendelssohn, Rossini, Gounod, Verdi. Et bien sûr Berlioz.

Portrait de César Cui par Illya Repin

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Le N° 1, Prélude, est un Allegretto « dans le style de Jean-Sébastien Bach » précise la partition. C’est une page pastorale avec une entrée de l’orgue en jeu de hautbois. Le balancement à 12/8 et le rythme pointé de sicilienne se réfèrent à la Sinfonia des bergers de la deuxième cantate de l’Oratorio de Noël de Bach. Le N° 2, Récit et Chœur, reprend le passage de l’Évangile de Luc qui relate la nuit de la Nativité : apparition d’un ange aux bergers, annonce de la naissance d’un enfant, puis survenue d’une multi-tude d’anges qui entonnent le Gloria. Le « Et pastores erant » (« Il y avait des bergers ») évoque L’Enfance du Christ de Berlioz, tandis que le « Nolite timere » (« Mais l’ange leur dit : ‹ N’ayez pas peur › ») est dans l’esprit des Cantiques de Gounod. Le N° 3, Air de la mezzo-soprano « Expectans, exspectavi Dominum » est un Andante espressivo, dont la fin rappelle Mozart, tandis que le N° 4, Air du ténor « Domine ego credidi » puis Chœur, annonce Fauré.C’est ensuite de l’opéra italien dont s’inspirent le N° 5 (Duo « Benedictus » pour soprano et baryton, avec orgue et harpe dans le style de Rossini) et le N° 7 (Trio « Tecum principium » pour soprano, ténor, baryton, harpe et orgue, sur un fragment du Psaume 117).Le ton est soudain dramatique dans le N° 6, Chœur « Quare fremuerunt gentes », qui cite le Quatuor à cordes N° 11 op. 95 de Beethoven.Après un Quatuor, N° 8 « Alleluia-Laudate coeli » (Isaïe 49, 13) et un Quintette et chœur qui reprennent la thématique du Prélude, N° 9 : « Consurge, Filia Sion », la partition s’achève sur un chœur homophone, en forme de choral, dans un recueillement solennel.

Laetitia Le Guay-Brancovan est maître de conférences à l’Uni-versité de Cergy-Pontoise et chercheur à l’UMR Eur’Orbem/Paris-Sorbonne. Elle est l’auteur de Prokofiev, Actes Sud, 2012 et de documentaires pour France Culture. Elle est membre du jury du Prix France Musique des Muses.

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Camille Saint-Saëns en 1858

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Engel, Verheißungen und BrückenschlägeChristoph Gaiser

Der Gegensatz von Ost und West ist für viele von uns eine ver-traute Denkfigur; und so sind «Ostkirche» und «Westkirche» viel bemühte Schlagwörter, um die komplexe Religionsgeschichte Europas und Vorderasiens begrifflich bündig zu fassen. Im Zei-chen des herannahenden Weihnachtsfestes richtet das heutige Konzertprogramm unsere Aufmerksamkeit auf musikalische Meisterwerke aus beiden kirchlichen Traditionen und ist damit ein Stück gelebte Ökumene. Mit der Ostkirche verbinden wir Länder wie Russland, Serbien, Rumänien oder Griechenland. Gottesdienste finden dort im byzantinischen Ritus statt, der auf die Stadt Byzanz (heute Istanbul) verweist – neben Rom das andere bedeutende spirituelle Zentrum im Europa der vormittel-alterlichen Zeit. Eine wichtige Eigenheit des byzantinischen Ritus ist die Ablehnung von Musikinstrumenten zur Begleitung des Gesanges. Ostkirchlicher liturgischer Gesang ist daher immer a-cappella-Gesang.

Die vielfältigen Traditionen des mehrstimmigen liturgischen Gesanges in kirchenslawischer Sprache gingen im Gebiet der Ostkirche zum Teil verloren, im 19. Jahrhundert erfolgte darauf-hin aus dem für jene Zeit typischen Historismus heraus eine Wiederentdeckung und Neubelebung. Eine bedeutende Rolle spielte dabei der Moskauer Synodalchor, durch den ab den 1860er Jahren viele ältere Werke wiederbelebt und etliche andere uraufgeführt wurden. Neben Kastalskij, Gretschaninov und Ippolitov-Ivanov war es vor allem Pavel Tchesnokov, der mit seinen über 300 geistlichen Chorwerken das Repertoire des Chores prägte und diesem als Sänger auch einige Jahre angehörte.

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«Spasenie sodelal» aus den Zehn Kommuniongesängen op. 25 hat einen Vers aus Psalm 74 als textliche Grundlage. «Gott ist ja mein König, von alters her, der alle Hilfe tut, die auf Erden geschieht.» Der Vers bildet im Psalm eine Gelenkstelle: zuvor wird besungen, wie auf Erden die Feinde Gottes wüten, danach richtet sich das Augenmerk darauf, welche Heilstaten dem Volk Israel durch Gott widerfahren sind. Als Kommunionsgesang, also zur Austei-lung des eucharistischen Brotes, setzt der Vers Gottes Hilfe mit der Stärkung in Beziehung, die vom Leib Christi ausgeht. Die Kenntnis des biblischen Kontextes ist für das Verständnis des Werkes aber noch in einer anderen Hinsicht wichtig. «Spasenie sodelal» avancierte nämlich nach 1917, also nach der Oktober-revolution, zu einem der wichtigsten Musikstücke innerhalb der russisch-orthodoxen Gemeinschaft in den USA. Es wurde zum symbolhaften Bindeglied an die Heimat, welche die Ausgewan-derten zurücklassen mussten und zugleich zu einem Ermuti-gungslied für alle, die im radikalen Säkularismus der Bolschewiki Gottes Feinde erneut am Werke sahen.

«Sovyet prevechnyi» aus den Sechs Gesängen op. 40 steht in direktem Bezug zum Fest Verkündigung des Herrn, welches in der Ost- wie in der Westkirche am 25. März gefeiert wird – rund neun Monate vor dem Weihnachtsfest. Biblische Grundlage ist die Erzählung des Evangelisten Lukas, wonach Maria der Erzengel Gabriel erschienen sei und ihr verkündet habe, dass sie durch den Heiligen Geist ein Kind empfangen werde. In der Liturgie dieses Festtages ist «Sovyet prevechnyi» eines der so genannten Stichera, die im liturgischen Abendgebet gesungen werden. Der Text ist eine dichterische Auszierung des ‹englischen Grußes›, also der Anrede Gabriels an Maria. Das griechische Grußwort χαιρε bedeutet «Freue dich», in der lateinischen Übersetzung wurde daraus «Ave». Dieses Grußwort wird im Text des Sticherons nun siebenfach an Maria gerichtet, aber stets ist die Anrede nicht ihr Name, sondern ein Bild aus dem Alten Testament, etwa der brennende Busch oder die von Jakob im Traum erschaute Himmels-leiter. Alle diese Bilder stehen für die Verbindung von Gott und den Menschen, und so wird die Mittlerinnenschaft Marias, ihre Stellung zwischen dem Göttlichen und dem Menschlichen, betont.

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«Kheruvimskaya pyesn’» aus den Zehn Gesängen op. 27 ist die Ver-tonung des so genannten Cherubikons, das in der Göttlichen Liturgie – dem Hauptgottesdienst im byzantinischen Ritus – zum Großen Einzug gesungen wird. Es ist dies der Moment, wenn Brot und Wein von einem kleineren Tisch zur Ikonostase und zum Altar getragen werden. Das Wort Cherubikon verweist auf die Cherubim – hinter den Seraphim der höchste Rang in der Hierarchie der Engel. Der Text des Cherubikons ist in Wir-Form gehalten, denn im Angesicht der Eucharistie weiß sich die versammelte Gemeinde in mystischer Einheit mit den Engeln verbunden, die sich um Gottes Thron scharen.

Die Verkündigungserzählung im ersten Kapitel des Lukas- Evangeliums hat ein wichtiges Gegenstück: die Begegnung Marias mit der ebenfalls schwangeren Elisabeth, der Frau des Priesters Zacharias. Elisabeth grüßt Maria und stellt deren Begna-dung heraus. Maria antwortet auf diesen Gruß mit einer längeren Gegenrede, die betrachtende und lobpreisende Züge trägt und zu den so gennannten Cantica gerechnet wird, den neutesta-mentlichen Lobgesängen. Der Beginn des in griechischer Sprache überlieferten Canticums lautet in lateinischer Übersetzung «Magnificat anima mea dominum», woraus der Gattungsbegriff «Magnificat» abgeleitet wurde. Sowohl in der Ost- als auch in der Westkirche erhielt dieser Text eine besonders herausgehobene Stellung in der Liturgie; im byzantinischen Ritus wird er im Morgengebet, im lateinischen Ritus hingegen im Abendgebet gesungen.

