Athénée Jean Absil

Cours de musique 2012-2013 : liens internet utiles

http://users.skynet.be/fa367427/Absil/Liens01.pdf

1. Cours 01 : introduction

- Mozart VS Mozart (extraits) :http://www.youtube.com/watch?v=n7IV_ngn9tY&list=UU16R6CmzsVN6PKUEOI1L-tA&index=5&feature=plcp

- Mozart VS Mozart (Il opera dalla grande buffa) : http://www.youtube.com/watch?v=aiNDcJ7x30w&list=UU16R6CmzsVN6PKUEOI1L-tA&index=4&feature=plcp

2. Cours 02 : terminologie (1ère partie)

- Orchestre qui s’accorde sur le « la » :

. http://www.youtube.com/watch?v=F31FdsiYK_M

. http://www.youtube.com/watch?v=RHSbZBuqOvU

- Fréquences sonores, ultrasons et infrasons :

. http://www.youtube.com/watch?v=sxstfmtLVi0

. http://www.youtube.com/watch?v=m7W4escAs1g

- Tessiture de la voix humaine :

. Tessiture étendue : http://www.youtube.com/watch?v=RaHvjl3HbZU , http://www.youtube.com/watch?v=4u2y3toxBU4&feature=related

. Daniel Balavoine (Starmania) : http://www.youtube.com/watch?v=NbdF-yKXj8E

- Registres de la voix humaine :

. Registre aigu (Mozart, La Reine de la Nuit) : http://www.youtube.com/watch?v=5wfp8EB179g

- Timbre du son :

. Oscilloscope (son pur par opposition à la flûte à bec) : http://www.youtube.com/watch?v=RiF53vvzraA

. Walt Disney (Fantasia) : http://www.youtube.com/watch?v=Jv_1950PlKo

- Musique indienne (Ravi Shankar) : http://www.youtube.com/watch?v=9xB_X9BOAOU

- Mélodie riche (Michel Legrand : Les demoiselles de Rochefort) : http://www.youtube.com/watch?v=lp41bjlLS4U

- Mélodie pauvre (Sttella : Torremolinos) : http://www.youtube.com/watch?v=oW4v8x7anm8 , http://www.youtube.com/watch?v=fCxYJa1dR1w

- Différentes orchestrations (Beethoven : 5e symphonie) : http://www.youtube.com/watch?v=_4IRMYuE1hI (orchestre), http://www.youtube.com/watch?v=VdzgAZF1BO4&feature=related (piano), http://www.youtube.com/watch?v=FN_SLa2aDtI (guitare électrique)

- Différentes orchestrations (Bach : toccata et fugue en ré mineur) : http://www.youtube.com/watch?v=bkUUjUJ4wHg (orgue), http://www.youtube.com/watch?v=a1z12_Ps-gk (orchestre), http://www.youtube.com/watch?v=XKRj-T4l-e8&feature=fvwrel (harpe de verre)

- Mouvement lent (Jean-Sébastien Bach, Aria) : http://www.youtube.com/watch?v=mi5xaMIX_h8

- Mouvement rapide (Nicolaï Rimsky-Korsakov, Le vol du bourdon) : http://www.youtube.com/watch?v=K7fRryop0EM&playnext=1&list=PL164EA8EE9DF935A1&feature=results_video , http://www.youtube.com/watch?v=U885i1DpMbk

- Mouvement de type adagio (Albinoni : adagio) : http://www.youtube.com/watch?v=PEzuXJ0rOJM

3. Cours 03 : terminologie (2e partie)

- Le rythme (régulier/irrégulier, binaire/ternaire) :

. Tic-tac de l’horloge (rythme régulier) : http://www.youtube.com/watch?v=v-Mi56JCn58

. Robinet qui fuit (rythme régulier) : http://www.youtube.com/watch?v=6NP3guKeSnE

. Coups de feu (rythme irrégulier) : http://www.youtube.com/watch?v=RZlUIMZmoy0

. Crépitement d’un feu (rythme irrégulier) : http://www.youtube.com/watch?v=cR3nFhBXr_0

.We will rock you (Queen : rythme régulier de batterie, le reste irrégulier) :

http://www.youtube.com/watch?v=-tJYN-eG1zk

. Le jour le plus long (marche militaire : rythme binaire) : http://www.youtube.com/watch?v=mFi6CUzI9sI

. Rock around the clock (Bill Haley : rock, rythme binaire) :

http://www.youtube.com/watch?v=zju6KbP_1xY&feature=related

. Stir it up (Bob Marley : reggae, rythme binaire) : http://www.youtube.com/watch?v=n6U-TGahwvs

. Alors on danse (Stromae : dance, rythme binaire) : http://www.youtube.com/watch?v=VHoT4N43jK8

. Le beau Danube bleu (Johann Strauss : valse, rythme ternaire) : http://www.youtube.com/watch?v=IDaJ7rFg66A

. Valse n°2 (Dimitri Chostakovich : valse, rythme ternaire) :

http://www.youtube.com/watch?v=GLLc-1Pchf8&feature=related

. Vesoul (Jacques Brel : valse musette rythme ternaire) : http://www.youtube.com/watch?v=GDBYtE3HZZw

. Les Aristochats (swing) : http://www.youtube.com/watch?v=DmQe_tFEvz0

. Joy of life (The Corrs : gigue) : http://www.youtube.com/watch?v=LVvFBEnu3g0

. Les lacs du Connemara (Michel Sardou, gigue) : http://www.youtube.com/watch?v=XHQp6rDGzNQ

- La mélodie :

. Chant grégorien : http://www.youtube.com/watch?v=ETBg2ckXfjw

- L’harmonie :

. Harmonies vocales (femmes) : Trio Esperança (La vie en rose), http://www.youtube.com/watch?v=J9ADLxPnbYI

. Harmonies vocales (hommes) : Comedian harmonists (morceau de Franz Schubert) :

http://www.youtube.com/watch?v=31lzOw9AAos

. Le chant diphonique d’Asie centrale : http://www.youtube.com/watch?v=nCnmrOsPfb4&feature=related

. Accords de guitare : Smoke on the water (Deep Purple),

http://www.youtube.com/watch?v=7mCK05dgwgU&feature=related

. Orgue d’église : http://www.youtube.com/watch?v=rZQ--KHn21A&feature=related

. Cornemuse : http://www.youtube.com/watch?v=FKQIdqjY9nI

4. Cours 04 : évolution historique

- Production corporelle du rythme :

. Body Rhythm Factory : http://www.youtube.com/watch?v=wYcLAC63pGI

. Gumboot dance (Afrique du Sud) : http://www.youtube.com/watch?v=Vxu8Is3ae3A&feature=related

. Claquettes : Teddy Hale (http://www.youtube.com/watch?v=9wufiKaEdtw),

The Condos (http://www.youtube.com/watch?v=u7D8N651pvE)

- Production rythmique avec des objets usuels :

. Body Rhythm Factory : http://www.youtube.com/watch?v=zDMuHpssEMk

. Stomp : medley (http://www.youtube.com/watch?v=wDgRGutjc7Y),

balais (http://www.youtube.com/watch?v=n-_mUAhzhkg)

déboucheurs de toilettes (http://www.youtube.com/watch?v=9mtdEH43r2s)

journaux (http://www.youtube.com/watch?v=sb9K_zdq-ck&feature=related)

- Percussions de l’orchestre classique (timbales et cymbales) :

. Ainsi parlait Zarathoustra (Richard Strauss) : http://www.youtube.com/watch?v=Y9QxaJLt7EA, http://www.youtube.com/watch?v=lyJwbwWg8uc

