Dossier - Othello · 2014-02-07 · Dossier d’accompagnement scolaire – Othello 1 Ce dossier d’accompagnement scolaire a été réalisé par Sophie Labelle. Photo de la page

Dossier d’accompagnement scolaire

Othello

Texte de William Shakespeare Mise en scène de Denis Marleau

Une coproduction d’UBU et du Théâtre français du Centre national des Arts

Présentée au Théâtre français du Centre national des arts, du 23 au 27 octobre 2007

Dossier d’accompagnement scolaire – Othello 1

Ce dossier d’accompagnement scolaire a été réalisé par Sophie Labelle.

Photo de la page couverture : William Shakespeare, The Chandos portrait (1610), un des plus fameux portraits

qu’on présume représenter le grand auteur.

Charles W. Cope, Othello racontant ses aventures, 1853.

Crédits de la production p. 2 William Shakespeare p. 3

Biographie p. 4 Perceptions de l’œuvre p. 5 Genres et inspirations p. 6 Style p. 8 Texte et traduction p. 10 Les pièces p. 12

Othello p. 18 Résumé de l’action p. 18 Personnages et thèmes p. 23 Entretien avec les acteurs Éliane Préfontaine et Ruddy Syllaire p. 29 Shakespeare et le théâtre élisabéthain p. 34 Activités proposées p. 38 Bibliographie p. 40

Sommaire


Crédits de la production

Othello Texte de William Shakespeare Traduction de Normand Chaurette Mise en scène et scénographie de Denis Marleau Distribution

Jean Le Doge et Lodovico : François Blanchard Bianca : Annick Hamel

Iago : Pierre Lebeau Roderigo : Bruno Marcil Brabantio et Montano : Denis Gravereaux Cassio : Vincent-Guillaume Otis Émilia : Christiane Pasquier Desdémone : Éliane Préfontaine Othello : Ruddy Sylaire

L’équipe du spectacle Conception vidéo : Stéphanie Jasmin Costumes : Daniel Fortin Éclairages : Nicolas Descôteaux Musique originale : Nicolas Bernier et Jacques Poulin-Denis Maquillages et coiffures : Angelo Barsetti Design sonore : Nancy Tobin Staging video et montage : Pierre Laniel Assistance à la mise en scène et régie : Nadia Bélanger Assistance au décor et accessoires : Stéphane Longpré Direction technique : Francis Laporte Mouvements et combats : Huy Phong Doan Régie éclairages : Jean Duchesneau Régie son : Jules Beaulieu Cette production d’Othello a été créée au Théâtre français du Centre national des arts, le 23 octobre 2007, et reprise à Montréal à l’Usine C du 1er au 24 novembre 2007.

Crédits de la production


William Shakespeare

William Shakespeare est le dramaturge le plus lu, le plus

commenté et le plus joué au monde, et ce, depuis plus de quatre

cents ans. Lorsqu’on tape « Shakespeare » dans le moteur de

recherche Internet Google, on se retrouve avec 46 800 000

résultats, soit le double de ce qu’on obtient pour Cervantès et

Goethe et dix fois plus que ce qu’on trouve sur Molière.

Une des images les plus connues de Shakespeare, un portrait de Martin Droeshout qui figurait sur la page couverture de la première publication des œuvres complètes de Shakespeare, en 1623.

Cet homme, issu de la classe moyenne anglaise du seizième siècle, était un génie du théâtre.

Parce que c’était un génie, et parce que tant de gens se sont intéressés à son œuvre, diverses

hypothèses, des plus insensées aux plus passionnantes, ont été formulées sur sa vie et ses écrits.

À l’origine de certaines de ces hypothèses, il y a la rareté

d’éléments biographiques sur Shakespeare. Pourtant, cette

rareté était courante à l’époque, et on peut tout de même suivre

la trace de Shakespeare via quelques documents administratifs,

peu nombreux il est vrai, mais tangibles. Shakespeare l’homme

public existe, mais c’est l’homme privé que l’on cherche. On

est en quête d’un accès à sa personnalité et à ses idées intimes,

ce qui permettrait de comprendre, et pour certains d’admettre,

qu’une telle œuvre ait pu sortir de la plume d’un simple fils de

gantier. Shakespeare n’a laissé aucune lettre ou autre document personnel. Il a seulement légué

une œuvre monumentale. L’explication de son génie réside sans doute en partie dans le fait que

personne n’a su saisir et s’approprier comme lui les conventions théâtrales pour construire une

œuvre personnelle, reconnaissable entre toutes.

The Flower portrait, d’un artiste inconnu, est une des trois images de Shakespeare les plus diffusées, avec le Chandos portrait et le portrait de Droeshout.


Il reste et restera toujours des énigmes et des lacunes dans la vie et l’œuvre de

Shakespeare, mais on constate qu’on en sait davantage sur lui que sur la vie de la

plupart des dramaturges de l’époque. William Shakespeare est né en Angleterre, à

Stratford-upon-Avon, en 1564. Il est mort dans la même ville, en 1616. Son père,

John Shakespeare, était gantier, et il s’est vraisemblablement enrichi dans le

commerce du tissu. Sa mère, Mary Arden, était issue d’une famille aisée

d’agriculteurs de la région. Stratford était une ville commerçante, où se tenaient

régulièrement des foires et des marchés. Elle était située à deux jours de cheval ou à

quatre jours de marche de Londres.

Le carrière du père de Shakespeare a connu des hauts et des bas. Il a occupé plusieurs fonctions

publiques importantes, de conseiller municipal à bailli, la plus haute fonction de la ville, qui

combine les responsabilités de maire et de chef de police. À une certaine époque, la famille

Shakespeare est prospère.

William Shakespeare est le troisième de huit enfants, dont cinq ont survécu. Il est le

fils aîné. Entre son baptême en 1564 et son mariage en 1582, aucun document ne

nous permet avec certitude de suivre sa trace, mais on présume, selon la logique de

l’époque et la position de son père, qu’il fréquente la grammar school de Stratford,

une école qui se consacre à l’enseignement du latin, des textes de l’Antiquité, de

l’histoire, de la logique et de la rhétorique. On sait par contre que Shakespeare ne

fréquentera pas l’université, et qu’il deviendra un excellent autodidacte.

Le prochain document officiel où l’on retrouve son nom est son certificat de mariage. En 1582, à

l’âge tendre de 18 ans, il se marie avec Anne Hathaway, de sept ans son aînée, déjà enceinte au

moment du mariage. Il aura une fille, Suzanne, le 23 mai 1583, et des jumeaux, Judith et Hamnet,

le 2 février 1585. Shakespeare vivra la majeure partie de sa vie d’adulte à Londres, loin de sa

famille demeurée à Stratford. Ensuite, on perd sa trace. De 1582 à 1592, rien ne subsiste de la

vie de Shakespeare. Les spécialistes ont baptisé cette période « les années perdues ». On le

retrouve en 1592, à Londres, établi dans le milieu du théâtre.

Biographie


Ironie du sort, l’homme qui nous permet de reprendre contact avec Shakespeare en 1592 et nous

prouve qu’il a commencé à écrire est un critique cinglant, Robert Greene. Dans son pamphlet, il

ne nomme pas Shakespeare, mais on y retrouve une parodie évidente d’un vers de sa pièce Henri

VI et, surtout, c’est à travers un jeu de mot qu’il nous révèle l’identité de celui dont il se moque,

en disant de lui qu’il se croit le seul « ébranleur de scène » (shake-scene) du pays. Shakespeare

est maintenant lié à une troupe importante, les Hommes du Lord Chambellan, qui deviendra plus

tard, sous le roi Jacques 1er, les Hommes du Roi. Il travaillera avec cette troupe toute sa vie.

Il se taille un succès comme auteur et comme acteur, de rôles secondaires. Entre

1590 et 1597, il écrit deux tétralogies de drames historiques, en même temps qu’entre

1593 et 1600, il rédige dix comédies et ses premières tragédies. Entre 1594 et 1608,

il écrit deux pièces par an, ensuite, son rythme ralentit peu à peu jusqu’à sa retraite en

1612.

Shakespeare a quitté Stratford jeune et pauvre, il y revient 25 ans plus tard pour y vivre les

dernières années de sa vie comme un bourgeois prospère. Il meurt à Stratford le 23 avril 1616 et

est enterré dans la ville. Ses enfants n’ont pas eu de descendance, et seule la lignée de sa sœur

Joan est encore vivante aujourd’hui.

Si l’absence de documentation sur les intentions de Shakespeare prive les spécialistes

de contenu, elle a par contre pour effet de nous permettre de considérer la valeur de

ses pièces dans l’absolu, et non leur valeur à l’époque où elles ont été écrites. Cela

amène à percevoir Shakespeare sous le seul éclairage du théâtre, auquel il a dédié sa

vie. On pourrait présumer que son silence est imputable à sa grande humilité et que

son conformisme tranquille et discret lui assure une totale liberté de création. Cette

liberté, elle ressort dans ses œuvres. Et, surtout, elle est au service de l’œuvre. Peu

importe quel point de vue on adopte, peu importe notre degré d’appréciation de son

oeuvre, on est forcé d’admettre que Shakespeare est au service du théâtre. Et du

théâtre seulement. Shakespeare est le théâtre. On retrouve dans son œuvre la

quintessence de la frustration du désir. Quelqu’un veut quelque chose de quelqu’un

d’autre. Poussé à son extrême comme chez Shakespeare, cela donne des grands

conflits dramatiques, un condensé de vie. L’œuvre de Shakespeare est également

Perceptions de l’œuvre


fascinante parce qu’elle contient une réflexion continuelle sur le théâtre et les

diverses formes de spectacles. On ne peut que s’incliner devant l’habileté de

Shakespeare qui questionne son travail à travers son travail.

Selon l’auteur polonais Jan Kott, auteur d’un livre sur la contemporanéité de Shakespeare1, son

oeuvre est le grand livre du monde avec lequel l’humanité s’analyse et se juge. Comme l’a dit

Ben Jonson, contemporain et ami de Shakespeare, He was not of an age, but for all time, qu’on

pourrait traduire librement par Il n’était pas d’une époque, mais de toutes les époques. À partir

du vingtième siècle, plusieurs textes de Shakespeare ont bénéficié (ou souffert, selon le cas),

d’une relecture ou d’une actualisation. On présente les grandes tragédies en costumes

contemporains, pour bien affirmer l’actualité de Shakespeare. On joue ses pièces dans des

entrepôts, on les modernise, on les parodie. Shakespeare a également inspiré des peintres, des

compositeurs, des chorégraphes, des cinéastes.

Shakespeare, comme tous les écrivains de son époque, trouve ses sujets dans le

folklore, et chez d’autres auteurs, principalement ceux de l’Antiquité grecque et

romaine. Son théâtre regorge de fées, de sorcières et de lutins issus du folklore celte,

mis à la mode au théâtre. Les fantômes et le surnaturel hantent son théâtre comme ils

hantent les esprits de ses contemporains. Son lieu d’origine, Stratford, mêlait ville et

campagne. Shakespeare est un homme de souche paysanne et la connaissance de la

faune et de la flore qu’il laisse transparaître dans son œuvre ne vient pas des livres.