Eine besonders interessante, mehrstimmige Magnificat-Vertonung stellt «Velichit dusha moya Gospoda» op. 93 von César Cui dar. Der in Litauen aufgewachsene und daher römisch-katholische Kom-ponist französischer Abstammung verbrachte den Großteil seines Lebens in Russland. Er wird heute fast nur noch als – in seinen Urteilen angreifbarer – Musikkritiker wahrgenommen und immer wieder als der am wenigsten begabte Komponist der Gruppierung «Das mächtige Häuflein» bezeichnet. Seine Magnificat-Vertonung ermöglicht es uns, einen frischen Blick auf Cui zu werfen. Die Komposition ist fraglos ein Meisterwerk.

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Ihrem Text nach ist sie klar aus dem byzantinischen Ritus heraus gedacht; nach jedem Vers kehrt ein gleichbleibender Einschub wieder, den der lateinische Ritus nicht kennt. Auch in der Satz-weise für Sopran-Solo und Chor a cappella folgt Cui der ost-kirchlichen Tradition. Trotz der wiederkehrenden Textteile gelingt es dem Komponisten, den Eindruck eines kontinuierlichen Fließens zu erwecken. Die Sopranpartie ist von anrührender Innerlichkeit, die Chorpassagen changieren zwischen sphärisch-entrückten Klängen und feierlich leuchtendem Lobpreis.

Wie bereits weiter oben erwähnt, stellen Erscheinungen von Engeln ein zentrales Element der Erzählungen von der Geburt Jesu dar. Nicht nur Maria und Elisabeth erscheinen die geflügelten himmlischen Wesen, sondern auch den Hirten auf dem Felde. Aus dieser Episode des Lukas-Evangeliums hat Camille Saint-Saëns sein Oratorio de Noël entwickelt, das im Kontext der Weihnachts-messen im lateinischen Ritus zu sehen ist. Im Herbst 1858 wurde Saint-Saëns Organist der Pariser Kirche Sainte-Marie-Madeleine. Um auf standesgemäße Weise seinen Einstand an diesem bedeu-tenden Gotteshaus zu geben, komponierte er im Dezember 1858 eine Folge von Musiknummern, die in der so genannten Mitter-nachtsmesse aufgeführt werden sollten. Das Werk ist eher als Kantate denn als Oratorium anzusehen, es fehlt auf textlicher Ebene der systematische Wechsel von Erzählung und Betrachtung, auf musikalischer Ebene jener zwischen rezitativischer und arioser Schreibweise.

Ob Saint-Saëns den Text alleine aus der Bibel zusammengestellt oder fachtheologischen Rat beigezogen hat, ist eine interessante Frage. Hochgebildet wie er war, verfügte er sicherlich über die notwendige Bibelfestigkeit und das literarische Gespür. Zudem dürfte er Charles Jennens’ Libretto zu Händels Messiah, das ebenfalls aus Bibeltexten kompiliert wurde, gut gekannt haben. Drei der zehn Sätze lassen sich auf die verbindlichen liturgischen Texte der Mitternachtsmesse beziehen. Der Text des Chores N° 6 ist im Messbuch als Introitus ausgewiesen, der Text des Terzetts N° 7 als Graduale. Der Text des Rezitativs und Chores N° 2 schließlich ist deckungsgleich mit der Evangelienlesung.

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Man könnte vermuten, dass diese drei Sätze am konkreten litur-gischen Ort aufgeführt worden sind – parallel zum halblauten Beten des Textes durch den Priester. Neueste Forschungen von Christina M. Stahl haben aber gezeigt, dass bei der Uraufführung 1858 nur sechs der zehn Sätze erklangen und dass die Nummern 4, 6, 7 und 9 erst später eingefügt wurden. Möglich ist, dass sich die ursprünglichen sechs Sätze über die ganze Mitternachtsmesse hinweg verteilt haben, genauso gut möglich ist, dass sie wie eine Bach’sche Kantate als geschlossenes Ganzes aufgeführt wurden. Im Hinblick auf den liturgischen Kontext mag zwar Unklarheit herrschen, doch auf der inhaltlich-theologischen Ebene des Werkes an sich lässt sich ein klares gestalterisches Konzept selbst in der sechssätzigen Fassung erkennen. Von der Freudenbotschaft der Engel ausgehend, werden Stellen im Alten Testament aufge-sucht, die traditionell auf die Ankunft Christi und Gottes

Camille Saint-Saëns 1903

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Heilwirken bezogen worden sind. Die meisten Stellen stammen aus dem Psalter (Psalmen 2, 40, 98, 118), einige Stellen auch aus den Prophetenbüchern (Jeremia 49, Klagelieder des Jeremia 2, Jesaja 62). Eine Ausnahme bildet das später hinzugefügte Terzett N° 7, in welchem ein Wort Marthas an Jesus aus der Lazarus-Erzählung im Johannes-Evangelium vertont wird. Saint-Saëns’ Vorgehen in der Textanlage verblüfft, da in der kirchlichen Tradition die alt-testamentlichen Texte den Advent prägen und damit zur weih-nachtlichen Frohbotschaft hinführen. Saint-Saëns hat, möglicher-weise aus einem intuitiven Gespür für Dramatik heraus, die Reihenfolge umgekehrt.

Saint-Saëns’ Vertonung der biblischen Texte zeigt sich von den vielfältigen Interessen und Begabungen des Komponisten geprägt. Im instrumentalen Prélude huldigt er Bach, in den Chorsätzen Händel, in den solistischen Nummern sind hingegen Einflüsse Rossinis deutlich erkennbar. Ein interessantes Gegenstück zum Prélude aus Saint-Saëns’ Oratorio de Noël ist Aleksandr Glasunows Komposition Thema und Variationen op. 97, die zwar erst 1917 im Druck erschien, aber auf ein bereits 1895 komponiertes Werk für Streichquartett zurückgeht. Das verwendete Thema steht in gemessenem Dreiertakt und ist ebenso dem ‹alten Stil› verpflichtet wie die Einleitung von Saint-Saëns’ Musik zur Mitternachtsmesse. In den sechs anschließenden Variationen überwiegt ein idyllischer Tonfall, der immer wieder an Werke englischer Komponisten im ‹pastoralen› Stil erinnert. Die Variation N° 5 im 5/4-Takt ist möglicherweise eine Huldigung an Tschaikowsky, genauer an den zweiten Satz aus dessen Sechster Symphonie, bei deren denk-würdig-emotionaler Generalprobe Glasunow anwesend gewesen war. Insofern ist es nur konsequent, dass auch Tschaikowsky im heutigen Konzertprogramm ebenfalls mit einem Werk vertreten ist. Es handelt sich um das Adagio molto Es-Dur, das Tschaikowsky im Jahre 1863 oder 1864 als Studienarbeit in Anton Rubinsteins Kompositionsklasse am St. Petersburger Konservatorium verfer-tigt hatte. Das knapp vierminütige Stück ist für Streichquartett und Harfe gesetzt und wurde erst 1967 im Rahmen der Tschaikowsky-Gesamtausgabe im Druck vorgelegt. Sein Schöpfer

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steht wie kein zweiter für den Richtungsstreit, der in der russischen Musik des 19. Jahrhunderts ausgefochten wurde – Ost gegen West, slawisch-patriotisch gegen europäisch-kosmopolitisch. Für viele seiner Landsleute klang Tschaikowskys Musik zu ‹westlich› – übersehen wurde und wird hingegen oft, dass Tschaikowsky in seinem Vokal- und Instrumentalschaffen die traditionelle Musik seiner Heimat immer wieder aufgriff und nicht zuletzt mehrere Texte aus der russisch-orthodoxen Liturgie vertonte. In Tschai-kowskys Person und in seinem Werk kommen daher die Gegensätze zusammen und versöhnen sich.