. Carmina burana (Carl Orff) : http://www.youtube.com/watch?v=F1DEyrAZofU

- Groupe de percussions classiques : http://www.youtube.com/watch?v=Of25v8otMJQ,

http://www.youtube.com/watch?v=eZ9wWY4ov38

- Batterie (Phil Collins) :

http://www.youtube.com/watch?v=vKPSTH-r2ZI&playnext=1&list=PL053578E4E3BF896E&feature=results_main

- Batterie électronique : http://www.youtube.com/watch?v=rGEyb2Tz-d0

- Percussions du monde :

. Tablas (Inde) : http://www.youtube.com/watch?v=TtPDds21CMU

. Kodo (Japon) : http://www.youtube.com/watch?v=C7HL5wYqAbU

. Darbuka (Moyen Orient) : http://www.youtube.com/watch?v=XOFOZztToWQ

. Bodhran (Irlande) : http://www.youtube.com/watch?v=V5eY90WJZ50

. Brésil : http://www.youtube.com/watch?v=T5vWOw39D6Q, http://www.youtube.com/watch?v=euNejaDrJ0U

- Mélodie (monophonique) :

. Tribu primitive : http://www.youtube.com/watch?v=g_Fc5KhCu6s

. Théâtre grec antique (choeur) : https://www.youtube.com/watch?v=jXIoZ9sWHH4&playnext=1&list=PL7980CAE36660EB33&feature=results_main

. Chant grégorien : http://www.youtube.com/watch?v=KHMgC5vO3iY

. Serpent : http://www.youtube.com/watch?v=n-Sbq-XL_VU

. Trompette marine : http://www.youtube.com/watch?v=srWxpRxlTbc&feature=g-playlist&list=PL40035B3730571E04

- Contrepoint (polyphonique) :

. Organum : http://www.youtube.com/watch?v=PhqWgfGK1Xw

. Canon : Frère Jacques : http://www.youtube.com/watch?v=rLr3o1DULUM

Pachelbel : http://www.youtube.com/watch?v=JvNQLJ1_HQ0

. Fugue (Bach) : http://www.youtube.com/watch?v=Mia9woisQZo&feature=related

- Harmonie (polyphonique) :

. Luth solo (Greensleeves) : http://www.youtube.com/watch?v=7goe9JYZJS8

. Chant + accompagnement de luth : http://www.youtube.com/watch?v=jkRrzAo9Wl4

. Chant + accompagnement de guitare (Joan Baez : Blowin’ in the wind) : http://www.youtube.com/watch?v=DFvkhzkS4bw

5. Cours 05 : analyse musicale

- Rolling in the deep (Adele) : http://www.youtube.com/watch?v=rYEDA3JcQqw

- La salsa du démon (Le Grand Orchestre du Splendid) : https://www.youtube.com/watch?v=fOuj2xauq6Y

- The Mambo Legends : https://www.youtube.com/watch?v=yAfYYAafQKg

6. Cours 06 : histoire de l’enregistrement sonore

- invention du phonographe (film) : https://www.youtube.com/watch?v=_EZ3TL3ZnCI (à partir de 01:01:00)

- gramophone : https://www.youtube.com/watch?v=EOiFt47CsXo

- stéréophonie :

. démonstration générale : https://www.youtube.com/watch?v=V3Wt_Avpx3E

. harmonicas gauche-droite (à partir de 01:21)

. sillon mono et sillon stéréo (à partir de 07:35)

. The Beatles (« Please, please me ») : https://www.youtube.com/watch?v=Cso9KHVcq0E

Nom(s) : Classe : Date :

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ANALYSE D’ŒUVRE MUSICALE

Titre :

Interprète(s) :

Mesure : Tempo : Tonalité :

Parties et instrumentation :

Partie Nbre

MORCEAUX à ANALYSER

Titre Artiste Lien internet

1 e Billie Jean Michael Jackson https://www.youtube.com/watch?v=x8GrY5LC1hg2 e Bruno Mars Lazy song (The) https://www.youtube.com/watch?v=fLexgOxsZu03 e Crowling up a hill Katie Melua http://www.youtube.com/watch?v=59EbdONlBuE4 e Feeling good Muse http://www.youtube.com/watch?v=CmwRQqJsegw5 e Feelings Morris Albert http://www.youtube.com/watch?v=CyBcHUe4WeQ6 e Honesty Billy Joel http://www.youtube.com/watch?v=3iNPcQhmfgI7 e Hotel California Eagles http://www.youtube.com/watch?v=NUbTW928sMU8 e House of the rising sun (The) Animals (The) http://www.youtube.com/watch?v=6S7hTvViZKY9 e I feel good James Brown http://www.youtube.com/watch?v=DuDeBcpLITQ

10 e I wanna be loved by you Marilyn Monroe https://www.youtube.com/watch?v=5eDHlgnRuaM11 e Imagine John Lennon https://www.youtube.com/watch?v=Qksls55BFVc12 e Let it be Beatles https://www.youtube.com/watch?v=RdopMqrftXs13 e Mercy Duffy http://www.youtube.com/watch?v=y7ZEVA5dy-Y14 e Paradise Coldplay http://www.youtube.com/watch?v=1G4isv_Fylg15 e Rehab Amy Winehouse http://www.youtube.com/watch?v=KUmZp8pR1uc16 e Relax, take it easy Mika http://www.youtube.com/watch?v=c1EVjCKuJ9g17 e Skyfall Adele https://www.youtube.com/watch?v=DeumyOzKqgI18 e Unchain my heart Joe Cocker http://www.youtube.com/watch?v=6eByMZJ9ueA19 e We are the champions Queen https://www.youtube.com/watch?v=04854XqcfCY20 e What a wonderful world Louis Armstrong http://www.youtube.com/watch?v=A3yCcXgbKrE21 e When you know Puggy http://www.youtube.com/watch?v=7ZcvSgGBfP822 f Alexandrie, Alexandra Claude François https://www.youtube.com/watch?v=AbXBdlLiac823 f Amoureux des bancs publics (Les) Georges Brassens https://www.youtube.com/watch?v=eztSYUFUe8I24 f Aux Champs-Elysées Joe Dassin https://www.youtube.com/watch?v=KHaFCP4S8Mc25 f Bruxelles Jacques Brel https://www.youtube.com/watch?v=0g475eYmbcc26 f Ce matin Axelle Red https://www.youtube.com/watch?v=dOX-IzJpxcA27 f Ce n'est rien Julien Clerc https://www.youtube.com/watch?v=abzOOXHv5xI28 f Chansons des jumelles Michel Legrand https://www.youtube.com/watch?v=VNybg6jfDec29 f Chanteur (Le) Daniel Balavoine https://www.youtube.com/watch?v=xVrwriBrBB430 f Cœur de loup Philippe Lafontaine https://www.youtube.com/watch?v=3SeNAIRM25431 f Il jouait du piano debout France Gall https://www.youtube.com/watch?v=N6yobV8KiQY32 f Je l'aime à mourir Shakira https://www.youtube.com/watch?v=E8Xu4i8RdR833 f Marcia baila Rita Mitsouko https://www.youtube.com/watch?v=t6FVlfOgTo834 f Mon amant de Saint-Jean Patrick Bruel https://www.youtube.com/watch?v=_qQeJLSYz_M35 f Mots bleus (Les) Christophe https://www.youtube.com/watch?v=mOa07g1fTiw36 f Paradis blanc (Le) Michel Berger https://www.youtube.com/watch?v=Z2OawuAcIF437 f Pas de boogie woogie Eddy Mitchell https://www.youtube.com/watch?v=4QO97JoEREQ38 f Poinçonneur des lilas (Le) Serge Gainsbourg https://www.youtube.com/watch?v=f8PrD6FnSbw39 f Sexion d'assaut Avant qu'elle parte https://www.youtube.com/watch?v=lN2ozTZNJC040 f Trois nuits par semaine Indochine https://www.youtube.com/watch?v=Fop1vnLwlaA

