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DOSSIER DE PRESSE
12 > 22 Octobre 2013 / 11ème édition / VAR Cinéma L’Odéon BARJOLS Théâtres en Dracénie DRAGUIGNAN Théâtre Denis HYÈRES L’Imparfait-CeCCN CABASSE Cinéma Henri Verneuil & Théâtre Marelios LA VALETTE-DU-VAR
Concerts Cinéma Performances
/// Françoise ATLAN & Moneim OUDWAN (France/Palestine) /// ARLT - Eloïse DECAZES, Sing Sing & Mocke (France) /// Raymond BONI & Raphaël SAINT REMY (France) /// QUARTETSKI does STRAVINSKY (Canada) Pierre-Yves MARTEL, Isaiah CECCARELLI, Bernard FALAISE, Philippe LAUZIER, Josh ZUBOT /// Electric Pop Art Ensemble - Patrice SOLETTI, Boris DARLEY, Norbert LUCARAIN, Emilie LESBROS (France) /// SO LONG - Patrick CHARBONNIER, Tristan FAVRE, Gyohei ZAITSU (France, Japon) /// Patrick SIROT & Yassine BOUSSAADOUN (France) /// Anaïs PROSAÏC (France)
Ill. : Emmanuelle Bentz
Festival des Musiques Insolentes du 12 au 22 octobre 2013
La onzième édition du Festival des Musiques Insolentes sera placée cette année, sous le signe du grand écart : Grand écart géopolitique, d’abord, avec le duo constitué par Françoise Atlan, merveilleuse chanteuse d’origine juive et marocaine, et Moneim Oudwan, joueur d’oud et palestinien. Grand écart temporel ensuite, avec la présence de dispositifs électroniques et de laptop, non loin de l’épinette ou de la viole de gambe. Grand écart économique, enfin, puisque nous opposons à des conditions de plus en plus précaires, notre volonté irréductible de faire vivre et de partager les multiples voies de la recherche musicale près de nous et beaucoup plus loin, là où s’entrecroisent respect, instinct, connaissance, expérience et goût des confins… L’écart sera alors ce lieu central où se produit l’œuvre.
BARJOLS Samedi 12 octobre 2013 :: Cinéma Odéon > 19h00 Bashung express
Réalisation : Anaïs Prosaïc Documentaire. 2000 Réalisé en 2000, produit pour Canal Plus, ce film est un millefeuille qui comprend : l'enregistrement dans un studio à Bruxelles de l'album « Climax », un entretien en forme de soliloque sur les quais des gares chères aux surréalistes belges, des archives, clips, extraits de films et d'émissions télé... Et surtout des chansons, emblématiques de ses diverses périodes musicales ou extraites de l'album « Fantaisie Militaire » (1998), et réinterprétées en compagnie de la fine fleur du « rock français » de l'époque - Mathieu Chedid, Vincent Segal, Cyril Atef, Noir Désir, Rodolphe Burger, Rachid Taha, et le guitariste américain Marc Ribot. Nous avons eu beaucoup de chance de pouvoir faire ce film avec/sur Bashung - entre son professionnalisme généreux et sa fragilité, une forme de complicité sur une certaine idée de « télévision populaire haut de gamme »...
Anaïs Prosaïc, réalisatrice
Venue de la presse écrite et de la radio, Anaïs Prosaïc a participé aux émissions Megamix (1989-1994), pour La Sept/Arte et L'oeil du cyclone (1994-1999) pour les Programmes Courts de Canal+. Réalisation de portraits-documentaires : "Cesaria Evora, morna blues" (1996), "Patti Smith, l'océan des possibles" (1997), "Neneh Cherry, carnet de route" (1998), "Enrico l'Andalou" (2001) pour la collection Music Planet d'Arte; “Trésor de scopitones arabes” (1999), "Bashung Express" (2000) pour Canal+. Documentaires musicaux : "Marc Ribot, The Lost String/La corde perdue" (2003), “Eliane Radigue, l'écoute virtuose” (2011). Films scientifiques avec Ursula Bassler: "Collisions - LHC 2008", “Etienne Klein, libido sciendi”. Concerts filmés de la série Freedom Now/Mezzo/Arte : Los Cubanos Postizos (2002), Dave Douglas Septet (2003), Trio Sylvie Courvoisier (2004), Marc Ribot's Spiritual Unity (2005), "Ethiogroove" avec le chanteur éthiopien Mahmoud Ahmed et le big band américain Either/Orchestra (2006).
Un partenariat F.M.I / Polymages / Municipalité de Barjols
DRAGUIGNAN Mercredi 16 octobre 2013 :: Théâtres en Dracénie > 20h30 Françoise Atlan & Moneim Oudwan Nawah Nawah, ce sont deux « fous d'amour, de poésie et de musique » de notre siècle. Juive séfarade à la voix magique, Françoise Atlan a baigné dans un univers de musiques orientales. Moneim Oudwan, palestinien de Gaza, dompteur de luths à la voix chaude et profonde, a cristallisé les univers musicaux du Proche-Orient. Entre improvisations savantes, airs traditionnels, textes liturgiques et poèmes d'Espagne médiévale, le duo s'épanouit dans une parfaite connivence musicale.