Dans ses premières pièces, à caractère historique, Shakespeare célèbre les gloires et les crises du

passé de l’Angleterre, mais donne aux événements une forme et un rythme théâtraux. Il exalte

les valeurs patriotiques, mais ce n’est qu’une façade. On arrive à sentir dans ses pièces

historiques sa liberté et sa lucidité. De plus, ce n’est ni la monarchie, ni le peuple auxquels

Shakespeare prête sa voix, mais à la nation, une entité un peu abstraite. Sa série de pièces

historiques est fortement inspirée des Chroniques d’Angleterre, d’Écosse et d’Irlande de Raphael

Holinshed, publiées en 1577.

1 Jan Knott, Shakespeare, notre contemporain, Payot, 1993. L’édition originale polonaise est de 1965.

Genres

et

inspirations


Ensuite viennent les comédies. Ce qui engendre le comique chez Shakespeare, c’est

la supériorité des spectateurs sur les personnages. Les personnages shakespeariens

sont dans le brouillard, alors que pour le public, c’est limpide. Les sources de ses

comédies sont plutôt variées, allant du Décaméron de Boccace, un recueil de

nouvelles très célèbre de la littérature italienne écrit entre 1349 et 1353, aux romances

pastorales du Moyen Âge, en passant par les auteurs de l’Antiquité Virgile,

Aristophane et Plaute et les Contes de Canterbury de Chaucer, un recueil qui

comporte 21 contes narrés par des pèlerins en route vers la cathédrale de Canterbury.

Cette dernière œuvre, éditée en Angleterre pour la première fois en 1478, a permis de

démontrer la pertinence d’utiliser la langue anglaise en littérature.

Dans les comédies de Shakespeare, pour que le dénouement survienne, il est presque

systématique que les personnages doivent être soumis à la mort, et en réchapper. Plus

Shakespeare avance dans l’écriture de ses comédies, plus les dénouements sont ambigus. Ces

fins moins heureuses traduisent son scepticisme face au bonheur éternel. Il délaisse alors la

comédie pour la tragédie durant quatre ans. Dans les tragédies de Shakespeare, les personnages

sont confrontés à leurs propres failles ou victimes de la convoitise des autres. La violence, la

sauvagerie universelle et la perversité humaine sont des forces destructrices dont l’Histoire

regorge, et que le monde nous montre ordinairement, alors que Shakespeare nous les fait

apparaître immorales et sacrilèges. Comme sources des tragédies de Shakespeare, on retrouve

encore une fois les Chroniques d’Holinshed et plusieurs légendes aux provenances variées

comme le Danemark, l’Italie, l’Écosse et l’Antiquité. Les Métamorphoses d’Ovide ont été pour

Shakespeare et plusieurs auteurs une grande inspiration. Écrites en latin un peu avant

l’avènement du christianisme, les Métamorphoses est une série d’environ 250 fables issues de la

mythologie grecque. Malgré la multiplicité des sources chez Shakespeare, il en résulte une

composition homogène. Shakespeare, autodidacte et fidèle à lui-même, faisait preuve d’une

grande liberté dans ses emprunts à la littérature antique, qui tenaient plus de l’intuition que de

l’érudition.


Les intrigues de Shakespeare sont simples. Ce sont les textes qui sont complexes.

Ses textes sont somptueux, touffus et luxuriants. Les personnages argumentent,

plaident, se défendent, attaquent, ironisent et séduisent. Son théâtre vise la réalité,

mais n’est pas la réalité. Il reflète la réalité par un processus d’appropriation

déformante. Il ne faut pas trop chercher à analyser Shakespeare sous le couvert de la

psychologie. Tout le théâtre de la vie quotidienne se retrouve sur scène, les passions,

les désirs, les peurs, les ruses et les naïvetés, les mensonges et les aveux. Mais avant

d’obéir aux lois de la vraisemblance – on lui a souvent reproché son

invraisemblance – le théâtre de Shakespeare obéit à ses propres lois, à ses lois

artistiques.

Il a fallu au moins un siècle pour que Shakespeare commence à être apprécié à sa juste valeur.

Dans son propre pays, on le considérait parfois comme un auteur populaire, sans érudition, parce

qu’il n’a jamais perdu contact avec les légendes et avec la culture orale et populaire. Même dans

ses tragédies légendaires, il oppose la truculence du peuple aux drames des grands et des princes.

La France, qui le découvre en pleine période classique, n’accepte pas son irrespect de la règle des

trois unités (unités de lieu, de temps et d’action) et le fait qu’il montre des horreurs sur scène,

alors que les auteurs classiques ont la décence de faire survenir les actes barbares en coulisses et

les racontent ensuite. Baroque, hétéroclite, Shakespeare crée une combinaison du comique et du

tragique qui se trouve au cœur de la réalité et ne se gêne pas pour mêler grandiloquence et

bouffonnerie. Shakespeare utilise abondamment les conventions théâtrales de base, comme les

monologues, les apartés2, les soliloques entendus par d’autres personnages qui ne devraient pas

entendre, les déguisements et les cachettes. Il amplifie les invraisemblances, ajoute des

conventions irréalistes, et le public suit.

Dans ses pièces, Shakespeare s’offre une grande liberté de construction. Il passe

rapidement d’une scène à l’autre, il aime rattraper ses personnages au milieu d’une action

ou d’une discussion. L’absence de décor rend possible cette façon de faire. Parfois le

glissement d’une scène à l’autre fait franchir une longue distance dans le temps et l’espace.

Il y a souvent des intrigues multiples, qu’il lie adroitement, sans artifices extérieurs à la

2 L’aparté est une réplique qui est dite par un personnage directement aux spectateurs, à l’insu des autres personnages.

Style


pièce elle-même. Sa ligne est presque toujours la même : l’ordre menacé, le désordre et le

retour à l’ordre, mais sans qu’on sente une mécanique lourde et évidente.

Il y a très peu d’indications de

scène dans ses pièces,

probablement parce qu’il était

présent durant les répétitions et

n’avait donc pas besoin d’écrire

les mouvements. Le discours

d’Hamlet aux comédiens au

troisième acte de la pièce nous

donne quelques indices sur l’idée

que Shakespeare se fait du théâtre

et de l’interprétation.

En contrepartie d’un jeu d’acteur réaliste, Shakespeare exigeait des spectateurs un grand effort

d’imagination et un consentement volontaire aux conventions théâtrales. Par exemple, les pièces

étaient jouées le jour, alors une simple torche symbolisait la nuit, ou des vêtements mouillés un

naufrage.

Les personnages de Shakespeare, s’ils sont stylisés, sont tout de même beaucoup

mieux définis et plus individualisés que ceux de la commedia dell’arte italienne

connue à Londres à l’époque élisabéthaine. Les personnages devaient être facilement

identifiables, parce que les acteurs en incarnaient plusieurs dans une même pièce. On

retrouve dans les comédies de Shakespeare les caractères type de l’amoureux, du

vilain, du vengeur. On retrouve aussi beaucoup chez lui la figure traditionnelle du

fou, du bouffon, incarné par un acteur spécialisé, dans son costume bariolé, qui

pimente la pièce de chansons et d’acrobaties. Les fous de Shakespeare sont pleins

d’esprit, irrespectueux, et se cachent derrière leur supposée sottise pour critiquer la

hiérarchie sociale, la raison et le langage.

Dans sa jeunesse, Shakespeare a aussi été attiré par la poésie non théâtrale. Il fait paraître, en

1593 et 1594, deux recueils de poésie, Vénus et Adonis et Le Viol de Lucrèce, qui sont les deux

seuls ouvrages dont on sait qu’il autorisa et supervisa la publication lui-même. Les Sonnets est

Hamlet Dites cette tirade, je vous prie, comme je l’ai prononcée, lestement sur la langue ; car si vous devez la beugler, comme font tant de comédiens, j’aimerais autant faire dire mes vers par le crieur public. Et puis ne sciez pas trop l’air avec la main, comme ça, de la mesure en tout : car dans le torrent, la tempête et, pour ainsi dire, le tourbillon de la passion, vous devez acquérir et engendrer en vous une retenue qui lui donne du coulé. Oh ! Cela me blesse l’âme d’entendre un furieux gaillard emperruqué déchirer une passion en lambeaux, oui, en charpie, fendre les oreilles des spectateurs du parterre, qui pour la plupart n’apprécient en rien que les pantomimes incompréhensibles, et le fracas. (…) Ne soyez pas non plus trop bridé ; mais laissez votre discernement vous guider. Réglez le geste sur le mot, et le mot sur le geste, en vous gardant surtout de dépasser la modération de la nature. Car tout ce qui est forcé s’écarte du propos du jeu théâtral, dont le but, dès l’origine et aujourd’hui était et demeure de tendre pour ainsi dire un miroir à la nature, de montrer à la vertu ses traits, au ridicule son image, et à notre époque et au corps de notre temps sa forme et son effigie.


son œuvre poétique la plus connue. Il s’agit de 126 sonnets3 écrits en hommage à la beauté d’un

jeune homme, un aristocrate au rang social bien supérieur à celui de Shakespeare. Les 26 sonnets

suivants sont adressés à une drame brune avec laquelle le jeune homme et le poète ont commis

l’adultère. Sous forme allégorique, Les Sonnets exposent les grands thèmes : le désir, la jalousie,

la hantise, la vieillesse, la mort et l’amour.

Lire Shakespeare dans le texte, quel plaisir ce doit être ! Mais même pour les

anglophones, la lecture des pièces peut s’avérer ardue. Son vocabulaire est étendu,

riche, et on estime à 30 000 le nombre de mots différents dans son œuvre. Cela dit,

Shakespeare n’oubliait jamais que ce qu’il écrivait était destiné à la scène et l’oralité

de son langage ne fait aucun doute. Certains monologues formulés par des

personnages menaçants mettent l’accent sur les consonnes, alors que les monologues

amoureux sont plus ronds en bouche.

Ce qui caractérise principalement la langue de Shakespeare (c’est même devenu une expression

consacrée !) est avant tout sa souplesse. Elle s’adapte à toutes les circonstances, les émotions, les

pensées et intentions du personnage. À l’intérieur d’une même pièce, un personnage peut passer

d’un langage relevé à des jeux de mots beaucoup plus vulgaires. On retrouve trois styles dans

son écriture.

1. La prose, c’est-à-dire le texte libre, qui n’est soumis à aucune règle.

2. Le vers blanc, non rimé, mais rythmé.

3. Les passages rimés, très structurés, qui sont souvent des chansons et des poèmes

incorporés dans le texte.

Shakespeare passe d’un style à l’autre dans une même pièce. Certaines, comme les tragédies

Titus Andronicus, Roméo et Juliette et Macbeth sont presque toutes en vers alors que d’autres,

comme les comédies Les Joyeuses commères de Windsor et Beaucoup de bruit pour rien sont en

majorité en prose.