« Tubes » en vrac

Wolfgang Amadeus Mozart 40e symphonie (1er mouvement)

http://www.youtube.com/watch?v=2HbMzu1aQW8

Ludwig van Beethoven 5e symphonie (1er mouvement)

http://www.youtube.com/watch?v=_4IRMYuE1hI

Ludwig van Beethoven 9e symphonie (Ode à la joie) http://www.youtube.com/watch?v=paH0V6JLxSI

Glenn Miller In the mood http://www.youtube.com/watch?v=teJfuKdzbOo

Frantz Schubert La truite (quintette) http://www.youtube.com/watch?v=wlxVTpEyMEw

Tomaso Albinoni Adagio http://www.youtube.com/watch?v=PEzuXJ0rOJM

Jean-Sébastien Bach Toccata et fugue en ré mineur (orgue)

http://www.youtube.com/watch?v=bkUUjUJ4wHg

Jean-Sébastien Bach Toccata et fugue en ré mineur (orchestre)

http://www.youtube.com/watch?v=a1z12_Ps-gk

Louis Prima Just a gigolo http://www.youtube.com/watch?v=O-a8kLtJSJ4

Van Morrison Gloria http://www.youtube.com/watch?v=7RI-QtEAwvE

The Rolling Stones Satisfaction http://www.youtube.com/watch?v=HoxRFOr_sQ0

Johannes Brahms Danse hongroise n°5 http://www.youtube.com/watch?v=monaXOpmH1U

Franz Liszt Rhapsodie hongroise n°2 http://www.youtube.com/watch?v=QC_nypfbZLQ&feature=related

Franz Liszt Rhapsodie hongroise n°2 http://www.youtube.com/watch?v=QbxArVlS5tU&feature=related

Frederic Chopin Extraits http://www.youtube.com/watch?v=gZ6sdMUmIFA&feature=related

The Beatles Let it be http://www.youtube.com/watch?v=vHgZCrAoqKk

The Beatles Yesterday http://www.youtube.com/watch?v=5oXPgZjm6Uk&feature=related

Paul Dukas L’apprenti sorcier http://www.youtube.com/watch?v=t3HHfe-1F6s

Georges Brassens Les copains d’abord http://www.youtube.com/watch?v=rslShTbqNbo

Michael Jackson ABC http://www.youtube.com/watch?v=M-aSjHnbw18&feature=related

Michael Jackson Ben http://www.youtube.com/watch?v=cRTJ2xVr0PA

Michael Jackson I want you back http://www.youtube.com/watch?v=s3Q80mk7bxE

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Athénée Royal Jean Absil

Cours de musique 01 : introduction

 

1. Pourquoi un cours de musique ?

L’expression de l’être humain par les arts (dont la musique) est un élément essentiel de sa nature et de son histoire. Ignorer cela équivaudrait à nier une caractéristique capitale de l’Humanité. De plus, la technologie moderne (CD, télévision, ordinateur, internet, Mp3 …) fait en sorte que la musique est aujourd’hui omniprésente dans nos vies (et ce même bien souvent à notre insu !) : au-delà de la culture et du divertissement, il s’agit aujourd’hui d’un véritable phénomène de société auquel personne ne peut échapper :

La musique est partout !

Il est donc indispensable, à défaut de pouvoir chacun maîtriser ce phénomène professionnellement (tout le monde n’est pas obligé d’être musicien !) d’au moins pouvoir

- le reconnaître

- le comprendre et comprendre le rôle important qu’il joue dans nos vies

- l’apprécier (toute les musiques dans lesquelles nous baignons ne sont pas de qualité artistique identique, loin s’en faut : il faut être capable de comparer pour pouvoir choisir en conscience ce qui nous paraît le meilleur et ne pas gober n’importe quoi de ce que les médias nous imposent !)

- tout simplement, être au minimum capable d’en parler en connaissance de cause et avec une certaine compétence.

2. Contenu du cours

La musique est un domaine extrêmement vaste. Or vous ne disposerez, pour toutes vos études secondaires, que de 50 minutes de cours de musique par semaine durant une seule année scolaire. C’est très peu, et pour aborder un maximum de domaines différents il nous faudra donc nécessairement faire des choix. Nous nous concentrerons dès lors sur quelques aspects essentiels de différents domaines de la musique :

- les musiques d’aujourd’hui (pop, dance, rap, rock, jazz, chanson …) et leurs rapports avec les musiques plus anciennes dont elles proviennent (Antiquité grecque, chant grégorien, musique baroque, grandes étapes de la musique classique, musique de film, boogie-woogie, ragtime, blues, musiques folkloriques …)

- les instruments de musique : ceux qui sont les plus utilisés de nos jours en musique moderne (synthétiseur, échantillonneur, guitare, basse, batterie …), mais aussi les instruments classiques (cordes, cuivres, bois …)

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- les techniques actuelles de production musicale (séquenceur, système MIDI, enregistrement audio multi-pistes, numérisation, micro HF, compression audio Mp3, effets …) et leur origine historique (phonographe, disque 78 tours, microsillon, CD, amplificateur à lampe, électrification des instruments …)

- quelques éléments importants de la théorie musicale : notions de mélodie, d’harmonie, de fréquence (sons graves ou aigus), principes généraux de la notation musicale …

- les musiques du monde et leurs particularités

3. Matière à étudier

Chaque cours abordera un sujet particulier (un point de théorie musicale ou d’histoire de la musique, un compositeur, une œuvre, un aspect technique de la musique, un instrument ou une famille d’instruments, un style musical …). Pour chacun de ces cours, vous recevrez une « fiche » sous forme d’une ou deux feuilles photocopiées reprenant la matière à connaître pour le cours suivant. Il y aura donc une fiche par semaine. Dans cette fiche, le professeur vous indiquera chaque fois clairement une dizaine de points importants à connaître pour la semaine suivante.

4. Matériel indispensable

Pour le cours de musique, il vous faudra les quelques éléments suivants :

- un classeur A4 à deux anneaux, ou du moins un espace clairement réservé au cours de musique (par une intercalaire) dans un de vos classeurs comprenant éventuellement plusieurs cours (il ne faut pas multiplier inutilement les classeurs à transporter, mais attention aux oublis !). C’est dans ce classeur que vous conserverez vos fiches de cours.

- de quoi écrire (stylo, BIC …) : il sera parfois nécessaire et utile d’ajouter quelques commentaires manuscrits au sein des fiches photocopiées.

5. Evaluation

Il n’y a pas d’examen pour le cours de musique. L’évaluation de votre étude et de votre travail se fera de deux manières :

a. interrogations hebdomadaires : au début de chaque cours, vous recevrez une feuille photocopiée comprenant 5 questions précises concernant la fiche correspondant à la matière vue au cours précédent. Ces interrogations seront notées sur 10, et la moyenne de vos notes constituera la partie « travail journalier » de votre évaluation globale, comptant pour 70% dans la note finale de l’année.

b. travail personnel : cela aura lieu au second trimestre. Il s’agira d’étudier par soi-même un sujet musical en rapport avec la matière vue au cours, et de rédiger un texte de

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quelques pages (entre 1 et 3) sur ce sujet. Les sujets conseillés et les consignes à respecter dans ce travail vous seront communiqués à la fin du premier trimestre. Les élèves qui le souhaitent peuvent remplacer ce travail écrit par une brève présentation orale devant la classe (entre 5 et 10 minutes), qui pourra éventuellement prendre la forme d’une démonstration musicale pratique (par exemple, un élève musicien joue un morceau et parle ensuite brièvement de ce morceau, de son compositeur ou de l’instrument dont il joue. La note attribuée à ce travail personnel constituera la seconde partie de votre évaluation globale, et comptera pour 30% dans la note finale de l’année.