Pjotr Tschaikowsky

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Christoph Gaiser (*1975) studierte Musikwissenschaft, Journalistik und Komparatistik in Leipzig und Berlin. Als Musik- und Tanzdramaturg arbeitete er an Theatern in Saarbrücken, Darmstadt, Karlsruhe und Bern. Seit 2016 ist er Beauftragter für Kulturprojekte (Tanz/Theater/Jugendkultur/Orchesterförderung) beim Kanton Basel-Stadt.

Der Autor dankt Anton V. Kochetkov (Lörrach) und Dr. Christina M. Stahl (Dortmund) für wertvolle Hinweise zum vorstehenden Text.

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VioloncelloAntoaneta EmanuilovaIris GuémyRebecca Krieg*Kaamel Salah-EldinElisa Siber

KontrabassDavide VittoneNicola dal MasoCarlos Enrique García Pupo

HarfeMaximilian Ehrhardt

OrgelDavide Pozzi

Konzertmeister / Stimmführer* Stipendiat/in der Akademie Balthasar Neumann

Balthasar-Neumann-Ensemble

Violine 1 Baptiste LopezDanielle Gonzalez SanchezLuisa HöfsUrsula KortschakAstrid LeutwylerAnna MorozkinaHenriette OttoJenny Peña CampoVerena SchonewegMuhammedjan Sharipov*

Violine 2Verena SommerBasma Abdel-RahimMailis Bonnefous*Christiane Bruckmann-HillerJavier Cantillo LaffitaUlrike EngelMonika NußbächerBettina Van Roosebeke

ViolaPablo de PedroDelphine BlancOsvaldo Enriquez Castro Danka NikolicJonathan Ponet*Rafael Roth

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Balthasar-Neumann-Chor

Einstudierung: Detlef Bratschke

SopranAnja BittnerAnnemei Blessing-LeyhausenTheresa DlouhyHeike HeilmannAkiko ItoCécile KempenaersAgnes KovacsSibylle Schaible-SachererChristine SüßmuthAnna TerterjanAija VeismaneDorothee Wohlgemuth

AltJulie CompariniRoxana ConstantinescuPetra EhrismannAngela Froemer Katharina GuglhörDina KönigIrina MakarovaAnnelie Sophie Müller Barbara OstertagKerstin StöckerUte Weitkämper

TenorWolfgang Frisch-CatalanoNils GiebelhausenBenjamin KirchnerBernd Lambauer

Tobias MeyerVictor SchieringFlorian SchmittMarkus SchuckMasashi TsujiLinard Vrielink

BassKiril ChobanovRoland FaustStefan GeyerFriedemann KlosAndré MorschPetr SafroshkinTobias SchlierfRaimonds SpogisAndreas WernerHans Wijers

www.fondation-eme.lu

Für wen: kranke, ältere und isolierte Familienmitglieder, Freunde oder Bekannte

Wo: zu Hause

Wann: zwischen 01. Dezember und 26. Dezember 2019

Anmeldung unter www.musekschenken.lu

Pour qui: membres de la famille, amis ou connaissances malades, âgés ou isolés

Où: à leur domicile

Quand: du 01 décembre au 26 décembre 2019

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InterprètesBiographies

Balthasar-Neumann-EnsembleFondé en 1995 par Thomas Hengelbrock, le Balthasar-Neumann-Ensemble se présente comme l’un des orchestres internationaux majeurs sur instruments d’époque, proposant une approche sans cesse renouvelée de la musique de différentes époques – du premier baroque au répertoire moderne. Son répertoire rassemble du connu, remet aussi en lumière des pages pres- qu’oubliées et fait entendre du tout nouveau. Thomas Hengelbrock établit avec passion des liens entre la musique et d‘autres formes artistiques comme la danse ou la littérature. L’ensemble, constitué de musiciens internationaux de pointe, se produit régulièrement avec le Balthasar-Neumann-Chor. Le Balthasar-Neumann-Ensemble est invité par les grandes salles de concert d’Europe comme le Konzerthaus Dortmund, le Théâtre des Champs-Élysées à Paris et le Palau de la Música Catalana à Barcelone. Il prend part à des productions d’opéras à Baden-Baden, Paris, Aix-en-Provence et Madrid, et se produit aussi au Schleswig-Holstein Musik Festival et au Festival de Salzbourg. Il collabore fréquemment avec des chefs invités comme Teodor Currentzis et Pablo Heras-Casado. Parmi les nombreuses captations discographiques du Balthasar-Neumann-Ensemble, plusieurs sont devenues des enregistrements de référence à l’international. C’est le cas de l’oratorio Elias de Mendelssohn. Parmi les parutions DVD récentes citons L’Élixir d’amour de Donizetti avec Rolando Villazón à la mise en scène et au chant, ainsi que Don Giovanni de Mozart avec Anna Netrebko et Erwin Schrott. Au-delà d’un Gramophone Award, le Balthasar-Neumann-Ensemble a remporté plusieurs prix

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ECHO-Klassik et le Kulturpreis Baden-Württemberg. Thomas Hengelbrock et ses ensembles transmettent leur enthousiasme pour la musique à la jeune génération: à côté de nombreuses activités de médiations musicale organisées autour des concerts et du programme de bourses proposées sur une durée de deux ans par l’Académie Balthasar Neumann, de jeunes musiciens cubains ont été impliqués dans des projets communs dans le cadre de la Cuban-European Youth Academy (CuE). Le Balthasar-Neumann-Ensemble a joué pour la dernière fois à la Philharmonie Luxembourg lors de la saison 2018/19, dans un programme Schubert et Schumann.

Balthasar-Neumann-EnsembleDas Balthasar-Neumann-Ensemble, 1995 von Thomas Hengelbrock gegründet, eröffnet als eines der weltweit füh-renden Originalklangorchester immer wieder neue Sichtweisen

Balthasar-Neumann-Ensemblephoto: Florence Grandidier

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auf die Musik unterschiedlicher Epochen – vom Frühbarock bis zur Moderne. Sein Repertoire umfasst Bekanntes, fördert aber auch beinahe Vergessenes zu Tage und bringt ganz Neues zu Gehör. Mit großer Leidenschaft verbindet Thomas Hengelbrock dabei die Musik auch mit anderen Kunstformen wie Tanz oder Literatur. Regelmäßig tritt das Ensemble aus internationalen Spitzenmusikern gemeinsam mit dem Balthasar-Neumann-Chor auf. Das Balthasar-Neumann-Ensemble gastiert in den renom-miertesten Konzerthäusern Europas, wie dem Konzerthaus Dortmund, dem Théâtre des Champs-Élysées in Paris und dem Palau de la Música Catalana in Barcelona. Es wirkt an Opern-produktionen in Baden-Baden, Paris, Aix-en-Provence und Madrid mit und ist beim Schleswig-Holstein Musikfestival ebenso zu erleben wie bei den Salzburger Festspielen. Häufig arbeitet es mit Gastdirigenten wie Teodor Currentzis und Pablo Heras-Casado zusammen. Unter den CD-Aufnahmen des Ensembles werden mehrere international als Referenzaufnahmen gefeiert,

Balthasar-Neumann-Ensemblephoto: Florence Grandidier

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darunter Mendelssohns Oratorium Elias. Zu den jüngeren DVD-Veröffentlichungen gehören Donizettis Elisir d’amore mit Rolando Villazón als Regisseur und Sänger sowie Mozarts Don Giovanni mit Anna Netrebko und Erwin Schrott. Neben einem Gramophone Award sind die Balthasar-Neumann-Ensembles Träger mehrerer ECHO-Klassik Preise und des Kultur-preises Baden-Württemberg. Ihre Begeisterung für die Musik geben Thomas Hengelbrock und seine Ensembles auch an die jüngere Generation weiter: Neben zahlreichen Musikvermittlungs-aktivitäten rund um die Konzerte und dem zweijährigen Stipendien-programm der Akademie Balthasar Neumann werden insbe-sondere junge kubanische Musiker im Rahmen der Cuban-European Youth Academy (CuE) in gemeinsamen Projekten gefördert. Das Balthasar-Neumann-Ensemble war zuletzt in der vergangenen Saison mit einem Schubert/Schumann-Programm in der Philharmonie Luxembourg zu erleben.

