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L’INDISPENSABLE

GUIDE DE

L’APPRENTI PIANISTE

Barbara Roussel


A lire – Important Vous pouvez offrir ce livre à qui vous le souhaitez.

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Ce livre est sous licence Creative Common 3.0 « Paternité – pas de

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l’auteur Barbara Roussel comme l’auteur de ce livre, et d’inclure un lien

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Sommaire

Introduction p. 4

I – Les clefs de la réussite p. 5

II - Comment se positionner devant un piano ? p. 12

III - Comment positionner la main et les doigts ? p. 15

IV - Comment aborder une nouvelle partition ? p. 16

V – Gérer le trac p. 17

VI – L’instrument p. 18

VII – Qu’est-ce qu’un opus ? p. 22

VIII – Tableaux des principaux tempos p. 24

IX - Lexique des termes italiens en musique p. 26

X – Danses p. 34

XI - Paroles de grands interprètes p. 38

XII – Quelques citations p. 41


Introduction

Dans n’importe quel apprentissage, le moment le plus important et le

plus délicat se situe toujours au début.

Bien commencer à apprendre le piano, c’est mettre toutes les chances

de votre côté pour réussir à bien en jouer dans l’avenir. Cela vous

permettra de pouvoir développer une technique sur le long terme, la-

quelle sera entièrement au service de votre expressivité artistique.

C’est parce que je suis consciente de l’importance de cette première

phase de l’apprentissage que j’ai décidé de réaliser ce guide. Je l’ai

écrit dans l’espoir que vous puissiez jouer du piano le plus longtemps

et le mieux possible.

Les conseils que vous y trouverez sont le fruit de mes vingt années

d’expérience de pédagogue. J’espère qu’ils vous seront profitables et

qu’ils vous permettront de commencer à apprendre le piano dans les

meilleures conditions possible.

Barbara Roussel


I. Les clefs de la réussite

Un bon professeur

L’enseignement d’un art va bien au-delà de la simple transmission de connais-

sances telle qu’elle pratiquée aujourd’hui dans nos établissements scolaires. De

tous temps, l’art s‘est transmis dans une relation de maître à disciple, le maître

étant celui qui maîtrise son art.

Que transmettait le maître à son disciple ? Des connaissances et un savoir faire,

bien sûr, mais aussi une façon de penser et de ressentir la chose artistique, une

certaine façon de vivre. C’est ainsi qu’ont appris les plus grands artistes comme

Jean-Sébastien Bach, Frédéric Chopin, Louis Armstrong ou Michel-Ange. Léonard de

Vinci, en tant que maître, eut de très nombreux disciples.

Aujourd’hui, si la notion de maître et de disciple a disparu au profit de celle de

professeur et d’élève, le contenu de l’enseignement reste le même, c’est-à-dire

l’enseignement du piano en ce qui nous concerne ici.

Or, depuis la naissance de l’Internet, on voit se développer de plus en plus de sites

proposant des cours de piano en ligne pour débutants utilisant la vidéo ou la web-

cam comme support.

Je tiens à vous mettre en garde contre ce type de proposition. Il faut dire les

choses telles qu’elles sont : jamais, en tant que débutant, vous ne pourrez ap-

prendre à jouer du piano en prenant des cours sur Internet car l’apprentissage du

piano repose sur la notion de toucher, notion que seul un professeur présent à vos

côtés peut apprécier. Au mieux, vous aurez dépensé des dizaines (ou centaines)

d’euros pour produire quelques mélodies connues et quelques accords qui vous fe-

ront plaisir sur le moment. Mais, au bout de plusieurs mois sans véritable contrôle

physique d’un professeur, vous ne pourrez plus évoluer et, si vous décidez enfin de


prendre des cours avec un « vrai » professeur, vos défauts seront alors devenus très

difficiles à corriger.

Seuls les sites proposant des vidéos de type « master class » s’adressant à des pia-

nistes confirmés présentent un réel intérêt pédagogique.

La toute première étape pour assurer la réussite de votre apprentissage du piano

consiste donc à bien choisir votre professeur. Dans Piano-Attitude, j’ai écrit un ar-

ticle qui peut vous aider à faire ce choix : Comment choisir son professeur de pia-

no ?

Le secret : une bonne méthode de travail

Que l’on soit débutant ou que l’on veuille se perfectionner, la clef de la réussite

passe par l’application d’une bonne méthode de travail.

La méthode de travail que je préconise est très simple et se résume en quelques

consignes. Si vous l’appliquez rigoureusement à chaque fois que vous jouez, je vous

garantis des progrès spectaculaires et très rapides dans votre apprentissage du pia-

no.

ü Cette consigne la plus importante est la clé de votre réussite :

travaillez régulièrement, entre 15 et 30 minutes minimum par

jour dès vos premiers cours.

ü Concentrez-vous sur la posture physique : l’assise, les jambes, le dos, les

épaules, les bras, les mains et enfin les doigts. Eliminez toutes les tensions

inutiles. Concentrez-vous sur les sensations dans les doigts, le toucher et sur

la détente de votre corps.

ü Etudiez, analysez et annotez la partition avant de la jouer. Relevez et nu-

mérotez les grandes phrases musicales, numérotez les mesures et, si besoin,


écrivez les pulsations sous les portées. Repérez les passages qui pourraient

vous poser des problèmes afin de les résoudre en premier.

ü Travaillez par fragments courts. N’hésitez pas revenir sur chaque passage

qui pose problème sans reprendre systématiquement au début du morceau

ü Commencez par travailler la fin du morceau.

ü Soyez capable de commencer à n’importe quel endroit du morceau.

ü Une fois que vous savez jouer votre morceau, soyez toujours capable de le

jouer très lentement. La lenteur est le microscope du musicien.

ü Déchiffrez régulièrement de nouvelles partitions (sans les travailler). Cela

vous permettra de développer la réactivité du circuit œil / cerveau / doigts

/ sensations.

Développer sa formation et sa culture musicale

Ne perdez jamais une occasion d’apprendre quelque chose de nouveau en musique.

Le fait d’enrichir vos connaissances vous occasionnera bien des surprises agréables,

notamment en découvrant de nouvelles possibilités de vous exprimer artistique-

ment.