6. Internet

En classe, nous aurons très souvent l’occasion d’écouter de la musique et de regarder des vidéos musicales provenant d’internet (principalement Youtube). Vous pourrez retrouver tous les liens internet vers ces vidéos dans un document PDF qui vous sera lui-même accessible via le lien suivant :

http://users.skynet.be/fa367427/Absil/Liens01.pdf

Ce document sera mis à jour au fur et à mesure des cours (il s’allongera donc pratiquement chaque semaine), de sorte que vous puissiez toujours revoir chez vous (ou sur les ordinateurs de l’école) toutes les vidéos projetées en classe. Il vous suffira pour ce faire d’ouvrir régulièrement ce document et de cliquer sur les liens qui s’y trouvent. Il est très important de faire cela, pour les raisons suivantes :

a. il faut plus qu’un seul visionnage pour assimiler (et apprécier !) une production musicale.

b. les interrogations hebdomadaires pourront parfois porter sur le contenu des vidéos projetées en classe.

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Athénée Jean Absil

Cours de musique 02 : terminologie (1ère partie)

 

1. Pourquoi un cours consacré au vocabulaire et aux définitions ?

Pour pouvoir parler efficacement d’un sujet, il faut connaître les termes exacts qui en désignent les éléments constitutifs. Cela vaut en particulier pour la musique qui a, comme tout domaine spécialisé, son vocabulaire propre, son jargon. Employer un vocabulaire spécialisé est très utile, pour deux raisons principales :

1°) utiliser des termes dont les différents interlocuteurs connaissent bien le sens exact permet de communiquer avec précision et d’éviter les malentendus (p.ex., « parler un ton plus pas » ne veut pas dire « parler moins fort »).

2°) lorsque l’on utilise des termes dont tous les interlocuteurs connaissent le sens exact, cela permet de gagner beaucoup de temps dans la discussion (au lieu de dire « un instrument de musique en bois avec des cordes qui produisent un son lorsqu’on les frotte à l’aide d’une baguette munie de crins de cheval », il est plus pratique dire « un violon »).

Dans ce cours, nous allons passer en revue une série de concepts fondamentaux de la musique ainsi que le vocabulaire qui s’y rapporte.

2. Quelques concepts musicaux et leurs termes

2.1. Eléments d’acoustique

L’acoustique est la partie de la physique qui étudie le son. Un son est toujours produit par la mise en vibration d’un objet (une corde que l’on pince, un tuyau dans le quel on souffle, un objet que l’on frappe …). Cette vibration se propage dans l’air sous la forme d’une onde sonore. La vibration se caractérise par 4 éléments principaux :

a. sa fréquence : c’est le nombre de fois que la vibration se produit par unité de temps. L’unité de fréquence est le Hertz (Hz) : une fréquence d’1 Hz correspond à une vibration qui se produit une fois par seconde. Une fréquence basse correspond à un son grave, une fréquence élevée correspond à un son aigu. Pour dire la même chose que « fréquence », on peut aussi parler de la hauteur du son : grave = bas et aigu = haut (en musique, ce sont des synonymes). Par exemple, la note « la » que l’on donne aux musiciens au début d’un concert a une fréquence de 440 Hz. C’est le « la » du diapason : il s’agit d’une petite fourche métallique qui, lorsqu’on la frappe contre un objet, émet précisément la note « la » qu’utilisent les musiciens pour accorder leurs instruments. L’oreille humaine normale perçoit les sons entre 20 Hz (sons les plus graves) et 20.000 Hz (sons les plus aigus). Plus bas que 20 Hz, les sons existent mais nous ne les entendons pas (ce sont les infrasons). Plus haut que 20.000 Hz, ils existent également mais nous ne les entendons pas non plus (ce sont les ultrasons, que perçoivent par exemple les chiens). La fréquence d’un son dépend essentiellement de la taille de l’objet (et donc de

Diapason 

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l’instrument de musique) qui le produit : un petit instrument (violon) aura un son plus aigu qu’un grand instrument (contrebasse). De même, un bébé a une voix plus aiguë qu’un adulte. Ou encore : les lames d’un xylophone ou les cordes d’un piano sont disposées de la plus grande (grave) à la plus petite (aiguë). L’écart entre le son le plus grave et le son le plus aigu pouvant être émis par un instrument ou la voix se nomme tessiture (de l’instrument ou de la voix). Ainsi, certains instruments ou chanteurs ont une tessiture plus ou moins étendue que d’autres. Le registre caractérise quant à lui le fait que la tessiture moyenne d’un instrument ou d’un chanteur se situe plus ou moins haut ou bas dans l’échelle des fréquences (on parle ainsi de registre grave, aigu ou médium).

b. son timbre : c’est ce qui permet, pour une même note (c.à.d. une même fréquence), de distinguer le type d’objet qui a produit la vibration (un violon, une trompette, un caillou …). Le timbre dépend essentiellement de la forme de l’objet qui le produit : les lèvres du trompettiste, l’anche du saxophone, le biseau de l’embouchure de la flûte … La matière dont est fait l’objet compte aussi, mais dans une moindre mesure que sa forme (p.ex., il y a très peu de différence de timbre entre des flûtes traversières en bois, en argent, en verre ou en plastique !). D’une manière imagée, on appelle souvent le timbre la « couleur » du son.

c. son intensité : c’est la force avec laquelle un son est émis par un objet (p.ex. un instrument de musique) et donc reçu par l’oreille. L’intensité sonore, encore appelée volume, se mesure en décibel (dB), du nom d’Alexander Graham Bell, inventeur du téléphone et grand spécialiste de l’audition.

d. sa durée : c’est la longueur du temps mesurée entre le début de la vibration sonore et son arrêt.

N.B. : en musique, on appelle généralement les sons des notes. Historiquement, cela provient du fait que les humains, bien avant de disposer des moyens techniques actuels pour enregistrer leur musique, ont toujours éprouvé le besoin de l’écrire, de la « noter » (d’où le terme de note).

2.2. Correspondance entre l’acoustique et la musique

La musique est la transposition de l’acoustique dans le domaine artistique. C’est-à-dire qu’il s’agit de l’utilisation maîtrisée par l’être humain des phénomènes acoustiques naturels. Cette pratique poursuit deux grands objectifs :

- exprimer des idées ou des sentiments (la musique est un moyen de communication)

- produire du beau (la musique est un art)

La musique essaie donc de « mettre en ordre » les bruits du monde et de la nature, de sorte à permettre une certaine expression humaine, plus ou moins compréhensible et plus ou

Alexander Graham Bell

(1847‐1922) 

Piano à queue 

 

Grave                                                                Aigu     

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moins appréciée dans un contexte culturel donné (p.ex., la musique indienne n’a pas du tout le même impact émotionnel sur des auditeurs indiens que sur nous !).

Ainsi, les musiciens manipulent en permanence les éléments acoustiques que nous avons énumérés plus haut :

- la hauteur des sons : les musiciens utilisent une infinité de notes différentes. Le choix de ces notes n’est pas dû au hasard : c’est ce choix qui détermine ce que l’on appelle le « discours musical » (ce que le musicien veut dire ou faire sentir aux auditeurs).

- les différents timbres : par le choix des instruments, les musiciens influencent grandement la manière dont sonnera leur musique. Un même morceau joué successivement sur une flûte à bec, sur un saxophone ou sur une guitare électrique avec pédale de distorsion laissera à l’auditeur des impressions fort différentes ! En outre, sur un même instrument (ou même simplement avec la voix humaine), il est possible de beaucoup varier le timbre. Ces variations sont un premier moyen important d’enrichir le discours musical (les notes), et donc les émotions qu’il suscite. La partie de la musique qui s’occupe du choix des instruments s’appelle l’instrumentation, ou encore l’orchestration.