Françoise Atlan Invitée comme soliste des scènes majeures internationales telles que le Carnegie Hall à New York, le Festival International de Mexico, le théâtre de La Monnaie de Bruxelles, le Festival d‘Utrecht (Hollande), Festival des Musiques sacrées de Fès, les Suds À Arles ou le Festival d’Art lyrique d’Aix-en Provence, la chanteuse Françoise Atlan a également signé de nombreuses collaborations fructueuses avec de grands musiciens et ensembles, et enregistré en
tant que soliste et aussi artiste invitée, plusieurs disques primés par la critique - Diapason d Or, Choc du Monde de La Musique, FFFF Télérama, Grand prix de l’Académie Charles Cros… Artiste à la double culture, dotée d’une expression vocale, d’un style et d’une technique unique en son genre, ses racines judéo-berbères l’ont amenée tout naturellement à se passionner pour le patrimoine vocal méditerranéen, en particulier les traditions judéo-espagnole et judéo-arabe, tout en poursuivant sa carrière de chanteuse lyrique. Agrégée de musicologie de l’université d Aix-en-Provence, elle a obtenu ses prix de piano et musique de chambre du Conservatoire d’Aix en Provence. Lauréate du Prix Villa Médicis Hors Les Murs pour le collectage de la tradition musicale et poétique de la ville de Fès au Maroc, ainsi que du Prix Fondation Caisse d’Epargne "Meilleure Artiste Musique du Monde 2007", elle donne régulièrement des master-class de chant à Aix-en Provence, Paris, Genève, Montréal, Bruxelles ou Bâle. Depuis 2009, elle est la Directrice Artistique du Festival des Andalousies Atlantiques d 'Essaouira (Maroc). Ses premiers poèmes qui mêlent l’hébreu, l’arabe et l’espagnol viennent d’être publiés aux Éditions Flammes Vives.
"..ces mélodies au contour à la fois extatique et sensuel sont ici rendues avec chaleur et pureté grâce au talent
lumineux dont, à l’évidence, la nature a doté Francoise Atlan.." (Le Monde de la Musique, Laurent Aubert)
"Un son d une évidence saisissante, frais et brûlant, touchant au but, touchant au coeur. A l’héritage reçu, Françoise
Atlan associe une sensibilité et une voix hors du commun « (Diapason, François Picard)
Quelques repères discographiques:
"Romances Séfarades " chez Buda Musique (FFFF Télérama)
"Noches " chez Buda Musique (Choc du Monde de La Musique)
« Entre la rose et le jasmin » (Diapason D’Or)
"Falla Lorca" avec le guitariste Flamenco Juan Carmona (**** Monde De La Musique)
« Cantigas de Santa Maria » avec Joël Cohen et L’ensemble Gilles Binchois, (Érato et Naïve)
"Nawah " avec le chanteur palestinien Moneim Oudwan
"Andalussiyat" chez Universal (Prix de l’Académie Charles Cros) avec l 'Orchestre de Fès)
"Terres Turquoise" avec l 'Ensemble Constantinople dirigé par Kiya Tabassian chez Atma (Diapason d 'Or)
« Ay Amor !! » Chants d’amour du Bassin méditerranéen, avec Constantinople, chez Atma (2008)
"1, 2 ,3" avec le Trio Fanal
http://www.deezer.com/fr/artist/1474293
Moneim Adwan (ou Oudwan), chanteur, compositeur, joueur de oud (luth oriental) et chef de chœur, est né à Rafah, dans la bande de Gaza en Palestine, près de la frontière égyptienne, en 1970.
Il a commencé à chanter dès son enfance, de sa voix chaude et cristalline, des chansons traditionnelles palestiniennes. Issu d’une famille de cheikhs, la récitation coranique fait aussi partie de son environnement sonore et l’amènera à chanter des louanges dédiées au Prophète Mohamed. Il chantera aussi l’exil, la patrie perdue, l’amour en reprenant, plus tard, les poésies du célèbre poète palestinien Mahmoud Darwich.
Il découvre l’oud à 17 ans et part l’étudier à l’université de Tripoli où il obtient une maîtrise en musicologie.
Ses créations, s'inspirant du patrimoine musical traditionnel de Palestine (Darwich) et du répertoire de la musique classique arabe, tentent de suivre de nouveaux chemins, d’ouvrir de nouveaux horizons en s’inspirant des cultures des autres, ce qui l’amène à proposer une nouvelle musique unique pleine de sincérité et de sentiments. Sa voix chaude parfois puissante et parfois tendre, est le plus bel instrument pour transmettre un message humain, d’amour et de
tolérance dans un pays où règnent la guerre, la pauvreté et le chaos.
En 2003, Moneim Adwan et la chanteuse aux origines juive séfarade Françoise Atlan composent « Nawah » (Le Noyau). Chantés en hébreu et en arabe, les textes sont une alchimie entre deux cultures et une ode à l’amour qui voyage et traverse la Méditerranée pour créer l’unité et nous inviter à une méditation profonde de notre rencontre avec l’Autre, de nous enrichir à son contact au croisement des trois traditions monothéistes de l’Espagne médiévale et d’une tradition musicale mêlant chants spirituels musulmans et juifs séfarades.
Un partenariat F.M.I / Théâtres en Dracénie
DRAGUIGNAN Jeudi 17 octobre 2013 :: Théâtres en Dracénie > 20h30
Raymond Boni guitare & harmonica
Raphaël Saint Rémy piano, épinette, hautbois
À l’origine, la rencontre de deux instruments, l’harmonica et le hautbois, que leur histoire respective et leur territoire musical habituel séparent a priori. Plaisir, dans un premier temps, de partager cette rencontre «contre-nature», et très vite le désir de vivre plus loin l’aventure, d’explorer les interférences et combinaisons étonnantes proposées par ces deux «anches» si éloignées au départ.
Le ver était dans le fruit. La guitare appelait elle aussi sa «contradiction». L’épinette était la bienvenue, elle dont le territoire, encore plus défini et restreint sait proposer - à condition qu’on la pousse dans ses retranchements - d’étonnantes réponses aux sons de la guitare. Deux anches, deux cordes pincées : autant de combinaisons stimulantes que Boni et Saint-Rémy ont eu envie d’explorer sur la durée.