Avant d’être le chanteur à succès que l’on connaît, Benjamin Biolay a étudié le

trombone au conservatoire et obtenu plusieurs prix. A ses débuts, Serge Gainsbourg

a été peintre, il a étudié le piano classique puis a été pianiste de bar. Grâce à ses

connaissances, il a pu adapter des mélodies de Brahms ou de Grieg pour la chanson

qui sont ensuite devenues des « tubes ». En fréquentant des musiciens de jazz, Igor

Stravinsky ou Maurice Ravel ont pu renouveler leur langage musical. Les Beatles ont

fait évoluer leur musique en prenant des cours de musique traditionnelle en Inde.

Laurent Voulzy écoute beaucoup de musiques du moyen-âge…


Déjà à la fin du moyen-âge, parlant de peinture, Albert Dürer (1471-1528) disait

que l’art était soumis aux lois de la beauté, alors que la foule a l’habitude

d’aborder l’art du point de vue de son goût personnel (ça me plaît ou ça ne me

plaît pas). Un être cultivé, un connaisseur dira : « cela ne me plaît pas, mais c’est

vraiment bien fait ». L’ignorant, lui, dira : ça ne me plaît pas » ou « je ne com-

prends rien, donc c’est nul ».

Le solfège

Concrètement, plus vous travaillerez le solfège, par exemple, et plus vous saurez

vous débrouiller seul pour apprendre des nouveaux morceaux. Il existe bien des

façons pour apprendre le solfège.

Au conservatoire ou en école de musique, on trouve un enseignement exigeant de

qualité basé sur le chant, mais nécessitant un investissement conséquent sur le

long terme, entre une heure et deux heures par semaine pendant plusieurs années.

En cours privé, si vous avez la chance d’avoir un bon professeur de piano, celui-ci

devrait être capable de vous enseigner tout ce qui vous est nécessaire de connaître

en solfège pour progresser à l’instrument.

Sur internet, vous trouverez un certain nombre de sites consacrés à l’enseignement

du solfège. Mais, comme toujours sur ce média, la méfiance est de rigueur car on y

trouve de tout, du pire à l’excellence. Pour Piano-attitude, j’ai mis en place un

programme d’enseignement du solfège en vidéo. Vous y verrez mes premiers cours

que j’ai réalisés avec un souci de grande qualité.

La médiathèque de la Cité de la Musique propose un petit répertoire de logiciels et

méthodes interactives pour apprendre le solfège.

L’histoire de la musique

Accroître vos connaissances en histoire de la musique vous permettra de dévelop-

per votre créativité et de mieux comprendre ce que vous jouez au piano. Quand je


parle d’histoire de la musique, c’est vraiment au sens large : musique classique

bien-sûr, mais aussi le jazz, le rock, la variété, les musiques du monde, etc.

Jouer un menuet, par exemple, en sachant que c’était une danse très en vogue au

XVIIe et XVIIIe siècles et celle préférée de Louis XIV vous permettra de l’interpréter

de façon juste. De même, jouer un boogie-woogie en sachant que ce style de jazz

est basé sur le rythme du train que prenaient au vol les noirs américains pour trou-

ver du travail au début du XXe siècle vous conduira à le jouer au plus près de

l’esprit voulu.

Essayez de connaître les grandes caractéristiques de la musique baroque, classique

et romantique. Ecoutez des œuvres des principaux compositeurs de chaque pé-

riode. Idem pour le jazz. Apprenez à identifier le new-Orleans, le swing ou le be-

bop.

Willie Smith « The Lion » (photo William Gottlieb)

Pour cela, je vous invite à lire des ouvrages spécialisés comme des encyclopédies

musicales, des histoires de la musique, des biographies ou des revues. Encore une

fois, consultez les médiathèques, les librairies et Internet.

Pour vous guider, voici quelques références de livres :

• Guide illustré de la musique – 2 tomes, de Ulrich Michels (Fayard)


• Encyclopédie de la musique, ouvrage collectif (Le livre de Poche - La Pocho-

thèque)

• La musique de piano - Dictionnaire des compositeurs et des œuvres - 2

tomes, de Guy Sacre (R. Laffont)

• Histoire du Jazz et de la Musique Afro-Américaine, de Lucien Malson (Seuil)

Et aussi sur Internet :

• http://www.musiclassics.fr/compositeurs-musique-classique/

• http://www.musicologie.org/sites/sites.html

Connaître et écouter les grands pianistes

Les grands maîtres ont toujours quelque chose à nous apprendre. Ecouter plusieurs

versions d’une même œuvre par de grands interprètes permet, une fois encore,

d’affiner ses propres préférences. De plus, grâce à la vidéo, vous pouvez étudier la

posture ou les façons de faire parfois surprenantes de pianistes de premier plan.

Voir jouer le génial Glenn Gould est une expérience marquante tant sa posture est

hors norme en regard de la beauté de sa musique.

Pour commencer vos découvertes, voici une liste de quelques grands pianistes in-

terprètes qu’il est bon de connaître :

• Martha Argerich

• Claudio Arrau

• Paul Badura-Skoda

• Alfred Brendel

• Glenn Gould

• Hélène Grimaud

• Clara Haskil

• Vladimir Horowitz

• Ievgueni Kissin

• Lang Lang

• Radu Lupu

• Arturo Benedetti Michelangelo

• Sviatoslav Richter

• Arthur Rubinstein

• Krystian Zimerman


Ecouter beaucoup de musique

Pour émettre une opinion sur quelque chose, il suffit généralement que l’on con-

naisse l’existence de ce quelque chose. Mais, pour apprécier quelque chose,

l’aimer ou non, cela demande une connaissance plus approfondie.

Vous ne saurez jamais vraiment si le mode de vie australien, son climat et sa socié-

té vous plaisent tant que vous ne serez pas allé dans ce pays.

En musique, c’est la même chose. Il faut partir à l’aventure, à la découverte de ce

que l’on ne connaît pas ou peu. Plus vous écouterez de musiques différentes, plus

vous affinerez vos goûts et votre expertise artistique.

C’est bien sûr le rôle du professeur de faire découvrir un répertoire aussi large que

possible à ses élèves, mais le professeur ne peut pas tout. C’est à vous de faire

cette démarche.

Rien ne remplace le contact avec la musique vivante !

C’est en allant écouter les musiciens en « live » que vous ressentirez le mieux les

émotions qui circulent. Par ailleurs, vous apprendrez beaucoup en observant les

artistes jouer devant vous.

Alors, sortez de chez vous et allez explorer les salles de concert, les clubs de jazz,

les concerts en plein air, etc. Profitez de vos vacances pour découvrir un festival

ou un concert dans tel lieu magique. A terme, de nouveaux territoires musicaux

s’offriront à vous et votre façon de jouer s’en trouvera influencée.