Balthasar-Neumann-ChorLe Balthasar-Neumann-Chor fait partie des ensembles vocaux internationaux d’exception. Gramophone Magazin a adoubé le Balthasar-Neumann-Chor comme étant «l’un des meilleurs chœurs du monde». Qu’il s’agisse de musique du 17e siècle ou de répertoire contemporain, le chœur, fondé en 1991, a toujours comme souci premier sa passion et sa compréhension intime de la musique. C’est avec beaucoup de succès que des trésors musicaux ont été mis au jour, que du connu a été présenté d’une manière renouvelée et que de la musique a été mêlée à d’autres formes d’expression comme la littérature ou la danse. Les chanteurs ne se produisent pas seulement dans les rangs du chœur mais aussi en soliste. La qualité artistique, l’éclectisme et la passion du Balthasar-Neumann-Chor lui ont permis d’acquérir une dimension internationale. Il est ainsi invité dans les principales salles de concert et les grands festivals. En 2018, le chœur a créé dans le cadre de la Ruhrtriennale l’oratorio Maria de Jan Müller-Wieland. Il est régulièrement invité par le Schleswig-Holstein Musik Festival et les Münchner Opernfestspiele. Des tournées le mènent en Chine, au Mexique et aux États-Unis,

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tandis qu’il est de plus en plus présent en Espagne. Le Balthasar-Neumann-Chor remporte un grand succès également sur les scènes d’opéra du monde entier, de Baden-Baden à Madrid en passant par New York – par exemple avec Orphée et Eurydice de Gluck chorégraphié par Pina Bausch ou encore Didon et Énée de Purcell dans une mise en scène de Thomas Hengelbrock. Au-delà de son travail avec le Balthasar-Neumann-Ensemble, le chœur collabore avec le Concertgebouw Orchestra Amsterdam, le Gewandhausorchester Leipzig, le Tonhalle-Orchester Zürich, le NHK Symphony Orchestra et le Sinfonieorchester Basel. Il a été dirigé par des chefs invités tels Pablo Heras-Casado, Ivor Bolton et Howard Arman. Le Balthasar-Neumann-Chor a été récompensé à de nombreuses reprises: du Kulturpreis des Landes Baden-Württemberg, de plusieurs prix ECHO Klassik et du Gramophone Award. Evonik Industries accompagne la recherche des Balthasar-Neumann-Ensembles, rendant possible d’importantes recherches musicologiques. Le Balthasar-Neumann-Chor a chanté pour la dernière fois à la Philharmonie Luxembourg lors de la saison 2018/19, dans un programme Schubert et Schumann dirigé par Thomas Hengelbrock.

Balthasar-Neumann-ChorDer Balthasar-Neumann-Chor gehört zu den herausragenden Vokalensembles weltweit. Das Gramophone Magazine kürte ihn zu einem der «besten Chöre der Welt». Ob Musik aus dem 17. Jahrhundert oder Zeitgenössisches, stets stehen für den 1991 gegründeten Chor die Leidenschaft und ein tiefes Verständnis der Musik im Vordergrund. Mit großem Erfolg werden musikalische Schätze gehoben, Bekanntes in neuer Gestalt präsentiert und Musik auch mit anderen Ausdrucksformen wie Literatur oder Tanz verwoben. Dabei sind die Sänger nicht nur in den Chorreihen, sondern auch solistisch zu erleben. Die künstlerische Qualität, die Vielseitigkeit und die Leidenschaft des Balthasar-Neumann-Chors setzen international Maßstäbe. So wird er in die nam-haftesten Konzerthäuser und zu den wichtigsten Festivals eingeladen. Bei der Ruhrtriennale 2018 brachte der Chor das Oratorium Maria von Jan Müller-Wieland zur Uraufführung.

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Regelmäßig ist er beim Schleswig-Holstein Musik Festival und bei den Münchner Opernfestspielen zu Gast. Tourneen führten ihn nach China, Mexiko und in die USA; verstärkt ist er auch in Spanien präsent. Großen Erfolg feiert der Balthasar-Neumann-Chor auch auf den internationalen Opernbühnen von Baden-Baden bis Madrid und New York – zum Beispiel mit Glucks Orpheus und Eurydike in der Choreografie von Pina Bausch oder Purcells Dido und Aeneas in einer Inszenierung von Thomas Hengelbrock. Neben dem Balthasar-Neumann-Ensemble arbeitet der Chor auch mit dem Concertgebouw Orchestra Amsterdam, dem Gewandhausorchester Leipzig, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem NHK Symphony Orchestra und dem Sinfonieorchester Basel zusammen. Am Pult stehen renommierte Gäste wie Pablo Heras-Casado, Ivor Bolton und Howard Arman. Der Balthasar-Neumann-Chor wurde vielfach ausgezeichnet: mit dem

Balthasar-Neumann-Chorphoto: Florence Grandidier

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Kulturpreis des Landes Baden-Württemberg, mehreren ECHO Klassik-Preisen und dem Gramophone Award. Evonik Industries begleitet die Forschung der Balthasar-Neumann-Ensembles und ermöglicht umfangreiche musikwissenschaftliche Recherchen. In der Philharmonie Luxembourg sang der Balthasar-Neumann-Chor zuletzt in der vergangenen Saison ebenfalls unter Thomas Hengelbrock.

Balthasar-Neumann-Chorphoto: Florence Grandidier

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Thomas Hengelbrock directionThomas Hengelbrock compte parmi les artistes les plus éclec-tiques de sa génération. Son travail s’étend sur de multiples époques et domaines, et de celui-ci résulte toujours une explo-ration détaillée du texte musical mais aussi du sens et du contenu des œuvres. Avec le Balthasar-Neumann-Chor und -Ensemble, il a fondé deux formations de pointe sur instruments d’époque, avec lesquelles il remporte des succès à l’international depuis plus de vingt ans. Il est également sollicité par des phalanges comme le Concertgebouw Orchestra, les Wiener Philharmoniker, l’Orchestre de Paris, les Münchner Philharmoniker, l’Orchestre national de France ou encore le Tonhalle-Orchester Zürich. Défricheur musical enthousiaste et passionnant, Thomas Hengelbrock se consacre à un répertoire allant de la musique ancienne aux œuvres contemporaines, en passant par les 19e et 20e siècles, et embrassant tous les genres. Il remet au jour des compositions presqu’oubliées ou permet à travers ses projets – à l’instar de son Parsifal sur instruments originaux – la réévaluation des standards du répertoire. Ses programmes de concert mêlant les époques sont devenus légendaires, révélant des parentés musicales souvent stupéfiantes. Dans le cadre de ses activités d’assistant, Thomas Hengelbrock est rentré tôt en contact avec des personnalités majeures de la musique contemporaine comme Witold Lutosławski, Mauricio Kagel et Antal Doráti. Aujourd’hui encore, la musique du présent occupe une part importante de ses activités. En termes de créations, il a dirigé notamment l’oratorio de Jan Müller-Wieland Maria à la Ruhr-triennale 2018 et Reminiszenz de Wolfgang Rihm pour l’ouverture de l’Elbphilharmonie en janvier 2017. Il collabore aussi avec les compositeurs Jörg Widmann, Simon Wills, Lotta Wennäkoski, Qigang Chen et Erkki-Sven Tüür. Il est invité à diriger des opéras dans des maisons comme l’Opéra national de Paris, le Teatro Real de Madrid, le Royal Opera House Covent Garden et le Berliner Staatsoper, ainsi que dans des festivals à Baden-Baden et Aix-en-Provence. En 2015, il a été invité à diriger Didon et Énée de Purcell – l’une de ses productions avec les Balthasar-Neumann-Ensembles, où il s’est aussi chargé de la mise en scène. Des projets musicaux et littéraires impliquant des comédiens

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comme Klaus Maria Brandauer, Johanna Wokalek et Graham Valentine constituent un autre aspect important de son travail artistique. Des versions personnelles de Peer Gynt de Grieg et des Scènes de Faust de Schumann mêlent ainsi musique et littérature universelle, déjouant toutes les attentes du public. Il a proposé en 2005 avec la chorégraphe Pina Bausch une mise en scène acclamée d’Orphée et Eurydice de Gluck à l’Opéra national de Paris, qui fait l’objet jusqu’à aujourd’hui de nombreuses reprises dans le monde entier. Thomas Hengelbrock est par ailleurs un passeur de musique enthousiaste et soutient de jeunes artistes, notamment dans le cadre de l’Académie Balthasar Neumann qu’il a fondée et de sa Cuban-European Youth Academy (CuE). En raison de son fort engagement en matière de transmission de la musique, Thomas Hengelbrock s’est vu remettre le prix de la musique Herbert von Karajan en 2016. Thomas Hengelbrock a dirigé pour la dernière fois à la Philharmonie Luxembourg lors de la saison 2018/19, dans un programme Schubert et Schumann à la tête du Balthasar-Neumann-Chor und Ensemble.

