LE MUSÉE PASSAGER - cergy.fr€¦ · sa subsistance: Cette activité est loin de le faire vivre; être un motif de réconfort pour lui, l’aider à affronter les difficultés:

DEUXIÈME ÉDITION

LE MUSÉE PASSAGERART CONCERTS PERFORMANCES ATELIERS

DOSSIER PÉDAGOGIQUE

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TABLE DES MATIÈRES

LE MUSÉE PASSAGER, VIVRELa ligne artistique P. 03Scénographie P. 03

LES ARTISTESLe jardin P. 06Aletéïa P. 08Teurk P. 11Bettie Nin P. 14

Le Salon P. 17Alexandra Gorczynski P. 20Casey Reas P. 23

La chambre P. 26Sabrina Ratté P. 28Giulia Andreani P. 31

La chapelle P. 34Marine Antony P. 36

INFORMATIONS GÉNÉRALES P. 38Les étapes du musée passagerRéserver une visite de groupe au musée passager

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VIVRE LA LIGNE ARTISTIQUE

La ligne artistique défendue pour la deuxième édition du musée Passager sous l’intitulé Vivre est une invitation à mêler l’art à la vie. Vivre, c’est à la fois exister, demeurer, habiter, une manière d’investir un endroit, un espace, une chambre, une maison, un quartier, une ville ou un territoire délimité.Dans l’exposition Vivre, le musée devient une maison où cohabitent espaces domestiques et créations contemporaines - un espace familier où l’on déambule à la fois devant et dans les œuvres. Du jardin au salon en passant par la chambre, les pièces de ce musée

itinérant sont autant d’espaces pour penser les techniques, les genres et les problématiques qui ont façonné l’Histoire de l’art.Présentées sous forme d’environnements, les œuvres prennent la forme de wall drawings (dessins muraux), de sculptures, de peintures, de vidéos et d’installations. Nous retrouvons notamment les installations de Marine Antony, Alétéïa et Casey Reas, les vidéos de Sabrina Ratté et Alexandra Gorczynski, les sculptures de Bettie Nin et Teurk ainsi que les peintures de Giulia Andriani.

SCÉNOGRAPHIE

Le jardin, installé sur la terrasse du musée, est à la fois un lieu de récréation, de contemplation et une forme esthétique qui a traversé l’histoire de l’art. Le salon est un lieu de détente et de sociabilité. Espace intime ouvert à toutes les rêveries, la chambre annonce la

dernière pièce, la chapelle, où le spectateur achève son parcours en étant convié à cheminer vers son espace intérieur. En immersion au sein d’œuvres multiformes,il s’agit d’une invitation à vivre l’art avec tous ses sens en éveil.

HABILLAGE SONORE

Pour créer une ambiance sonore originale adaptée à chacune des pièces de la maison et pour habiller les salles d’exposition, écrin d’œuvres d’art visuel, le musée passager a fait appel cette année à un collectif de sound-design pour l’art et la mode, AM AGENCY. Né en2015, il est l’association d’Aimée et Marie. Leur travail lie leurs sensibilités musicales aux commissaires, artistes et créateurs de mode pour l’interprétation sonore de leurs expositions, œuvres et défilés. Le développement de l’habillage sonore des musées est un axe majeur de leur collaboration, l’oreille venant sublimer l’œil. Pour le Musée passager, AM Agency répond à la recherche

d’installations immersives. En relation directe avec lesartistes plasticiens de l’exposition, Aimée et Marie composent différents parcours musicaux en proposant plusieurs interprétations pour chacun des espaces. Le regard porté sur l’œuvre d’art se transforme en fonction de l’environnement sonore. Des sensations diverses, voire antagonistes, se déploient au gré des atmosphères, sans que le panorama n’ait changé. Le visiteur est invité à suivre un parcours, d’installation en installation, la promenade musicale constituant un parcours homogène, et l’exposition un tout.

LES MOTS DU COMMISSAIRE

Vivre, deux fois.D’abord parce que le musée passager se conçoit comme un lieu mêlant l’art à la vie. En s’installant, comme l’année dernière, sur des places fréquentées, en s’insérant dans le quotidien des habitants des villes visitées, en invitant à la découverte d’une expositionavec un accueil familial et en s’ouvrant à de multiples pratiques lors des événements.Ensuite parce que le commissariat 2015 prolonge cette volonté en sujet. Le musée passager est transformé en ce qui pourrait être une demeure aujourd’hui, faisant de l’art son environnement. Le jardin accueille le migrant, ouvert sur l’extérieur, à mi-chemin de la rue.

Le mur devient paysage et l’arbre se transporte dans une constellation colorée, naissante sous les yeux des premiers visiteurs lors d’une performance. Le salon est le lieu de la conversation. L’antique revient, les media se superposent, la beauté perdure et le quotidien prend sa place. La chambre attend avec les milles visages et l’unique regard des êtres disparus dont la présence ne se ressent plus que dans l’isolement de la nuit et le flou d’un paysage sans lieu qui s’effondre. Seul restera le refuge d’un au-delà bleuté. La musique accompagne l’hôte, rapprochant des œuvres, tournant le regard, poussant les sensations ou trahissant les émotions.

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PISTES PÉDAGOGIQUES : RÉFLÉCHIR SUR LA NOTION DE VIVREQuestionner la notion de vivre que l’on retrouve dans différentes expressions utilisées quotidiennement, comme le savoir-vivre ou le vivre ensemble et lancer une discussion avec les élèves autour du verbe vivre :

LES DÉFINITIONS DU VERBE VIVRE (LAROUSSE)

• Être vivant, en vie : Son grand-père a vécu près de cent ans. • Avoir telles conditions, telles particularités de vie :

Plantes qui vivent dans l’eau. • Passer son existence ou une partie de son existence

d’une certaine façon, et en particulier habiter quelque part : Vivre en ville. Il vit dans un petit appartement.

• Avoir, mener tel type d’existence, donner telle orientation à sa vie : Vivre libre et indépendant.

• Profiter, jouir de la vie, connaître des expériences diverses : Manifester un grand appétit de vivre.

• Tendre toute son énergie vers un certain but : Vivre pour le théâtre.

• Être quelque part en pensée de manière relativement permanente : Un rêveur qui vit dans un autre monde.

• Éprouver un sentiment en permanence : Vivre dans l’angoisse.

• Tirer sa subsistance, ses ressources de quelque chose, s’en nourrir exclusivement : Vivre de lait et de fruits. Vivre de son travail.

• Se nourrir d’une idée, trouver dans une pensée un soutien, une raison de vivre : Vivre de chimères.

• Donner l’impression de la vie : Un tableau qui vit. • Avoir les caractéristiques de naissance, d’évolution,

de modification, de disparition. • Se perpétuer, conserver un intérêt, une utilité, une

influence à travers le temps : Son souvenir vit dans nos mémoires.

• Être en activité, être dynamique : Pour que notre entreprise vive.

• Exploiter le bénéfice d’un acquis passé, sans rien faire pour acquérir autre chose : Il vit sur sa réputation.

Les synonymes et antonymes du verbe vivreExister, respirer, demeurer, habiter, résider, se tenir, se conduire, subsister / Mourir.

Les expressions avec le verbe vivre

• Avoir vécu, avoir eu une vie riche, fournie en expé-riences : être révolu, désuet, devoir être remplacé : Une théorie qui a vécu.

• (Être) facile, difficile à vivre, avoir un caractère accommodant ou être insociable.

• Faire vivre quelqu’un, lui fournir les moyens d’assurer sa subsistance : Cette activité est loin de le faire vivre; être un motif de réconfort pour lui, l’aider à affronter les difficultés : C’est sa foi qui le fait vivre.

• Ne plus vivre, ne pas vivre, être plongé dans une inquiétude permanente.

• Se laisser vivre, ne pas faire beaucoup d’efforts ; ne pas s’inquiéter de l’avenir.

• Vivre avec quelqu’un, former un couple avec quelqu’un sans être marié.

• Vivre d’amour et d’eau fraîche, se dit des amoureux à qui leur passion fait oublier les préoccupations matérielles.

• Vivre chichement : vivre modestement.• Savoir-vivre : connaissance des usages du monde.• Vivre à 100 à l’heure, vivre en autarcie, vivre au

jour le jour, vivre de sa plume, vivre un conte de fée, vivre en vase clos.