3 Les Sonnets de Shakespeare sont des poèmes de quatorze vers séparés en trois quatrains et un distique.

Texte

et

traduction


Il est difficile de traduire la libre course du vers de Shakespeare. Le français paraît rigide à côté

de la souplesse de l’anglais. Les traductions de Shakespeare ont souvent eu le verbe lourd et

ampoulé. Même si Shakespeare utilisait un vers libre, il employait souvent des mots aux mêmes

consonances dans une même phrase, comme dans Le Marchand de Venise : « How sweet the

moonlight sleeps upon this bank ». Comment retrouver en français l'écho de sweet et sleeps ?

L’autre difficulté réside dans les jeux de mots, presque toujours intraduisibles, et Shakespeare en

était friand, tout comme il l’était de sous-entendus obscènes et d’ironie. Le français a besoin de

plus de mots, de plus d’espace, et les mots sont plus longs. Le traducteur a le triste choix

d’escamoter une couche de sens, ou faire un texte trop explicatif.

Les grandes œuvres suscitent sans fin un désir de traduction, parce qu’aucune ne

parvient à épuiser la richesse ou à circonscrire l’énigme de l’œuvre. Comme le veut

l’adage qui associe traduction et trahison, les réussites en traduction de Shakespeare

demeurent relatives, jamais entièrement satisfaisantes.

La difficulté stimule le traducteur, qui se doit d’être inventif et libre. Il doit essayer de traduire à

la fois l’harmonie qui ressort du texte de Shakespeare, de même que son ambivalence.

Néanmoins, la traduction rend le texte plus immédiat et nous permet d’apprécier Shakespeare,

alors qu’en langue originale, certaines incompréhensions subsistent, pour ceux qui assistent

aujourd’hui à une pièce de Shakespeare dans sa langue d’origine. Un traducteur, comme le fait

Normand Chaurette pour la version d’Othello qui sera présentée au Théâtre français du Centre

national des arts, traduit le texte dans la langue d’aujourd’hui. Sous prétexte que la pièce a été

écrite au seizième siècle, on ne peut pas traduire Shakespeare en français du seizième siècle. Les

traducteurs doivent essayer de retrouver dans la langue le rapport contemporain que Shakespeare

entretenait avec son époque.


On attribue 37 pièces à William Shakespeare. Elles contiennent près de 900 personnages.

Shakespeare ne s’est pas occupé de la publication de ses pièces de son vivant, sans doute

pour deux raisons principales. La première, d’ordre esthétique, voulait que le théâtre soit

un genre mineur qui ne méritait pas qu’on s’attarde à sa lecture au même titre que la

poésie. La seconde, c’est que les pièces appartenaient aux compagnies qui les jouaient, et

que dès qu’elles étaient publiées, n’importe quelle autre troupe pouvait s’en emparer et la

jouer. En empêchant la publication, on protégeait ainsi son exclusivité. Mais quelques

pièces de Shakespeare ont été publiées du temps de leur auteur, sous une forme bon

marché appelée In Quarto. Ces publications pirates sont probablement l’œuvre d’éditeurs

véreux, qui envoyaient un « sténographe » retranscrire le texte durant la représentation,

ou, de manière plus vraisemblable, venaient du texte du souffleur ou du régisseur. On

possède dix-huit Quartos des pièces de Shakespeare, qui ont été qualifiés de bons ou de

mauvais par les experts, en comparaison avec d’autres textes disponibles. En 1623,

quelques années après sa mort, des Hommes du Rois, comédiens de la troupe de

Shakespeare, font paraître son œuvre complète, dans ce qu’on appelle un Folio, parce

qu’il est imprimé sur des feuilles simples pliées en deux. Ce Folio non plus ne fait pas

l’unanimité, mais il est le seul texte fiable pour une vingtaine d'œuvres, ainsi qu'une

source majeure pour les autres.

Traditionnellement, les œuvres de Shakespeare sont classées en différentes catégories, bien qu’il

y ait aussi des pièces considérées « à problèmes ». La classification des œuvres peut varier

légèrement d’un critique à l’autre. Nous vous proposons ici la classification la plus simple, qui

comprend les pièces historiques, les comédies, les tragédies et les romances, aussi appelées tragi-

comédies fabuleuses.

Les pièces historiques

Dans sa jeunesse, Shakespeare écrit des drames à caractère historique inspirés par le passé de

l’Angleterre. Ces pièces sont divisées en deux tétralogies (quatre pièces), chacune formant un

ensemble ayant son style propre et qui se suivent chronologiquement. Un peu comme George

Lucas pour Star Wars, Shakespeare a écrit la seconde tranche d’histoire avant la première.

Les pièces


La première tétralogie comprend les pièces :

• Henri VI première partie – (Henry VI part one)

• Henri VI deuxième partie – (Henry VI part two)

• Henri VI troisième partie – (Henry VI part three)

• Richard III

Elle a été écrite entre 1590 et 1592. L’action se déroule entre 1422 et 1485.

La seconde tétralogie comprend les pièces :

• Richard II

• Henri IV première partie – (Henry IV part one)

• Henri IV deuxième partie – (Henry IV part two)

• Henri V

Elle a été écrite entre 1595 et 1599. L’action se déroule entre 1400 et 1422.

Le Roi Jean – (King John) écrite en 1596 et Henri VIII, la dernière pièce de Shakespeare écrite en

1612, font également partie des pièces historiques.

Moins populaires que les comédies et les tragédies, les pièces historiques ne sont pas pour autant

inintéressantes. Plusieurs d’entre elles renferment des personnages passionnants à jouer pour les

acteurs. Richard III, beaucoup grâce au personnage qui porte le même nom, est une pièce parmi

les plus appréciées de Shakespeare. De grands acteurs se sont frottés à la violence et à la

grandiloquence du rôle.

Voici un extrait d’un échange entre

Richard III et Anne, acte I, scène II,

qu’il réussira à convaincre de l’épouser,

même si elle le déteste parce qu’il a tué

son père et son frère.

Richard La cause prématurée de la mort d’Henri et Edouard Plantagenet N’est-elle pas aussi blâmable que le meurtrier ? Anne C’est toi qui en fus la cause et l’exécutant exécré. Richard C’est votre beauté qui en fut la cause de cet effet : Votre beauté qui me hantait dans mon sommeil Et me poussait à entreprendre la mort du monde entier, Pour pouvoir vivre une heure seulement sur votre sein charmant.


Les comédies

Shakespeare installe dans ses comédies des situations qui passent de la dissonance à l’harmonie.

Elles contiennent des intrigues amoureuses, l’atmosphère est à la fête et au carnaval, les

personnages sont jeunes et insoumis, mais on y retrouve tous les grands thèmes qui peuplent ses

tragédies : séparations, bannissements, vengeances, perfidie. Cependant Shakespeare stoppe

l’impensable et réconcilie l’irréconciliable. Plusieurs des comédies montrent un espace un peu

magique, plus rural, garni de forêts enchantées et d’une nature dotée de certains pouvoirs, ce qui

annonce les romances de la fin de sa vie.

• La Comédie des erreurs – 1592 – (The Comedy of Errors)

• La Mégère apprivoisée – 1593 – (The Taming of the Shrew)

• Les Deux gentilshommes de Vérone – 1594 - (The Two Gentlemen of Verona)

• Peines d’amour perdues – 1594 – (Love's Labour's Lost)

• Le Songe d’une nuit d’été – 1595 – (A Midsummer Night's Dream)

• Le Marchand de Venise – 1596 – (The Merchant of Venice)

• Beaucoup de bruit pour rien – 1599 – (Much Ado About Nothing)

• Comme il vous plaira – 1599 – (As You Like It)

• Les Joyeuses commères de Windsor – 1601 – (The Merry Wives of Windsor)

• La Nuit des rois – 1602 – (Twelfth Night)

• Tout est bien qui finit bien – 1603 – (All's Well that Ends Well)

• Mesure pour mesure – 1604 – (Measure for Measure)


Dans la comédie Beaucoup de bruit pour rien, on retrouve les personnages de Béatrice et de

Bénédict, orgueilleux célibataires, qui seront pris au piège par leurs amis, qui complotent pour les

faire tomber amoureux. Ils résisteront jusqu’à la toute fin, puis finiront par se marier après une

ultime dispute.

Bénédict Hé ! Frère, pas si vite. Laquelle est Béatrice ? Béatrice Je réponds à ce nom. Quel est votre désir ? Bénédict Est-ce que vous ne m’aimez pas ? Béatrice Ma foi, non, pas plus que de raison. Bénédict Alors c’est que votre oncle, et le Prince, et Claudio Furent abusés… Ils juraient que si. Béatrice Est-ce que vous ne m’aimez pas ? Bénédict Ma foi, non, pas plus que de raison. Béatrice Alors c’est que ma cousine, Margaret, et Ursula Sont fort abusées, car elles juraient que si. Bénédict Ils juraient que vous étiez malade d’amour pour moi. Béatrice Elles juraient que vous étiez quasi mort d’amour pour moi. Bénédict Il n’en est rien. Alors vous ne m’aimez pas ? Béatrice En vérité, non, sinon par retour d’amitié. Léonato Allons, cousine, je suis sûr que vous aimez ce gentilhomme. Claudio Et moi je suis prêt à jurer que lui l’aime, Car voici un billet écrit de sa main, Un sonnet bancal né de son pur cerveau En l’honneur de Béatrice. Héro Et en voici un autre, Écrit de la main de ma cousine, volé dans sa poche, Qui exprime son affection pour Bénédict. Bénédict Un miracle ! Nos mains témoignent contre nos cœurs. Allons, je veux bien de toi, mais par la lumière du jour, c’est par pitié que je te prends. Béatrice Je ne voudrais pas vous refuser, mais par ce grand jour je ne cède qu’à la persuasion, et c’est un peu pour vous sauver la vie car on m’a dit que vous dépérissiez. Bénédict Paix ! Je vais vous fermer la bouche. Il l’embrasse.


Les tragédies

Les grandes tragédies de Shakespeare mettent en scènes des personnages aux prises avec leur

destin qui s’impose à eux sous une forme souvent ambiguë. Shakespeare confronte les forces

vives de la nature humaine, que ce soit la soif d’amour, la soif de vengeance ou la soif de

pouvoir. Si dans les comédies, Shakespeare arrête l’hémorragie avant qu’il ne soit trop tard et

recoud les blessures, dans les tragédies, il laisse le sang couler. Les tragédies amènent le héros

jusqu'au point de non-retour et, par le fait même, détruit les individus, les familles et l’ordre

social. Alors que dans les comédies l’ordre social est plus flexible, dans les tragédies, il est plus

rigide et ne réussit pas à répondre aux désirs individuels du héros.

• Titus Andronicus – 1593

• Roméo et Juliette – 1594 – (Romeo and Juliet)

• Jules César – 1599 – (Julius Caesar)

• Hamlet – 1601

• Troïlus et Cressida – 1602 – (Troilus and Cressida)

• Othello – 1604

• Le Roi Lear – 1605 – (King Lear)

• Macbeth – 1605

• Antoine et Cléopâtre – 1606 – (Antony and Cleopatra)

• Coriolan – 1607

• Timon d’Athènes – 1607 – (Timon of Athens)

Les quatre tragédies légendaires que sont

Hamlet, Macbeth, Le Roi Lear et Othello

contiennent toutes des morceaux

d’anthologie. Nous avons choisi de vous

présenter un extrait du fameux monologue

d’Hamlet, alors qu’il s’interroge sur la

nécessité de passer à l’action, dans la

première scène de l’acte III. Il doit venger

son père, mais sa mélancolie l’empêche

d’agir.