Thomas Hengelbrock LeitungThomas Hengelbrock zählt zu den vielseitigsten Künstlern seiner Generation. Seine Arbeit ist epochen- und spartenüber-greifend, doch stets das Ergebnis einer detaillierten Auseinan-dersetzung mit dem musikalischen Text sowie dem Sinn und Gehalt der Werke. Mit dem Balthasar-Neumann-Chor und -Ensemble gründete er zwei Originalklang-Spitzenformationen, mit denen er seit über 20 Jahren international Erfolge feiert. Auch für Klangkörper wie das Concertgebouw Orchestra, die Wiener Philharmoniker, das Orchestre de Paris, die Münchner Philharmoniker, das Orchestre national de France oder das Tonhalle-Orchester Zürich ist er ein gefragter Partner. Als begeisterter und begeisternder Musikentdecker widmet sich Hengelbrock einem Repertoire, das von der alten Musik über das 19. und 20. Jahrhundert bis zu zeitgenössischen Werken reicht und alle Genres umfasst. Er bringt fast vergessene Kom-positionen an die Öffentlichkeit oder ermöglicht durch seine

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Projekte – etwa Parsifal auf originalem Instrumentarium – die Neubewertung des Standardrepertoires. Legendär sind seine epochenübergreifenden Konzertprogramme, die oft verblüffende musikalische Verwandtschaften aufdecken und bestimmte Themen umkreisen. Im Rahmen von Assistenztätigkeiten kam Thomas Hengelbrock bereits früh mit bedeutenden Persönlich-keiten der zeitgenössischen Musik wie Witold Lutosławski, Mauricio Kagel und Antal Doráti in Kontakt. Noch heute bildet die Musik der unmittelbaren Gegenwart einen wichtigen Teil seines Wirkens. In Uraufführungen leitete er zuletzt u. a. Jan Müller-Wielands Oratorium Maria bei der Ruhrtriennale 2018 und Wolfgang Rihms Reminiszenz zur Eröffnung der Elbphilhar-monie im Januar 2017. Auch mit den Komponisten Jörg Widmann, Simon Wills, Lotta Wennäkoski, Qigang Chen und Erkki-Sven Tüür arbeitet er zusammen. Als Operndirigent ist Thomas Hengelbrock an Häusern wie der Pariser Opéra, dem Teatro Real in Madrid, dem Royal Opera House Covent Garden und der Berliner Staatsoper sowie bei den Festivals in Baden-Baden und Aix-en-Provence zu erleben. Bei den Salzburger Festspielen war er zuletzt 2015 mit Purcells Dido and Aeneas zu Gast – eine seiner Produktionen mit den Balthasar-Neumann-Ensembles, in denen er auch selbst Regie führte. Musikalisch-literarische Projekte mit Schauspielern wie Klaus Maria Brandauer, Johanna Wokalek und Graham Valentine bilden einen weiteren Schwer-punkt seiner künstlerischen Arbeit. Eigene Fassungen von Griegs Peer Gynt und Schumanns Faust-Szenen verschmelzen Musik und Weltliteratur und unterlaufen alle gängigen Erwar-tungen. Mit der Choreografin Pina Bausch brachte er 2005 eine gefeierte Inszenierung von Glucks Orphée et Eurydice an der Pariser Opéra heraus, die bis heute in zahlreichen Ländern gastiert. Thomas Hengelbrock ist auch ein enthusiastischer Musikvermittler und fördert junge Künstler u. a. im Rahmen der von ihm gegründeten Akademie Balthasar Neumann und seiner Cuban-European Youth Academy (CuE). Für seine Verdienste in der Musikvermittlung wurde ihm 2016 der Herbert von Karajan Musikpreis verliehen. Thomas Hengelbrock leitete Balthasar-Neumann-Chor und -Ensemble in der Philharmonie Luxembourg zuletzt in der vorigen Saison für ein Programm mit Werken von Schubert und Schumann.

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Thomas Hengelbrockphoto: Florence Grandidier

Agnes Kovacs sopranoLa soprano Agnes Kovacs est née à Budapest au sein d’une famille musicienne. Après des études de direction à l’Académie de musique Franz Liszt de Budapest, terminées en 2003 avec distinction, elle étudie le chant après de Heidrun Kordes à la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Francfort-sur-le-Main où elle bénéficie de la bourse nationale hongroise Eötvös. Elle complète ses études lors de master classes dispensées par Anna Reynolds, Walter Moore, Beata Heuer-Christen, Helen Donath, Edith Wiens, Nancy Argenta, Anna Korondi et Jonathan Alder. Agnes Kovacs collabore avec des chefs comme Howard Arman, Ivor Bolton, Olof Boman, Jonathan Cohen, Iván Fischer, Nicholas McGegan, Thomas Hengelbrock, Helmuth Rilling, Michael Schneider, Steven Sloane et György Vashegyi. Elle se produit avec des phalanges telles l‘Akademie für Alte Musik Berlin, les Berliner Philharmoniker, le B’Rock Orchestra, le Budapest Festival Orchestra, le Konzerthausorchester Berlin, le NDR Sinfonieorchester, le MDR Sinfonieorchester, l’Orchestre de la radio hongroise et l’orchestre Orfeo de Budapest. La soprano est invitée par de nombreux festivals comme le Musikfest Berlin, le Schleswig-Holstein Musikfestival, les Ittinger Pfingstkonzerte et le Festival de Printemps de Budapest. Parmi ses partenaires de musique de chambre figurent des artistes majeurs: citons ainsi Malcolm Bilson et le pianiste spécialiste de lied Hilko Dumno. Elle a fait ses débuts au Festival de Salzbourg à l’été 2015 en Dame d’honneur dans Didon et Énée de Purcell sous la direction musicale de Thomas Hengelbrock. En 2019/20 paraissent en disque deux premières mondiales avec elle et l’orchestre Orfeo sous le label Glossa Music: Ein Lämmlein geht und trägt die Schuld de Gottfried Heinrich Stölzel et Der gute Hirt de Gregor Joseph Werner. Agnes Kovacs a chanté pour la dernière fois à la Philharmonie Luxembourg en 2018/19 avec le Balthasar- Neumann-Chor und -Ensemble.

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Agnes Kovacsphoto: Zsófia Raffay

Agnes Kovacs SopranDie Sopranistin Agnes Kovacs wurde in Budapest geboren und stammt aus einer Musikerfamilie. Nach einem Studium an der Franz-Liszt-Musikakademie in Budapest im Fach Dirigieren, das sie 2003 mit Auszeichnung abschloss, studierte sie Gesang bei Heidrun Kordes an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main, wofür sie mit dem Ungarischen Staat-lichen Eötvös Stipendium gefördert wurde. Ihre Studien ergänzte sie durch Meisterkurse bei Anna Reynolds, Walter Moore, Beata Heuer-Christen, Helen Donath, Edith Wiens, Nancy Argenta, Anna Korondi und Jonathan Alder. Agnes Kovacs arbeitet mit Dirigenten wie Howard Arman, Ivor Bolton, Olof Boman, Jonathan Cohen, Iván Fischer, Nicholas McGegan, Thomas Hengelbrock, Helmuth Rilling, Michael Schneider, Steven Sloane und György Vashegyi zusammen. Sie musizierte mit Orchestern wie Akademie für Alte Musik Berlin, Berliner Philharmoniker, B’Rock Orchestra, Festivalorchestra Budapest, Konzerthausorchester Berlin, NDR Sinfonieorchester, MDR Sinfonieorchester, Orchester des Ungarischen Rundfunks und Orfeo Orchester Budapest. Gastengagements führten die Sopranistin bereits zu namhaften Festivals wie Musikfest Berlin, Schleswig-Holstein Musikfestival, Ittinger Pfingstkonzerte und Budapester Frühlingsfestival. Zu ihren Kammermusikpartnern zählen herausragende Künstler wie Malcolm Bilson und der Liedpianist Hilko Dumno. Im Sommer 2015 debütierte sie bei den Salzburger Festspielen als Second Woman in Purcells Dido und Aeneas unter der musikali-schen Leitung von Thomas Hengelbrock. 2019/20 erscheinen zwei Weltersteinspielungen mit ihr und dem Orfeo Orchester bei Glossa Music: Gottfried Heinrich Stölzels Ein Lämmlein geht und trägt die Schuld und Gregor Joseph Werners Der gute Hirt. Agnes Kovacs war zuletzt in der Saison 2018/19 als Solistin mit Balthasar-Neumann-Chor und -Ensemble in der Philharmonie Luxembourg zu erleben.