- l’intensité des sons : jouer fort ou faible ne signifie pas la même chose et ne suscite pas les mêmes émotions. Au sein d’un même morceau, lorsque le musicien modifie le volume sonore, il crée ce que l’on appelle des nuances. Les nuances sont un deuxième moyen important d’enrichir le discours musical, et leur choix par le musicien permet souvent de reconnaître son interprétation personnelle d’un morceau donné. En musique, les nuances

s’expriment par des termes italiens. Ainsi, piano ( p ) signifie doux (c.à.d. un son de faible

intensité), et forte ( f ) signifie fort (c.à.d. un son de forte intensité). Pianissimo ( pp ) veut

dire très faible et fortissimo ( f f ) signifie très fort.

- la durée des sons : la musique est constituée d’une combinaison de sons longs et de sons courts, et cette combinaison peut elle-même être jouée en un temps long ou court. Une succession lente de sons longs ou une suite rapide de sons courts donnent à la musique un sens très différent. Dans le premier cas, c’est une impression générale de lenteur qui se dégagera. Dans le second cas, une impression de rapidité. On appelle mouvements (ou tempo) les différentes vitesses de la musique. Comme les nuances (voir plus haut), les mouvements sont désignés par des termes italiens. Ainsi, allegro veut dire rapide, lento veut dire lent. Presto signifie très rapide et prestissimo encore plus rapide (le plus rapide possible).

Athénée Jean Absil

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Cours de musique 03 : terminologie (2e partie)

 

Les éléments constitutifs d’une composition musicale

Il y en a trois principaux. Dans l’ordre de leur apparition chronologique dans l’Histoire humaine, on distingue le rythme, la mélodie et l’harmonie.

1. Le rythme

Il s’agit de la manière dont les différents événements musicaux (notes, bruits, silences …) sont organisés dans le temps : cela concerne tant leur durée que le moment où ils surviennent. Un rythme est régulier lorsque les événements sonores se suivent selon des intervalles de temps constants (p.ex. toutes les secondes : voir le tic-tac d’une pendule, ou encore le bruit des gouttes d’eau qui s’échappent d’un robinet mal fermé …). Un rythme est irrégulier dans le cas contraire (p.ex. le bruit des coups de feu lors d’une partie de chasse, ou encore le crépitement d’un feu de camp).

Dans la plupart des compositions musicales, une partie au moins des instrumentistes joue un rythme régulier (ou du moins une petite formule rythmique qui se répète régulièrement à l’identique). Il s’agit souvent du batteur, du bassiste et/ou du guitariste. C’est ce qui assure la stabilité du morceau, en permettant aux auditeurs et aux autres instrumentistes (ceux qui jouent des rythmes irréguliers) de se repérer dans le morceau sans se perdre.

L’unité rythmique de base de la musique occidentale se nomme la mesure. Celle-ci est elle-même composée de temps. Les mesures les plus fréquentes sont les mesures à 4 et à 3 temps. Lorsque le nombre de temps de la mesure est un multiple de 2 (souvent 4), on dit que la mesure est binaire (c’est le cas pour la marche militaire, le rock, le reggae, la plupart des musiques de danse actuelles …). Par contre, lorsque le nombre de temps de la mesure est un multiple de 3, on dit que la mesure est ternaire (c’est le cas pour la valse). Parmi les mesures ternaires, certaines combinent le binaire et le ternaire : on y entend des temps rapides par groupes de 3, et ces groupes sont eux-mêmes regroupés par 2 ou 4 (cela donne alors des mesures à 6 ou 12 temps) : c’est le cas du swing en jazz, et aussi de la gigue (danse d’origine celtique, très typique notamment dans la musique folklorique irlandaise). La mesure est un premier élément important qui permet de distinguer grossièrement les styles musicaux (une valse n’est pas un tango, et un reggae n’est pas une gigue !).

2. La mélodie

Elle est constituée d’une suite de notes de différentes hauteurs (et durées). Ces notes se suivent donc les unes les autres : elles sont jouées une à la fois (contrairement aux accords, dans lesquels différentes notes sont jouées en même temps). Une mélodie peut être chantée par une personne seule. Elle est souvent le principal élément qui permet de reconnaître de manière infaillible un morceau. Les meilleurs morceaux de musique sont ceux dont la mélodie est tellement reconnaissable et bien construite qu’elle peut presque se suffire à elle-même. Les notes d’une mélodie pouvant être de différentes durées, cela permet en outre d’introduire, au sein même de cette mélodie, un certain caractère rythmique.

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3. L’harmonie

C’est la science des accords et des rapports qu’ils entretiennent entre eux. « Harmonie » et « accord » sont pratiquement des synonymes. Contrairement aux mélodies, les accords sont des ensembles de notes jouées simultanément (c.à.d. en même temps). Comme dans le cas de la mélodie, on peut introduire un certain rythme dans une suite d’accords, en jouant sur la durée relative de ces derniers. Il n’est pas possible de chanter tout seul un accord (la voix humaine ne permet en effet de ne chanter qu’une seule note à la fois !) : pour chanter des harmonies vocales, il faut nécessairement être plusieurs (chacun chantant une des notes de l’accord). Exception à cette règle : le chant diphonique d’Asie centrale. Il s’agit d’une technique particulière de maîtrise de la gorge et de la bouche, qui permet au chanteur d’exprimer deux sons différents à la fois. Pour jouer des accords sur un instrument de musique, il faut que celui-ci possède plusieurs cordes (piano, guitare, harpe …) ou plusieurs tuyaux (orgue, cornemuse, harmonica …).

Remarques :

1) Dans un morceau de musique, le rythme, la mélodie et l’harmonie coexistent généralement. Mais il peut exister des morceaux qui ne comprennent que du rythme, certains seulement une mélodie, d’autres enfin uniquement des accords (harmonies). Toutes les combinaisons sont possibles : rythme et harmonie, rythme et mélodie, harmonie et mélodie, les trois ensemble ou chacun séparément.

2) Les termes de mélodie et d’harmonie proviennent de la Grèce antique. Ainsi, melodia veut dire « chant » en grec. De son côté, la déesse Harmonia (signifiant en grec l'assemblage, la juste proportion) était la fille d'Aphrodite (la Vénus des Romains) et d'Arès (le dieu Mars des Romains).

3) La musique occidentale se note en utilisant des ensembles de 5 lignes horizontales que l’on appelle des portées :

Sur la portée ci-dessus, on voir clairement le caractère consécutif des notes d’une mélodie, par opposition au caractère simultané des notes d’un accord.

4) Pour marquer la mesure, on dit qu’on bat la mesure. Cela se réalise par des mouvements spécifiques du bras :

Mesure à 4 temps Mesure à 3 temps

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Cours de musique 04 : évolution historique

Ce sont le rythme et la mélodie qui sont apparus les premiers dans l’Histoire humaine. On les trouve dès la préhistoire dans toutes les cultures. L’harmonie (science des accords) est quant à elle une invention beaucoup plus tardive (à partir du Moyen-Age), et ne se retrouve encore aujourd’hui que dans la culture musicale occidentale d’origine européenne.

a. Le rythme : les humains ont très tôt ressenti le besoin de rythmer les moments importants de leur existence (fêtes, cérémonies religieuses, etc.). La danse a été un des premiers modes d’expression de ce besoin, et la production de rythmes sonores corporels (bruit des pieds sur le sol, taper dans les mains) s’est spontanément développée pour faciliter la danse, notamment en groupe (il est plus facile de danser ensemble lorsque l’on ressent bien le rythme de la danse). Au-delà de l’utilisation de son propre corps, percuter des objets sonores (troncs d’arbres creux, tam-tams primitifs), que ce soit avec les mains ou à l’aide d’autres objets (mailloches, baguettes) devint fréquent, et évolua vers une véritable discipline musicale à part entière. Si bien que nos jours, dans les musiques de toutes les cultures, la production du rythme est confiée à des musiciens spécialisés :

- en musique occidentale classique : le percussionniste de l’orchestre symphonique

- en musique occidentale non classique : le batteur

Batterie électronique 

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- en musique africaine : le joueur de tam-tam ou de djembé

- en musique asiatique : le joueur de kodo (Japon)

- en musique indienne : le joueur de tablas - en musique arabe : le joueur de darbuka

- en musique traditionnelle irlandaise : le joueur de bodhran

- etc.