Hamlet Être, ou ne pas être, telle est la question. Est-il plus noble pour l’esprit de souffrir Les coups et les flèches d’une injurieuse fortune, Ou de prendre les armes contre une mer de tourments, Et, en les affrontant, y mettre fin ? Mourir, dormir, Rien de plus, et par un sommeil dire : nous mettons fin Aux souffrances du cœur et aux mille chocs naturels Dont hérite la chair ; c’est une dissolution Ardemment désirable. Mourir, dormir, Dormir, rêver peut-être, ah ! c’est là l’écueil. Car dans ce sommeil de la mort les rêves qui peuvent surgir, Quand nous aurons quitté le tourbillon de vivre, Arrêtent notre élan. C’est là la pensée Qui donne au malheur une si longue vie.


Les romances

Dans ses œuvres tardives, Shakespeare fusionne le tragique, le burlesque et le merveilleux. Il

combine la tragédie et la comédie, car si le dénouement est heureux, le cœur de la pièce est

tragique. Ses dernières pièces sont plus métaphysiques, la mort menace, les peurs se

matérialisent, et les souffrances endurées par les protagonistes, contrairement aux comédies, ne

sont pas balayées par le dénouement heureux.

• Périclès, prince de Tyr – 1608 – (Pericles, Prince of Tyre)

• Cymbeline – 1609

• Le Conte d’hiver – 1610 – (The Winter's Tale)

• La Tempête – 1611 – (The Tempest)

Plusieurs auraient voulu voir dans La Tempête le

testament théâtral de Shakespeare. Il s’agit en fait de

son avant-dernière pièce, qui met en scène Prospéro,

ancien duc de Milan dont on a usurpé le trône. Il vit

seul avec sa fille sur une île déserte et la providence –

ou la magie – amène sur l’île ceux qui lui ont fait du

tort. Avec l’aide d’Ariel, un esprit aérien, il

organisera sa vengeance pour finalement rétablir

l’harmonie. De manière métaphorique, vers la fin de

la pièce, Prospéro s’adresse au futur époux de sa fille,

et lui parle de la vie, de la mort et du sens de notre

passage sur terre, et compare, encore une fois, la vie à

un théâtre.

Prospéro Mon fils, Votre regard est plein de désarroi, Vous me semblez changé : non, de l’entrain. Nos jeux sont terminés. Eux, nos acteurs, Je vous l’ai dit, sont des esprits, et ils Se sont fondus dans l’air, dans l’air sans poids, Et, comme la structure sans matière De ces visions, les remparts crénelés Par les nuages, les palais splendides, Les temples solennels, et ce grand globe Lui-même, et ceux qui en héritent, oui, Se dissoudra, et, comme ce spectacle Qui, sans substance, s’est évaporé, Ne laissera de trace dans le ciel Qu’une vapeur : nous sommes de l’étoffe Dont les rêves sont faits, et notre vie Infime est entourée par un sommeil : Je suis inquiet, pardonnez ma faiblesse, Mon vieil esprit se trouble : que mon mal Ne vous dérange pas. Je vous en prie, Retirez-vous dans ma cellule, et, là, Reposez-vous. Pendant une heure ou deux, Je marcherai, pour apaiser mon âme Toujours en feu.


Othello

Personnages Othello, le Maure de Venise Brabantio, sénateur, père de Desdémone Cassio, lieutenant d’Othello Iago, sous-officier d’Othello Roderigo, jeune Vénitien Le Doge de Venise Montano, gouverneur de Chypre Lodovico, ambassadeur du Doge Desdémone, fille de Brabantio, femme d’Othello Émilia, femme de Iago Bianca, maîtresse de Cassio Sénateurs, matelots, messagers, citadins, vénitiens, citadins, chypriotes, musiciens, officiers, serviteurs.

Image issue du livre Tales from Shakespeare, de Charles and Mary Lamb, publié par la Henry Altemus Company, en 1901.

Résumé de l’action Acte I – Colère et mariage secret Lieux : Rues de Venise et le Sénat

Iago, un sous-officier d’Othello, est furieux d’avoir vu une promotion lui échapper au profit de

Cassio, qu’il considère inférieur. Désireux de se venger, il incite le jeune Roderigo à dénoncer à

Brabantio le secret mariage de sa fille Desdémone et d’Othello.

Le Doge de Venise fait appeler Othello au Sénat. Il s’y rend en même temps que

Brabantio, qui souhaite faire annuler le mariage sous prétexte qu’Othello a usé de

sorcellerie pour séduire sa fille. Face au Doge et à Brabantio, Othello raconte comment il a

simplement conquis le cœur de Desdémone en lui racontant sa vie, et cette dernière est

amenée au Sénat pour corroborer ses dires. Brabantio admet sa défaite, non sans renier sa

fille et sans souhaiter au couple tout le malheur du monde.


Le Doge envoie Othello défendre les intérêts de Venise à Chypre, menacée par les Turcs.

Desdémone veut l’accompagner, mais elle partira séparément, escortée par Iago. Pendant les

préparatifs de départ, Iago retrouve Roderigo, suicidaire, qui voudrait posséder Desdémone pour

lui-même. Iago incite son complice à l’accompagner à Chypre, afin de prêter ses finances et ses

forces à une revanche contre Othello.

Acte II – Cassio manipulé Lieux : Sur l’île de Chypre, la côte et la citadelle

Cassio, le lieutenant d’Othello, arrive à Chypre, rapidement suivi par Iago et Desdémone. Une

tempête a anéanti la flotte turque, la guerre est donc écartée, mais le navire d’Othello est toujours

en mer. Othello arrive sain et sauf et annonce que la soirée sera consacrée aux célébrations pour

souligner son mariage et la disparition de la menace turque.

Iago veut profiter de la fête pour mettre son plan à exécution. Il veut faire croire à Othello

que Desdémone et Cassio sont amoureux. Durant leur tour de garde, à la citadelle, Iago

incite Cassio, d’abord réticent, a boire quelques verres. Puis, il pousse Roderigo à se battre

avec Cassio. Cassio, ivre, s’emporte, se bat avec Roderigo et attaque également Montano,

le gouverneur de Chypre, ce qui provoque une alerte générale. Othello rejoint ses hommes,

se fait expliquer l’incident par Iago et, sans hésiter, retire son grade à Cassio.

Resté seul avec un Cassio honteux, Iago lui suggère de demander à Desdémone de plaider en sa

faveur auprès d’Othello. Cassio approuve cette idée et quitte Iago, qui est ravi que son plan

fonctionne. Lorsqu’il aura laissé entendre à Othello que Cassio et Desdémone ont une liaison,

chaque intervention de cette dernière pour sauver Cassio apparaîtra comme une preuve de sa

culpabilité.

Acte III – Le mouchoir Lieux : Chypre, dans les rues et à la citadelle.

Cassio demande à la femme de Iago, Émilia, de lui organiser un rendez-vous avec Desdémone.

Durant cette rencontre, Desdémone promet à Cassio de faire tout ce qui est en son pouvoir pour

l’aider. Cassio met abruptement fin à leur discussion lorsqu’il voit Iago et Othello apparaître, ce

qui permet à Iago d’insinuer qu’il est coupable. Desdémone plaide en la faveur de Cassio auprès


de son mari, qui ne peut rien lui refuser et lui promet de reprendre Cassio plus tard dans la

journée.

Resté seul avec Othello, Iago, sous des dehors d’honnêteté, fait part de ses soupçons à

Othello. Othello, troublé, lui demande de continuer sa surveillance. Desdémone vient

rejoindre son époux et essaie de calmer ses esprits en lui appliquant son précieux mouchoir,

premier cadeau d’Othello, sur le front. Mais Othello, égaré, jette le mouchoir par terre.

Émilia ramasse le mouchoir et le remet à son mari Iago, comme il le lui a demandé.

La jalousie d’Othello s’accroît, et il demande à Iago de lui apporter des preuves de ce qu’il

avance. Iago commence par lui raconter que durant la nuit, alors qu’il rêvait, Cassio a empoigné

son corps en prononçant le nom de Desdémone. Ensuite, il laisse sous-entendre que Desdémone

a donné à Cassio le fameux mouchoir brodé. Othello, enragé, demande à Iago de tuer Cassio.

Othello rejoint Desdémone. Alors qu’elle le presse encore de reprendre Cassio, il lui

demande de lui montrer le fameux mouchoir. Prise de panique, elle ne veut pas lui avouer

qu’elle l’a perdu. Othello lui raconte son attachement à ce mouchoir qui lui vient de sa

mère et l’enjoint violemment d’aller le chercher avant de la quitter. Pendant ce temps,

Cassio rencontre Bianca, sa maîtresse, et lui demande de faire une copie de ce joli

mouchoir qu’il a trouvé chez lui et qu’on va sans doute lui réclamer.

Acte IV – Les accusations d’Othello Lieux : Chypre, dans les rues et à la citadelle

Iago s’organise pour qu’Othello entende une conversation entre lui et Cassio, parlant légèrement

de la maîtresse de Cassio, Bianca, mais en s’organisant pour qu’Othello croit qu’ils parlent de

Desdémone. Bianca rejoint Cassio et lui redonne le mouchoir qu’il lui avait demandé de copier.

Othello est enragé et rappelle à Iago sa promesse de tuer Cassio, et ce dernier suggère aussi au

Maure de tuer sa femme.

Lodovico, ambassadeur de Venise, vient porter à Othello une lettre lui ordonnant de rentrer à

Venise, puisque la guerre avec les Turcs est évitée, et nomme Cassio à sa place. Desdémone en

profite pour reparler de Cassio, alors Othello la frappe, à la grande consternation de Lodovico.


Othello interroge Émilia à propos de la fidélité de sa femme, et cette dernière lui assure que

Desdémone est parfaitement vertueuse. Othello, incrédule, accuse ensuite directement sa femme

d’être une putain. Complètement bouleversée, Desdémone se tourne vers Iago pour obtenir des

conseils. Émilia et Desdémone sont convaincues qu’un traître a glissé ces idées dans l’esprit

d’Othello alors que Iago suggère que ce sont simplement les affaires de l’État qui influencent son

humeur.

Iago retrouve Roderigo, et lui fait comprendre que la mort de Cassio empêcherait Othello et

Desdémone de quitter Chypre. Ils conviennent tous les deux de lui tendre un piège à sa

sortie de chez sa maîtresse, cette nuit.

Pleine de tristesse, Desdémone se prépare pour la nuit avec l’aide d’Émilie. Elle se rappelle une

vieille servante de sa mère, qui chantait au moment de sa mort une chanson sur son amant qui

l’avait abandonné. Desdémone ne comprend pas les accusations d’Othello et avoue à Émilia

qu’elle ne trahirait pas son mari, même pour tous les trésors du monde.