A ce plaisir de parcourir ces espaces encore peu balisés s’est ajouté celui de croiser leurs trajectoires musicales assez dissemblables : quand l’un est considéré comme une des figures de proue de la musique improvisée, l’autre se laissait porter par des courants changeants, dérive plus ou moins organisée le portant d’une formation classique à l’engagement pour la musique contemporaine, avant de le pousser vers les eaux de la performance sonore, puis de l’écriture théâtrale. De là sans doute cette énergie qui les anime, cette folie de vouloir creuser des galeries dans des terres apparemment friables, cet étonnement devant les espaces qui tout à coup s’ouvrent à eux.
Raymond BONI De la guitare de Boni, qu’elle soit électrique ou acoustique, s’échappent des échos du flamenco, de la rumba, des traditions « tziganes » d’Europe centrale ou des Balkans, des bribes de chansons, de standards de jazz, des tournures qu’on reconnaît comme la signature de grands improvisateurs… S’échappent aussi des phrases imprévisibles, comme des appels du futur. Cela ne tient pas à la mise en oeuvre d’un programme préalable ou à un souci d’encyclopédisme, et pas plus à une recherche à tout prix de l’originalité, non, c’est parce que cette musique va (« se laisse aller », dirait-on) au fond d’elle même, au fond des choses. Boni réussit à rendre manifeste son appartenance à une communauté à travers une expression totalement personnelle. C’est ainsi qu’au-delà de la musique, l’improvisation fait place à des impressions que nous entendons comme des échos de « la vie même ». Patrick Williams
Depuis l’âge de 21 ans, Raymond Boni est présent sur la scène du jazz et de la musique improvisée. Son instrument principal est la guitare. Musicien hors pair, il se produit du solo au big band dans toute l’Europe, au Japon, aux Etats-Unis, au Canada, à Madagascar, à Taiwan et en Arménie. Ses partenaires sont de tendances artistiques très diverses. Également compositeur, il est auteur de musiques pour films documentaires, pièces chorégraphiques et théâtrales, contes et lectures. Témoins de ce parcours, une cinquantaine de disques ont été enregistrés. Après ses études dans différents conservatoires (hautbois, écriture, électroacoustique) et au CNSM de Paris (Ondes Martenot), Raphaël Saint-Remy intègre durant cinq ans le sextuor d'Ondes Martenot de Jeanne Loriod et se consacre à la musique contemporaine. Il rencontre ensuite Michel Moglia, avec qui, s'éloignant des territoires musicaux traditionnels, il participe durant cinq ans aux créations des Chants Thermiques de l'Orgue à Feu. Suit une période durant laquelle il se partage entre l'enseignement et l'écriture. Sa rencontre avec Raymond Boni le pousse à se consacrer à nouveau à la musique vivante.
Electric Pop Art Ensemble Postcards
Patrice Soletti guitare, effets, compositions
Boris Darley piano électrique, laptop
Norbert Lucarain human beat box, percussions, synthétiseurs
Emilie Lesbros voix, violon, objets
L’ELECTRIC POP ART ENSEMBLE est un ensemble à géométrie variable né sous l’impulsion de Patrice Soletti, musicien et
compositeur venant du Jazz contemporain, du rock et des musiques improvisées. Ce pop art sonore à priori simple et accessible procède par collages de clichés, part en biais et dirige progressivement l'auditeur vers les marges, en délivrant sons saturés, constructions «noise», et bricolages amplifiés où l'on peut retrouver l'influence d'avant-gardistes tels que Fred Frith, Otomo Yoshihide ou encore Franck Zappa... http://www.loreilleelectrique.org/postcards/
Par ses expériences atypiques, la chanteuse Emilie Lesbros rend mouvantes les frontières existant entre musiques improvisées, jazz, rock expérimental et musiques contemporaines. Son parcours, entre formation classique – elle étudie le chant lyrique et jazz et le violon au conservatoire – et projets musicaux éclectiques au sein de diverses formations allant du rock aux musiques électroniques, l’amène à développer sa curiosité sonore insatiable. Il émane de sa musique une forte théâtralité et une poésie en équilibre instable entre humour et gravité, au fil de chansons étranges et décalées. Son disque solo « Attraction Terrestre » (DFragment Music / L’Autre Distribution) paru en 2011, l’ancre définitivement dans une mouvance inclassable où elle peut bouleverser avec jubilation les règles esthétiques et stylistiques, pour y répandre son univers singulier. Elle participe à de nombreux projets de création et d’improvisation aux côtés de Barre Phillips, Raymond Boni, Daunik Lazro, Xavier Charles,
EveRisser, David Allen, Lionel Garcin, Catherine Jauniaux, Sarah Bernstein, Franck Gratkowski, Héléne Breschand, Hasse Poulsen, Sabir Mateen… Elle a collaboré également avec des compagnies de danse et de théâtre contemporains ; Geneviève Sorin, Giorgio Rossi, L’Orpheline est une Epine dans le Pied, et Archaos pour ce qui est du nouveau cirque.