N’hésitez pas à utiliser tous les médias pour découvrir de la musique. Inscrivez-

vous dans une médiathèque pour emprunter des CD, écouter des radios de qualité,

surfez sur Internet…


II. Comment se positionner devant un piano ?

Sur quoi s’asseoir ?

Avant toute chose, choisissez un siège confortable et facile à utiliser pour vous as-

soir à votre piano, car vous allez devoir apprendre petit à petit à faire corps avec

lui, à devenir son prolongement.

Bannissez les chaises avec des annuaires ou des coussins posés dessus ou les tabou-

rets ronds et bancals... et préférez la banquette rectangulaire que l’on peut très

facilement monter ou descendre selon les besoins.

Pourquoi une banquette rectangulaire plutôt qu’un tabouret ?

Faites l'essai... vous sentirez parfaitement qu’assis sur une banquette, vous pour-

rez facilement faire de grands déplacements sur le clavier, que ce soit vers les

graves ou les aigus. Si vous faites vraiment les mêmes gestes sur un tabouret rond,

vous tombez, tout simplement !

Comment s’asseoir ?

Vous devez vous asseoir devant la note « do » du milieu du piano, ce sera votre

repère au début puis, très vite, vous trouverez vos marques spontanément.

En vous installant au milieu de votre banquette, vous devez vous sentir parfaite-

ment à l'aise :

ü Vos pieds doivent être solidement ancrés au sol (si cela n'est pas possible

pour un jeune enfant, je vous conseille vivement de lui mettre un petit ta-

bouret sous les pieds afin de les stabiliser).


ü Le buste doit être droit et surtout détendu. Les épaules doivent être basses

et les avant-bras, bras, poignets et mains à la même hauteur que le clavier.

En aucun cas vous ne devez jouer avec les mains en dessous du clavier ou

très au dessus du clavier. C'est bien en posant vos mains sur le clavier que

pourrez vérifier que vous êtes à la bonne hauteur ou non.

ü Ces membres supérieurs doivent être le prolongement, l'expansion du cla-

vier.

Vous voilà bien assis, devant le « do » du milieu, à bonne hauteur, les pieds bien

ancrés et le corps le plus détendu possible !

A quelle distance du piano ?

Reste un point très important : très souvent les débutants pianistes ont une fâ-

cheuse tendance à s’asseoir trop près du clavier avec un "postérieur" placé entiè-

rement sur le tabouret...

Ce sont là des réflexes tout à fait normaux.

Quand on apprend quelque chose de nouveau, une certaine insécurité s'installe na-

turellement : « Vais-je y arriver ? Suis-je fait pour la musique ? N'ai-je pas l'air ri-

dicule ? » etc.

Alors, pour se sécuriser, on se rapproche du clavier, c'est un peu moins impression-

nant. On place la banquette trop près du piano et on s’y "avachit"... Et c'est ainsi

que l'on perd toute possibilité d'aisance, d'envergure, de fluidité dans les déplace-

ments.

Nous avons besoin d'espace pour jouer, pour exprimer nos émotions musicales à

travers le mouvement.


Plus vous prendrez du recul (sans occasionner de gêne bien sûr), plus vos bras, vos

mains auront de l'espace pour bouger de haut en bas ou inversement et dans toutes

les directions. Il est donc important selon moi de ne pas placer sa banquette trop

près du piano et de s'y asseoir sur le bord. Vous sentirez davantage votre appui sur

les jambes et pieds au sol ainsi que vos mains sur le clavier.

Cette position facilite un bon ancrage.

Plus vous vous concentrerez sur vos sensations corporelles, plus vous pourrez sentir

vos épaules se tendre ou se détendre, vos poignets se crisper ou se décrisper, vos

doigts s'ancrer solidement dans le clavier ou filer de façon incontrôlée sur le cla-

vier.

Il est utile de bien sentir cette dualité afin que vous puissiez toujours jouer sans

tension corporelle superflue, ce qui ne veut pas dire être mou! Vous concentrer sur

vos sensations corporelles vous conduira petit à petit à les maîtriser pour vous en

servir correctement.

NON ! OUI !


III. Comment positionner la main et les doigts ?

Placez vos mains sur vos genoux, gardez cette position comme-ci vous veniez de

faire un moulage... et déplacez-les sur le clavier, c'est ainsi que vos mains doivent

être positionnées.

Reste à découvrir, apprendre le contrôle de chaque doigt.

Il est important que chaque doigt soit rond et solide. Vos doigts ne doivent pas en-

foncer les touches en étant plats ou tordus dans tous les sens ou à l'extrême en

jouant sur l'ongle. Vous devez sentir les touches du piano en jouant sur le petit

bout de chair à l'extrémité de vos doigts, j'appelle cela "le gras" du doigt.

Chaque doigt a une particularité sonore sur le clavier, c'est pourquoi il est impor-

tant d'apprendre à les contrôler, à développer une agilité particulière.

Numérotation des doigts du pianiste


En effet vous ne vous servez pas de vos doigts dans la vie quotidienne autant ou de

la même manière que vous le feriez devant un piano et vous allez découvrir de

nouvelles sensations corporelles et des réflexes aussi, parfois incontrôlables... par

exemple, pendant que vous jouez avec le pouce, vous découvrez avec horreur que

votre cinquième doigt se dresse sans que vous puissiez le maîtriser !

Rassurez-vous, il existe des milliers d'exercices pour remédier à chaque difficulté.

IV. Comment aborder une nouvelle partition ?

Les indications contenues dans la partition sont une mine d’information. Du titre à la moindre indication du compositeur, il doit être entièrement compris et le com-

positeur situé dans son contexte historique et musical. La culture musicale est une aide précieuse, il faut comprendre pour apprendre.

Voici ce que vous devez repérer sur une nouvelle partition.

Ø la forme : quelle est la structure du morceau ? Y a-t-il plusieurs fois le même

thème ? Peut-on repérer des grandes parties ?

Ø le style : est-ce du jazz, du classique ou de la variété ? Si c’est de la mu-

sique classique, est-ce du baroque, du romantique, du contemporain… ?

Ø le compositeur : de quelle époque est-il ? Est-il relié à un grand courant mu-

sical ? Avez-vous déjà entendu certaines de ses œuvres ?

Ø Le titre : quelle information m’apporte-t-il pour interpréter l’œuvre ?

Ø Tous les signes et autres indications sur la partition : la tonalité et le nombre d’altérations à la clef (l’armure), les nuances d’intensité, les liai-

sons, les reprises, etc.