Acte V – Mort et révélation Lieux : Chypre, dans les rues et dans la chambre de Desdémone

Durant le guet-apens, Roderigo blesse Cassio et est blessé par lui. Othello, qui entend des cris,

est convaincu que Iago a tenu promesse et tué Cassio. Iago tue Roderigo afin qu’il ne puisse

révéler leur trahison, mais avant que Iago ne puisse intervenir et achever Cassio, ce dernier est

secouru par Lodovico et Montano. Iago essaie d’imputer la responsabilité de ces crimes à

Bianca, la maîtresse de Cassio.

Othello observe Desdémone endormie. Elle se réveille et il lui demande de confesser ses

crimes, mais elle plaide l’innocence. Othello l’étrangle et Émilia, venue pour parler au

Maure, entend les derniers mots de sa maîtresse. Othello avoue sans difficulté son meurtre

et explique à Émilia que Iago lui a fait comprendre que Desdémone le trompait avec

Cassio. Émilia, persuadée que Iago a menti, crie pour dénoncer le meurtre.


Iago, Lodovico et Montano entrent dans la chambre. Réalisant que les certitudes d’Othello sont

basées sur le mouchoir que Desdémone aurait supposément donné à Cassio, Émilia révèle que

c’est elle qui a trouvé le mouchoir et qu’elle l’a donné à son mari, comme il le lui avait demandé.

Avant qu’elle ne puisse continuer, Iago la poignarde à mort.

Iago s’enfuit mais est rapidement rattrapé. Des lettres retrouvées sur le corps de Roderigo

prouvent que c’est lui qui a orchestré toutes ces machinations. Othello, réalisant l’horreur de sa

méprise, tente de tuer Iago, puis se poignarde et meurt dans le lit de Desdémone. Lodovico

annonce que Iago sera jugé pour ses crimes et confie le gouvernement de Chypre à Cassio.

Personnages et thèmes

Othello véhicule plusieurs thèmes

appréciés du public de l’époque de

Shakespeare : le racisme, les conquêtes

militaires, la violence domestique,

l’abus d’alcool et les conflits de

génération, tout en mettant en scène une

grande histoire d’amour tragique. Les

intérêts du public ont évolué depuis

quatre siècles, et outre l’histoire

d’amour qui bouleverse toujours autant,

plusieurs idées amenées par Shakespeare trouvent un écho chez les spectateurs d’aujourd’hui.

Avec Hamlet, Macbeth et Le Roi Lear, Othello fait partie des quatre tragédies les plus estimées

de Shakespeare.

Image issue du livre Tales from Shakespeare, de Charles and Mary Lamb, publié par la Henry Altemus Company, en 1901.


Personnages

Comme dans toutes les grandes pièces de Shakespeare, les

personnages sont d’une incroyable vérité théâtrale. À la fois

archétypaux et réalistes, ils nous questionnent et nous touchent, et en

révèlent beaucoup sur la condition humaine. Othello possède le

monstre le plus fameux de la littérature théâtrale : Iago.

Conventionnellement, on associe le diable à la couleur noire, mais

aucun personnage n’est plus diabolique que le blanc Iago. Il incarne

le mal, comme il le dit lui-même, dévoilé à la face du monde.

Pourquoi Iago hait-il autant Othello ? Quelques

prétextes sont évoqués dans la pièce, comme sa crainte

d’avoir été fait cocu par Othello, le désir que lui inspire

Desdémone, un besoin de vengeance à propos de la

promotion de Cassio. Mais l’énigme des causes de la

haine de Iago ne sera jamais élucidée. Il est méchant

sans raison, en quête de raisons d’être méchant. Et dès

lors qu’il met son plan à exécution, il se laisse emporter

par la spirale du mal.

Iago occupe le centre de la pièce. En terme de quantité de texte,

c’est lui le personnage principal. Il apparaît comme un double

monstrueux de l’auteur ou comme à la fois le metteur en scène et

un personnage de cette tragédie dont il est à l’origine. C’est

souvent à travers ses yeux que sont vus Desdémone et Othello,

des victimes un peu pitoyables de leur amour. Il est cynique,

selon lui seuls les imbéciles croient à l’amour, à l’honneur. Lui

ne croit qu’à l’égoïsme et au désir. Par comparaison avec

Othello, il apparaît comme maître de soi, pessimiste mais lucide.

Iago Déjà mon plan conçu de la sorte ? Que la Nuit fécondée par l’Enfer Accouche de ce monstre, Que je veux voir dévoiler à la face du monde. (Acte I, scène 3)

Iago Je hais le Maure. D'autant plus qu'aux fins de sa propre jouissance, Il aurait dit-on baisé ma femme en mon absence ? Et dans mes propres draps ? Est-ce vrai ? Est-ce faux ? Que m'importe ! Je ferai comme s’il y avait certitude. (Acte I, scène 3) Iago Les pensées dangereuses Inspirent d’abord un goût amer Puis elles s’étalent dans les veines Comme la coulée des volcans. (Acte III, scène 3)

Iago Si moi j’étais le Maure, Je ne voudrais pas être Iago. Car le jour où mes agissements Feraient toute la lumière Sur les véritables intentions Qui flambent dans mon cœur, Je voudrais pour moi-même Un châtiment plus horrible Que les tourments de l’enfer. Je ne suis pas ce que je suis (Acte I, scène 1)


Surnommé le Maure de Venise, Othello est un

ancien esclave noir, qui par sa valeur, a pu racheter

sa liberté, devenir un valeureux guerrier et ainsi

gagner l’estime des Vénitiens. Othello amène une

toute autre vision du monde que celle de Iago. Pour

cet homme honnête, l’amour et le fidélité existent,

tandis que pour Iago, la terre et chaque homme qui

l’habite est méprisable. Il est totalement convaincu

de l'intégrité du fourbe Iago.

C’est un homme libre, qui a voyagé, qui s’est battu et qui a pu

obtenir une place au sein d’un univers qui lui était originellement

fermé. Grandiose, majestueux, il a dans la pièce des envolées qui

traduisent sa fougue et sa rage.

Sa bravoure, sa renommée et sa gloire sont établis. C’est

un homme qui adhère à des principes solides, et sa

transformation en tyran violent et jaloux provoque la

stupeur chez ceux qui le connaissent.

Desdémone est une des figures les plus érotiques de

Shakespeare. Plus femme que la Juliette de Roméo et

Juliette ou l’Ophélie d’Hamlet, elle est aussi plus

obstinée. Son père la croit douce, encore une enfant,

alors qu’elle est déjà violemment tombée amoureuse

d’Othello.

Iago Mon seigneur, Vous savez que je vous aime. Othello Je le crois. Et parce que je connais ta loyauté Et parce que tu connais le poids De chaque parole avant de la dire, Ton silence m’inquiète plus encore. Ces hésitations sont des manœuvres Qu’utilisent les fourbes, Mais chez toi, l’homme juste, Ce sont des émois qui sortent, Maladroits, de ton cœur. (Acte III, scène 3)

Othello Lui! Je voudrais qu’il ait Quatre fois dix mille vies! Une seule est trop peu Pour mon désir De la lui ôter. (Acte III, scène 3)

Lodovico Est-ce bien le valeureux Maure Dont le Sénat proclamait le talent? Est-ce bien l'homme dont on dit Que ni le caractère ni la passion Ne peuvent altérer sa vertu, Pas plus que les flèches du sort Et les traits du hasard ? (Acte IV, scène 1)

Brabantio Une enfant sans expérience Habituée à la douceur de son nid Et que le moindre frémissement Rend folle de terreur. (Acte 1, scène 3)


Les intrigues de Iago sont incapables d’expliquer totalement le revirement

d’Othello. Quelques indices dans le texte nous portent à croire que la passion

dont Desdémone fait preuve envers Othello témoignent d’une nature

équivoque et inquiétante. Après leur nuit de noces, c’est comme si Othello

commençait à avoir peur de Desdémone, peur de cette jeune fille innocente

qui se transforme en femme, en amante. Plus elle est passionnée d’amour,

plus il croit qu’elle possède ce qu’il faut en elle pour le trahir.

Au premier acte, les mesquins avertissements de

Brabantio, le père de Desdémone, laissent présager

le pire, et Iago en rajoute à l’acte III.

Pourtant, Desdémone n’est coupable que d’aimer et de désirer son mari. Son intelligence, son

influence sur Othello et sa passion révèlent sa nature charnelle et son esprit d’indépendance, qui

ont longtemps été condamnés chez la femme.

Othello, Iago et Desdémone sont parmi les plus imposants personnages de Shakespeare, mais

Cassio, Roderigo et Émilia offrent aussi de beaux défis pour les acteurs.

La jalousie Dans Othello, tout le monde est jaloux. Iago de Cassio, Roderigo de

Othello, Brabantio est jaloux des soupirants de sa fille, Bianca, la

maîtresse de Cassio, est possessive et jalouse. La jalousie, l’envie et

le désir ne sont pourtant pas des thèmes qui honorent le héros tragique

qu’est Othello. Comme personnage, le Maure est diminué par sa

jalousie, alors que Hamlet est respecté pour son doute existentiel, tout

comme l’est Macbeth pour son ambition et même le roi Lear pour sa

folie.

Othello Et pourtant, On dirait parfois Que sa nature est étrange. (Acte III, scène 3)

Brabantio Maure : ne la perd pas de vue. Elle a trahi son père Elle pourrait te trahir (Acte I, scène 3) Iago Elle a trompé son père en vous épousant. Et malgré la frayeur Qu’elle semblait éprouver à votre vue, Ce qui la faisait trembler, disait-elle, Était ce qu’elle aimait le plus en vous. (Acte III, scène 3)

Émilia Peu importe au jaloux Qu’il y ait une cause. La jalousie est un monstre Qui s’engendre et qui naît de lui-même. (Acte III, scène 4)


Othello demande qu’on se souvienne de lui comme d’un

amoureux égaré, mais son geste fatal à l’égard de Desdémone

apparaît incompréhensible aux yeux des observateurs extérieurs.

L’Amour – l’Autre

Othello est la tragédie de l’amour détruit de l’intérieur, l’amour vaincu

par sa propre perversion : la jalousie. Dans la première partie de la

pièce, rien de l’extérieur ne semble pouvoir séparer les nouveaux

mariés. Ni l’hostilité sociale, ni la guerre, ni la tempête qui menace

d’engloutir le navire d’Othello. Leur amour semble indestructible, et

le brusque changement d’attitude d’Othello est trop contre-nature pour

échapper à la perspicace Émilia.

Othello est aussi une pièce sur l’idée de l’étranger, sur l’autre,

sur les différences qui nous attirent chez l’autre, mais qui

peuvent aussi devenir menaçantes. À travers deux mondes

opposés, le couple Othello-Desdémone symbolise l’étrangeté de

l’amour. Physiquement, il y a la couleur de peau, et

spirituellement, leurs natures si différentes. En plus d’opposer

le blanc et le noir qui frappent l’imaginaire du spectateur,

Shakespeare oppose la jeunesse et l’âge mûr, l’innocence et

l’expérience, le féminin et le masculin.