Une musique peut fort bien contenir uniquement du rythme, mais bien souvent le rythme se combine aux autres éléments constitutifs de la musique (la mélodie et l’harmonie).

 

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Grégoire le Grand dictant de la 

musique Chant grégorien : neumes sur 

des portées 

b. La mélodie : son origine est aussi ancienne que celle du rythme. Durant des millénaires, elle a été uniquement vocale : incantations, prières, psalmodies, expression du malheur ou du bonheur des hommes … Au début chantées uniquement en solo (= par une seule personne) et totalement improvisées au gré de l’humeur du chanteur, les mélodies se sont progressivement fixées, de sorte à pouvoir être reproduites et transmises aux autres membres de la communauté, qu’ils soient contemporains ou à venir. Chaque peuple, chaque culture a ainsi établi sa propre « bibliothèque mélodique », ses propres préférences, son propre style mélodique. Celui-ci est caractérisé par un rapport typique établi entre les différentes notes utilisées successivement (grands ou petits intervalles, tons, demi-tons, quarts de tons…). Ces successions de notes, caractéristiques d’un style particulier, sont appelées gammes. C’est ainsi que se sont constitués progressivement des styles mélodiques typiques comme les styles européen (gammes majeures et mineures), chinois (gamme pentatonique), arabe (utilisation de quarts de tons), celtique, slave, indienne, noire américaine (gamme blues), etc. Ces différents styles mélodiques ont ensuite été progressivement codifiés par les sociétés qui les pratiquaient, c.à.d. que les différentes cultures ont établi chacune un certain nombre de règles plus ou moins strictes concernant la « bonne » manière de créer des mélodies. La première grande civilisation à nous avoir laissé des documents précis concernant ses propres règles mélodiques est la Grèce antique. La musique y tenait une place importante, entre autres dans le théâtre, qui y était fort développé (notamment les tragédies de Sophocle, Eschyle ou Euripide, et les comédies d’Aristophane). En particulier, un chœur de comédiens chanteurs y intervenait régulièrement pour ponctuer l’action des comédiens principaux, relater leurs états d’âme ou dialoguer avec eux.

En Europe occidentale, le grand pas suivant dans la codification des lois mélodiques s’est fait au Moyen-Age, sous le règne du pape Grégoire Ier dit Grégoire le Grand (VIe siècle après J.C.). Ce dernier, désireux de réglementer strictement la pratique religieuse catholique afin de pouvoir la contrôler et la diffuser au monde entier sous une forme stable, a jugé capital d’en réglementer la musique, et donc le chant (qui était le seul moyen de production sonore admis). C’est ainsi qu’est né le chant grégorien, du nom du pape Grégoire. C’est de cette époque que datent les premières tentatives réussies de noter la musique par l’écriture : on appelle neumes les ancêtres médiévaux de nos actuelles notes de musique. Les neumes

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Organum à 2 voix 

Serpent 

étaient déjà écrits sur nos actuelles portées ! Le chant grégorien, purement mélodique (il ne comprend ni rythme ni harmonie) se chante obligatoirement a cappella, c.à.d. sans accompagnement instrumental. De leur côté, les musiques indienne et chinoise ont également établi leurs propres théories mélodique respectives.

Les instruments de musique quant à eux, sont apparus dans un second temps, après la voix. Dès l’Antiquité on trouve en effet des instruments

- à vent : buccin (sorte de trompette), serpent (sorte de tuba), aulos (sorte de hautbois), divers types de flûtes …

- à cordes pincées : lyres, harpes …

- à cordes frottées : trompette marine (ancêtre de la contrebasse), vielle (ancêtre du violon) …

Mais ces instruments mélodiques (par opposition aux instruments à percussion) n’étaient pas faits au départ pour accompagner le chant en jouant d’autres notes que lui. Ils étaient utilisés pour renforcer les voix des chanteurs, augmenter le volume sonore, voire parfois remplacer un chanteur absent. Par la suite, des mélodies ont été créées spécifiquement pour les instruments, mais ces mélodies étaient toujours monophoniques (les notes se suivaient, une seule à la fois : on ne jouait jamais d’accords).

c. L’harmonie : science des accords (c.à.d. plusieurs notes jouées simultanément), elle est la caractéristique spécifique principale de la musique occidentale européenne. Ses règles n’ont été globalement fixées que vers le XVIe siècle, et sont le fruit d’une évolution lente et très progressive qui a débuté au départ du chant grégorien. Voici la chronologie globale de cette évolution :

1°) le chant grégorien (VIe siècle) : monophonique

2°) l’organum (XIe et XIIe siècles) : introduction progressive d’une 2e voix, puis d’une 3e

(différentes de la 1ère !) en même temps que la 1ère voix. Les écarts de hauteur entre ces différentes voix étaient strictement limités : octaves (distance de 8 notes) et quintes (distance de 5 notes), parfois des quartes (distance de 4 notes), mais jamais de tierces (distance de 3 notes) ni de sixtes (distance de 6 notes). Ces dernières, qui font pourtant la richesse de notre musique actuelle, étaient considérées à l’époque comme des dissonances, c.à.d. sonnant totalement faux !

3°) le contrepoint (XVe siècle : la Renaissance) : cette technique d’écriture musicale a développé l’usage de ce que l’on appelle la polyphonie. Celle-ci, par opposition à la monophonie (une seule voix), est un style musical dans lequel plusieurs mélodies se superposent, créant un ensemble cohérent et harmonieux de bout en bout. Une forme

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musicale particulière est caractéristique de cette époque : le canon. Il s’agit de la combinaison de phrases musicales identiques, mais exprimées de manière décalée dans le temps. L’exemple de canon le plus connu est la célèbre chanson « Frère Jacques ». La conséquence du fait de superposer plusieurs voix au même moment est la suivante : à chaque instant de la musique, on entend plusieurs notes à la fois. Et si certaines combinaisons sont belles, d’autres ne le sont pas du tout. Il a donc fallu beaucoup expérimenter afin de dégager des règles d’écriture qui permettent d’écrire des contrepoints qui sonnent harmonieusement. L’exemple ci-dessous montre clairement la formation d’accords par la superposition à tout moment de notes en provenance des différentes voix du contrepoint. Il y a donc dans cette discipline musicale deux contraintes à respecter :

1°) les mélodies doivent être agréables et intéressantes : c’est la composante « horizontale » de la musique.

2°) à tout moment, la superposition des notes simultanément exprimées par chacune des voix doit sonner harmonieusement : c’est la composante « verticale » de la musique.