V. Gérer le trac

Le trac est une sensation quasiment inévitable qui survient à toute personne de-

vant s’exprimer devant un public. Les musiciens, les danseurs, les comédiens mais

aussi les politiciens et les conférenciers sont principalement concernés par ce phé-

nomène.

Le trac est la prise de conscience que l’on s’apprête à vivre un moment hors du

commun, un rendez-vous d’amour, un examen ou un désir de donner le meilleur de

soi-même. Mais je le considère avant tout comme étant un stress lié à la peur du

jugement d’autrui.

Le trac doit donc être considéré comme un événement positif permettant de se

dépasser et de donner ce que l’on a de mieux en soi.

Malheureusement, chez certaines personnes, il se transforme en angoisse. Il n’agit

plus alors en tant que stimulant et, dans ce cas, il paralyse le corps et bloque toute

forme d’expression.

Il faut donc apprendre à maîtriser le trac. A tout problème, il y a une solution. En-

core faut-il vouloir la trouver…

« Le trac est fondamentalement le même chez un champion et chez un dé-

butant. La différence vient que le premier a appris à mieux le maîtriser que

le second. »

John McEnroe (champion de tennis)


VI. L’instrument

Piano acoustique ou numérique ?

Sonorité et toucher, voilà les deux caractéristiques indissociables qui composent ce

merveilleux instrument que l’on appelle un piano. La sonorité est due aux cordes

tendues au-dessus d’une table d’harmonie en bois et à la caisse de résonnance (le

meuble). Quant au toucher, il est le résultat de l’action des marteaux sur les

cordes grâce à un mécanisme reliant les touches aux marteaux.

Résumé ainsi à ses principales caractéristiques, le piano paraît être d’une grande

simplicité. Pourtant, à ce jour, aucun piano numérique ne peut restituer la

même sonorité ni le même toucher qu’un piano dit « acoustique ». Pour le dire

autrement, le piano acoustique et le piano numérique sont deux instruments com-

plètement différents.

Mon conseil : toujours préférer le piano acoustique au piano numérique, sur-

tout si vous êtes débutant.

En effet, commencer l’apprentissage du piano sur un instrument qui n’est pas un

piano est, en quelque une sorte, une aberration. Le débutant travaillant sur un

piano numérique ne pourra pas développer convenablement son toucher et son

oreille pianistique. A terme, il pourra devenir un bon musicien jouant du clavier,

mais il ne deviendra pas un pianiste.

Si, toutefois pour des raisons matérielles (problèmes de voisinage, d’insonorisation

ou d’accessibilité des locaux), vous deviez absolument acheter un clavier numé-

rique, orientez-vous vers des modèles de qualité en matière de toucher et de sono-

rité. Ne choisissez jamais les bas de gamme, car vous ne trouverez pas de clavier


de qualité en-dessous de 1200 €. Notez qu’à ce prix, vous pouvez acquérir un

« vrai » piano d’occasion, voire un piano d’étude neuf !

Quelques bons modèles de claviers numériques :

ü CASIO CELVIANO AP-450 (± 1200 €)

ü KAWAI ES-7 (±1600 €)

ü BLÜTHNER E-KLAVIER (± 2500 €)

ü ROLAND LX 15 (± 6000 €)

Une solution : la location

Vous n'êtes pas sûr de votre vocation de pianiste ou de celle de vos enfants et vous

hésitez à investir dès le début dans l’achat d’un piano. La solution peut être la

location d’un piano neuf. Un certain nombre de magasins spécialisés proposent

un dispositif appelé "Location avec Option d'Achat" (LOA). Pour une mensualité

d'environ 45 €, vous disposez d'un piano neuf que vous pouvez acheter selon des

délais prévus par contrat avec le commerçant (bien souvent au bout d'un an de lo-

cation), les sommes versées étant alors déduites du montant total.

Acheter un piano

Si vous souhaitez acheter un piano et être guidé dans cet achat, je invite à lire

l’article très complet que j’ai écris à ce propos dans Piano-Attitude : Conseils pour

acheter un piano.


L’entretien du piano

L’emplacement

Voici une règle d’acoustique à connaître : plus les matériaux composant le local

sont durs, plus ils sont réverbérants. Par conséquent, si le sol de votre local est en

béton ou recouvert de carrelage et les murs en béton, en brique ou en pierre, il

faut habiller la pièce avec des tapis, des rideaux et des meubles pour réduire la

réverbération. A contrario, avec un sol en parquet, quelques meubles suffiront à

garantir une acoustique agréable.

Ne plaquez pas votre piano droit contre le mur. La table d’harmonie se trouvant à

l’arrière du piano, décollez le piano de 15 à 20 cm du mur afin de ne pas empri-

sonner la sonorité.

Le piano n’aime pas les fortes variations de température et d’hygrométrie. Placez-

le de façon à ce que les rayons du soleil ne viennent jamais toucher directement le

piano. Eloignez-le également des sources de chaleur (radiateur, poêle…).

Mettez votre piano dans une pièce ni trop sèche, ni trop humide. Une atmosphère

trop sèche provoquera un jeu excessif dans la mécanique et, beaucoup plus grave,

des fentes dans la table d’harmonie. Un taux d’humidité trop élevé fera gonfler les

pièces de bois, entraînant le blocage des marteaux. Il aura aussi pour conséquence

de faire s’oxyder les parties métalliques, notamment les cordes. Pour quelques

euros, vous pouvez acheter un hygromètre pour surveiller le taux d’humidité de la

pièce qui doit se situer entre 50 et 60 % d’humidité.

L’entretien

Le piano nécessite peu d’entretien. Pour un usage normal, il faut le faire accorder

une fois par an. Le tassement et l’usure des feutres nécessitent un réglage tous les

dix ans environ. Protégez votre piano de la poussière en fermant les couvercles.


Les pédales

Le pédalier d'un piano est généralement composé de deux ou trois pédales.

ü A droite, la pédale forte sert à prolonger le son et à augmenter la réso-

nance en relevant l'intégralité des étouffoirs, laissant les cordes vibrer li-

brement.

ü A gauche, la pédale una corda ou douce.

Sur un piano à queue, elle est appelée una corda (une corde) et permet de

déplacer le clavier et les marteaux de manière à ce qu'il n'y ait plus que

deux des trois cordes attribuées à chaque note qui soient frappées. Le

timbre de l'instrument subit alors des changements. Sur certains dispositifs,

les trois cordes sont frappées avec la partie moins tassée des marteaux.