Le réel

Une des idées maîtresses qui traverse Othello, et qui témoigne de la sensibilité de Shakespeare

aux grands changements de son époque, est l’opposition entre croire et voir. L’époque

élisabéthaine fait partie de ce qu’on appelle la Renaissance, mouvement occidental caractérisé par

une grande diffusion de connaissances au niveau de la géographie, de la science, des arts et la

Othello Souvenez-vous de moi Comme d’un amoureux Égaré à l’extrême. (Acte V, scène 2) Lodovico Toi, Othello, Qui étais si valeureux jadis, Comment te nommer à présent ? (Acte V, scène 2)

Émilia C’est d’une invraisemblance Qui m’assure en effet Que le Maure est sous l’influence D’un scélérat. (Acte IV, scène 2)

Iago À l’instant où je vous parle, Un vieux bouc aux pattes noires Se démène par-dessus Votre brebis toute blanche. (Acte I, scène 1) Othello Ainsi je compris qu’elle m’aimait Pour les dangers que j’avais traversés Et que mon cœur était épris d’elle Pour les larmes qu’elle y avait versées. (Acte 1, scène 3)


redécouverte des textes philosophiques et littéraires de l’Antiquité. La pensée du Moyen Âge,

période d’environ 1000 ans qui précède la Renaissance, est basée sur la foi. La pensée de la

Renaissance est basée sur le savoir.

Othello est issu du monde de la chevalerie, un monde rassurant aux valeurs bien définies,

auxquelles on croit sans se poser de question. Iago appartient à un monde nouveau, inquiétant,

dans lequel le doute et les questionnement viennent ébranler les certitudes. Il ne faut plus

seulement croire, il faut savoir, obtenir des preuves et apprendre à saisir la réalité dans son

ensemble. Pour Othello, quelqu’un qui a l’air honnête est honnête, alors que le comportement

même de Iago nous prouve que le contraire est possible. Dans la pièce, Iago change la perception

du monde chez Othello, de manière concrète, en le convainquant que Desdémone lui est infidèle.

Il modifie aussi de manière abstraite sa perception du monde, en l’amenant à comprendre qu’il

aurait dû vérifier par lui-même au lieu de croire ce qu’on lui racontait.

Cette idée amenée par Shakespeare préfigure

le rationalisme de Descartes, qui publie son

Discours de la méthode un peu plus de trente

ans après Othello. En cohérence avec ses

valeurs, Othello tue Desdémone pour

sauvegarder le sens de sa propre vie, et peut-

être aussi l’ordre du monde. Mais il est trop

tard, Iago a provoqué un tremblement de terre

et instauré un monde sans cohésion, dans

lequel l’homme et la raison ont remplacé Dieu

et la foi.

Iago Quelle vertu ? Le fait d’être qui nous sommes ne dépend que de nous. Le corps est un jardin que la volonté cultive. Quelle que soit la plante qu'on y arrose, de l’ortie ou de la laitue, de l’hysope ou du thym, notre capacité de le rendre aride ou fertile réside au fond de nous-mêmes. Nous avons la raison pour apaiser nos désirs effrénés, et ce que vous, piètres jardiniers, vous appelez de l’amour, ce n’est pour moi qu’un parasite qui menace la fleur. (Acte I, scène 3) Othello Mais qu’il faille déserter Le jardin de mon cœur Qui laissait entrevoir Comme un torrent vivace La splendeur de mes rêves Et de ma descendance, C’est condamner mes jours À n’y voir qu’un bourbier Remplis de noirs excréments (Acte IV, scène 2)


L’instant Shakespearien

En terminant, quelques mots sur ce que les spécialistes ont appelé le problème de la double

temporalité dans Othello. L’acte I, qui se déroule à Venise, ne cause pas de problème. Mais les

actes II à V, qui se déroulent à Chypre, contiennent des éléments qui se déroulent en une seule

journée, d’autres en plusieurs jours, voire plusieurs semaines. L’action principale de la pièce se

déroule à Chypre en 24 heures, ce qui est totalement incompatible avec le fait, par exemple, que

Bianca soit la maîtresse de Cassio depuis plusieurs jours, ou que la nouvelle de l’anéantissement

de la flotte turque soit parvenue à Venise, qui a renvoyé un ambassadeur pour rappeler Othello.

Deux choses sont à considérer à ce sujet. D’une part, Shakespeare avait besoin d’un temps plus

court, pour intensifier l’expérience dramatique, et d’un temps plus long, pour rendre plausible

l’idée de l’adultère. D’autre part, Shakespeare avait une formidable connaissance instinctive de

ce qui est important au théâtre et de ce qui ne l’est pas. Aucune des invraisemblances

temporelles, même si elles peuvent être remarquées à la lecture, ne gêne vraiment l’écoute et la

compréhension. Ce n’était pas les premières (ni les dernières) improbabilités ou contradictions

produites par Shakespeare, qui n’hésitait pas à sacrifier le réalisme pour servir son œuvre.


Entretien avec les acteurs Éliane Préfontaine et

Ruddy Sylaire

Éliane Préfontaine est Québécoise, dans la jeune vingtaine, et

elle incarne la pure et dévouée Desdémone dans Othello. Ruddy

Sylaire, dans la jeune quarantaine, est d’origine haïtienne, il vit

en Martinique, et il incarne le fougueux et tourmenté Othello.

Nous les avons rencontrés tous les deux à mi-parcours des

répétitions, quelques semaines avant la première de la pièce au

Théâtre français du Centre national des arts.

À droite, Éliane Préfontaine et Pierre Lebeau dans La

Fin de Casanova et à gauche, Ruddy Sylaire et Nicole Dogué dans Nous étions assis sur le rivage du monde. Le public du CNA vous a vu, Éliane, dans La Fin de Casanova et Ruddy dans Nous étions assis sur le rivage du monde…, deux pièces mises en scène par Denis Marleau. Ils vont vous revoir dans Othello. Pour commencer, pourriez-vous simplement nous parler de vous et de ce qui vous a amené à travailler avec Denis Marleau et UBU ?

Éliane : J’ai étudié à l’école FACE, une école alternative primaire et secondaire du

centre-ville de Montréal, axée sur les arts. Ma rencontre avec Denis Marleau tient

d’un tour de force étrange. En gros, j’étais amie avec Catherine Asselin, la fille de

Jean Asselin4. Un fax d’UBU s’est retrouvé dans le bureau de notre professeur

d’anglais à FACE, qui l’a donné à Catherine, peut-être parce que son père faisait du

théâtre ? Enfin, c’était une offre d’audition pour le spectacle Intérieur que Denis

4 Jean Asselin est le cofondateur et le directeur artistique de Omnibus, une compagnie de théâtre de Montréal axée sur le mime.


Marleau montait au Théâtre du Rideau Vert en 2001. Il recherchait deux jeunes

comédiennes pour jouer des sœurs. Nous avons fait l’audition et nous avons eu le

rôle. C’est ainsi que j’ai rencontré Denis. J’ai terminé mon secondaire en 2002,

ensuite, j’ai poursuivi mes études au Collège Brébeuf en Arts et Lettres. À la fin du

cégep, j’ai entrepris un voyage de quelques semaines et le jour où je suis revenue, j’ai

reçu un téléphone de Denis Marleau qui me proposait de passer une audition pour le

rôle de Francisca dans La Fin de Casanova. Je ne sais pas ce que me réserve l’avenir,

j’avais l’intention d’étudier dans une école de théâtre au Québec, mais j’ai maintenant

changé d’avis. Je me suis impliquée à fond dans La Fin de Casanova et maintenant

dans Othello. Je vis le moment présent, mais je sais que j’aimerais aller étudier à

l’extérieur du pays et je suis aussi très attirée par la musique, je joue du piano et de la

guitare. Ruddy : Je suis médecin de formation et d’origine haïtienne. J’ai commencé à faire

du théâtre en 1990 en Haïti, avec la compagnie Hervé Denis. Il n’y a pas tellement de

différence entre la médecine et le théâtre, puisque le sujet est toujours l’homme. Avec

la médecine, on fait de l’argent avec la douleur des hommes, et au théâtre, on travaille

pour le loisir des hommes. Avec Hervé Denis, nous avons joué plusieurs auteurs du

répertoire, Beckett, Brecht, Aimé Césaire, Molière. À partir du coup d’état de 1991

(contre le président Jean-Bertrand Aristide, le 30 septembre 1991), il est devenu de

plus en plus difficile de jouer, de faire du théâtre en Haïti.

Je me suis alors installé en Martinique, où j’ai continué à jouer et à faire de la mise en

scène, toujours avec les mêmes auteurs, comme Genet et Césaire, et des projets plus

particuliers, comme une traduction d’En attendant Godot de Samuel Beckett en créole.

Je connaissais le dramaturge José Pliya, et j’avais déjà travaillé sur quelques uns de

ses textes. C’est lui qui m’a proposé de rencontrer un metteur en scène canadien qui

s’apprêtait à monter sa pièce Nous étions assis sur le rivage du monde…. Je tombe sur

Denis Marleau, qui était en prospection pour trouver des acteurs noirs. Il m’a

rencontré en fin de course, et j’ai beaucoup aimé notre première rencontre; c’était une

vraie rencontre entre un metteur en scène et un acteur. J’aime beaucoup travailler avec

Denis, il effectue une véritable spéléologie du texte, une profonde exploration

physique, qui amène toujours plusieurs niveaux de significations.


On dit d’Othello que c’est l’histoire de quelqu’un qui apprend – durement – à

voir le monde tel qu’il est. Qu’en pensez-vous ?

Ruddy : Othello est un militaire, un guerrier, il y a tout un pan de la vie qu’il ne connaît pas.

Il a vu le monde en guerre, mais il est en train de découvrir une autre réalité du monde, il est

en train de découvrir l’amour, qui l’aveugle. Au point de le rendre sensible à des ragots,

aveugle à toute prise de recul.

Éliane : Il aurait dû davantage faire confiance à Desdémone. Il ne vérifie pas, et il la tue !

Ruddy : Il écoute davantage les gens de son entourage que la femme qu’il aime. Combien

de gens sont comme ça ?

Même si Othello est peut-être une des pièces les plus intimistes de Shakespeare, elle demeure tout de même très théâtrale. Est-ce qu’on aborde son personnage dans Othello avec des questionnements sur la psychologie ou par un autre chemin ?

Ruddy : Nous avons fait un mois de travail de table, comme on dit, une vraie

recherche au niveau du texte, de ses strates, de sa signification en profondeur.

Beaucoup de choses sont apparues, en dehors des thèmes du racisme et du cocu.

Comment se dissimule la part monstrueuse de tout un chacun ? Quels sont les mobiles

qui font que les gens changent ? Les motivations des gens ne tiennent parfois pas à

grand chose. Et alors cette part monstrueuse s’ouvre…

Éliane : L’aspect psychologique passe par le personnage de Iago, qui engendre le

monstre, qui fait en sorte que tous les personnages sont emportés dans son mensonge.

Tous les personnages agissent pour la vérité. J’aborde mon personnage en me disant :

« Tout ce qu’elle dit, c’est vrai ». Elle est pure, mais en même temps, elle porte

quelque chose d’ambigu, elle porte la mort. Elle sait qu’elle ne comprend pas tout ce

qui se passe avec Othello, mais elle se laisse mourir pour l’amour, au nom de l’amour.