Un autre canon très célèbre est celui de Johann Pachelbel (1653-1706). Ce canon est beaucoup plus complexe que « Frère Jacques » parce que, contrairement à ce dernier, les différentes voix n’y jouent pas des mélodies parfaitement identiques. Cette démarche préfigure ce qui peut être considéré comme le sommet de la complexité en matière de contrepoint : la fugue, dans laquelle un motif mélodique se développe et passe d’une voix aux autres dans une construction musicale complexe. Le champion incontesté de la fugue est assurément Jean-Sébastien Bach (1685-1750). Avant cette époque, le seul moyen de rendre correctement les différentes voix d’un contrepoint était de disposer d’autant de chanteurs ou d’instrumentistes mélodiques que de parties (« voix ») à exprimer. La seule échappatoire pour ne pas mobiliser une chorale ou un orchestre était d’éventuellement confier les différentes parties mélodiques aux différents doigts d’un claveciniste ou d’un organiste. C’est ce que Bach a parfaitement maîtrisé, notamment dans son oeuvre magistrale appelée « Le clavier bien tempéré ».

Canon « Frère Jacques » 

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Luth 

Mais dès le début du XVIe siècle, à l’époque du roi Henry VIII, c.à.d. environ 200 ans avant Bach, des tentatives ont commencé à voir le jour en Angleterre pour essayer de rendre accessible la beauté des harmonies à des musiciens solistes. Le défi était de faire sonner sur un seul instrument les riches accords issus de la tradition polyphonique, de sorte à donner l’impression que de nombreuses voix s’exprimaient simultanément. Ce fut le début de l’étude de l’harmonie (la science des accords), et de l’utilisation de plus en plus répandue d’instruments dits polyphoniques (c.à.d. capables d’exprimer plusieurs notes différentes à la fois) : le clavecin, l’orgue, la harpe et surtout le luth, qui est l’ancêtre de la guitare actuelle. C’est de cette époque que date la notion d’accompagnement musical. Auparavant, il y avait différentes voix qui se superposaient avec une importance égale. Désormais, il y aurait une voix principale (chantée, ou jouée sur un instrument monophonique) accompagnée par un instrument polyphonique (= capable de jouer des accords). C’est là le point de départ de toute la conception moderne de la musique occidentale européenne. Et si en musique classique, les techniques du contrepoint sont toujours restées présentes malgré le développement de l’écriture harmonique, en musique populaire (chanson, variété, pop, rock, jazz, etc.), tout tourne toujours autour de l’idée d’une mélodie principale accompagnée par des accords (et du rythme).

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Cours de musique 05 : analyse musicale

Toute œuvre musicale possède une structure qui lui est propre. Cette structure repose sur de nombreux facteurs. Voici les principaux d’entre eux :

1. La mesure : binaire, ternaire … ?

2. La tonalité, ou encore la gamme dans laquelle l’œuvre est écrite

3. La succession et l’ordre de différentes parties bien identifiables : introduction, couplets, refrains, intermède instrumental, conclusion …

4. Le type de rythme, de mélodie et d’harmonie que l’on utilise dans l’œuvre

5. Le choix des instruments utilisés, ainsi que les moments où ils apparaissent et/ou disparaissent au cours du morceau

Dans ce cours, nous allons nous attaquer à différents objectifs :

1°) reconnaître les différents éléments structurels d’un morceau choisi

2°) dégager, au départ des éléments que nous aurons identifiés, la structure générale du morceau

3°) noter schématiquement la structure du morceau

Lorsque nous aurons mené à bien cette tâche, nous nous essaierons à recréer le morceau par nous-mêmes à l’aide d’un logiciel de musique assistée par ordinateur (M.A.O.).

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ANALYSE D’ŒUVRE MUSICALE

Titre : Rolling in the deep

Auteurs (paroles) et compositeurs (musique) : Adele Adkins et Paul Epworth

Mesure : Tempo : Tonalité :

Parties et instrumentation :

Partie Nbre

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ROLLING IN THE DEEP (Adele)    

There’s a fire starting in my heart Reaching a fever pitch and it’s bringing me out the dark Finally, I can see you crystal clear Go ahead and sell me out and I’ll lay your ship bare See how I leave, with every piece of you Don’t underestimate the things that I will do There’s a fire starting in my heart Reaching a fever pitch and it’s bringing me out the dark The scars of your love remind me of us They keep me thinking that we almost had it all The scars of your love they leave me breathless I can’t help feeling

We could have had it all (You’re gonna wish you never had met me) Rolling in the deep (Tears are gonna fall rolling in the deep) You had my heart inside of your hand (You’re gonna wish you never had met me) And you played it to the beat (Tears are gonna fall rolling in the deep)

Baby I have no story to be told But I’ve heard one of you and I’m gonna make your head burnThink of me in the depths of your despair Making a home down there as mine sure won’t be shared The scars of your love remind me of us They keep me thinking that we almost had it all The scars of your love they leave me breathless I can’t help feeling Could have had it all Rolling in the deep You had my heart inside of your hand But you played it with the beat Throw your soul through every open door Count your blessings to find what you look for Turn my sorrow into treasured gold You’ll pay me back in kind and reap just what you sow (You’re gonna wish you never had met me) We could have had it all (Tears are gonna fall rolling in the deep) We could have had it all (You’re gonna wish you never had met me) It all (Tears are gonna fall) It all It all (Rolling in the deep)

Un feu se met à brûler dans mon cœur Atteignant un pic de fièvre et me sortant de l’ombre Finalement, je vois clair dans ton jeu Vas-y, trahis-moi et je te laisserai en plan Vois comment je pars, avec tous les morceaux de toi Ne sous-estime pas les choses que je vais faire Un feu se met à brûler dans mon cœur Atteignant un pic de fièvre et me sortant de l’ombre Les cicatrices de ton amour nous rappellent à moi Elle me font penser qu’on avait presque tout pour réussir Les cicatrices de ton amour elles me laissent sans souffle Je ne peux pas m’empêcher de croire que

On aurait pu tout avoir (Tu vas souhaiter ne m’avoir jamais rencontrée) Baignant dans un océan (de bonheur) (Les larmes vont couler, se baigner dans l’océan) Tu avais mon cœur entre tes mains (Tu vas souhaiter ne m’avoir jamais rencontrée) Et tu t’es amusé à le faire battre (Les larmes vont couler, se baigner dans l’océan)

Bébé il n’y a pas d’histoires à me raconter Mais j’ai entendu la tienne et je vais te faire gamberger Pense à moi dans les profondeurs de ta détresse Fais-y ta maison car la mienne ne sera sûrement pas partagée Les cicatrices de ton amour nous rappellent à moi Elle me font penser qu’on avait presque tout pour réussir Les cicatrices de ton amour elles me laissent sans souffle Je ne peux pas m’empêcher de croire que Aurait pu tout avoir Baignant dans l’océan Tu avais mon cœur entre tes mains Et tu t’es amusé à le faire battre Lance ton âme à travers chaque porte ouverte Estime-toi heureux de trouver ce que tu cherches Change mon chagrin en or Tu me paieras en nature et récolteras ce que tu as semé (Tu vas souhaiter ne m’avoir jamais rencontrée) On aurait pu tout avoir (Les larmes vont couler, se baigner dans l’océan) On aurait pu tout avoir (Tu vas souhaiter ne m’avoir jamais rencontrée) Tout (Les larmes vont couler) Tout Tout (Baignant dans un océan)

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Cours de musique 06 :

histoire de l’enregistrement sonore

Depuis toujours, les humains ont souhaité être capables conserver la musique afin de pouvoir la réécouter où et quand ils le voulaient. Au cours de l’histoire, ils on donc développé diverses méthodes de stockage de la musique. Les voici par ordre chronologique. 1. La notation musicale : les partitions  Lors de chapitres antérieurs, nous avons vu l’évolution de la notation musicale depuis les neumes du Moyen-Age jusqu’aux partitions modernes. La partition n’est qu’un moyen très imparfait. C’est en effet peu pratique : pour transformer la partition en son réel, il faut nécessairement que des musiciens la rejouent sur leurs instruments. C’est aussi peu précis : devant une même partition, chaque musicien aura sa manière personnelle de la rendre (sans compter les fausses notes !), différente de celle des autres (c’est ce qu’on appelle l’interprétation). 2. L’enregistrement analogique