Les citations autour du verbe vivreJean de La Bruyère (Paris 1645-Versailles 1696)« Il n’y a pour l’homme que trois événements : naître, vivre et mourir. Il ne se sent pas naître, il souffre à mourir, et il oublie de vivre. »Les Caractères, De l’homme

Jean Anouilh (Bordeaux 1910-Lausanne 1987)« Mourir, ce n’est rien. Commence donc par vivre. C’est moins drôle et c’est plus long. »Roméo et Jeannette, III, Lucien, La Table Ronde

Voltaire (Paris 1694-1778) « Le vrai prix du travail n’est que de vivre en paix »Epître CVIII. À un homme

Jean-Jacques Rousseau (Genève 1712 - Ermenonville 1778)« Quand on examine la manière dont les hommes et les femmes vivent les uns avec les autres, on est tenté de penser qu’ils ne sont créés que pour se tourmenter et se détruire réciproquement. »Pensées d’un esprit droit

Jean-Jacques Rousseau« Vivre est le métier que je lui veux apprendre »Emile ou de l’Education

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Dans le jardin du musée passager, dans la tradition des sculptures en plein air et des statues qui ornent les allées, les bosquets et les bassins des jardins à la française du XVIIe siècle conçus par Le Nôtre, seront exposées les sculptures de Bettie Nin. Les

installations d’Aleteïa et de Teurk, associant fleurs multicolores et matériaux bruts tels l’acier ou le parpaing, rappelleront quant à elles les chemins tor-tueux et l’impression naturelle d’une végétation en apparence non domestiquée des jardins à l’anglaise.

DÉFINITION• Terrain, souvent clos, où l’on cultive des légumes, des

fleurs, des arbres et arbustes fruitiers et d’ornement ou un mélange de ces plantes.

• Espace aménagé pour la promenade ou le repos, dans un souci esthétique, et portant des pelouses, des parterres, des bosquets, des plans d’eau.

Thématique (Mots- clefs)Jardin botanique, jardin des plantes, jardin d’hiver, jardins d’enfant, jardin d’acclimatation, jardin ouvrier, jardin potager, jardin partagé, jardin public, parc, square, eden, jardin français, jardin japonais, jardin italien, jardin anglais, jardin andalou, la symbolique de la nature dans la maison, architecture HQE.

PISTES PÉDAGOGIQUES

PRIMAIRES ✛ Recenser les différents « jardins » que les enfants

connaissent. Que trouve-t-on habituellement dans un jardin ?

✛ Qu’est ce que le jardin d’Éden ? (Le paradis). Regarder quelques tableaux célèbres de l’histoire de l’art sur la représentation du jardin d’Éden, puis dessiner ce que serait pour chacun le jardin rêvé, idéal.

✛ Créer son jardin en 2D par le collage. Compositions utilisant des motifs floraux découpés, et leurs découpes, à la Matisse.

COLLÈGES- LYCÉES ✛ Les élèves sont divisés en groupe et mènent des

recherches sur les différentes morphologies de jardin que l’on trouve dans l’histoire de l’art (anglais, français, italien, etc).

✛ Pourquoi le jardin a-t-il une place privilégiée auprès de l’homme ? Est-ce la nature qui s’adapte aux habitations de l’homme, ou est-ce l’habitation de l’homme qui s’adapte à la nature ?

✛ Chaque élève réalise un plan de sa maison/appar-tement, et vient ensuite y intégrer jardins, bassins, plantes, fontaines, sculptures selon la place qu’il souhaite donner à la nature dans son intérieur.

Le jardin« Cela est bien dit, répondit Candide, mais il faut cultiver notre jardin »Candide, François Marie Arouet, dit Voltaire, 1759

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COMPARER À D’AUTRES ŒUVRESTapisserie de La Dame à la Licorne, le goût, fin XVe siècle / Lucas Cranach l’ Ancien, L’âge d’or, vers 1530 / Jardin à la française Le Nôtre / Plan des jardins du château de Versailles, Le Nôtre, XVIIe siècle / Jean-Honoré Fragonard, Le Jeu de la Main chaude, (1732-1806) / Auguste Renoir, scène du jardin,1886 / Claude Monet, Le bassin des nymphéas, Giverny/1889 Douanier Rousseau, Le jardin du Luxembourg, 1909 / Jardin de la Pefoliere jardin anglais, Bretagne, 2009 / L’intégration du jardin dans l’architecture Franck Lloyd Wright, La maison sur la cascade, plan de 1935 /Hundertwasser, Le jardin dans la maison, Vienne, 1983.

Plan des jardins du château de Versailles, Le Nôtre, XVIIe siècle

Lucas Cranach l’ Ancien, L’âge d’or, vers 1530

Hunderwasser, le jardin dans la maison, VienneFranck Lloyd Wright, la maison sur la cascade, plan de 1935

La Dame à la Licorne, le goût, fin XVe siècle

Jean-Honoré Fragonard, Le Jeu de la Main chaude, (1732-1806)

Jardin de la Péfolière, jardin anglais

Jardin à la française, Le Nôtre

Auguste Renoir, scène du jardin,1886 Claude Monet, Le bassin des nymphéas, Giverny, 1889

Douanier Rousseau, Le jardin du Luxembourg, 1909

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Aleteïa, La Croix du Sud, Grigny-Grande-Borne, 2008. Production pour le musée passager à venir. © Aleteïa

Pour le musée passager, Aleteïa créée : Pile, dimension variable, béton, 2015, et, en collaboration avec Teurk : Incrédule, wall drawing, 14,5m x 2,50m, technique mixte (aérosol,pochoir,acrylique).

COMMENTAIRE D’ŒUVRESPour le musée passager, Aleteïa va investir la ter-rasse et le jardin en construisant des murs de fleurs et des étoiles en béton. À la fois performance et installation, l’œuvre prendra naissance en même temps que la seconde édition du musée passager, sous les yeux des premiers visiteurs. Dans le milieu

urbain ou en atelier, sur le béton ou encore sur la toile, les recherches d’Aleteïa sont fédérées par un langage commun : celui des constellations. Ce langage symbolique et universel, permet d’ouvrir un dialogue entre une vision poétique, mythologique du monde et la réalité bétonnée des lieux urbains.

BIOGRAPHIEAleteïa est née en 1979. Elle vit à Paris et travaille à Grigny.

Issue du Street Art et portée par les collectifs VAO et UNE NUIT Aleteïa pose depuis dix ans ses étoiles sur les murs et les sols de Paris. Ses interventions in situ sont réalisées principalement en adhésif et à la bombe aérosol. Elle travaille aussi depuis 5 ans avec l’association Métamorphose dans le cadre des parcours d’art contemporain LOGES dans la cité de La Grande Borne à Grigny (91) où elle a son atelier. Au sein de ce lieu très particulier, son travail s’est enrichi et développé en rapport avec la découverte de

cette cité. En parallèle, elle a commencé un travail d’atelier approfondissant sa recherche 1 autour de la thématique des constellations et de ce langage. Elle aborde la toile de la même manière qu’elle aborde un mur. Sans accroche ni filet elle s’adapte au format, crée directement au scotch les structures, les formes avec la même énergie que ses performances de street art. La résine fige cet instant donnant à son travail la vibration particulière d’une toile réalisée d’un trait.

Pour aller plus loinPour en savoir plus sur AleteiaSite internet www.aleteia.fr

Thématique (mots-clefs)Street art, rue, espace public, extérieur, constellations, géopoétique/mythologique.

ALETEIA

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PRIMAIRES ✛ Que signifie « street art » ? (art de la rue, art urbain)

✛ Quels sont les lieux où l’on trouve l’art ? (Amener l’élève à constater que l’art est partout dans sa vie quotidienne et pas uniquement au musée.)

✛ Demander aux élèves d’ouvrir leurs yeux sur le chemin de la maison à l’école. Y a-t-il de l’art sur ce chemin ? Recenser les éléments de street art et les décrire en classe.

✛ Demander aux élèves pendant un week-end, lors de leurs balades en extérieur, de prendre des photogra-phies d’art urbain, les recenser en classe, essayer de décrypter le message qu’a voulu véhiculer l’artiste.

✛ Intervenir dans la cour de l’école avec des craies. Créer par groupe, une constellation à la manière d’Aleteïa en respectant l’environnement de la cour de récréation.