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Roxana Constantinescu mezzo-sopranoRoxana Constantinescu est une interprète sollicitée dans un vaste répertoire stylistique. Parmi les engagements des saisons actuelle et passées, citons ceux à l’Opéra national de Montpellier, une reprise de Siroe de Hasse à l’Opéra de Lausanne, Le Messie de Händel à l’Auditorium de Grafenegg avec le Tonkünstler-Orchester, une captation et des représentations de la Missa solemnis de Beethoven au Tokyo Opera City Concert Hall avec le Bach Collegium Japan et Masaaki Suzuki, des prestations avec l’Internationale Bachakademie Stuttgart et Hans-Christoph Rademann, ainsi qu’un retour à Moscou sous la baguette de Helmuth Rilling. Roxana Constantinescu a fait ses débuts avec La Passion selon saint Jean de Bach au Konzerthaus Berlin et dans Falstaff de Verdi au Festival de Verbier. Elle a fait des débuts remarqués notamment à l‘Opéra de Zurich et à La Fenice en Adalgisa dans Norma, à l’Opéra d’Israël en Fenena dans Nabucco et au Teatro dell’Opera di Roma dans Manon Lescaut. Elle a incarné Rosina dans Le Barbier de Séville sur la scène du Wiener Staatsoper, a chanté dans des maisons comme le Deutsche Oper Berlin, le New National Theatre Tokyo ainsi qu’à l’Opéra de Los Angeles. Elle s’est produite avec de nombreux chefs comme Seiji Ozawa, Pierre Boulez, Riccardo Muti, Fabio Luisi, James Conlon, Gustavo Dudamel, Kirill Petrenko, Sir Neville Marriner, Jeffrey Tate, Yannick Nézet-Séguin, Bertrand de Billy, Franz Welser-Möst ou encore Manfred Honeck. On a pu l’entendre aux côtés du Chicago Symphony Orchestra, des Wiener Philhar-moniker, des Münchner Philharmoniker, du Toronto Symphony Orchestra, du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, du Seattle Symphony Orchestra et du Radio-Sinfonieorchester Stuttgart de la SWR.

Roxana Constantinescu MezzosopranRoxana Constantinescu ist gefragte Interpretin eines stilistisch weitreichenden Repertoires. Zu den Engagements dieser und vergangener Spielzeiten zählen jenes an der Opéra national de Montpellier, eine Wiederaufnahme von Hasses Siroe an der Opéra de Lausanne, Händels Messias am Auditorium Grafenegg

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Roxana Constantinescuphoto: Marius Baragan

mit dem Tonkünstler-Orchester, eine Aufnahme und Aufführungen von Beethovens Missa solemnis in der Tokyo Opera City Concert Hall mit dem Bach Collegium Japan und Masaaki Suzuki, Auftritte mit der internationalen Bachakademie Stuttgart und Hans-Christoph Rademann sowie eine Rückkehr nach Moskau unter dem Dirigat von Helmuth Rilling. Roxana Constantinescu debütierte mit Bachs Johannespassion im Konzerthaus Berlin und in Verdis Falstaff beim Verbier Festival. Constantinescu gab vielbeachtete Debüts u. a. an der Züricher Oper und dem Teatro la Fenice als Adalgisa in Norma, an der israelischen Oper als Fenena in Nabucco und am Teatro dell’Opera di Roma in Manon Lescaut. Sie stand als Rosina in Il Barbiere di Siviglia auf der Bühne der Wiener Staatsoper, sang an Häusern wie Deutsche Oper Berlin, New National Theatre Tokyo sowie Los Angeles Opera. Sie ist mit namhaften Dirigenten unserer Zeit aufgetreten: u. a. Seiji Ozawa, Pierre Boulez, Riccardo Muti, Fabio Luisi, James Conlon, Gustavo Dudamel, Kirill Petrenko, Sir Neville Marriner, Jeffrey Tate, Yannick Nézet-Séguin, Bertrand de Billy, Franz Welser-Möst, Manfred Honeck. Sie trat u. a. mit dem Symphonieorchester Chicago, den Wiener Philharmonikern, den Münchener Philharmonikern, dem Toronto Symphony Orchestra, dem Bayerischen Radiosinfonieorchester, dem Seattle Symphony Orchestra und dem Stuttgarter Radio-Sinfonie-orchester auf.

Annelie Sophie Müller mezzo-sopranoLa mezzo-soprano Annelie Sophie Müller a fait ses débuts en Sesto dans La Clémence de Titus de Mozart en 2019 à Bregenz. Les autres points forts de la saison incluent ses débuts au Theater Basel dans Le Vin herbé de Martin mis en scène par Thom Luz. Pour le cycle wagnérien «Ring am Rhein», elle retourne au Deutsche Oper am Rhein en Wellgunde dans Le Crépuscule des dieux. Elle collabore pour le lied avec le pianiste Eric Schneider. Elle fait ses débuts cette saison au Semperoper en Amando dans Le Grand Macabre de Ligeti. Annelie Sophie Müller a étudié le chant à Stuttgart ainsi qu‘en 2015 dans la classe de solistes au conservatoire de Copenhague. Elle a été distinguée

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de premiers et de deuxièmes prix, notamment au Concours International «Das Lied» à Berlin, au Concours Paula-Salomon-Lindberg et au Bundeswettbewerb Gesang. Le premier prix obtenu au Concours International de lied de l’Académie Hugo Wolf de Stuttgart en 2010 lui a ouvert les portes des grandes salles de concert et d’opéra. En 2010/11, elle a été engagée dans la troupe de jeunes du Komische Oper de Berlin. Elle y a chanté sous la direction de chefs comme Maurizio Barbacini, Stefan Soltesz, Kristiina Poska, Patrick Lange, Christian Curnyn, Henrik Nánási, Nicholas Milton, Baldur Brönnimann, Alexander Vedernikov et André de Ridder. Ses débuts en Compositeur dans Ariane à Naxos au Theater Gießen dans une mise en scène de Hans Hollmann et sous la baguette de Michael Hofstetter ont enthousiasmé tant la critique que le public. Annelie Sophie Müller se passionne également pour la création de lieder. Dans le cadre du Schleswig-Holstein Musikfestival de 2011, elle a ainsi créé avec la pianiste Elif Şahin le Liedzyklus 37 de Fazil Say.

Annelie Sophie Müller MezzosopranDie Mezzosopranistin Annelie Sophie Müller gab 2019 ihr Rollen-debüt als Sesto in Mozarts La Clemenza di Tito in Bregenz. Wei-tere Highlights der Saison schließen ihr Hausdebüt am Theater Basel in Thom Luz’ Regie von Martins Le Vin herbé ein. Für den Wagner’schen «Ring am Rhein»-Zyklus kehrt sie als Wellgunde in der Götterdämmerung an die Deutsche Oper am Rhein zurück. Als Liedinterpretin verbindet Annelie Sophie Müller eine Zusammenarbeit mit dem Pianisten Eric Schneider. In der Semperoper debütiert sie in der aktuellen Spielzeit als Amando in Ligeti’s Le Grand Macabre. Annelie Sophie Müller studierte Gesang in Stuttgart sowie in der Solistenklasse 2015 am Kon-servatorium Kopenhagen. Sie wurde in zahlreichen Wettbewerben mit ersten und zweiten Preisen ausgezeichnet, darunter im Internationalen Wettbewerb «Das Lied» in Berlin, beim Paula-Salomon-Lindberg-Wettbewerb und beim Bundeswettbewerb Gesang. Der Erste Preis des Internationalen Liedwettbewerbs der Hugo-Wolf-Akademie Stuttgart 2010 öffnete ihr die Türen zu den großen Konzert- und Opernbühnen. In der Saison 2010/11

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Annelie Sophie Müllerphoto: Susie Knoll

wurde sie ins Junge Ensemble der Komischen Oper Berlin engagiert. An der Komischen Oper sang sie unter Dirigenten wie Maurizio Barbacini, Stefan Soltesz, Kristiina Poska, Patrick Lange, Christian Curnyn, Henrik Nánási, Nicholas Milton, Baldur Brönnimann, Alexander Vedernikov und André de Ridder. Von Kritik und Publikum begeistert aufgenommen wurde ihr Debüt als Komponist in Ariadne auf Naxos am Theater Gießen in der Regie von Hans Hollmann und unter dem Dirigat von Michael Hofstetter. Annelie Sophie Müller widmet sich außerdem der Liedgestaltung mit großer Leidenschaft und Ernsthaftigkeit. Beim Schleswig-Holstein Musikfestival 2011 brachte sie mit der Pianistin Elif Şahin den Liedzyklus 37 von Say zur Uraufführung.