Elle fait confiance à Othello, et pour ma part, dans mon interprétation, c’est la vérité.

Elle n’a pas de malice.

Ruddy : L’espèce de fascination qu’a Desdémone pour quelqu’un qui a le double de

son âge possède un certain aspect morbide. Othello l’a séduite avec des récits de

guerre, de têtes coupées. Desdémone a besoin de sortir de chez son père, de quitter la

maison.


Éliane : Elle découvre le monde à travers les yeux d’Othello, elle est fascinée par

les récits de guerre, mais en même temps, elle est pleine de compassion, elle a envie

de le prendre sous son aile. Elle a un côté très maternel, réconfortant.

Comment travaillez-vous le texte de Shakespeare ? Quelles sont les difficultés, les facilités ?

Éliane : Nous considérons à la base que le texte dit tout. Denis travaille beaucoup

avec le texte. Si tu dis le texte tel qu’il est, si tu te fies au point, à la virgule, ça coule

de soi. Ça permet de ne pas trop s’emballer, parce que Shakespeare, ça peut être

effrayant pour des acteurs.

Ruddy, C’est un texte très humain, et même particulièrement contemporain. La

forme linguistique elle-même est proche de nous, du langage d’aujourd’hui. Travailler

le texte, c’est comme éplucher un oignon de sentiments, couche après couche. De

cette façon, on repousse la barrière de la forme de la langue. Au final, c’est très

immédiat et plein de vérité. Et pour faire ce travail, l’avantage, c’est qu’on a un accès

immédiat au traducteur, on interroge le texte durant les répétitions, on va et vient, on

fait des modifications sur le plateau, on retourne même à Shakespeare !

Ruddy, vous avez fait de la danse, et Éliane, vous aviez un jeu très physique dans La Fin de Casanova. Comment travaille-t-on le corps dans Shakespeare, particulièrement dans Othello, qu’on pourrait imaginer comme une tragédie figée ?

Ruddy : Le travail se fait toujours à partir des impulsions du mental, très puissantes,

qui mettent le corps en mouvement. C’est une des bases du travail de Denis Marleau.

Quand on travaille avec lui, il y a comme un cha-cha à l’intérieur, c’est vivant ! À

l’opposé, ce qui tue le propos, c’est raconter Shakespeare engoncé dans une gaine en

métal. Othello, c’est tellement vivant et sensuel.

Éliane : Il y a beaucoup de tension physique entre Othello et Desdémone, qui sont

de jeunes mariés. Ce qui est bien, c’est qu’on bouge, mais ce n’est pas un jeu

naturaliste. La parole a la priorité, si elle entraîne le mouvement, on bouge, mais rien

de ce qu’on fait n’est décoratif.


La pièce a été écrite autour de 1600. Elle nous touche encore beaucoup, entre autres à cause de la fascination qu’exerce le personnage de Iago, à cause aussi de ce grand amour qui est détruit, à cause du génie théâtral de Shakespeare. Mais lorsqu’on joue Shakespeare et d’autres auteurs anciens, on est confronté à certaines idées qui n’ont plus cours à notre époque. Par exemple, la notion d’innocence, chez la femme particulièrement, a évolué. Comment traitez-vous ces idées, qui sont des traits fondamentaux de vos personnages ?

Éliane : Au départ, je me questionnais à ce sujet, mais, finalement, je trouve que

Desdémone n’est pas vraiment soumise. Elle tient son homme très serré. C’est même

clairement énoncé dans la pièce que depuis leur mariage, ce n’est plus Othello qui

dirige, mais elle. Le rapport entre Émilia et Iago est très différent. Émilia est soumise

à Iago, mais on réalise que c’est parce que de toute façon, c’est un monstre, un tyran.

Ruddy : Je ne suis pas certain que les femmes étaient plus soumises à l’époque de

Shakespeare. Elles étaient en situation de dépendance, mais elles n’étaient pas

toujours soumises.

Éliane : La question de l’honneur, même si elle s’exprime différemment

aujourd’hui, est aussi importante qu’à l’époque de Shakespeare. Préserver notre

réputation nous préoccupe encore aujourd’hui.

Ruddy : Et nous sommes toujours aussi prisonniers du regard des autres !

En terminant, pouvez-vous me parler de la forme que va prendre le spectacle, au niveau de la mise en scène. Comment Denis Marleau aborde-t-il la pièce, au niveau de la scénographie, du rythme, de la tonalité ?

Éliane : Le décor sera composé de trois grands panneaux blancs, manipulés par les

acteurs, qui seront toujours sur la scène, d’une manière ou d’une autre. Ces panneaux

symbolisent la machine infernale que Iago met en marche.

Ruddy : Et comme c’est un drame intimiste, plus que la violence physique, la pièce

nous montre l’effet que le verbe d’une personne peut avoir sur une autre, comment une

langue qui fourche fait beaucoup plus de mal qu’une chute de trois étages. Au niveau

du rythme, c’est très sinueux, plus coulant qu’en dent de scie. Il y a des montées, des

flux et des reflux, avec des pauses pour laisser digérer. Ce n’est pas frénétique, ça

ressemble au rythme de la vie.


Shakespeare et le Théâtre élisabéthain

Élisabeth 1ère, telle que peinte par Nicholas Hilliars en 1575, dans le Phoenix portrait.

Shakespeare a vécu sous le règne de deux monarques,

Élisabeth 1ère et Jacques 1er. Le règne d’Élisabeth

s’est étendu sur quarante-cinq ans, de 1558 à 1603.

Elle a su développer une véritable mystique

monarchique et a encouragé l’Angleterre à prendre de

l’expansion et à révéler son plein potentiel.

Dans la première partie du seizième siècle, le théâtre

est amateur et itinérant, joué durant les carnavals et

les fêtes et il subit encore l’influence des pastorales

du Moyen Âge. Il est également beaucoup lié à la

morale et la religion. L’arrivée au pouvoir

d’Élisabeth amène des troupes établies qui sont

protégées par des nobles et un public. C’est sous le

règne d’Élisabeth que les premiers lieux dédiés au théâtre sont construits, pour la plupart à

Londres. Mais comme Stratford était un carrefour important, Shakespeare y assiste à des fêtes et

à des spectacles pour les visiteurs de marque, dont la reine en 1587. Il a 23 ans.

Lorsque Shakespeare arrive à Londres, il met le pied dans quelque chose d’organisé. À partir du

moment où on retrouve sa trace, en 1992, Shakespeare ne quitte plus la troupe des Hommes du

Lord Chambellan, qui deviendra sous Jacques 1er les Hommes du Roi. Le fait d’appartenir à une

troupe fixe qui possède son propre théâtre consolide ses succès d’auteur.

Il y a un style, dans la littérature théâtrale, qu’on appelle le théâtre élisabéthain. On considère que

cette période a dépassé le règne de la souveraine et s’est étendue sur près de 80 ans. Il nous reste

environ 700 textes de cette époque. La première pièce attribuée à ce style est Gorboduc, écrite en

1561 par Thomas Norton et Thomas Sackville. Elle sera représentée devant Élisabeth en 1562.

Le drame élisabéthain a un caractère national et historique. On y traite du destin de la nation, on

y retrouve une ferveur, une glorification communautaire.


Il faut savoir que le règne d’Élisabeth correspond à une

époque florissante de l’Angleterre. C’est le début des

grandes conquêtes, amorcées par la destruction de

l’Invincible Armada espagnole en 1588. Élisabeth ramène la

paix religieuse dans une Angleterre déchirée entre le

catholicisme et le protestantisme, elle restaure les finances de

l’État, favorise le commerce maritime, protège les arts et les

lettres. Les aventuriers anglais parcourent les mers à la solde

de leur souveraine, en Inde, et au Nouveau Monde. Sir

Walter Raleigh baptise la Virginie en honneur de la « Reine

Vierge ».

La construction et l’aménagement des théâtres

commencent vers 1570. Le gouvernement de la City

de Londres ne voit pas d’un très bon œil

l’implantation de ces lieux ouverts au public, mais

leur hostilité était contrebalancée par les penchants

de la reine pour les divertissements. À cause de cette

hostilité, les théâtres ont pris naissance dans les

banlieues, sur la rive sud de la Tamise. À l’époque

de Shakespeare, Londres compte neuf théâtres pour

une ville de 160 000 habitants.

Les théâtres ne sont pas ouverts de façon permanente. Ils sont fermés

durant les épidémies et les intempéries, parce que les bâtiments sont à

ciel ouvert. Les théâtres de style élisabéthain étaient des bâtiments de

forme circulaire, comprenant une scène qui s’avançait dans la salle, un

parterre pour des spectateurs debout et une galerie également

circulaire, pour des spectateurs assis. La scène était en partie abritée

et comprenait souvent un balcon. Les théâtres sont des entreprises

commerciales. Il n’y a pas de chef de troupe, mais des sociétaires.

Comme il faut assurer un revenu pour tout le monde, les compagnies

L’Invincible Armada est le nom d’une flotte espagnole remplie de soldats armés prêts à conquérir l’Angleterre. La flotte se composait de 130 navires, transportant 30 000 hommes dont environ 20 000 soldats. Elle fut vaincue par la flotte anglaise en août 1588 et par la suite, elle fut, en grande partie, détruite sous la force des éléments, idée que l’on retrouve d’ailleurs dans Othello, lorsque la flotte turque est judicieusement détruite par une tempête.

L’Angleterre possède depuis le treizième siècle un parlement qui a, au fil de sa croissance, de plus en plus limité le pouvoir de la monarchie. De plus, Londres a toujours été une plaque tournante du commerce mondial, et ce depuis la domination romaine. La monarchie anglaise a constamment dû compter avec les bourgeois et les commerçants, qui lui ont permis de financer les entreprises du royaume. La City de Londres correspond au cœur historique de la ville. C’est là que la ville moderne est née et c’est le plus ancien quartier de la capitale. À l’époque de Shakespeare, la City était un centre d’échange et de commerce, placé sous l’autorité de sa propre administration. Aujourd’hui, la City possède encore un statut particulier, et elle est le plus grand centre financier d’Europe.


tentent aussi de dénicher des lieux fermés où ils peuvent jouer durant l’hiver. Le plus connu

d’entre eux est le Blackfriars, un ancien monastère. La troupe de Shakespeare l’a obtenu

probablement en 1608. Protégé du vent et des intempéries, il possède moins de places que les

théâtres à ciel ouvert de la rive sud, mais elles sont vendues beaucoup plus cher.

Mais le nom de Shakespeare est avant tout associé au Globe, un établissement typique de l’ère

élisabéthaine. James Burbage, père de Richard Burbage, un collègue de Shakespeare et acteur

reconnu de la troupe des Hommes du Lord Chambellan, possède un théâtre situé sur la rive nord,

simplement appelé The Theatre, où la compagnie présente ses pièces entre 1576 et 1598. Les

Burbage sont propriétaires du bâtiment, mais pas du terrain. À cause d’un sérieux problème de

renouvellement de bail, la compagnie est acculée au pied du mur et prend alors une décision

audacieuse. Ils démontent le bâtiment et le remontent sur la rive sud, dans le quartier des

théâtres, où il devient The Globe.