Sur un piano droit, elle est appelée pédale douce. Elle rapproche les mar-

teaux des cordes, ce qui diminue la vitesse de frappe et allège le toucher.

Dans les deux cas, le volume sonore est diminué.

ü La pédale du milieu n’est bien souvent présente que sur les pianos à

queue de concert. Elle est appelée pédale tonale ou de soutien ou encore

pédale sostenuto. Elle permet de tenir une ou plusieurs notes déjà jouées

et en train de résonner au moment où cette pédale est enfoncée. Le réper-

toire pianistique n'en fait qu'un usage limité.

Sur certains pianos droits d’étude, la pédale du milieu est une sourdine, ap-

pelée parfois pédale d'appartement. Elle sert à réduire le volume sonore

grâce à un feutre s'intercalant entre les marteaux et les cordes. Cette sour-

dine ne joue aucun rôle dans l'interprétation mais sert uniquement à dimi-

nuer le son afin de ne pas déranger l'entourage du pianiste.


VII. Qu’est-ce qu’un Opus ?

Opus est un mot latin signifiant ouvrage ou œuvre.

Le numéro d’opus en musique permet de classer les œuvres d’un compositeur selon

leurs dates de publication. Les indications « Op.15 », « Op. n°15 » ou « Opus

15 », par exemple, indiquent que l’œuvre est la 15e à avoir été publiée (et non la

15e œuvre composée).

Certaines compositions n’ont jamais été publiées. Elles sont alors répertoriées avec

un numéro de « Werk ohne Opuszahl » (en allemand : « œuvre sans numéro

d'opus »), sous la forme : WoO.

Certains compositeurs ont leurs œuvres classées selon un catalogue établi par un

musicologue. C’est le cas des compositeurs suivants :

Johann Sebastian BACH

Le Bach-Werke-Verzeichnis (en allemand Catalogue des œuvres de Bach), dési-

gné couramment par le sigle BWV, est le catalogue thématique des œuvres de

Johann Sebastian Bach établi dans les années 1950 par Wolfgang Schmieder.

Exemple : « Passacaille et fugue en do mineur BWV 582 »

Joseph HAYDN

Les œuvres de Joseph Haydn ont été classées chronologiquement par le musico-

logue Néerlandais Anthony van Hoboken dans les années 1960 et 1970. Le numé-

ro d’une œuvre est précédé de l’abréviation « Hob » ou « H ». Anthony van Ho-

boken a eu l’idée de regrouper les compositions par catégories (quatuors à

cordes, symphonies, etc.) et de numéroter ces catégories. Ainsi, par exemple,

les sonates pour piano sont dans la catégorie XVI.

Exemple : « Sonate pour piano n°62 Hob.XVI.52 en mib bémol majeur ».


Wolfgang Amadeus MOZART

Le catalogue chronologique des œuvres de W. A. Mozart a été établi en 1862 par

Ludwig von Köchel. Le numéro de l’œuvre est précédé de son initiale K, du nom

de famille du musicologue (on prononce « Köchel »).

Exemple : « Sonate pour piano n° 2 en fa mineur, K. 280 » (prononcer « Köchel

280 »)

Franz Schubert

Le catalogue de référence employé est celui qu'a dressé le musicologue Otto

Erich Deutsch au milieu du vingtième siècle. Établi dans l'ordre chronologique (à

quelques exceptions près), ce catalogue associe chaque œuvre de Schubert à un

numéro précédé de la lettre D (on prononce « Deutsch»).

Exemple : « Six moments musicaux, D.780 » (prononcer « Deutsch 780 »)

Domenico Scarlatti

Les 555 sonates de D. Scarlatti sont identifiées par le numéro des recensements

effectués par 3 musicologues : Giorgio Pestelli sous la lettre P , Alessandro Lon-

go sous la lettre L et Ralph Kirkpatrick sous le sigle Kk. ou K..

Exemples : « Sonate en si mineur L. 33 », « Sonate en ré mineur K.1 »


VIII. Tableau des principaux tempos

Terme italien Signification Métronome

Largo Large (lent) 40 à 60

Grave Lent et solennel ± 40

Lento Lent 52 à 68

Adagio À l'aise (un peu moins lent que lento) 60 à 80

Andantino entre adagio et andante ± 64 à 72

Andante moderato entre andante et andantino

Andante Modéré (allant) 76 à 100

Moderato Modéré 88 à 112

Allegretto Assez vite 100 à 128

Allegro moderato Modérément vif 112 à 124

Allegro Gai, vif, allègre 112 à 160

Vivace Vif ± 140

Agitato Agité ± 140

Presto Rapide 140 à 200

Prestissimo Très rapide Plus vite que 188

Changements de tempo

Terme italien Signification

Accélérer

animato animé

accelerando en accélérant

doppio Double (doubler le tempo)

più mosso plus agité

Più moto plus de mouvement


stretto serré

Ralentir

allargando en élargissant

rallentando en ralentissant

ritardando en retardant

ritenuto retenu

Retour à la vitesse de départ

tempo primo premier tempo

a tempo au tempo

istesso tempo le même tempo


IX. Lexique des termes italiens en musique

En musique, la majorité des termes utilisés sont italiens. L’explication vient du fait

qu’au XIVe siècle, pendant le Renaissance et la période baroque, les arts Italiens

rayonnaient sur toute l’Europe. Les musiciens se déplaçaient en Italie pour ap-

prendre tandis que les musiciens italiens s’installaient un peu partout sur le conti-

nent. C’est durant cette période que la langue italienne est restée attachée à la

musique.

Voici un petit lexique où chaque terme est précisément défini puis interprété.

Terme Italien Traduction En pratique

A cappella à la chapelle chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio selon son caprice librement

A piacere à plaisir

A tempo au temps retour au tempo

Accelerando en accélérant

Accentuato accentué

Acciaccatura petite empreinte, bosse-

lure brève appoggiature

Acceso enflammé

Accompagnato accompagner l'accompagnement suit le soliste

Acuto fort

Ad libitum (latin) librement à volonté (abréviation: ad.lib)

Adagietto assez lent un peu moins lent que adagio

Adagio lent à l'aise, moins lent que lento

Affabile aimable

Affettuoso affectueux

Affrettando accélération en pressant et agité

Affannato haletant inquiet, angoissé


Agitato agité

Alcuni quelques uns (unes)

Alla breve à la brève battre la mesure le plus souvent à la blanche,

parfois à la ronde

Alla marcia comme une marche

Alla polacca comme une polonaise

Alla tedesca à l'allemande

Alla turca à la turque

Allargando en élargissant

Allegretto assez vite un peu moins vif que allegro

Allegro vif,gai, allègre assez vite

Al segno au signe retour au signe (de renvoi)

Altissimo très haut très haut

Amabile aimable

Amoroso amoureux

Andante allant modéré

Andantino - un peu moins lent que andante

Animato animé

Appassionato passionné

Appogiato appuyé

Appoggiatura appoggiature petite note avant la note principale.