Echos : France Musique, A l’improviste : Emilie Lesbros nous apparaît sur scène tel un Pierrot, a la fois frêle et lumineuse, puis nous prend et nous emmène dans son théâtre intime. En effet, le chemin parcouru par cette jeune chanteuse depuis sa rencontre avec quelques personnalités fortes de la musique improvisée, et parmi elle, le contrebassiste Barre Phillips, l'a emmené a parcourir et enrichir au fils du temps son vocabulaire vocal de toutes ses excursions dans des territoires presque illimité de l’expression vocale. (...) Anne Montaron Citizen jazz : Emilie Lesbros joue avec les sons et chante sans paroles. Elle peut aussi bien développer une idée abstraite (« harmoniques ») que pasticher le bavardage d’un professeur russe de chant lyrique, répondre à un chien qui aboie au loin ou à la cloche de l’église voisine, chercher des sons dans une pièce de métal forgée par le sculpteur et leur marier sa voix. Dans tout cela, une extrême sensibilité et de la poésie, mais aussi un humour tout en légèreté et une bonne dose de talent ! Diane Gastellu
Improvisateur, compositeur et instrumentiste autodidacte, Patrice Soletti est actif au sein de groupes musicaux issus du jazz et du rock alternatifs. Il s’investit aussi dans des collectifs d'artistes et compose pour la Danse Contemporaine, l'Image, le
Théâtre... Il a été lauréat du «Concours Ile de France » (musique sur le film « Rupture» de P. Etaix) et primé au «Concours Django Reinhardt» de Samois sur Seine. Dans le domaine du jazz et de la musique improvisée contemporaine, il collabore avec de nombreux artistes notamment Louis Sclavis, Barre Phillips, Catherine Jauniaux, Bruno Chevillon, Martin Tétrault (Ca), Pierre Tangay (ca), Tetuzi Akiyama (jp), Serge Lazarevitch, Philippe Deschepper… Dans le domaine de la performance, il se produit avec le poète Julien Blaine dans le cadre de poésies-actions (festival de Lodève, Infra’action-Sète, Caza d’Oro - Mas d’azil, Pavillon de l’Arsenal - Paris...) Norbert Lucarain. Batteur et vibraphoniste aux nombreuses collaborations prestigieuses telles que Julien Lourau Groove Gang, Henri Texier, Louis Winsberg, Guillaume Orti, Bernard Lubat... On a aussi
vu ce virtuose de la percussion au coté d’artistes de la scène Rock et chanson française, notamment Thomas Fersen et Corinne (ex-Téléphon). Depuis 2011, il est le batteur de Général ElectriK. Il développe actuellement un travail autour des percussion vocales en intégrant la technique de «Human Beat Box» à la batterie. Techniques qu’il expérimente et échafaude au sein de l’Electric Pop Art Ensemble. Boris Darley. Habituellement ingénieur du son réputé dans le domaine du jazz actuel, notamment l'Orchestre National de Jazz ou le Trio de Marc Ducret... Il développe depuis plusieurs années un travail de création sonore avec un fender rhodes environné et augmenté d’effets électroniques, au sein de l’Electric Pop Art Ensemble mais aussi avec Christine Bertocchi et Phil Minton... Parallèlement, il a participé à d'autres projets musicaux comme « Nuit Américaine » de Lambert Wilson, « Sourire au pied de l’échelle » de Charlotte Nessi, «Douceur du Bagne» d’Hélène Martin, « Amor’esca » de Jaky Micaelli.... Un partenariat F.M.I / Théâtres en Dracénie
HYÈRES Samedi 19 octobre 2013 :: Théâtre Denis > 20h30
ARLT
Eloïse Decazes, Sing Sing & Mocke
Arlt est fondé en 2006, directement sur les planches, à la faveur d’une rencontre quasi inopinée entre Sing Sing, auteur branque et guitariste brut et Eloïse Decazes, chanteuse hallucinée. Musicalement, l’histoire des musiques populaires visitée au pas de course, puis désossée, cannibalisée - blues, pop bancale, médiévismes, rocanrol - jouée sommairement. Spéculations abstraites pour déranger ça au mieux, théories pompettes, expérimentations légères en toile de fond. Poétiquement : des syllogismes devenus fous, tournés en boucle jusqu’au suicide du sens. Tragique et gai, avec le goût des catastrophes naturelles, des affolements en tout genre, on les compare à Brigitte Fontaine et Areski dans les années 70, à un Velvet Underground piqué de musique traditionnelle bizarre, à quelques vieux fleurons hagards de la musique psyché. On échoue à les cerner tout à fait. On voit dans leurs concerts des cérémonies sans objet, parcourues de transes et de plaisanteries absurdes, des performances déceptives, on ne sait pas bien dans
quelle mesure tout ça relève du sacré, de l’art brut, du cabaret surréaliste atomisé. Leur façon de prendre le concert à rebrousse poil, de lier tout naturellement les façons solennelles d’une espèce de liturgie profane avec une nonchalance toute excentrique, de déglinguer la langue entre boutades métaphysiques et soliloques poétiques, de se situer "à la croisée des contraires" surprend. Entre 2006 et 2011, Arlt joue un peu partout - appartements, théâtres, salles de concerts - sans distinction. Sur les scènes dévolues à la chanson, au rock indépendant ou aux musiques improvisées, en France et à l’étranger, notamment aux Etats-Unis où ils partagent la scène avec Joséphine Foster et se voient inviter par The National à ouvrir pour leurs concerts. On les croise aussi au Portugal, en République Tchèque, en Norvège, en Irlande. Partout ils intriguent, charment, agacent.
Leur premier album La Langue a été enregistré en compagnie de Mocke, le guitariste érudit et somnambule du groupe Holden. C’est un album minimal ET baroque, instable et pas clair. Paru en autoproduction en mai 2010 et vendu un temps par correspondance, il est rapidement signé en licence par le label parisien Almost Musique qui le fait distribuer en France et au Bénélux depuis Novembre 2010. La critique le salue comme un véritable ovni et l’une des plus intrigantes et réjouissantes révélations de la scène française. Il fait partie des 20 meilleurs disques de l’année 2010 de la sélection « musiques » des Inrockuptibles. La Langue paraît au Japon sur le label Windbell en Février 2011 dans une édition remaniée pour l’occasion.