COLLÈGES- LYCÉES ✛ Étudier la naissance du mouvement street art en

France. Quelle est la portée voulue par les artistes street art ? Quelle est la différence entre l’art exposé au musée et celui que l’on trouve dans la rue ?

✛ Qu’appelle-t-on institutionnalisation ou démocra-tisation de l’art ou de la culture ? Quel peut-être le rôle du Musée Passager dans la démocratisation de la culture ?

✛ Qu’appelle-t-on l’art engagé ? Décrire des œuvres d’art urbain observées dans la rue ? Quelle était la technique utilisée (graff, pochoir, collage, affichage) ? Quelle était leur signification, la revendication derrière l’œuvre ?

✛ Si vous étiez un artiste engagé, que dessineriez-vous ? Quelle cause défendriez-vous ? Que serait votre message ? Imaginer un slogan et un design.

ARTISTE ASSOCIÉE À... L’ART URBAIN ET À LA GÉOPOÉTIQUE :

✛ L’art urbain, ou street art, est un mouvement artistique contemporain né dans les années 1960, qui rassemble toutes les formes d’art réalisées dans la rue, ou dans des endroits publics. Il apparaît sous diverses techniques comme le pochoir, la mosaïque, les stickers, l’affichage ou le graffiti.

✛ « Géopoétique » Le travail d’Aleteïa dans l’espace géographique de la cité fait référence au terme de « Géopoétique », une notion définie par l’auteur Kenneth White dont l’œuvre, comme celle d’Aleteïa, va et vient entre l’espace fermé des villes et l’espace ouvert non codé. « la géopoétique est une théorie-pratique transdisciplinaire applicable à tous les domaines de la vie et de la recherche, qui a pour but de rétablir et d’enrichir le rapport Homme-Terre depuis longtemps rompu, avec les conséquences que l’on sait sur les plans 2 écologique, psychologique et intellectuel, développant ainsi de nouvelles perspectives existentielles dans un monde refondé ».

Aleteïa, Arbre, Squatt rue de Paradis, scotch, Paris – 2009

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COMPARER AVEC D’AUTRES ŒUVRES

L’artiste Aleteïa, Paris 10e, pochoirs, Paris, 2005 / Aleteïa, Sun city avec L’Atlas, Paris 2005 / Aleteïa, Arbre, Squatt rue de Paradis, scotch, Paris – 2009 / Steet art Banksy, Napalm, 1994. Inspiré par la photographie du journaliste américain Nick Ut prise le 8 juin 1972, lors d’un reportage au Vietnam. / L’Atlas, Boussole sur le parvis du Centre Pompidou, carton blanc, 2008 / Misstic, Soyons heureuses en attendant le bonheur, pochoir / Œuvre anonyme photographiée dans la rue, 2014 / Constellations Vija Celmins, sans titre n°17, 1998 / Vija Celmins, Night Sky #17, 2000-01.

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Vija Celmins, Night Sky #17, 2000-01

Vija Celmins, sans titre n°17, 1998

L’Atlas, Boussole sur le parvis du Centre Pompidou, carton blanc, 2008

Misstic, Soyons heureuses en attendant le bonheur, pochoir

Œuvre anonyme photographiée dans la rue, 2014

Banksy, Napalm, 1994. Inspiré par la photographie du journaliste américain Nick Ut prise le 8 juin 1972, lors d’un reportage au Vietnam

Aleteïa, Sun city avec L’Atlas, Paris 2005

Aleteïa, Paris 10e, pochoirs, Paris – 2005

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Teurk, Beton Puzzle, 2014 Production pour le musée passager à venir.Pour le musée passager, Teurk créée : Parpaing de voyage, 1,70m x 0,50 x 0,50. Acier, et, en collaboration avec Aleteïa :Incrédule, wall drawing, 14,5m x 2,50m, technique mixte (aérosol,pochoir,acrylique)

COMMENTAIRE D’ŒUVREPour le musée passager, Teurk va investir la terrasse et le jardin. À la fois performance et installation, l’œuvre prendra naissance en même temps que la seconde édition du musée passager, sous les yeux des premiers visiteurs. C’est armé d’une meuleuse, les poches garnies d’aimants, et autres outillages pour se jouer

du magnétisme, que Teurk exprime sa créativité. Dans ces travaux récents, on retrouve son affection pour la matière brute, après le parpaing vient le tour du métal, de l’acier, et son enthousiasme pour une certaine magie qu’il aime à manipuler et à mettre en lumière.

BIOGRAPHIENé en 1978, Teurk vit et travaille à Paris

Artiste street art, Teurk part peindre dès ses débuts sur des lieux en conflits : Liban (Beyrouth), Palestine (Hébron), Israël (Jérusalem), et en Bosnie, peu après la fin de la guerre, où il bombe les ruines du Pont de Mostar. Fort d’une longue expérience de graffeur, seconde génération, celle des années 90, il a su passer de la rue à la galerie. Son œuvre se situe au carrefour des questions d’humanité, de société et amène autant des questionnements esthétiques que politiques. Tout en poursuivant ses interventions dans l’espace public

de la rue, il développe en atelier un travail singulier; création d’objets, vidéos, sculptures, dans lequel il mêle intuitivement approche artistique et scientifique : plaques métalliques gravées à la meuleuse, calligraphies faites de limaille de fer, vidéos 1 qui mettent en scène d’organiques manipulations magnétiques. Teurk fait parallèlement partie du groupe Accrétion avec lequel il réalise des performances, des vidéos expérimentales et des films à partir des techniques de manipulation magnétiques qu’il a mises au point.

Pour aller plus loinPour en savoir plus sur Teurk :Site internet : http ://www.teurk.com/http ://teurk.net/in dex.php?/biographie/info/

Thématique (mots-clefs)Street art, rue, espace public, matériau brut, installation.

TEURK

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ARTISTE ASSOCIÉ AU STREET ART ET À L’INSTALLATION :

✛ L’art urbain, ou street art, est un mouvement artistique contemporain né dans les années 1960, qui rassemble toutes les formes d’art réalisées dans la rue, ou dans des endroits publics. Il apparaît sous diverses techniques comme le pochoir, la mosaïque, les stickers, l’affichage ou le graffiti.

✛ Qu’est-ce qu’une installation ? Une installation caractérise depuis les années 1970, une partie des produc-tions de l’art contemporain qui se définissent par l’occupation d’un espace donné, par la mise en situation de différentes techniques d’expression et de représentation, ainsi que par le rapport participatif qu’elle implique avec le spectateur.

Teurk, défense de bétonner Teurk, installation

Teurk, parpaings

Les artistes Teurk et Zouzou en plein graff

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Teurk, autoportrait, non daté

Teurk, graff de rue

TEURK, Graff signature, Sparts Gallery

COMPARER À D’AUTRES ŒUVRES

L’artiste TEURK, Graff signature, Sparts Gallery / Installation, Sans titre, non daté / Teurk, autoportrait, non daté / Les artistes Teurk et Zouzou en plein graff / Teurk, défense de bétonner

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Bettie Nin, Immigrants, 2011, Valises, plumes, goudron. Dimensions variables. © Bettie Nin / courtesy l’artiste et la Galerie Perception Park

COMMENTAIRE D’ŒUVREL’installation de Bettie Nin est composée de valises chinées chez Emmaüs, goudronnées puis emplumées. Les plumes, symboles de la douceur et de la légèreté proviennent de l’oiseau migrateur par excellence : l’oie blanche. Le goudron quant à lui évoque la route, le chemin parcouru. Les valises à roulettes rappellent

l’itinérance, les voyages et les frontières. « Immigrants » évoque tout cela en même temps en utilisant le goudron et les plumes, matériaux qui lorsqu’ils sont associés, pendant le Moyen-Age, ou dans les westerns servent à punir les condamnés ou les hors-la-loi.

BIOGRAPHIEBettie Nin est née à Moulins et travaille à Alfortville.

Diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Arts Appliqués Boulle ainsi que de l’Université de Valenciennes où elle se spécialise dans les arts et les nouvelles technolo-gies, Bettie est artiste plasticienne, critique d’art et co-directrice du Centre d’art contemporain La Traverse à Alfortville. Son œuvre poétique est marquée par un engagement politique et une obsession à comprendre

le monde, et évoque des thèmes récurrents comme celui des frontières, les questions de violence, de commu-nautarisme et de mouvements identitaires. Bettie Nin se saisit d’objets aux connotations symboliques claires (barbelés, valises, plumes, clés, fleurs synthétiques, etc.) qu’elle détourne et transforme en poésie visuelle.