La devise soi-disant inscrite à l’entrée du Globe est

Totus mundus agit histrionem, « Le monde est un

théâtre ». À l’époque, c’est le plus grand et le plus chic

des théâtres londoniens. Le Globe sera incendié en

1613, ironiquement au cours d’une représentation de la

dernière pièce de Shakespeare, Henri VIII, par un coup

de canon tiré qui a enflammé le toit de chaume. On

présume que cet incendie a provoqué la perte de

plusieurs manuscrits. Il est rapidement reconstruit et

définitivement détruit par les Puritains5 en 1642, qui ont

détruit l’ensemble des théâtres de Londres.

L’énergie de l’époque élisabéthaine, remplie de guerres et de conquêtes, se reflète dans les goûts

des spectateurs, qui veulent que la violence, la modernité et le progrès se traduisent dans les

pièces. Le public aime la passion, l’emphase et les tragédies de vengeance. Et il fallait plaire au

5 Entre 1642 et 1660, les Puritains, sous la gouverne d’Olivier Cromwell et avec l’aide du parlement anglais, renversent le roi Charles 1er, successeur de Jacques 1er, et prennent le pouvoir jusqu’en 1660. En 1660, Charles II, fils du roi destitué, est ramené sur le trône, événement qu’on a appelé la Restauration. Les Puritains étaient des protestants radicaux qui considéraient que la religion anglaise, l’anglicanisme, était encore trop proche du catholicisme.


public. Il fallait mêler le rire aux larmes, subjuguer et passionner des spectateurs bruyants et

indisciplinés, pour assurer la rentabilité du lieu. Il fallait se renouveler et écrire sans cesse de

nouvelles pièces, pour remplir des espaces qui pouvaient contenir pas moins de 1400 spectateurs,

dans le cas du Globe.

Au temps de Shakespeare, les compagnies sont exclusivement masculines, et comprennent des

hommes et des jeunes garçons qui jouent les rôles de femmes. Il y a peu de jeunes acteurs, c’est

pourquoi il y a si peu de personnages féminins. Chez Shakespeare, il y a environ 140 rôles de

femmes pour 900 personnages. À l’origine de cette interdiction, il y a la présomption que la

présence de femmes sur scène inciterait le public, majoritairement masculin, à ressentir des désirs

coupables et collectifs. Mais cette ambiguïté des codes a probablement créé un climat

d’étrangeté, parce que les frontières entre les deux sexes se dissolvent et se brouillent. Les

distributions masculines créent aussi un climat plus distancié, moins sensuel. Dans les comédies

de Shakespeare, l’habit fait le sexe. Il n’est pas rare de voir un acteur masculin travesti en femme

se déguiser à nouveau pour faire semblant d’être ce qu’il est réellement ! L’interdiction de jouer

pour les femmes sera levée en 1660, lors de la Restauration.

Le drame élisabéthain compte quelques grands bâtisseurs avec Shakespeare. Les principaux sont

Thomas Kyd, Christopher Marlowe et Ben Jonson. Thomas Kyd (1558 – 1594) est l’auteur de

La Tragédie espagnole, un texte pittoresque et grandiose. Sa mort à l’âge de 36 ans ne lui laissa

pas le temps de construire une œuvre abondante. Christopher Marlowe (1564 – 1593) est mort

lui aussi très jeune, à l’âge de 29 ans, dans une bagarre de taverne. Poète libre et original, il a

donné corps à des héros démesurés comme Faust. Tous les deux ont composé des tragédies

fracassantes qui plaisaient au public de l’époque. Ben Jonson (1572 – 1637) est considéré

comme le principal rival de Shakespeare, même si on croit qu’ils étaient amis ou du moins se

respectaient. Auteur prolifique, il a composé des divertissements pour la cour de Jacques 1er,

mais c’est surtout pour ses comédies, qu’on considère des chefs-d’œuvre du théâtre élisabéthain,

qu’il est passé à la postérité. Les plus connues sont Volpone ou le Renard et La Foire de la Saint-

Barthélémy. Jonson a écrit deux poèmes en introduction au Folio de Shakespeare en 1623, dans

lesquels il lui rend hommage.


Activités proposées

• Pour lire Othello en français, l’idéal est la traduction de Jean-Michel Déprats publiée dans

la nouvelle édition bilingue des tragédies de Shakespeare dans la (très coûteuse) Pléiade.

• La traduction d’Yves Bonnefoy, publiée dans la collection Folio, est excellente, à défaut parfois de rendre toute l’âpreté de la langue de Shakespeare.

• Pour le lire le texte original, on favorisera l’édition de Michael Neill publiée dans la

collection The Oxford Shakespeare/Oxford World’s Classics (Oxford University Press, 2006).

• Règle générale, Yves Bonnefoy et Jean-Michel Déprats sont reconnus comme de bons

traducteurs contemporains de Shakespeare. Si vous désirez lire d’autres pièces, recherchez sans hésiter leurs signatures.

• Pour les acteurs en herbe qui souhaiteraient se mesurer à Shakespeare, nous vous

proposons l’inévitable et bouleversant Roméo et Juliette et le fantastique et amusant Songe d’une nuit d’été.

• Sur Shakespeare, un petit bouquin coloré, vivant et instructif, Shakespeare Comme il vous

plaira, est disponible dans la magnifique collection Découvertes Gallimard. On y retrouve des éléments biographiques, historiques et des illustrations.

• Les traductions de Shakespeare par Normand Chaurette – Othello est sa huitième – ne

sont pas éditées quoiqu’on puisse les emprunter au Centre des auteurs dramatiques : o www.cead.qc.ca

• ou à la bibliothèque de l’École nationale de théâtre du Canada : o www.ent-nts.qc.ca/ent/bibliotheque.htm

• Normand Chaurette est aussi auteur de théâtre. Alors qu’il travaillait sur une traduction

de Richard III, (qu’il a par la suite délaissée), il se découvre une fascination pour les quatre personnages de femmes présents dans la pièce. Il conserve ces personnages, en ajoute deux autres et se fixe un défi : toucher le spectateur qui ne connaît rien à Shakespeare. Sa pièce Les Reines n’est pas un hommage à Shakespeare, ni même un pastiche. C’est un hommage aux lois du théâtre. Le texte a été publie en 1991 chez Leméac – Actes Sud.

• Deux compositeurs reconnus se sont attaqués à l’Othello de Shakespeare. D’abord le prolifique Rossini présente son Otello en 1816, suivi par Verdi en 1887. La version de Verdi est un chef d’œuvre de l’art lyrique.

Lectures

Opéra


Au cinéma, on compte plusieurs adaptations d’Othello, certaines étant passées à l’histoire.

• Il y a d’abord Orson Welles, qui réalise en 1952 une sombre adaptation de The Tragedy of Othello: The Moor of Venice dans laquelle il incarne lui-même le Maure. Son film remporte le Grand prix à Cannes et il est à souligner que l’actrice qui incarne Desdémone est une canadienne-française du nom de Suzanne Cloutier.

• Grand acteur Shakespearien, le britannique Laurence Olivier a aussi

incarné le Maure sur scène et à l’écran, dans une adaptation d’Othello en 1965, qui lui vaut une nomination aux Oscars. Sir Laurence Olivier a également pris part au cinéma à des adaptations de Richard III, Comme il vous plaira, Hamlet et Le Marchand de Venise.

• Dans les versions plus récentes, il faut souligner celle du britannique Kenneth Branagh, datant de

1995, dans laquelle il incarne Iago, Laurence Fishburne (The Matrix), Othello et Irene Jacob, Desdémone. Kenneth Branagh a aussi réalisé un film à partir d’Hamlet en 1996 et de joyeuses adaptations des comédies Beaucoup de bruit pour rien (Much Ado about nothing) en 1993 et Peines d’amour perdues (Love’s Labour’s Lost) en 2000 et Comme il vous plaira (As you like it) en 2006.

• D’autres adaptations des pièces de Shakespeare ont

connu du succès, comme La Mégère apprivoisée de Franco Zeffirelli en 1966, avec Richard Burton et Elisabeth Taylor, qui se sont retrouvés en 1972 dans Antoine et Cléopâtre du réalisateur Joseph Mankiewicz.

• Trois adaptations de Roméo et Juliette méritent qu’on s’y

attardent. D’abord celle de Franco Zeffirelli datant de 1968, ensuite celle bien connue du grand public avec Leonardo di Caprio et Claire Danes datant de 1996 et situant l’action en Californie et finalement, parce qu’elle a fait couler beaucoup d’encre, celle du québécois Yves Desgagnés, à partir d’un scénario de Normand Chaurette, datant de décembre 2006.

• Celle qui incarnait Juliette aux côtés de Leonardo Di Caprio a également joué dans un film

charmant, Stage beauty, sorti en 2004, qui se situe en 1660 à Londres, alors que le roi Charles II lève l’interdiction empêchant les femmes de jouer au théâtre. Le vivifiant Shakespeare in love, qui a valu a Gwyneth Paltrow l’Oscar de la meilleure actrice en 1998, nous offre un épisode inventé de la vie du dramaturge.

À Londres, en 1997, on a ouvert une réplique du Théâtre du Globe de Shakespeare. Il a été bâti à l’identique de l’original, d’après des plans élisabéthains. Le nouveau théâtre est à quelques dizaines de mètres de l’emplacement historique. Comme à l’époque, la scène et le public sont en plein air, les spectacles ont lieu pendant l'été, et les places les moins chères sont debout, au parterre, devant la scène. Sur leur site Internet, dans la section Tour and exibition, vous pouvez faire une visite virtuelle du théâtre. http://www.shakespeares-globe.org/

Cinéma


Bibliographie

• Chassaigne, Histoire de l’Angleterre, des origines à nos jours, Flammarion, 2001. • Dunton-Downer, Leslie et Riding, Alan, Essential Shakespeare Handbook, editions DK,

2004.

• Laroque, François, Shakespeare Comme il vous plaira, Découvertes Gallimard, 1991.

• Kott, Jan, Shakespeare, notre contemporain, Payot, 1993.

• Shakespeare, William, Beaucoup de bruit pour rien, traduction de Jean-Michel Déprats, éditions Théâtrales, 2004.

• Shakespeare, William, La Nuit des Rois, traduction de Jean-Michel Déprats, éditions

Théâtrales, 1996

• Shakespeare, William, La Tempête, traduction d’André Markowicz, Les Solitaires Intempestifs, 2004.

• Shakespeare, William, Œuvres complètes, volumes 1 et 2, traduction de Jean-Michel

Déprats, Pléiade, 2002.

• Shakespeare, William, Othello, traduction de Normand Chaurette.

• Suhamy, Henri, Shakespeare, Le Livre de Poche, 2001.

Documents

Dossier - Othello · 2014-02-07 · Dossier d’accompagnement scolaire – Othello 1 Ce dossier d’accompagnement scolaire a été réalisé par Sophie Labelle. Photo de la page