Linard Vrielink ténorLe jeune ténor néerlandais Linard Vrielink est depuis la saison 2017/18 membre de l’Opéra Studio du Staatsoper Berlin où il a jusqu’à présent chanté des rôles comme Don Basilio (Les Noces de Figaro), le Jeune Matelot et le Berger dans une nouvelle pro-duction de Tristan et Isolde avec Daniel Barenboim ou le Consul dans Le Couronnement de Poppée. À l’été 2018, il fait ses débuts au Festival de Bregenz ainsi que dans le rôle d’Almaviva du Barbier de Séville. Déjà pendant ses études, il fait ses débuts au Staatsoper Berlin en Scaramuccio (Ariane à Naxos), incarne Federico (Stiffelio) au Konzerthaus Berlin et Oronte (Alcina) au Kammeroper Rheinsberg. Il chante la création européenne de l’oratorio Zabur de Mohammed Fairouz avec les Bochumer Symphoniker, le Stabat Mater de Schubert et la Messe en ut majeur de Beethoven avec Thomas Hengelbrock et le Balthasar-Neumann-Ensemble en Espagne. On peut également l’entendre avec l’Ensemble Pygmalion et Raphaël Pichon dans un programme Mozart dans le cadre d’une tournée à travers la France. Parmi ses concerts récents, citons l’Oratorio de Noël de Saint-Saëns avec l’Orchestre de la radio néerlandaises dirigé par Ed Spanjaard, la Messe en si de Bach avec Ivor Bolton et le Balthasar-Neumann-Ensemble, Carmina Burana de Orff au Konzerthaus Berlin, le Stabat Mater de Rossini dans le cadre des Kasseler Musiktage et La Passion selon saint Matthieu avec le Noord Nederlands

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Linard Vrielinkphoto: Jeremy Philip Knowles

Orkest et Peter Dijkstra. Il enregistre le disque «Libertà!» consacré à des œuvres de Mozart avec l’Ensemble Pygmalion et Raphaël Pichon, sorti en août 2019 sous le label Harmonia Mundi. En 2019/20, Linard Vrielink retrouve le Staatsoper Berlin pour ses débuts en Arbace dans une nouvelle production d’Idoménée dirigée par Sir Simon Rattle. Il chantera entre autres Spärlich dans Les Joyeuses Commères de Windsor sous la baguette de Daniel Barenboim et le Pilote dans Le Vaisseau fantôme. En concert, il interprètera aussi les airs de ténor de La Passion selon saint Matthieu avec le Zuidnederland Orkest et Stephan MacLeod, la Messe en ut ainsi que des airs de Mozart avec l’Ensemble Pygmalion et Raphaël Pichon, et des œuvres de Martín y Soler, Salieri, Paisiello et Mozart avec le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin également sous la baguette de Raphaël Pichon. Linard Vrielink a mené ses études à l‘Universität der Künste de Berlin auprès d’Elisabeth Werres, où il obtient en 2019 un Bachelor of Arts. Il a bénéficié de masterclasses dispensées par Norbert Schmittberg, Yamina Maamar, Harry Peeters, Matthew Polenzani, Alexander Oliver et Ira Siff.

Linard Vrielink TenorDer junge niederländische Tenor Linard Vrielink ist seit der Spielzeit 2017/18 Mitglied des Opernstudios an der Staatsoper Berlin, wo er bislang Rollen wie Don Basilio (Le nozze di Figaro), Seemann/Hirte in einer Neuproduktion von Tristan und Isolde mit Daniel Barenboim oder Konsul in einer Neuproduktion von L’incoronazione di Poppea gesungen hat. Im Sommer 2018 gab er bei den Bregenzer Festspielen sein Rollen- und Hausdebüt als Almaviva in Il barbiere di Siviglia. Bereits während des Studiums gab er sein Debüt an der Staatsoper Berlin als Scara-muccio (Ariadne auf Naxos), war als Federico (Stiffelio) am Konzerthaus Berlin und als Oronte (Alcina) an der Kammeroper Rheinsberg zu erleben. Er sang die europäische Erstaufführung von Mohammed Fairouz’ Oratorium Zabur mit den Bochumer Symphonikern, Schuberts Stabat Mater und Beethovens C-Dur

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Messe mit Thomas Hengelbrock und den Balthasar-Neumann-Ensembles in Spanien und war mit Ensemble Pygmalion und Raphaël Pichon mit einem Mozart-Programm auf einer Tournee durch Frankreich zu hören. Zu jüngeren Konzertengagements gehören Saint-Saëns’ Oratorio de Noël mit dem Niederländischen Rundfunkorchester unter dem Dirigat von Ed Spanjaard, Bachs Messe in h-moll mit Ivor Bolton und den Balthasar-Neumann-Ensembles, Orffs Carmina Burana am Konzerthaus Berlin, Rossinis Stabat Mater bei den Kasseler Musiktagen und Bachs Matthäuspassion mit dem Noord Nederlands Orkest unter Peter Dijkstra. Mit dem Ensemble Pygmalion und Raphaël Pichon hat er die CD «Libertà!» mit Werken von Mozart einge-spielt, die im August 2019 bei Harmonia Mundi erschienen ist. In der Spielzeit 2019/20 kehrt Linard Vrielink an die Staatsoper Berlin für sein Rollendebüt als Arbace in der Neuproduktion von Idomeneo unter dem Dirigat von Sir Simon Rattle zurück. Er wird u. a. als Junker Spärlich in Die lustigen Weiber von Windsor unter Daniel Barenboim und als Steuermann in Der Fliegende Holländer zu erleben sein. Auf der Konzertbühne wird er außer-dem die Tenor Arien in Bachs Matthäuspassion mit dem Zuid- nederland Orkest unter Stephan MacLeod, Mozarts Messe in C-Dur sowie Arien mit dem Ensemble Pygmalion und Raphaël Pichon und Werke von Martín y Soler, Salieri, Paisiello und Mozart mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin, ebenfalls unter Raphaël Pichon gestalten. Linard Vrielink schloss 2019 sein Studium an der Universität der Künste in Berlin bei Elisabeth Werres mit einem Bachelor of Arts ab. Er hat an Meisterkursen u. a. mit Norbert Schmittberg, Yamina Maamar, Harry Peeters, Matthew Polenzani, Alexander Oliver und Ira Siff teilgenommen.