Pour aller plus loinSite de l’artiste : www.bettienin.comSite du Centre d’Art Contemporain la Traverse à Alfortville http ://cac-latraverse.emonsite. com/Sur l’exposition « le surréalisme et l’objet » au centre Pompidou https ://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/ccAyeG/rBAEd6g

Thématique (mots-clefs)Installation, sculpture, itinérance, migration, symbole, valise, goudron/plumes, contraste.

BETTIE NIN

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PISTES À EXPLORER EN CLASSE

PRIMAIRES ✛ Quels sont les matériaux principaux qui composent

l’œuvre ? (plumes d’oie, goudron) Pourquoi peut-on parler de contraste ? (la plume évoque la légèreté, c’est un élément doux qui peut voler, qui évoque le ciel, le goudron est un élément lourd, bien ancré dans le sol).

✛ Pourquoi Bettie a-t-elle basé son œuvre sur ce contraste ? (Pour montrer que l’œuvre peut avoir deux significations : une légère en apparence, mais qui traite d’un sujet sérieux et lourd).

✛ Dans quel contexte fait-on sa valise ? (Lorsqu’on part en vacances, déménage, part au travail, on part habiter dans un autre pays).

✛ Si tu devais faire ta valise, qu’y mettrais-tu ? Si tu ne devais choisir que 3 choses à emporter avec toi, lesquelles prendrais-tu ?

✛ Devinette : Quel est le plus lourd, un kilo de plumes ou un kilo de goudron ? (Les deux ont le même poids. Un kilo reste un kilo, quelque soit le matériau qui le compose).

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Autour du titre de l’œuvre Immigrants. Qu’est ce qu’un

immigrant ? Un immigré ? Travailler sur le champs lexical de la migration : Migration, immigration, émigration. Que veulent dire ces mots ? Y a-t-il des synonymes (exil, exode, expatriation, déplacement, transhumance, transplantation, fuite, pérégrination) Des expressions ? « Migration pendulaire » « migration saisonnière », « oiseau migrateur » ?

✛ Pourquoi l’artiste a-t-elle appelé son œuvre « Immigrants » ?

✛ Quels sont les éléments de l’œuvre qui évoquent la migration (les plumes de l’oiseau migrateur, la valise à roulettes qui évoque le déplacement, le goudron qui évoque les routes)

✛ L’œuvre de Bettie Nin peut être qualifiée de « surréa-liste », connaissez-vous ce courant artistique ? Faire des recherches dessus (Le mouvement surréaliste défini par André Breton dans le manifeste du surréalisme publié en 1924, repose sur le refus de toutes les constructions logiques de l’esprit et sur les valeurs de l’irrationnel, de l’absurde, du rêve, du désir et de la Révolte).

✛ Créer un objet fantaisiste en accumulant, associant et détournant des matériaux du quotidien (tissus, figurines, bouchons, briquettes de couleurs), à la manière de Bettie Nin ou des surréalistes. Trouver un titre à l’objet.

ARTISTE ASSOCIÉE À... LA SCULPTURE ET À L’ASSEMBLAGE

✛ La sculpture est une activité artistique qui consiste à concevoir et réaliser des formes en volume, en relief, soit par taille directe, par soudure ou assemblage. Le mot sculpture vient étymologiquement du latin « sculpere » qui signifie « tailler » ou « enlever des morceaux à 2 d’une pierre. La technique de la sculpture a évolué au fil des siècles, de la taille, à la soudure, au modelage, jusqu’à l’assemblage au XXe siècle. L’assemblage consiste à assembler des objets divers (qu’ils soient neufs, vieux ou du quotidien) pour former une sculpture unique dont la somme dépassera la valeur esthétique des éléments séparés. Picasso réalisera ses premiers assemblages avec la série des Guitares en 1912, puis les dadaïstes, à partir de 1914, avec Jean Arp et ses Reliefs.

16 M U S É E P A S S A G E R – B E T T I E N I N – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

Salvador Dali, Le Téléphone aphrodisiaque, 1936

Bettie Nin, Cultivez votre révolution (Chap.1-Les œillets-Portugal-1974 Chap.2- Les roses-Géorgie- 2003 Chap.3- Le jasmin- Tunisie-2011 Chap.4- Le lotus-Egypte-2011), 2011

Meret Oppenheim, Ma gouvernante,1936

Morris, Le Bandit-Manchot, série Lucky Luke, 1981

Yin Xiuzhen, Portable Cityclothes and suitcase, Dunhuang, 2010

Meret Oppenheim, Déjeuner en fourrure,1936

Bettie Nin, Welcome, 2011

Arman, Consigne à Vie,1985, valises en bronze, cour de Rome, Gare Saint Lazare

Yin Xiuzhen, Portable Cityclothes and suitcase, Dunhuang, 2010

Chiharu Shiota, Small Room, 2014.

Robert Capa, photo-journaliste, La Valise Mexicaine, disparue en 1939


L’artiste Bettie Nin, Cultivez votre révolution (Chap.1-Les œillets-Portugal-1974Chap.2- Les roses-Géorgie-2003 Chap.3- Le jasmin-Tu-nisie-2011Chap.4-Le lotus-Egypte- 2011), 2011 / Bettie Nin, Welcome, 2011 / Goudron et plume Morris, Le Bandit-Manchot, série Lucky Luke, 1981 / Objets surréalistes Salvador Dali, Le Téléphone aphrodisiaque, 1936 / Meret Oppenheim, Déjeuner en fourrure,1936 / Meret Oppenheim, Ma gouvernante,1936 / La valise Arman, Consigne à Vie,1985, valises en bronze, cour de Rome, Gare Saint Lazare / Yin Xiuzhen, Portable Cityclothes and suitcase, Dunhuang, 2010 / Chiharu Shiota, Small Room, 2014. « Les valises transportent l’essentiel de nos vies, elles voyagent avec nous, portent nos exils, notre histoires, nos objets intimes… En suspension sur des cordes, elles flottent, elles bougent, elles sont les mouvements de populations, les exils… Chacun de nous a un espace intime, une valise intérieure où il range tout, une petite pièce personnelle. » / Robert Capa, La Valise Mexicaine. La légendaire valise du photo-journaliste Robert Capa, contenant des négatifs de la guerre d’Espagne, était considérée comme perdue depuis 1939. Miraculeusement retrouvés au Mexique, ces documents ont été restitués à l’International Center of Photography en 2007.

17 17

Dans le salon du musée passager, à la fois boudoir confidentiel ou salle de réception, seront exposées les installations d’Alexandra Gorczynski, col-lages numériques dans lesquels s’insèrent dessins et vidéos, et celle de Casey Reas dont le tapis

numérique composé de triangles représente les visions abstraites de l’artiste sur le monde. Autant d’écrans qui nous rappellent la prégnance de la télévision et de l’ordinateur dans notre quotidien et notre vie.

DÉFINITION

• Pièce d’un appartement, d’une maison, destinée à recevoir les visiteurs.

• Mobilier propre à cette pièce de réception : S’acheter un salon Louis XVI.

• Pièce commune confortablement meublée où l’on peut s’asseoir, lire, converser, dans un hôtel, sur un paquebot.

• Pièce qu’un client peut réserver pour un repas, une réception, une fête, etc.

• Réunion de personnalités des lettres, des arts et de la politique qui, en particulier aux XVIIe et XVIIIe,

se tenait chez une femme distinguée et où l’on discutait de littérature, de philosophie, de politique, etc.

• Littéraire. Société mondaine : Conversation de salon. • Manifestation commerciale professionnelle permettant

périodiquement aux entreprises de présenter leurs nouveautés (avec majuscule) : Le Salon de l’automobile.

• Exposition, le plus souvent annuelle, d’artistes vivants (souvent avec une majuscule); article de journal, de revue, consacré à la critique d’un Salon.

• Nom de certains magasins : Salon de coiffure. Salon de thé.

Thématique (Mots- clefs)Salon littéraire, salon des refusés, comédie de salon, danse de salon, mobilier.


PRIMAIRES ✛ Décris le salon de ta maison/appartement. Quels

sont les éléments qui te paraissent être du domaine de l’art (arts décoratifs, œuvre d’art, mobilier design) et non du domaine de l’utile, du pratique ? Est-ce que artistique et pratique sont compatibles ? (oui, on trouve l’art partout, chaises, vaisselles, canapé, l’objet le plus simple est conçu par des designers).