Il est apparu à la fin du 19e siècle, et est l’invention de l’Américain Thomas Edison (1847-1931). La méthode consiste à transférer un son sur un support solide (cylindre de métal ou de cire) au moyen d’un procédé mécanique : un pavillon conique capte le son (comme le ferait un micro). Ce pavillon, qui vibre en fonction des caractéristiques du son qu’il capte, est relié à une aiguille à laquelle il transmet sa vibration. A son tour, l’aiguille elle-même vibre et grave progressivement un sillon sur un cylindre tournant. La profondeur et la forme interne du sillon gravé varient en fonction de la vibration de l’aiguille, et donc des caractéristiques du son capté : les « bosses » et les « fosses » du sillon forment en quelque sorte l’ « empreinte »

mécanique du son dans la matière du cylindre. Lorsque l’on fait ensuite repasser l’aiguille dans le sillon dès son début, le sillon communique cette fois à l’aiguille les vibrations du son enregistré. Ces vibrations aboutissent ensuite au pavillon, qui sert désormais de haut-parleur permettant d’entendre l’enregistrement. On a appelé phonographe (du grec phonè qui signifie la voix, et graphein qui veut dire écrire) l’appareil permettant ce type d’enregistrement. On dit que le procédé est analogique (par opposition à numérique) parce qu’aucun calcul mathématique n’intervient dans le transfert entre le monde acoustique (le son que l’on veut enregistrer) et le monde mécanique (le sillon gravé dans la matière du cylindre). Quant à l’appareil utilisé par les auditeurs pour écouter un disque gravé par un phonographe, on l’appelle gramophone. Assez rapidement, on a trouvé plus pratique (notamment pour le stockage des enregistrements) d’utiliser des disques à la place des cylindres. Ce furent les fameux « 78 tours » de nos grands-parents (jusque dans les années 1950) : ces disques tournaient sur

 

Thomas Edison

Logo de la firme de disques « His Master’s Voice »

représentant un gramophone

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eux-mêmes 78 fois par minute, et chaque face pouvait contenir environ 4 minutes de musique. Ensuite, au tout début des années 1960, fut inventé le microsillon (du grec mikros, qui signifie petit) : il s’agit d’un sillon beaucoup plus fin, permettant des enregistrements de plus longue durée (une vingtaine de minutes par face) et de meilleure qualité sonore. Les normes courantes devinrent alors le 45 tours et le 33 tours. On évolua ainsi progressivement vers la « haute fidélité » (en anglais « high fidelity » ou « hi-fi ») : le son enregistré, enfin débarrassé des tristes craquements typiques des vieux disques et cylindres, commençait à ressembler de plus en plus au son original. Une amélioration importante, à l’époque du microsillon, fut l’introduction dans les enregistrements de ce que l’on appelle la stéréophonie (du grec stereos qui signifie le volume au sens d’espace, et phonè qui veut dire voix). Il s’agissait de rendre, dans les enregistrements, le fait que nos deux oreilles n’entendent a vrai dire pas exactement la même chose : dans le monde réel, notre oreille gauche entend préférentiellement tout ce qui se passe à notre gauche, tandis que notre oreille droite rend davantage compte à notre cerveau de tout ce qui se passe à notre droite. Dans notre cerveau, cela crée une sensation d’espace et de relief sonore, qui contribue grandement à notre compréhension des bruits qui nous environnent. Cette stéréophonie a été elle aussi intégrée aux enregistrements. Comment cela ? En n’utilisant pour les enregistrements non plus un seul, mais bien deux capteurs (micros), chacun étant relié à un côté (gauche ou droit) de l’aiguille de gravure. Cette « double aiguille » grave alors un sillon dont les deux bords sont différents : l’un correspond au capteur gauche, l’autre au capteur droit. Ensuite, lors de la lecture d’un disque stéréophonique ainsi réalisé, l’aiguille « double » communique également les vibrations de chacun des deux côtés du sillon à un haut-parleur (= baffle) différent. Cet effet stéréophonique est particulièrement sensible lorsque l’on écoute de la musique dans un casque stéréo. C’est aussi pour cela que les casques d’écoute portent d’un côté la lettre « L » (pour left, qui signifie gauche en anglais) et de l’autre la lettre « R » (pour right, qui veut dire droite).

Parallèlement au développement du disque, il faut aussi mentionner l’enregistrement sur bande magnétique. Dans ce procédé, on utilise une bande de matière plastique souple dont la surface est recouverte de micro-particules aimantées. Cette fois, ce n’est plus une aiguille qui transmet les vibrations au départ du capteur, mais un petit aimant. Ce dernier, en fonction des vibrations du capteur (micro), oriente différemment les particules magnétiques de la bande de plastique (tout comme le faisait l’aiguille mécanique dans le sillon

du cylindre). Le dérivé « grand public » de la bande magnétique fut, dès le début des années 1970, la célèbre cassette, qui fut à l’époque aussi populaire que l’est aujourd’hui le mp3. Mais un inconvénient majeur entachait la technologie du disque (et de la cassette) traditionnel(s) : l’usure. En effet, plus on lit un de ces disques (ou de ces cassettes), plus l’aiguille égalise les reliefs du sillon (ou les particules magnétiques se dispersent), ce qui altère assez rapidement la qualité du son au fur et à mesure des lectures successives. Il fallait donc trouver un moyen d’éviter ce problème : la numérisation.

Enregistreur à bandes magnétiques

Cassette audio, ou « musicassette »

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3. L’enregistrement numérique

Dans cette technologie récente (fin des années 1980), on mesure l’onde sonore un certain nombre de fois par seconde. On prélève en quelque sorte des échantillons (en anglais samples), chacun de ceux-ci étant caractérisé par un nombre. Plus nombreux sont les échantillons, plus fidèlement est rendue la courbe de l’onde sonore. La fréquence standard pour l’échantillonnage du son en qualité « CD » est de 44.100 Hz, c.à.d. que l’on mesure l’onde sonore 44.100 fois par seconde. Les nombres (qui sont en très grande quantité !), une fois obtenus, doivent

ensuite être stockés dans une mémoire d’ordinateur (dans un fichier audio) pour être ensuite éventuellement gravés sur un compact disc (CD) ou d’autres types de supports informatiques (disque dur, clé USB, mémoire flash …). Le lecteur de CD, quant à lui, est capable de retransformer les nombres stockés sur le compact disc en ondes sonores. Cette technologie ne permet pas d’obtenir dans l’absolu une qualité meilleure que celle de l’enregistrement analogique (au contraire !). En effet, le plus précis des échantillonnages ne permet jamais de capturer l’intégralité d’une onde sonore : il y manque toujours de l’information, phénomène semblable à celui de la pixellisation que l’on connaît bien en photographie (on constate que l’image numérisée est constituée de petits carrés). En revanche, la numérisation du son permet d’éviter les problèmes d’usure des anciens disques : en effet, les chiffres ne s’usent pas, et sont toujours recopiables à l’infini ! Le seul inconvénient de la numérisation du son est l’importante quantité de nombres à stocker : les fichiers audio numériques sont volumineux, trop «lourds » par exemple pour être échangés par e-mail ou lus en streaming sur internet. C’est pour résoudre ce problème qu’a été récemment inventée la compression mp3 : il s’agit d’un codage basé sur un algorithme (= suite de calculs) permettant de transformer des fichiers audio en fichiers mp3 d’une taille environ 10 fois moindre que celle des fichiers audio échantillonnés, pour une qualité sonore pratiquement équivalente.