Arlt chante à deux : voix d’eau (Eloïse Decazes) et voix de terre (Sing Sing) comme des haikus tournés mantras contrariés. Leur incandescente austérité fait des trucs. Toutes les chansons sont des chansons d’amour et Arlt l’a compris qui décline ça sur tous les tons menacés, inquiets, bagarreurs, hésitants, rieurs, étonnés. Avec pour décors les éboulis de pierres et des accidents d’oiseaux. La guitare de Sing Sing est une sauterelle blessée, sèche comme une porte sur les doigts, ressassant blues paranormaux, folklore insituable et pop bercée sans casque un peu trop près des murs qu’on sait. Decazes, impassible, aimante, larguée ou colère, bricole à cœur ouvert des orages et des aubes claires. Ce sont des berceuses, des litanies , de soudains décollages verticaux (épiphanies/évanouissements). L’autre râle, persifle, dérape, grogne, hulule et chante faux. C’est charmant. Guitariste borgesien, Mocke prête main forte à Arlt (creuse des galeries, des passages secrets, invoque, convoque puis rature le tout de fausses citations). Tour à tour abstrait, impressionniste, docteur en ready-mades de rien, il
recycle en arrière-fond spectral lambeaux de jazz oblique, polyrythmies déglinguées, baroquismes divers. http://fr.myspace.com/arltmusic
Electric Pop Art Ensemble Postcards
Patrice Soletti guitare, effets, compositions
Boris Darley piano électrique, laptop
Norbert Lucarain human beat box, percussions, synthétiseurs
Emilie Lesbros voix, violon, objets (Voir dossier soirée du 17 octobre, Draguignan)
Tarifs: 8 et 12 euros 06 82 92 34 61 Théâtre Denis –12 Cours de Strasbourg 83400 Hyères
CABASSE Dimanche 20 octobre 2013 :: L’Imparfait / CeCCN >18h30 Patrick Charbonnier trombone, dispositifs électroniques, daxophone
Tristan Favre plasticien
Gyohei Zaitsu danseur Butô, chorégraphe
So Long Installation sonore et plastique, danse Butô.
Le dispositif sonore –
Il s'agit d'une installation de captation/diffusion plastique et décryptable pour le spectateur en contraste des "zooms" et autre matériel actuel du genre de plus en plus désincarné. Le "geste" des musiciens renforcera cette lisibilité. Cette installation tentaculaire sera différente selon la configuration du site investi. Trois magnétophones à bande de marque UHER occupent l'espace central. De chacun se déroule une boucle de bande magnétique de longueur variable (0,50m à 1.50m). Tous sont reliés à une même source de captation sonore (microphones, objets amplifiés) mais les différentes longueurs des boucles garantissent la variété de fréquence des mêmes informations enregistrées (ou non). Chaque magnétophone produit sa propre musicalité (variation de vitesse, marche avant/arrière, effacement total ou partiel...) et a sa propre diffusion amplifiée et pensée en fonction du lieu
(puissance/distance/hauteur/choix de lieu réverbérant ou mat...). La captation s’opérera de deux manières différentes: - Une captation globale des sons existants à l'aide d'un microphone statique performant sur pied. Ce microphone pourra enregistrer en continu, accumulant sur ces boucles de bande magnétique les diverses manifestations sonores ambiantes. Les traces ainsi accumulées seront ensuite progressivement effacées afin de nous ramener au réel. GYOHEI ZAITSU : Danseur Butô, chorégraphe. Il est installé à Paris depuis 1999. Il privilégie les improvisations en solo dans les lieux les plus divers et il réalise nombreuses performances expérimentales en Europe et au Japon, ainsi que des créations chorégraphiques en groupe, tout en poursuivant sa recherche sur les mouvements du corps, de la nature et du rêve, sous l’influence des pionniers de la danse butô comme Tatsumi Hijikata et Kazuo Ohno. Il collabore souvent avec des musiciens et travaille également dans le domaine théâtral et cinématographique. Il ouvre son atelier de recherche de danse butô à Paris en 2001 et donne ses ateliers et stages régulièrement à Paris et dans différentes régions en France et en Europe.
Patrick Sirot auteur, orateur
Yassine Boussaadoun performeur
Oh l'abat-jour Lecture / Performance
Il s’agirait donc de cette inversion parfaite (palindrome) du mot écart qui nous donne le mot tracé. Mais s’agit-il du tracé de l’écart ou s’agit-il de s’en s’écarter? Et puis quel écart? Entre quoi et quoi? Qui et qui? Moi et elle? Le bête et la Bête? Est-ce que ce serait par exemple, l’écart entre l’idiome des idiots et l’idiosyncrasie animale ? Et alors quoi faire? Sinon éprouver La limite, longer les bords, éviter le pied sur la ligne, rester sur le terrain, passer les bras. Les lignes sont trop mouvantes, il est impossible de s‘arrêter. Le temps est malléable, élastique, il crée des variations, il faut l’élargir, l’allonger, le déployer, densifier ses points de fixation.
Ouvrir petit ou grand côté, il faut choisir.
« Try again. Fail again. Fail better » Samuel Beckett. Oraliser le récit, le vider de ses moindres scories pour l’aplatir au-delà de la ligne toute tracée, le mettre à plat, aussi plat qu’une feuille de papier pour qu’il pénètre dans l’espace de cette si mince épaisseur. Comprimer les bords, la limite s’amenuisant, espérer qu’elle s’effile jusqu’à disparaître…Les bords perdus tout devient possible!
Tout ça pour dire qu’il s’agit de mots, de suite de mots, de phrases verbalisées, oralisées, il s’agit de textes écrits, des textes écrits et lus à haute voix. La pensée se fait dans la bouche, TZARA l'a dit, il l’a dit et je le pense, donc je la mastique. Je les malaxe les mots de la pensée. Les sons des mots percutent les oreilles et les murs, les sons des mots se bousculent vers la sortie, ils bégaient, s’accumulent, se densifient, puis s’écartent. Ces sons fabriquent des images fugaces, insaisissables, disparaissant aussi vite qu’elles sont apparues.
Yassine Boussaadoun, le performeur qui accompagnent ses lectures, artiste plasticien talentueux fabrique lui aussi.