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Observer le salon conçu par Yaacov Agam entre 1972

et 1974 pour répondre à une commande du Président de la République. Est-ce un salon que l’on trouve partout ? Pourquoi ?

✛ Yaacov Agam parle de son salon comme d’un « espace pictural à habiter ». Est-ce le but premier d’un salon ?

M U S É E P A S S A G E R – L E S A L O N – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

Le salon« Un salon de huit ou dix personnes dont toutes les femmes ont eu des amants, où la conversation est gaie, anecdotique et où l’on prend du punch léger à minuit et demi est l’endroit du monde où je me trouve le mieux »Vie de Henry Brulard (1835-1836), Henri Beyle, dit Stendhal

18 M U S É E P A S S A G E R – L E S A L O N – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

Le musée chinois de l’Impératrice (1863), détail du salon des Laques Château de Fontainebleau

Salon de Madame Geoffrin, par Anicet- Charles-Gabriel Lemonnier

Yaacov Agam, salon de l’Elysée, 1972-74

VISUELS

Le musée chinois de l’Impératrice (1863), détail du salon des Laques Château de Fontainebleau / Salon de Madame Geoffrin, par Anicet-Charles-Gabriel Lemonnier / Yaacov Agam, Salon de l’Elysée, 1972-74

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Alexandra Gorczynski, Time Was, Time Is, Mineral Room, Illuminated Crescent, Emerald Obelisk, Installation composée de quatre collages, fresques digitales et projections vidéos, 2015. © Copyright l’artiste et Zhulong Gallery (Dallas, Texas) (production pour le musée passager)

COMMENTAIRE D’ŒUVREL’œuvre d’Alexandra Gorczynski est composée de quatre panneaux présentant un intérieur coloré dans les tons verts et bleux pour le salon du musée passager. Des lés de photographies, papiers et dessins sont juxtaposés les uns aux autres et mettent en scène des sculptures antiques, allégories de la magie et du mystère de l’art, selon elle. Alexandra passe du réel au virtuel : elle réalise des dessins et des peintures sur papier qu’elle photographie puis scanne pour les intégrer à son collage numérique, elle insère des photographies

prises au musée ou bien chez elle, et glâne des images sur internet. Inspirée des mouvements cubiste, dada, et surréaliste, Alexandra aborde toutes ses œuvres comme des collages, qui, d’après elle, même s’ils sont réalisés par ordinateur, n’existent que s’ils sont assemblés par la main de l’homme. L’œuvre « doit pouvoir sortir de son ordinateur, respirer le même air que son créateur et éprouver la même temporalité et fragilité qu’on ne trouve que dans la vie ».

BIOGRAPHIENée en 1983 à Pensacola (Floride, Etats-Unis), Alexandra Gorczynski vit et travaille à San Francisco (États-Unis).

Après avoir terminé ses études de Peinture à la Rhode Island School of Design en 2006, Alexandra Gorczynski s’engage dans une pratique qui se situe à la frontière entre vidéo et peinture. Sa pratique explore la porosité des frontières entre la vidéo et la peinture. Recourant

aux nouvelles technologies, elle procède par collage de formes et de couleurs. Elle provoque ainsi des court-circuitages spatiaux-temporels qui reflètent l’impact des bouleversements introduits par l’ère du numérique dans notre appréhension du monde.

Pour aller plus loinPour en savoir plus sur Alexandra Gorczynski :Site de l’artiste : www.alexandragorczynski.comfacebook : www.facebook.com/alexandra.gorczynskitwitter : www.twitter.com/Alexandra____G

Thématique (mots-clefs)Impression numérique, collage, virtuel, digital, écran, projection, vidéo.

M U S É E P A S S A G E R – A L E X A N D R A G O R C Z Y N S K I – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

ALEXANDRA GORCZYNSKI

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PRIMAIRES ✛ Etudier des collages de différentes époques de

l’histoire de l’art : Henri Matisse, Dada, pop art. Récupérer des magazines, des papiers de bonbons, des morceaux de carton, des journaux et autres papiers de brouillons, et réaliser un collage avec une contrainte : avoir au moins 5 matériaux différents sur sa réalisation.

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Observer l’œuvre. Identifier les provenances des

différentes parties du collage. Lesquelles proviennent du monde réél, du monde virtuel ? (L’artiste a juxtaposé des peintures faites à la main qu’elle a photographiées puis scannées, elle a utilisé des photos personnelles de ses visites dans des musées, mais aussi des images qu’elle a glanées sur internet, sur lesquelles elle intervient avec les logiciels paint et photoshop. Elle mélange systématiquement réél et digital.)

✛ Qu’amènent la technologie et l’ordinateur de plus dans la technique du collage ?

✛ Alexandra Gorczynski projette des vidéos sur ses collages. Quel est l’effet souhaité ? (les vidéos, construites sur le même modèle que les collages statiques, apportent du mouvement et une dynamique à l’ensemble de la pièce.)

ARTISTE ASSOCIÉE À L’ART NUMÉRIQUE ET AU COLLAGE :

✛ Qu’est-ce que l’art numérique ? Il existe comme genre artistique depuis les années 60. Conçu grace à l’ordinateur et au développement de programmes électroniques, l’art numérique décline des techniques artistiques déjà bien identifiées, comme c’est le cas ici où Alexandra utilise la technique du collage.

✛ Qu’est ce que le collage, papiers collés, et collage numérique ? Le collage est une technique de création artistique qui consiste à organiser une création plastique par la combinaison d’éléments séparés, de toute nature : extraits de journaux avec texte et photogravures, papier peint, documents, objets divers. Ce qui le distingue des papiers collés qui n’emploient que du papier. Le collage numérique utilise des éléments séparés trouvés sur internet ou travaillés sur ordinateur.


Hamilton Richard, Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing, 1956

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L’artiste Alexandra Gorczyncki-Figure Study VIII, Figure Study V, Mémorial, 2010-2015 / Collages et papiers collés Pablo Picasso, Bowl with Fruit, Violin, and Wineglass, 1913, fusain, aquarelle, huile / Raoul Hausmann et Hannah Höch au vernissage de la Foire internationale Dada, Berlin, galerie Otto Burchard, le 30 juin 1920 / Raoul Hausmann, Elasticum, 1920, collage et gouache/Henri Matisse, Polynésie, La mer, 1946 / Kurt Schwitters, En Morn (Un matin),1947 / Hamilton Richard, Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing, 1956 / Louis-Philippe Côté, Data, entre 1996 et 2013, Collage sur papier. Symbolisme Gustave Moreau, Salomé tatouée, 1878-1885.


Alexandra Gorczynski - Figure Study VIII

Raoul Hausmann et Hannah Höch au vernissage de la Foire internationale Dada, Berlin, galerie Otto Burchard, le 30 juin 1920

Raoul Hausmann : Elasticum, 1920, collage et gouache

Louis-Philippe Côté, Data,1996-2013 Collage sur papier

Alexandra Gorczynski - Mémorial

Kurt Schwitters, En Morn (Un matin), 1947, Collage de papiers découpés

Alexandra Gorczynski - Figure Study V

Henri Matisse - Polynésie, la mer, 1946 Gustave Moreau, Salomé tatouée, 1878-1885

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Casey Reas, Surface, installation (logiciel, ordinateur, projecteur, panneaux de bois), 2009. Photos de l’installation de surface 2009 à la Fondation Gray Area for the Arts, San Francisco / Courtesy DAM Gallery

COMMENTAIRE D’ŒUVREL’installation Surface ou process 13 (installation 1) met en scène 20 triangles au sol sur lesquels sont projetées des séquences d’images créées par ordinateur. Pour la réaliser, Casey Reas s’est inspiré de la représentation d’une carte du monde dite « Projection de Füller » créée en 1946 par l’architecte, designer et futuriste Richard Buckminster Füller. Sur son curieux planisphère, les 20 triangles imaginés par Füller peuvent être positionnés différemment, la carte du monde n’ayant ni haut ni bas.

Selon Füller, cette façon de visualiser les continents de la terre sous la forme d’une île unique dans un océan unique présente moins de déformations. Dans l’œuvre Surface, Casey Reas réinterprète la forme géométrique en trois dimensions de Füller et nous donne à voir la surface d’un monde imaginaire et informatisé, déplié et schématisé, qui révèle l’écoulement de matière à travers la surface .