Ardito hardi

Aria air chant accompagné par instruments (à l'opéra)

Arietta petit air aria courte

Arioso bien aéré intermédiaire entre aria et récitatif

Arpeggio arpège jouer un accord note après note

Assai beaucoup, très ex: assai presto = "très" vite

Attacca attaque signifie que deux mouvements s'enchaînent

sans solution de continuité

Aumentando en augmentant en augmentant progressivement le son

Ballabile dansable à jouer pour bien entendre le rythme de danse

Barbaro barbare


Basso continuo

basse continue (ou basse

chiffrée)

accompagnement où les accords sont indiqués

par des chiffres

Basso ostinato basse obstinée

la basse répète sans arrêt quelques mesures,

pendant que les solistes interprètent librement

mélodies ou variations

Battaglia bataille musique qui évoque une bataille

Bel canto Beau chant style d'opéra en Italie aux XVIIIe et XIXe siècles

Bergamasca bergamasque, comme à

Bergame danse pastorale

Brillante brillant

Bruscamente brusquement

Burlando enjoué

Cadenza cadence passage soliste avant la fin d'un mouvement

Calando diminution en ralentissant et en diminuant progressive-

ment le son

Caldamente chaleureux jouer chaleureusement

Cantabile chantant comme si on chantait

Canzone chanson pièce instrumentale

Capriccioso capricieux

Coda queue Partie ajoutée à la fin d'un morceau

Coloratura coloration vaste ornement d'une partie de chant

Comodo à l'aise tempo modéré

Con affetto tendrement

Con allegrezza avec allégresse

Con anima avec âme

Con amore avec amour jouer avec un sentiment amoureux

Con bravura avec bravoure

Con brio avec brillance vite, fort avec esprit

Con calore avec chaleur

Con delicatezza avec délicatesse

Con dolore avec douleur

Con espressione avec expression

Con forza avec force


Con fuoco avec feu vite et ardent

Con grazia avec grâce

Con moto avec mouvement

Con spirito avec esprit

Con tenerezza avec tendresse

Concertino petite discussion petit concerto

Concerto grosso grande discussion forme baroque du concert

Concerto discussion œuvre pour instrument solo et orchestre

Continuo continuer basse continue : accompagnement à la basse de

la mélodie

Crescendo devenir plus fort en augmentant progressivement le son

Da capo A la tête reprendre au début (abr. DC)

Dal segno au signe recommencer à partir du signe

Deciso décidé

Decrescendo devenir moins fort en diminuant progressivement le son

Delicato délicat

Diminuendo en diminuant en diminuant progressivement le son

Disperato désespéré

Dolce doux

Dolcissimo trøs doux

Doloroso douloureusement

Doppio (movimento) deux fois plus vite

Drammatico dramatique

Energico énergique

Expressivo expressif

Forte fort jouer fort (symbolisé par f sur la partition)

Forte piano fort suivi de doux

Forte subito soudainement fort

Fortissimo très fort jouer très fort (symbolisé par ff sur la partition)

Fortississimo Extrêmement fort (symbolisé par fff sur la partition, parfois ffff)

Fuocoso enflammé avec flamme

Furioso furieux


Garbato gentil avec grâce

Giocoso joyeux

Glissando glisser glisser d'une note à une autre

Grazioso gracieux

Imperioso impérieux

Intermezzo intermède passage intermédiaire

Istesso tempo le même mouvement

Lagrimoso émouvant

Largamente largement

Larghetto assez large un peu moins lent que largo

Largo large lent, ample, grave

Legatissimo le plus lié possible

Legato lié

Leggiero léger

Lento lent lentement

Lusingando en flattant avec une expression caressante

Ma non tanto mais pas beaucoup

Ma non troppo mais pas trop Ex. allegro ma non troppo = vite mais pas trop.

Maestoso majestueux

Malinconico mélancolique

Marcato Marqué

Meno moins

Meno vivo moins vif

Mesto triste

Mezza voce à mi-voix

Mezzo forte modérément fort

Mezzo piano modérément doux

Moderato modéré

Molto beaucoup très

Morendo en mourant diminuer le son et ralentir beaucoup

Nobile noble

Opera buffa opéra comique


Opera œuvre un drame chanté et avec instruments

Ostinato Obstiné répétition insistante d'un petit groupe de note

Pacato apaisé

Patetico pathétique

Perdendosi en laissant perdre le son

Pesante lourd lourdement

Piagendo plaintif

Pianissimo très doucement (symbolisé par pp sur la partition)

Pianissimo quanto possible le plus doucement possible (symbolisé par ppp sur la partition, parfois

pppp)

Piano doucement (symbolisé par p sur la partition)

Piano subito soudainement doux

Picchiettato moucheté piqué et léger

Piu plus

Piu mosso plus animé

Piu moto plus animé

Poco peu

Poco a poco peu à peu

Pomposo solennel

Portamento glissé d'une note à l'autre

Prestissimo extrêmement rapide

Presto rapide

Prima donna première dame la plus importante voix féminine dans l'opéra

Quasi comme

Quieto calme, tranquille

Rallentando en ralentissant

Religioso religieux

Rinforzando en renforçant soudaine-

ment le son

Risoluto résolu

Ritardando en retardant ralentir, mais plus que Ritenuto

Ritenente en retenant cf. Ritenuto


Ritenuto en retenant ralentir, mais moins que Ritardando

Rubato en volant (en dérobant) accélérer ou ralentir certaines notes de la mé-

lodie pour abandonner la rigueur de la mesure.