Il fabrique de la temporalité, il construit de l’écart, il « bricole » des images. Il crée une présence de l’inquiétude, par ses actions étranges, burlesques, grotesques, dérisoires qui iront jusqu’au bout d’un absurde, jusqu’à vérifier l’impossible.
Ils dessinent, sans contour, un territoire incertain, le seul qui compte celui de la liberté de s‘exprimer.
Patrick Sirot, Juillet 2013
Patrick Sirot est né le 15 juillet 1958, il vit et travaille à Hyères, artiste polymorphe, dessinateur, auteur et performeur, il a étudié à L’Ecole supérieure de Clermont-Ferrand, où il obtient en 1982 le diplôme supérieur d’expression plastique avec mention pour l’originalité de la démarche. Il montre son travail dans plusieurs structures de villes françaises et européennes. Il participe à diverses expositions de groupe et festivals dont le festival Vidéo-formes, avril 1992 à Clermont-Ferrand (cf Art press n°169), le Creux de l’enfer, octobre 1992 à Thiers, le Festival internazionale della poésia contemporanea di Genova en mai 1995 à Gênes, La Force de l’art 02 au Grand Palais, mai 2009 à Paris (dans le cadre du congrès à Géométrie inverse proposé par JP Thibaut, réalisation d’une performance intitulée les éplucheurs de patates ).
Depuis 1992 il enseigne le dessin à l’Ecole supérieure de Toulon Provence Méditerranée, en 2012 il crée et coordonne un atelier de recherche et création intitulé « Formes et attitudes » autour des notions de performance et plus précisément de la relation textes/voix/espace . Les invitations à participer, cette année au festival les Eauditives à Brignoles par les éditions Plaine Page, au festival Voix Vives de méditerranée à Sète par Antoine Simon et aujourd’hui au festival des Musiques Insolentes par Thierry Azam l’encouragent à poursuivre ses recherches sur sa relation au langage: dessiné écrit, parlé, « performé » et à les partager avec le public.
Yassine Boussaadoun dessine, mais il est tout à la fois performeur, vidéaste, sculpteur et interroge au sens large la forme plastique. Une forme poursuivie par ses possibilités de rencontre. C’est toujours une confrontation entre facteur connu et inconnu. Cela lui permet une ouverture de forme et une approche nuancée à la recherche du mot plastikos. D’évidence, il y a un goût certain pour la technique, avec tout ce qu’elle peut y compris avoir de laborieux, qu’il aime quant à lui pousser jusqu’à la virtuosité et jusqu’à l’absurde. Car il y aurait certes moyen, souvent, de faire plus simple, ou d’obtenir plus d’effet au regard des efforts déployés ! Mais tout le sens, précisément, n’est-il pas dans cette disproportion vis-à-vis des normes, ici de production ? S’il arrive que les sujets retenus se réfèrent directement au politique, c’est à ce niveau-là surtout que se joue la vraie dimension politique de ses pièces - sculpture, dessins ou bien encore performance, cet autre médium qu’il pratique d’abondance : dans cette liberté assumée et même revendiquée de ne pas correspondre aux normes, quelles qu’elles soient. Prenant essence sur des artistes comme Leonardo Da Vinci, Jimmy Durham, Christophe Tarkos. Yassine Boussaadoun cherche des intérêts au-delà de la limite, pourchassant les expériences inattendues.
Formation : 2011-2012 DNSEP ( mention ) Master II à l’école supérieure d’art de Toulon 2007-2010 DNAP ( mention ) école supérieure d’art de Toulon 2004-2007 Baccalauréat série STI génie méca Lycée technique Paul LANGEVIN la Seyne Expositions : 2013 : Résidence l’atelier des artistes sanary - performances à l’honneur ... Exposition Villa Tamaris, la seyne - Ensemble, l’Art Contemporain 2013, Château de Trets - Performances, «La vie est un zoo !» au musée d’art, Toulon Exposition la Galerie Municipale des Remparts, Toulon - «More is less» Espace Vallès, Saint Martin d’Hères - Participation avec l’esart, Montrouge 2013, Paris.
2012 : Performance aux Conviviales des Arts 2012, la Seyne - Performance «poetika sound system» Espace Vallès, Saint Martin d’Hères - Performance poésie contemporaine/performances autour de l’exposition avec Patrick Sirot et Julien Blaine au chantier de la lune, la seyne sur mer - «Lectures à géométrie variable à diverses hauteurs de pupitre» Galerie 1/52, la seyne. 2011 : Exposition des lauréats et nominés du 28ème rdv d’Elstir au Centre d’Art Sebastien, Saint-Cyr-sur-Mer - 28ème rendez-vous d’Elstir, complexe Gérard Philipe, La Garde - Performance avec Moussa Sarr, «traverse video» 14 ème édition, Toulouse 2010 : Performance avec le collectif «papier en croute» et Jean-Michel Bossini «Beys in progress, 43’30’’» à l’école supérieure d’art de Toulon. La Valette-du-Var Mardi 22 octobre 2013 :: Cinéma Henri Verneuil > 20h00 Eliane Radigue - L’Ecoute virtuose Réalisation : Anaïs Prosaïc (France, 2011, 61', La Huit Distribution) Le portrait intime d'une pionnière des musiques électroniques.