BIOGRAPHIECasey Reas est né en 1972 à Troye dans l’Ohio. Il vit et travaille actuellement à Los Angeles

En créant des logiciels informatiques pour les adapter au monde de l’art, Casey Reas créée une expérience visuelle unique, à la croisée entre l’art conceptuel, l’animation expérimentale et le dessin. Son travail original, -alliant différentes techniques comme les programmes d’ordi-nateurs, les impressions, ou les installations-, fait déjà partie des plus grandes collections mondiales (Centre Georges Pompidou, Victoria and Albert museum de

Londres.) Casey est en parallèle professeur à l’Université de Californie à Los Angeles. Il détient un diplôme de l’Institut de Technologie du Massachusetts en arts et sciences ainsi qu’un diplôme de l’École de Design, Architecture, Art et de programmation de l’Université de Cincinnati. Ses écrits et manuels de programmations sont aujourd’hui utilisés par de nombreux designers et artistes d’art visuel.

Pour aller plus loinSite de l’artiste : http ://reas.com Compte Twitter de l’artiste : https ://twitter.com/reas Visionner l’œuvre : http ://reas.com/surface/ Les étapes de la programmation d’une œuvre de Casey Reas http ://reas.com/compendium_lecture / (en angais) Les œuvres de Casey Reas au Centre Pompidou https ://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-a3f92acad8c1f595b46afd551ffd3fab&param.idSource=FR_O-5d3c8e648686ddbc7c1e406c7456677f

Thématique (mots-clefs)Installation, logiciel, programme informatique, ordinateur, animation, forme géométrique, tapis numérique, projection cartographique, représentation de la surface de la Terre.

CASEY REAS

23 23M U S É E P A S S A G E R – C A S E Y R E A S – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

PISTES À EXPLORER EN CLASSE

PRIMAIRES ✛ Inventer un programme d’animation de formes selon

le procédé de Casey, mais par le dessin et l’écriture. À réaliser par groupe de deux élèves. Dessiner six cadres rectangulaires.

✛ 1. Dans le premier cadre, l’élève dessine une/des forme(s) par exemple des ronds bleus,

✛ 2. Dans le second, l’élève explique par des phrases ce qu’ il attend de ces formes. Par exemple, « les ronds bleus doivent tourner vers la droite »

✛ 3. Dans le troisième, l’élève créée une nouvelle forme par exemple, des carrés verts.

✛ 4. Dans le quatrième rectangle l’élève explique par des phrases ce qu’il attend de ces formes. Par exemple les carrés verts doivent tourner vers la gauche

✛ 5. Dans le cinquième rectangle, l’élève imagine une interaction entre les deux formes. Il dessine à nouveau les formes du rectangle 1 (les ronds bleus) et ajoute ceux du rectangle 3 (les carrés verts).

✛ 6. Dans le 6e rectangle, l’élève explique par une phrase, l’interaction qu’il désire entre les deux formes; Exemple : les ronds bleus tournent sur la droite et rebondissent sur les rebords du cadre lorsqu’ils touchent les carrés verts

✛ On pourra ensuite faire une réalisation finale de cette séquence d’animation avec des formes découpées dans du papier de couleur et mobiles, grâce à des attaches parisiennes.

✛ Que veulent dire les mots « cartographie » « planis-phère » « mappemonde » ? Chercher dans des livres et/ou sur internet différentes représentations de la carte du monde à différentes époques. En quoi celle qui a inspiré Casey Reas est originale ? (Casey s’est inspiré de la représentation de la terre de Richard Buckminster Füller qui montre le monde sous forme de triangles. L’œuvre de Casey est une interprétation libre, son monde à lui est composé de formes abstraites en mouvement créées par ordinateur.)

✛ Tu as visité le salon du musée passager. Qu’a le tapis de Reas Casey de différent de ceux que tu connais ? (Il est en 3 dimensions, numérique et créé par ordinateur). À quoi sert un tapis ? Est-ce qu’un tapis peut être une œuvre d’art ?

✛ Tu es designer et tu dois dessiner un tapis original pour ton salon. Installer les enfants par groupe pour qu’ils échangent leurs idées pour dessiner un tapis qui ait des particularités propres à leur imagination (tapis volant, tapis ordinateur, tapis de jeux, etc).

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Organiser un atelier dans le cours de technologie.

Créer un programme pour animer des formes et réaliser une œuvre à la manière de Casey Reas en suivant les instructions de l’œuvre de l’artiste http ://reas.com/compendium_lecture/

✛ En arts plastiques, étudier les différentes iconogra-phies du tapis à travers l’histoire de l’art, recueillir et créer de nouveaux motifs abstraits et les faire figurer sur la silhouette des 20 triangles de l’œuvre de Casey préalablement dessinés sur une feuille blanche (les résultats pourront être envoyés et publiés sur la page facebook du Musée Passager).

✛ Autour de la projection de Füller, créer une carte du monde géométrique schématisée et abstraite qui peut ensuite être construite en 3D.

✛ Étudier l’évolution des représentations de la Terre à différentes époques.

ARTISTE ASSOCIÉ À.....RICHARD BUCKMINSTER FÜLLER ET À L’ART NUMÉRIQUE

✛ Richard Buckminster Füller, architecte, designer, inventeur, auteur et futuriste américain né le 12 juillet 1985 à Milton, Massachusetts, et mort le 1er juillet 1983 à Los.

✛ L’art numérique désigne les créations qui utilisent les spécificités du langage numérique, où le travail de l’artiste s’appuie sur la puissance de calcul de l’ordinateur et le développement d’interfaces électroniques. Il s’est développé comme genre artistique depuis le début des années 1960.

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L’artiste Casey Reas, TI, 2004, ordinateur, Projecteur, Disques / Casey Reas, Process 13, 2006, Centre Pompidou / Casey Reas, Process 7 A from Compendium 2004-2010, 2010, impression sur dibond / Cartographie et projection de Füller Jasper Johns, Carte d’après la projection de Füller, 1967 / Exemples de projections de Füller, 2010 / Le tapis dans l’art Jan Van Eyck, Madone avec Canon van der Paele, 1436 / Tapis persan, 1500-1600, Victoria and Albert museum Londres / Eugène Delacroix, Femmes d’Alger dans leur appartement, 1834 / Dominique Perrault, Tapis, 1990, mailles métalliques fils métalliques pliés autour de filins métalliques soudés en bordure du tapis, Centre Pompidou / Erwan Bouroullec, créateur, La grappe, 2001, velours, musée des arts décoratifs Paris / Tapis rouge, festival de Cannes, 2014.

Casey Reas, TI, 2004, ordinateur, Projecteur, Disques

Casey Reas, Process 7 A from Compendium 2004-2010, 2010, impression sur dibond

Jasper Johns, Carte d’après la projection de Füller, 1967

Tapis persan 1500- 1600, Victoria and Albert museum Londres

Exemples de projection de Füller, 2010

Eugène Delacroix, Femmes d’Alger dans leur appartement, 1834

La grappe, Erwan Bouroullec, créateur, 2001, velours, musée des arts décoratifs Paris

Jan Van Eyck, Madone avec Canon van der Paele, 1436

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Dans la chambre du musée passager, espace intime ouvert à tous les imaginaires seront exposées les peintures de Giulia Andreani, portraits de famille évanescents peints

au gris de Payne qui évoquent le souvenir, et les vidéos de Sabrina Ratté, construction technologique d’une représentation mentale effrayante.

DÉFINITION• Pièce d’une habitation où l’on couche.• Pièce d’habitation indépendante dans un immeuble,

un hôtel, etc. : Chercher une chambre avec un coin cuisine.

• Pièce où séjourne un malade dans un hôpital : Camarade de chambre.

• Nom donné à certaines assemblées s’occupant des intérêts d’un corps de métier, d’un groupe (avec une majuscule) : Chambre de commerce.

• Enceinte obscure de l’appareil photographique, recevant la surface sensible.

Thématique (mots-clefs)Chambre d’enfants, chambre nuptiale, chambre claire, chambre obscure, chambre noire.


PRIMAIRES ✛ Quel est le meuble le plus symbolique d’une chambre ?

(le lit)

✛ Où se trouve-t-il dans la chambre du musée passager ? (dans la peinture de Giulia qui représente une famille sicilienne.)