Rustico champêtre

Scherzando en plaisantant comme un scherzo

Scherzo en plaisantant

Semplice simplement

Sempre toujours

Sentito expressif

Senza tempo sans tempo

Sfogato léger, aisé

Sforzando en renforçant soudaine-

ment le son

Slargando en élargissant

Smorzando en atténuant en ralentissant et en diminuant progressive-

ment le son

Sonata sonner une composition en forme de sonate

Sostenuto soutenu

Sotto sous, dessous

Sotto voce murmuré

Spianato apaisé

Staccato détaché

Staccatissimo notes très brèves

Stretto serré presser

Stringendo en serrant

Tempo mouvement

Tempo temps allure de l'exécution d'une œuvre musicale

Tempo frettoloso mouvement animé

Tempo giusto mouvement exact

Tempo ordinario mouvement normal

Tempo primo au premier mouvement

Tenando en tenant en soutenant


Teneramente tendrement

Toccata touchée pièce instrumentale assez virtuose (clavier)

Tranquillo tranquille

Tremendo terrible

Tristamente tristement

Tutta forza à toute force le plus fort possible

Tutti tous tous les instruments de l'orchestre

Un poco forte un peu fort

Un poco piano un peu doux

Una corda une corde pédale de sourdine sur le piano

Vezzoso gracieux

Vigoroso vigoureusement

Vivace vif

Vivacissimo extrêmement vif


X. Danses

Danses baroques

Danse Origine Epoque Mesure Tempo Caractère

Allemande Allemagne XVIe - XVIIe 4/4 (parfois

2/2 ou 2/4) Allant (q ± 80) Noble, fier, sans lenteur

Bourrée

France (Auvergne) XVIIe - XVIIIe 2/2 ou 2/4 Vif, joyeux Populaire, rustique

Accentuation des 1er temps

Chaconne

Espagne XVIIe - XVIIIe 3/4 Lent à très modéré Majestueux, solennel, austère

Sur une basse obstinée. Peu de différence entre la chaconne et la passacaille.

Courante

française

Italie XVIIe 3/2 ou 6/4 Modéré (h ± 90) Enjoué et majestueux

#

Courante

italienne Italie XVIIe 3/4 ou 3/8 Vif (q ± 160) Léger, alerte

Comme la courante française, mais en plus rapide.

Forlane

Italie XVIIe - XVIIIe 6/4 ou 6/8 Modéré à rapide Noble mais gai, un peu pesant

A la fin du XVIIe siècle, la forlane devint une danse de cour.

Gaillarde Italie XVIe - XVIIe 3/4, 3/2 ou 3/8 Vif

#

Gavotte France XVIIe - XVIIIe 2/2 ou 2/4 Lent à modéré Gracieux, tendre

Gavots : sobriquet désignant les habitants de Gap

Gigue Angleterre ou Irlande XVIIe - XVIIIe

3/8, 6/8, 9/8, 12/8 ou C (triolets)

Rapide ou très rapide Modéré à très vif

de l’anglais « jig » : cuisse, jambe; gigot, gigoter


Loure (la) France (Normandie) XVIIe - XVIIIe 6/4 Lent Majestueux, grave, pesant

Ancien nom de la cornemuse : 1er temps accentué. Détacher les q

Menuet

France XVIIe - XVIIIe 3/4 Modéré Simple, gracieux et élégant

qqq ou h q ou qh (avec ry) Se pense à 2 temps sur 2 mesures. Danse préférée de

Louis XIV

Musette

France XVIIe - XVIIIe 2/3 ou 3/4 Modéré Simple et rustique

ry et dffg 2 voix sur une note pédale à la basse imitant la musette (cornemuse

française)

Passacaille

Espagne XVIIe - XVIIIe 3/4 Presque lent à modéré

Grave

#4 qq. e\ qh \ Sur une basse obstinée. Peu de différence entre la chaconne et la

passacaille.

Passepied France XVIe - XVIIe 3/8 Vif et gai Proche du menuet, mais plus rustique

et plus vif.

Pavane Italie XVe - XVIIIe 4/4 ou 4/2 Lent Grave et digne

$4 qq\ q. eqq\ qq

Polonaise Pologne XVIe - XVIIIe 3/4 Lent à modéré Mélancolique et majestueux

Rigaudon

France (Provence) XVIIe - XVIIIe 2/2 ou 2/4 Vif ou assez vif Gai, léger

C q\ qqqq\ rrryqq\

Sarabande Espagne XVIIe - XVIIIe 3/2 ou 3/4

Lent ou modéré

(q ± 80) Grave, noble, majestueux, fier

#2 h h. q\ h h Sicilienne

Italie XVIIe - XVIIIe 6/8 ou 12/8

Modéré à ra-pide Caractère pastoral très dansant.

^8 r.gyq e\ Tambourin

France (Provence)

2/4 ou 4/2 Très vif Populaire et très dansant

dffg dffg et ryry 1er temps accentué sur une basse obstinée (imitation de l’instrument)


La suite de danses baroques

Schéma habituel d’une suite baroque au XVIIe :

Suite française Suite allemande ou Partita

Prélude (ou sinfonie, fanataisie, ouver-

ture, préambule, toccata)

Allemande Allemande

Courante Courante

Sarabande Sarabande (ou aria, air)

Danses libres ou « galanteries » :

1 ou 2 menuets, air, gavotte, bourrée,

loure ou polonaise

Danses libres ou « galanteries » :

1 ou 2 menuets, rondeau, burlesca, pas-

sepied ou gavotte

Gigue Gigue


Danses diverses

Danse Origine Epoque Mesure Tempo Caractère

Bergamasque

Italie

(Bergame) Vif Sautillant

Danse apparue dès le XVIe siècle

Cake-walk

(« marche du

gâteau »)

Etats-Unis

(Virginie) Fin XIXe 2/4 ou 4/4 Rapide Marche rythmée

Le nom évoque le gâteau récompensant les meilleurs danseurs chez les esclaves du sud

des Etats-Unis.

Habanera

Cuba, vers

1830 Fin XIXe 2/4 modéré Fier et élégant

(Bizet : Carmen)

Ländler

Allemagne,

Autriche,

Suisse

XVIIIe - XIXe 3/4 Assez lent Populaire, campagnard (au XIXe)

Similaire à la valse

Mazurka

Pologne 3/4 modéré Régulier et élégant

2e temps accentué, 1 mes. sur 2

Polka

Bohême

(République

Tchèque)

XIXe 2/4 vif Joyeux et populaire

Saltarelle

Italie (Naples) 3/4 ou 6/8 Rapide joyeux

1er temps marqué. En italien : saltare (sau-

ter).

Tarentelle

Italie XVIIe - XXe 6/8 Vif Fiévreux et endiablé

Utilisée comme thérapie contre la

morsure de l’araignée, la tarentule.