De 1967 à 2000, Éliane Radigue a composé une vingtaine d’œuvres de musique électronique. Pionnière méconnue, sa pratique de l’art sonore, qu’elle pratique avec obsession - et parfois très loin des sentiers balisés par Pierre Henry et Pierre Schaeffer - depuis plus de 50 ans, développe de longs déploiements de fréquences électroniques sculptées. Ces « bourdons » ou « drones » composés sur synthétiseur (le système modulaire ARP 2500), elle les superpose et les polit à la milliseconde près, puis les structure à l’aide d’un simple chronomètre, dans le but avoué d’influencer le corps et l’esprit de l’auditeur, de précipiter un autre temps particulier dans l’espace du temps normal. Depuis 2001, Éliane Radigue a abandonné la composition sur synthétiseur analogique, pour se consacrer à un travail instrumental qui prolonge sans rupture esthétique son œuvre électronique. Pour la compositrice, qui a toujours travaillé seule, l'étroite collaboration avec les interprètes durant le processus de composition est une révélation. En juin 2011 à Londres, Sound and Music a rendu hommage à l'ensemble de son œuvre. Un parcours passionnant que restitue avec justice ce documentaire d'Anaïs Prosaïc (auteur de
nombreux portraits documentaires et longtemps collaboratrice de L'oeil du cyclone et de Mégamix). http://www.gaite-lyrique.net/evenement/eliane-radigue-l-ecoute-virtuose-de-anais-prosaic
La Valette-du-Var Mardi 22 octobre 2013 :: Théâtre Marelios > 21h00
Quartetski does Stravinsky Le sacre du printemps
Pierre-Yves Martel viole de gambe, direction Isaiah Ceccarelli percussions Bernard Falaise guitare électrique Philippe Lauzier clarinette basse, saxophone soprano Josh Zubot violon Fondé en 2007, Quartetski repense et interprète les œuvres de grands compositeurs dans un contexte d’improvisation. Tout en demeurant fidèle à l'esprit des compositeurs, l’ensemble utilise leurs pièces comme laboratoire d'expérimentation sonore. En résulte une nouvelle musique de chambre, mélange de traditions, de styles et d’approches encore inexploités, qui nous conduit de la chambre vers des lieux étranges, de vastes salles résonnantes, des couloirs qui bifurquent …
Depuis ses débuts, Quartetski a créé une adaptation des Visions fugitives de Serge Prokofiev, pour laquelle le groupe a reçu le Prix de L'OFF Festival de Jazz de Montréal; ont suivi, peu après, des projets dédiés aux compositeurs Duke Ellington, Erik Satie, Henry Purcell, Tobias Hume et John Cage. Aujourd’hui à l’occasion du centième anniversaire de la création du Sacre du Printemps d’Igor Stravinsky, Quartetski nous offre une réinterprétation de cette œuvre monumentale qui fit scandale dans le Paris de 1913. Cette présentation est rendue possible en partie grâce au soutien du Conseil des Arts du Canada. http://www.quartetski.com/home.cfm
Photo : Chrissy Cheung
Pierre-Yves Martel Depuis son arrivée à Montréal en 2004, Pierre-Yves Martel mène une carrière internationale, tant en musique ancienne qu’en musique improvisée, avec des musiciens provenant de divers milieux et de diverses cultures. Après plusieurs années
d’études et de recherche sur la contrebasse, il décide en 2008 d’abandonner cet instrument pour se concentrer sur la viole de gambe, un instrument rarement utilisé aujourd’hui. Il est le fondateur et directeur artistique de Quartetski, lauréat du Prix François Marcaurelle de l’OFF Festival de jazz de Montréal. Il s’agit d’un ensemble dédié à la réinterprétation d’oeuvres de grands compositeurs dans un contexte d’improvisation. Le disque Quartetski Does Prokofiev, lancé en 2007, fut rapidement suivi de projets autour de la musique d’Érik Satie, de Duke Ellington, de Henry Purcell, et plus récemment de Tobias Hume. Parmi ses plus récents projets on compte Sainct-Laurens, réalisé en collaboration avec Philippe Lauzier, avec lequel il a joué au Canada, en France, en Allemagne, en Norvège et en Autriche. Également, le trio XYZ: la formule xyz est un projet conçu avec Lauzier et le platiniste Martin Tétreault. Martel a joué et enregistré avec plusieurs autres ensembles, tels l’Orchestre du Centre
national des arts, Les Voix Baroque, Arion, La Nef, Le Studio de musique ancienne de Montréal et Ensemble Masques. Dans des contextes plus expérimentaux, on a pu l’entendre au sein de l’Ensemble SuperMusique, Rodéoscopique d’Antoine Berthiaume, Bréviaires d’épuisements d’Isaiah Ceccarelli, ainsi que Mecha Fixes Clocks de Michel F Côté. Il a aussi collaboré sur des musiques de film, de danse et de théâtre avec de nombreux compositeurs incluant Robert M Lepage, Michel F Côté, René Lussier, Jean Derome, Diane Labrosse et Patrick Watson. Depuis 2008, il est membre de Constantinople, ensemble avec lequel il s’est produit régulièrement en Amérique de Nord, en Europe, ainsi qu’en Afrique. Avec l’ensemble, il a contribué à plus d’une douzaine de projets originaux, incluant Versailles à Topkapi, qu’il a codirigé avec Kiya Tabassian et mettant en scène ses propres arrangements de la musique de Marin Marais. //////////////////////////////////////////////////////////////////////
L’ensemble de musique de chambre Quartetski, créature du violiste Pierre-Yves Martel, revisite les oeuvres des grands compositeurs en mode improvisé. Par le passé, le groupe a reconstruit la musique de Prokofiev, de Satie et d’Henry Purcell. Pour Innovations en concert, Quartetski s’attaquera à la musique du mercenaire-violiste Tobias Hume.