✛ Quels sont les adjectifs qui te font penser à ta chambre ? (Joyeux, gaie, triste, rêveur, tranquille, angoissant.) Quels sont ceux qui te viennent à l’esprit lorsque tu entres dans la chambre du musée passager ?

✛ De quoi sont recouverts les murs de ta chambre ? (bibliothèques, papier peint, peinture, posters) Et ceux du musée passager ? (ce sont des wall drawings, des dessins muraux réalisés par Giulia Andreani.)

✛ Créer un lé de papier peint en utilisant des motifs à répéter (au pochoir, au tampon ou en collage).

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Recenser différentes chambres dessinées ou peintes

par des artistes, ou décrites par des auteurs. Que constate-t-on ? (la chambre est souvent une projection de la personnalité de celui qui y dort. Chaque chambre a un univers bien différent.)

✛ Quelles sont les sensations et les impressions ressenties dans la chambre du musée passa-ger ? Pourquoi ? Les œuvres des artises exposées y sont-elles pour quelque chose ?

✛ Écrire une rédaction décrivant sa chambre, ses meubles, sa décoration, la façon dont on s’y sent, etc,.

M U S É E P A S S A G E R – L A C H A M B R E – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

La chambre« Rien n’est plus dangereux pour toi que ta famille, que ta chambre, que ton passé »Les nourritures terrestres, 1897, André gide

« Tout le malheur des hommes vient d’une seule chose, qui est de ne pas savoir demeurer en repos dans une chambre ».Pensées, 1669, Blaise Pascal

26 M U S É E P A S S A G E R – L A C H A M B R E – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

VISUELSMemmo di Filipuccio, Fresque Chambre du Podestà, vers 1310, San Gimignano / Chambre Marie Antoinette, château de Versailles, XVIIe siècle / Vincent Van Gogh, La chambre de Vincent à Arles, 1888 / Egon Schiele, La chambre de Schiele à Neulengbach, 1911/Chambre, magasin Ikéa, 2014.

Vincent Van Gogh, La chambre de Vincent à Arles, 1888

Chambre Marie Antoinette, château de Versailles, XVIIe siècle

Magritte, Les valeurs personnelles, 1952

Memmo di Filipuccio, FresqueChambre du Podestà, vers 1310,San Gimignano

Chambre du magasin Ikéa, 2014

Egon Schiele, La chambre de Schiele à Neulengbach, 1911

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Giula Andreani, Un beau jour..., 2013 / Courtesy Galerie Maia Muller et de l’artiste. Production pour le musée passager à venir. © Giulia Andreani.

Pour le musée passager, Giulia créée F.O.M, installation composée de fresques digitales et acryliques sur toile, 2015

COMMENTAIRE D’ŒUVRESoucieux de proposer une installation qui entoure le visiteur jusqu’à l’encercler, Giulia Andreani a accepté la proposition de Frédéric Laffy, commissaire de l’exposition, de concevoir une composition qui soit regardée comme une œuvre globale. Celle-ci englobe quatre fresques digitales issues d’aquarelles réalisées expressément pour l’exposition, et une série de tableaux venant les compléter. L’interprétation du travail du peintre via le prisme des nouvelles technologies de l’image est une façon pour le commissaire de soutenir physiquement l’émotion recherchée dans la pièce; ce sentiment d’étouffement par la mémoire et les fantômes, ou, pour paraphraser Anouilh, l’oppression de ces milles bras et de cet unique regard. C’est aussi une façon d’exprimer le thème général, Vivre, en mettant en scène les possibilités actuelles d’insertion de l’art dans une pièce ou une architecture.Les compositions murales sont principalement inspirées de photographies d’un catalogue retrouvé dans l’atelier du grand -père de l’artiste. Pour les peintures, Giulia Andreani a travaillé en chercheuse et ré-interprétatrice d’archives sur le catalogue de l’exposition The family of Man. Présentée pour la première fois en 1955 au MoMA de New York par Edward Steichen, l’exposition comprenant 503 photographies de 237 artistes venus de 68 pays se voulait être un manifeste pour la paix exprimée à travers des photographies humanistes de l’Après- Guerre. Parmi les artistes exposés Robert Capa, Henri Cartier Bresson, Robert Doisneau, ou encore August Sander. Giulia nous livre sa réinterprétation cynique et politique de portraits de familles caricaturaux ;

la famille blanche de fermiers américains, la famille noire du Botswana représentée comme de « bons sauvages », la famille sicilienne photographiée dans sa pauvreté et son austérité. L’artiste questionne le rôle de la photographie, accusée de double jeu entre documentaire et image de propagande, et la détourne à son tour, par les erreurs, les taches et les coulures marquant des visages qui invitent à sonder la responsabilité de la mémoire

Le travail de Giulia Andreani pose également la question de la hiérarchie des arts comme miroir de celle en place au sein de la société. Traditionnellement, l’art le plus noble est la peinture d’Histoire, c’est-à-dire une composition traitant d’un sujet historique religieux, antique, mythique ou moderne. Lorsque le sujet était un événement récent, les personnages représentés étaient toujours des princes, des rois ou des importants. À l’opposé était la scène de genre (c’est à dire du quotidien) et le portrait. Au cours du XIXe s’est opéré un changement de valeur, avec deux aboutissements. Celui de l’individu, initié à la Renaissance comme centre du monde. Celui du peuple, comme source de souveraineté et de pouvoir absolu. L’enterrement à Ornans et l’atelier de l’artiste de Gustave Courbet (il faut considérer l’artiste comme l’image de l’individualisme) sont des jalons fondateurs. En traitant de façon égale les puissants et les humbles, les actes du quotidien et les événements historiques, Giulia Andreani continue cette dialectique entre l’affirmation croissante de la mythologie personnelle et l’ubac du roman national.

M U S É E P A S S A G E R – G I U L I A A N D R E A N I – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

GIULIA ANDREANI

28 M U S É E P A S S A G E R – G I U L I A A N D R E A N I – D O S S I E R P É D A G O G I Q U E – 2 0 1 5

BIOGRAPHIENée en 1985 à Venise, en Italie, Giulia Andreani vit et travaille à Paris depuis 2008.

Formée aux Beaux-arts de Venise et à l’Histoire de l’art à l’université de la Sorbonne, à Paris, Giulia Andreani travaille à la fois la peinture et l’aquarelle. En véritable « iconophage », chercheuse tout autant que peintre, ses œuvres se nourrissent d’images à caractère historique, extraites du cinéma italien, de la vie quotidienne des années 20 à 60, de l’imagerie politique ou encore

d’archives familiales. Giulia Andreani fouille dans les archives photographiques, les détourne, les peint dans un gris bleuté, le gris de Payne, et créée des atmosphères fantomatiques entre disparition, souvenirs et nostalgie. Elle a été nominée en 2012 au Prix Sciences-Po pour l’art contemporain, et lauréate du concours Paliss’art en 2011, à Évreux.

Pour aller plus loinPour en savoir plus sur Giulia Andreani : Compte twitter : https ://twitter.com/Giu_Andreani Site de l’artiste : http ://giuliaandreani.blogspot.fr/p/textes.html Site des galeries : http ://www.galeriemaiamuller.com/index.php?idr=58&lang=fr

Thématique (mots-clefs)Portrait, gris de Payne, acrylique, aquarelle, souvenir, mémoire, peinture figurative, et photographie, archives.


PRIMAIRES ✛ Quelle est la technique artistique qu’utilise Giulia ?

La peinture ? La sculpture ? La photographie ? (Giulia est peintre, elle peint à l’aquarelle et à l’acrylique. Cependant, elle s’appuie sur des photographies qu’elle trouve dans des archives, des brocantes ou des greniers. Elle les peint tout en les modifiant.)

✛ Créer un portrait en utilisant des papiers collés (magazines, canson, etc) et des pastels gras de couleurs bleue, grise pour expérimenter les effets des teintes utilisées par l’artiste (gris de Payne).

✛ Par groupe de 3, les élèves se voient distribuer une photo de famille ou une reproduction d’œuvre. À eux d’inventer une histoire autour de ces gens, qui sont-ils ? Quel est leur lien?

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Giulia Andreani part de la photographie pour en

estomper les traits et en troubler l’exactitude, quel est l’effet voulu par l’artiste ?

✛ On parle pour l’œuvre de Giulia, de peinture figurative, que cela veut-il dire ? À quoi cela s’oppose-t-il ? (à la peinture abstraite.)