XI. Paroles de grands interprètes

Vladimir Horowitz (1903-1989) « Tout interprète devrait avoir une âme de compositeur. Les grands

pianistes ont toujours composé. C’est indispensable pour com-

prendre la musique, en saisir l’insaisissable ! Je ne parle même pas

de l’improvisation. Je peux passer des heures à improviser. Il en sort

des choses plus ou moins bonnes selon les cas. Mais encore une fois,

ne jouons pas les intellectuels ! La musique est une question d’agencement harmo-

nieux entre la tête, le cœur et la technique. Il ne faut sous aucun prétexte que l’un

des trois l’emporte sur les autres. De Mozart à Beethoven en passant par Chopin,

tous ont dit qu’il fallait faire chanter son instrument, fût-il à percussion. Tout le

talent est là, il ne faut pas jouer mécaniquement. »

Extraits de : Propos de musiciens, par Helen Epstein, trad. Martine Thomas, Alinéa, 1987

Philippe Giusiano (né en 1973) Le travail de la polyphonie

Question : Est- il vrai que Pierre Barbizet, votre dernier profes-

seur de piano, avait une approche toute particulière pour faire

travailler les fugues de Bach ?

Réponse : Oui, c’est exact. Il nous faisait interpréter la partition à

la voix. Pour une fugue à quatre voix par exemple, il y avait quatre groupes. C’était

intéressant et très intelligent car il y a l’aspect polyphonique qui ressort davan-

tage. Peu de temps avant les examens et avant même d’aborder le travail pianis-

tique, il nous réunissait tous pour essayer de chanter.

Extraits d’un entretien avec F. Michel dans resmucica.com du 19/12/2009


Aldo Ciccolini (né en 1925) Un regard décapant et sans illusion sur la culture actuelle…

« Peut-être y a-t-il encore des artistes... mais il n’y a plus d’art.

C’est vrai, je suis excessivement pessimiste sur l’avenir de la mu-

sique. l’art est attaqué depuis bien trop longtemps [...]. Quant à la

musique elle-même, elle a été beaucoup marginalisée. Je crois

même qu’elle est devenue quelque chose de gênant dans notre so-

ciété. La musique porte en elle des valeurs profondes qui nous font tendre vers la

beauté, rechercher une certaine vérité (pour peu qu’il y en ait une !). Mais au-

jourd’hui, les intérêts sont tout autres. On s’intéresse surtout à l’exploit, à

l’habileté physique, au pouvoir, à l’argent, transformant tout en compétition. Dans

ce contexte, les artistes n’ont pas d’autre choix pour s’en sortir que de chercher à

être médiatisés et tout ce qui est talent ne semble plus avoir beaucoup de poids.

Alors, on entend jouer tout le monde plus ou moins de la même façon. [...] Nous

n’allons d’ailleurs plus au concert, nous allons au musée. Comme nous irions voir un

tableau au Louvre, nous allons écouter un morceau de musique du passé. L’époque

de Pelléas et Mélisande de Debussy, qui soulevait des scandales et faisait bouger la

musique est bel et bien révolue.

Non, je le répète, je ne suis pas optimiste du tout. De là à penser que l’art et la

culture disparaissent un jour complètement, il n’y a qu’un pas qui sera, à mon avis,

franchi... du moins en Occident *. Ce qui sonnera le glas du monde occidental car

celui-ci ne tient que par sa culture. Une civilisation sans culture est une civilisation

sans avenir. »

• Dans un entretien accordé à La Lettre du musicien en 2007, Aldo Ciccolini précisait

son propos. Selon lui, on peut espérer que le flambeau de la culture occidentale, et no-

tamment de la musique, soit en train d’être repris par les pays d’Extrême-Orient.

Extraits de : « Je suis un lirico spinto », entretiens avec Pascal Le Corre, Van de Velde, 2007


Charles Rosen (né en 1927) Apprendre à s’écouter

Jouer d’un instrument est un plaisir physique. On ne devient pas

pianiste à moins de ressentir un plaisir intense à faire bouger ses

doigts, et surtout les mettre en contact avec les touches. Mais les

sons, on les entend intérieurement. On les imagine. C’est l’une des

grandes difficultés dans l’enseignement du piano : l’élève doit ap-

prendre à s’écouter. On n’a pas besoin de s’écouter pour jouer du piano ! Le violo-

niste ne peut s’en dispenser : il doit savoir s’il joue la bonne note… Pour le pia-

niste, s’écouter peut être une contrainte, car le plaisir musculaire de jouer est sa-

tisfaisant en soi.

Extraits de : « Plaisir de penser », conversation avec Catherine Temerson. Georg Eshel,1993

Krystian Zimerman (né en 1956) Il faut jouer comme si la vie en dépendait.

« Au fond, tout le monde est romantique. On se trompe en disant

que les artistes n'ont pas d'émotions quand ils jouent de la mu-

sique, c'est tout le contraire. Je cherche des oeuvres pour les-

quelles je puisse imaginer, visualiser cette émotion, pour y plon-

ger, une émotion pour laquelle je sois capable de mourir. Autre-

ment, la vie n'a pas de sens. »

Extraits d’un entretien publié dans L’Express le 8/12/2012


XII. Quelques citations

« Être soi-même dans un monde qui essaye en permanence de vous transformer est

la plus belle des réussites. »

Ralph Waldo Emerson, écrivain

« Ce qu’on ne peut dire et ce qu’on ne peut taire, la musique l’exprime. »

Victor Hugo, poète, écrivain

« Tout le monde sait jouer, mais rare sont ceux qui savent interpréter.»

Heinrich Neuhaus, pianiste et immense pédagogue

« Ce n’est pas un métier d’être pianiste et musicien. C’est une philosophie, une

conception de la vie qui ne peut se fonder simplement sur de bonnes intentions ou

un talent naturel. Avant toute chose, il doit y avoir un esprit de sacrifice. »

Arturo Benedetti Michelangeli, pianiste

L'erreur propre aux artistes est de croire qu'ils trouveront mieux en méditant qu'en

essayant... Ce qu'on voulait faire, c'est en le faisant qu'on le découvre.

Emile-Auguste Chartier, dit Alain, philosophe (« Avec Balzac », 1937)

« Un piano doit être un ami, c'est-à-dire un confident qui essuie nos rages. »

Félix Leclerc, auteur-compositeur-interprète

« Le plus nécessaire et le plus difficile dans la musique c'est le tempo. »

Wolfgang Amadeus Mozart

« La volonté permet de grimper sur les cimes ; sans volonté, on reste au pied de la

montagne. »

Proverbe chinois

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