Parlez-moi de la gestation de Quartetski. P. Y. Martel : L’idée m’est venue en 2005. Je suis tombé sur les Visions fugitives de Prokofiev, je ne sais plus trop pourquoi, et elles ont servi de base au premier projet de Quartetski. À l’époque, j’avais un quatuor avec contrebasse, batterie, saxo alto et trompette, et il me semblait que ces pièces lui iraient bien. J’en ai donc arrangé deux. L’expérience étant concluante, je les ai arrangées toutes – enfin, presque toutes – et nous avons présenté ce programme à l’Off Festival de jazz de Montréal, et ça nous a valu le prix François-Marcaurelle, ainsi qu’un engagement pour l’édition suivante du festival. J’avais d’abord envisagé Quartetski comme un projet éphémère qui ne jouerait que ce programme de Prokofiev, mais voilà qu’il nous fallait du nouveau matériel. Je me suis donc mis en quête d’un nouveau répertoire. D’abord bassiste, vous avez passé à la viole de gambe, en vous concentrant sur la musique baroque. Puis, vous êtes parti dans une nouvelle direction, celle de l’improvisation contemporaine. Y a-t-il un lien entre vos différentes activités? P. Y. Martel : Il y a toujours des liens entre le répertoire que j’interprète et la musique que je joue à un moment donné. Quand je jouais de la basse, nous travaillions sur Prokofiev, dont la musique a beaucoup en commun avec le jazz et le ragtime, et nos improvisations d’alors étaient plus fortement influencées par le jazz – elles étaient plus harmoniques et mélodiques. Il s’agissait d’un mélange entre musique de chambre classique, jazz et musique actuelle. Puis, nous nous sommes tournés vers Erik Satie. Ce projet a d’abord pris la même direction que le projet Prokofiev, mais peu après j’ai abandonné la contrebasse. J’ai donc réarrangé les pièces pour que la
viole de gambe s’y insère. Ça marchait plutôt mal, parce que la musique de Satie entretient aussi des liens avec le jazz. J’ai donc mis ce projet sur la glace et opté pour quelque chose de plus baroque, qui conviendrait mieux à la viole. C’est ce qui vous a mené à Tobias Hume? P. Y. Martel : En fait, nous avions déjà joué Henry Purcell, ce qui avait bien fonctionné, malgré quelques problèmes acoustiques entre les instruments. Il est difficile de mélanger viole, trompette et clarinette basse. Après un hiatus de deux ans avec Quartetski, j’ai eu l’idée d’un projet sur Tobias Hume, parce que sa musique tourne d’emblée autour de la viole de gambe solo. Nous travaillons donc sur des bases solides.
Qui était Tobias Hume? P. Y. Martel : Il est né en 1569, je crois, et il est mort en 1645. Il a donc eu une longue vie. C’était un Écossais, un soldat, et il a gagné sa vie comme soldat dans les armées russe et suédoise. Il a aussi joué de la viole de gambe et composé de nombreuses courtes pièces. La plupart sont des solos de viole, mais il a aussi commis des chansons pour viole et voix et quelques pièces pour consort de violes. Il n’a donc pas été très prolifique et il n’a composé que pendant une courte période de sa vie. En fait, on sait peu de choses sur lui, mais sa musique fait appel à des styles étranges. D’ailleurs, il était peut-être autodidacte; il ne suivait pas les tendances ou les styles de son époque. Avez-vous d’autres projets qui mijotent? P. Y. Martel : Nous pensons à John Cage, pour son centenaire.
Isak Goldschneider, le 22 septembre, 2011, Montréal
Festival des Musiques Insolentes du 12 au 22 octobre 2013 Bashung Express réalisation Anaïs ProsaÏc SAMEDI 12/10
19h00 Cinéma L’Odéon - Rue du Barri 83670 Barjols
Entrée : 5 euros
Françoise Atlan & Moneim Oudwan MERCREDI 16/10 20h30
Théâtres en Dracénie – Salle Lily Pons Bd Georges Clémenceau 83300 Draguignan
Tarifs adultes : 16 euros / 12 euros Tarifs Jeunes : 11 euros / 7 euros 04 94 50 59 59
Raymond Boni & Raphaël Saint Rémy Electric Pop Art Ensemble
JEUDI 17/10 20h30
Théâtres en Dracénie – Salle Lily Pons Bd Georges Clémenceau 83300 Draguignan
Tarifs adultes : 16 euros / 12 euros Tarifs Jeunes : 11 euros / 7 euros 04 94 50 59 59
ARLT Electric Pop Art Ensemble
SAMEDI 19/10 Théâtre Denis – 12 Cours de Strasbourg 83400 Hyères
Tarifs: 8 et 12 euros 06 82 92 34 61
Patrick Sirot & Yassine Boussaadoun So Long
DIMANCHE 20/10 18h30
L’Imparfait / CeCCN La Colle de Nouvé 83340 Cabasse
Tarifs: 5 euros Restauration 7 euros sur réservation : 04 94 80 26 39
Eliane Radigue – L’écoute virtuose réalisation Anaïs Prosaïc Quartetski does Stravinsky
MARDI 22/10 20h00 21h00
Cinéma Henri Verneuil & Théâtre Marelios - Rue Louis-Jouvet Quartier La Coupiane 83160 La Valette-du-Var
plein tarif 15 € tarif réduit : 8 € 04 94 23 62 06
Le Festival des Musiques Insolentes est organisé par MDLC en partenariat avec : Théâtres en Dracénie - Draguignan http://www.theatresendracenie.com la Municipalité de La Valette-du-Var http://www.lavalette83.fr/ la Municipalité de Hyères http://www.ville-hyeres.fr la Municipalité de Barjols http://barjols.net/accueil.htm L’Imparfait / CeCCN – Cabasse http://www.limparfait.org/ Polymages - La Valette-du-Var http://www.polymages.fr/Polymages_-_Accueil.html
L e festival bénéficie du soutien du Conseil Général du Var, du Conseil Régional P.A.C.A. et de la Ville de Toulon.
Contact Thierry Azam MDLC / Festival des Musiques Insolentes 2, place Auriol 83510 Lorgues 06 82 92 34 61 [email protected]
Contact presse Cléau Fourès / 06 82 92 34 61
http://www.mdlc-lef.com