André Morsch barytonLe baryton allemand André Morsch étudie auprès de Margreet Honig au conservatoire d’Amsterdam. Il est membre du Jardin des Voix de William Christie et remporte le premier prix ainsi que le prix Hermann-Reutter au prestigieux concours international de lied de Stuttgart, et le prix Bernac de l’Académie Ravel à Saint-Jean-de-Luz. Morsch intègre la troupe du Staatsoper de

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Stuttgart où il incarne Leporello, Papageno, Figaro (Les Noces de Figaro, Le Barbier de Séville), Guglielmo (Così fan tutte), ainsi que Fernando Ormez dans la création de Toshio Hosokawa Erdbeben. Träume. Parmi ses autres engagements figurent Plutone dans La Divisione del Mondo de Legrenzi sous la direc-tion de Christophe Rousset à l’Opéra national du Rhin, à Nancy et à Versailles, Papageno au Grand Théâtre de Genève, Figaro, Guglielmo avec l’Orchestra of the 18th Century, Adario (Les Indes galantes) à l’Opéra de Zurich, le rôle-titre de Cadmus et Hermione à l’Opéra Comique à Paris (Diapason d’Or, DVD de l’année 2009/Deutsche Schallplattenkritik), Fritz (La Ville morte) à l’Opéra national de Lorraine à Nancy, Boris dans Moscou, Quartier des Cerises de Chostakovitch à l’Opéra national de Lyon ainsi que Thésée dans Œdipe d’Enescu sous la baguette de Marc Albrecht, ces deux rôles au Nationale Opera Amsterdam. André Morsch a collaboré notamment avec des orchestres comme le Royal Concertgebouw Orchestra, le Gewandhausorchester Leipzig, le Tonhalle Orchester Zürich, le Beethoven Orchester Bonn, Les Talens Lyriques, Le Poème Harmonique, et avec des chefs tels Frans Brüggen, Jaap van Zweden, Ingo Metzmacher, James Gaffigan, William Christie, Ivor Bolton, Kenneth Montgomery, Sylvain Cambreling et Edo de Waart. Parmi ses concerts récents figurent la création Maria de Jan Müller-Wieland avec le Balthasar-Neumann-Ensemble et Thomas Hengelbrock à la Ruhrtriennale, Les Saisons de Haydn avec l’Orchestra of the 18th

Century et Un requiem allemand avec cette même phalange, le Sinfonieorchester Basel et l’Orchestre de jeunes cubain et euro-péen dirigé par Thomas Hengelbrock à La Havane. Lors de la saison 2019/20, il chante le rôle-titre de Don Giovanni avec l’Orchestra of the 18th Century, le War Requiem de Britten avec le Het Gelders Orkest, Le Messie de Händel avec le NDR Chor à la Elbphilharmonie de Hambourg, La Création de Haydn avec le Kioi Hall Chamber Orchestra Tokyo et Hartmut Haenchen, La Divisione del Mondo à la Philharmonie de Cologne et la Messe en ut de Mozart avec le RIAS Kammerchor. Il fait également ses débuts en Golaud dans Pelléas et Melisande à l’Opéra national de Montpellier. André Morsch a chanté pour la dernière fois à la Philharmonie Luxembourg en 2017/18 avec le Balthasar- Neumann-Chor und -Ensemble.

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André Morschphoto: Marco Borggreve

André Morsch BaritonDer deutsche Bariton André Morsch studierte bei Margreet Honig am Konservatorium in Amsterdam. Er ist ehemaliges Mit-glied von William Christies Le Jardin des Voix und Gewinner des Ersten sowie des Hermann-Reutter-Preises beim angesehenen Internationalen Wettbewerb für Liedkunst in Stuttgart und des Prix Bernac der Académie Ravel in Saint-Jean-de-Luz. Morsch gehörte dem Ensemble der Staatsoper Stuttgart an und war dort u. a. als Leporello, Papageno, Figaro (Le nozze di Figaro, Il Barbiere di Siviglia), und Guglielmo (Così fan tutte) und als Fernando Ormez in der Uraufführung von Toshio Hosokawas Erdbeben. Träume zu erleben. Zu weiteren Opernengagements gehören Plutone in Legrenzis La Divisione del Mondo unter Christophe Rousset an der Opéra national du Rhin, in Nancy und Versailles, Papageno am Grand Théâtre de Genève, Figaro, Guglielmo mit dem Orchester des 18. Jahrhunderts, Adario (Les Indes galantes) am Opernhaus Zürich, die Titelrolle in Lullys Cadmus et Hermione an der Opéra Comique in Paris (Diapason d’Or, DVD des Jahres 2009/Deutsche Schallplatten-kritik), Fritz (Die tote Stadt) an der Opéra national de Lorraine in Nancy, Boris in Schostakowitschs Moskau, Tscherjomuschki an der Opéra national de Lyon sowie Thésée in Enescus Oedipe unter dem Dirigat von Marc Albrecht, alle an der Nationale Opera Amsterdam. André Morsch hat u. a. mit Orchestern wie dem Royal Concertgebouw Orchestra, dem Gewandhausorchester Leipzig, dem Tonhalle Orchester Zürich, dem Beethoven Orchester Bonn, Les Talens Lyriques, Le Poème Harmonique und Dirigenten wie Frans Brüggen, Jaap van Zweden, Ingo Metzmacher, James Gaffigan, William Christie, Ivor Bolton, Kenneth Montgomery, Sylvain Cambreling und Edo de Waart zusammengearbeitet. Zu jüngsten Konzertengagements gehören die Uraufführung von Jan Müller-Wielands Maria mit den Balthasar-Neumann-Ensembles und Thomas Hengelbrock bei der Ruhrtriennale, Haydns Die Jahreszeiten mit dem Orchester des 18. Jahrhunderts und Brahms Ein deutsches Requiem mit dem Orchester des 18. Jahrhunderts, dem Sinfonieorchester Basel und dem

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Kubanisch-Europäischen Jugendorchester unter Thomas Hengelbrock in Havanna. In der der Saison 2019/20 wird er die Titelrolle in Don Giovanni mit dem Orchester des 18. Jahrhun-derts, Brittens War Requiem mit Het Gelders Orkest, Händels Messias mit dem NDR Chor in der Elbphilharmonie Hamburg, Haydns Die Schöpfung mit dem Kioi Hall Chamber Orchestra Tokyo unter Hartmut Haenchen, La Divisione del Mondo in der Kölner Philharmonie und Mozarts Messe in c-moll mit dem RIAS Kammerchor singen. Er wird zudem sein Rollendebüt als Golaud in Pelléas et Melisande an der Opéra national de Montpellier geben. André Morsch war zuletzt in der Saison 2017/18 als Solist mit Balthasar-Neumann-Chor und -Ensemble in der Philharmonie Luxembourg zu erleben.

Kiril Chobanov basseNé à Sofia, Kiril Chobanov effectue ses études à l’Académie nationale de musique Pancho Vladigerov avant d’intégrer en 2001 l’école d’opéra du Conservatoire privé de Vienne. Suivent des engagements pour Moralès dans Carmen, Bill dans Grandeur et décadence de la Ville de Mahagonny, le Comte Almaviva dans Les Noces de Figaro, Belcore dans L’Élixir d’amour, Onéguine, Germont dans La Traviata en Autriche, en Bulgarie et dans d’autres pays. En 2011, Kiril Chobanov se produit au Festival de Pentecôte de Salzbourg et au Festival de Ravenne en Serviteur dans I due Figaro sous la direction de Riccardo Muti. En 2012, le Wiener Staatsoper l’engage en Oracle dans Alceste. Parmi les autres rôles solistes qu’il incarne citons Ochs dans Le Chevalier à la rose au Festival de Salzbourg. En 2018, Kiril Chobanov se produit sur la scène du Théâtre des Champs-Élysées à Paris et à la Philharmonie Luxembourg en Comte Ceprano et en Uschiere dans Rigoletto sous la baguette de Gustavo Gimeno.

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Kiril Chobanovphoto: Tony Gigov

Kiril Chobanov BassGeboren in Sofia absolvierte Kiril Chobanov die Staatliche Musik- akademie «Prof. Pancho Vladigerov» und wechselte 2001 an die Opernschule des Privatkonservatoriums Wien. Es folgten zahl-reiche Engagements wie Moralès in Carmen, Bill in Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny, Graf Almaviva in Le nozze di Figaro, Belcore in L’elisir d’amore, Onegin, Germont in La Traviata in Österreich, Bulgarien und anderen Ländern. 2011 trat Kiril Chobanov bei den Pfingstfestspielen Salzburg und dem Ravenna Festival als Diener in I due Figaro unter Riccardo Muti auf. Im Jahr 2012 engagierte die Wiener Staatsoper den Sänger für die Rolle des Orakels in Alceste. Weitere Solistenrollen folg-ten, wie Lerchenauer in Der Rosenkavalier bei den Salzburger Festspielen. Im Jahr 2018 erschien Kiril Chobanov auf der Bühne des Théâtre des Champs-Élysées in Paris und der Philharmonie Luxemburg als Conte Ceprano und Uschiere in Rigoletto unter Gustavo Gimeno.

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La plupart des programmes du soir de la Philharmonie sont disponibles avant chaque concert en version PDF sur le site www.philharmonie.lu

Die meisten Abendprogramme der Philharmonie finden Sie schon vor dem jeweiligen Konzert als Web-PDF unter www.philharmonie.lu

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