✛ Observez bien les peintures de Giulia, elle n’exploite pas la totalité de la toile, elle laisse ce qu’on appelle en peinture, des « réserves » ? Pourquoi ? (les réserves sont des espaces de respiration, elles accentuent le trouble et l’atmosphère fantomatique de l’œuvre.)

✛ Le rôle de la photographie. Photo-journalisme, pho-tographie d’art, photographie de mode, photographie documentaire, photographie de propagande. Quelles sont les différentes fonctions de la photographie. A -t-elle une fonction artistique ou une fonction politique ?

ARTISTE ASSOCIÉE AU... GRIS DE PAYNE, À LA PEINTURE FIGURATIVE, AU PORTRAIT :

✛ Qu’est-ce que le gris de Payne ? La teinte « gris de Payne » a été mise au point par l’aquarelliste anglais William Payne à la fin du XVIIIe. À l’origine, il s’agissait d’un mélange de bleu indigo, sienne naturelle et cramoisie d’alizarine créant une teinte gris bleuté, entre le chaud et le froid. La teinte particulière et magnétique évoque l’aspect miroité des anciens daguerréotypes et des vieilles photos.

✛ Qu’est-ce que la peinture figurative ? Se dit d’une peinture qui s’exprime par la représentation d’objets de la réalité. La peinture figurative utilise comme modèles des objets/personnes du réel, en les représentant tels qu’ils se présentent, ou en les déformant. La peinture figurative s’oppose à la peinture abstraite, qui ne cherche pas à représenter des objets du réel.

✛ Qu’est-ce qu’un portrait, une galerie de portraits ? Représentation d’une personne ou d’un groupe de personnes par le dessin, la peinture, la photographie, etc.

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L’artiste, Giulia Andreani, Forever young, 2012 / Giulia Andreani, Eduardo Cosimo Cammilleri (enterrement de vie de garçon), 2012 / Gris de Payne William Payne, Moulin au clair de lune, aquarelle, avant 1830 / Galerie de portraits Léonard de Vinci, La Joconde, 1505 / Frans Hals, Portrait de groupe des régentes de l’hospice de vieillards, 1664 / Gustave Courbet, Un enterrement à Ornans, entre 1849 et 1850 / Fantin Latour, Hommage à Delacroix, 1864 / Andy Warhol, Marilyn Monrœ, 1964 / Exposition family of Man Nina Leen, Quatre générations de fermiers dans l’Ozark, 1955 / FOM, Steichen, Directeur du département de la photographie du Moma, 1955 / Vue de “The Family of Man” exposition du MoMA, New York, 1955. / La tradition de la fresque italienne Jacopo Robusti, dit Tintoretto, décorateur officiel de la Scuola Grande di San Rocco. 1564-1588./Tintoret, La Gloire du Paradis, détail fresque, Venise, Palais des Doges, mur du fond de la Salle du Grand Conseil. 1588. Photographie politique et propagande Photographie de propagande retouchée par GP Goldstein sous la volonté de Staline en 1927. Trotski et Kamenev sont effacés de la photo originale de 1920 où Lénine prononçait un discours la place Sverdlov à Moscou.

Photographie de propagande retouchée par GP Goldstein sous la volonté de Staline en 1927. Trotski et Kamenev sont effacés de la photo originale de 1920 où Lénine prononçait un discours la place Sverdlov à Moscou.

Giulia Andreani, Forever Young, 2012

Vue de“The Family of Man” exposition au MoMA, New York, 1955.

Gustave COURBET - Un enterrement à Ornans, 1849-50

Andy Warhol, Marilyn Monrœ, 1964

Léonard de Vinci, La Joconde, 1505

Tintoret - La Gloire du Paradis, détail fresque, 1588.

Fantin Latour, Hommage à Delacroix, 1864Frans Hals, Portrait de groupe des régentes de l’hospice de vieillards, 1664

Giulia Andreani, Eduardo Cosimo Cammilleri (enterrement de vie de garcon), 2012

FOM, Steichen, Directeur du département de la photogra-phie du Moma, 1955

Nina Leen, Quatre générations de fermiers dans l’Ozark, 1955

William Payne, Moulin au clair de lune, avant 1830

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Sabrina Ratté, Jolly ghosts, Installation vidéo, 3’44, 2015. © Sabrina Ratté

COMMENTAIRE D’ŒUVRELa vidéo de Sabrina Ratté est inspirée de la « zone » du film Stalker d’Andreï Tarkovsky, réalisé en 1979 d’après le livre Stalker, Roadside Picnic (Pique-nique au bord du chemin) des frères Strougatsky. Cette œuvre de 3,44 minutes recréée l’ambiance surnaturelle et sombre d’un chef d’œuvre du cinéma soviétique. Il existe une « zone », lieu dont personne ne connaît la nature. A-t-elle été touchée par une bombe atomique ? Une météorite ? La venue d’extraterrestres ? Cette zone est

crainte par tout le monde et cernée par la police. On ne peut y entrer : elle est considérée comme dangereuse. En son cœur, on dit qu’il existe un lieu, « la chambre », où tous les souhaits peuvent être réalisés. Des passeurs, nommés stalkers (rôdeur, chasseur), peuvent guider ceux qui tentent d’y entrer. La vidéo de Sabrina Ratté met en scène cette « zone », inquiétante et effrayante, qu’il faut traverser afin d’atteindre le lieu de tous les possibles et de tous les rêves : la chambre.

BIOGRAPHIENée en 1982 au Canada, elle vit et travaille à Montréal.

Le travail de Sabrina, marqué par le mélange de technologies analogiques et numériques, propose différentes visites à l’intérieur de paysages et d’environ-nements architecturaux générés par la manipulation de signaux électroniques. Ses vidéos se manifestent sous plusieurs formes telles que la performance live, l’installation, l’environnement virtuel, l’animation 3D, et se conjuguent avec d’autres genres comme l’art numérique, la photographie et la musique. Dans

ses vidéos, Sabrina Ratté détourne la réalité en y insufflant des atmosphères nocturnes ou de lumière artificielle. Elle détient une maîtrise en Production Cinématographique de l’Université Concordia et son travail est présenté dans des festivals et lieux comme le Festival International de film Rotterdam, Paddles On!, 1st Digital Art Auction at Phillips, NYC, Le TIFF., le Festival de film Ann Harbor, EMPAC, La Gaîté Lyrique, le Centre Daïmon et la Cinémathèque Québécoise.

Pour aller plus loinSite de l’artiste : http ://sabrinaratte.com Blog de l’artiste : http ://cinepœme.blogspot.deSérie des photos de Sabrina Ratté qui inspirent ses vidéos : http ://ladimensionprochaine.blogspot.ca / Lien vers la vidéo : http ://sabrinaratte.com/JOLLY-GHOSTSLien vers un extrait du film d’Andrei Starkovsky Stalker https ://www.youtube.com/watch?v=Mm8OreuwIwcLien vers un extrait de la vidéo expérimentale « Anemic cinéma », 1925, de Marcel Duchamp assisté de Man Ray. https ://www.youtube.com/watch?v=vQzQLH-dqEw

Thématique (mots-clefs)Vidéo, film expérimental, animation 3D, art numérique, musique, collages digitaux, architecture virtuelle, espace intérieur.

SABRINA RATTE

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PRIMAIRES ✛ Observer la vidéo de Sabrina Ratté. Quels sentiments

fait-elle naître chez chacun ? La joie, la bonne humeur, la peur, la tristesse, l’effroi ? Quels sont les éléments que l’artiste utilise pour faire naître ces sentiments ?

✛ Sabrina Ratté prend toujours des photos de son environnement proche, qui lui donnent des idées pour construire ses vidéos. Elle aime particulièrement les lumières artificielles, les ambiances de nuits et les centres commerciaux. Utiliser les photos que Sabrina a mises sur son blog, et par le découpage et le collage, créer un univers architectural nouveau.

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Regarder un extrait du film Stalker de Tarvosky de

1979, des images du jeu vidéo S.T.A.L.K.E.R. : Shadow of Chernobyl, sorti en 2007, et enfin, la vidéo de Sabrina Ratté. Quels sont les points communs aux trois supports ? Lequel est le plus effrayant ? Pourquoi ? (le film de Tarvosky met en scène des humains. L’identification du spectateur aux personnages et à la situation est plus aisée. Le travail numérique permet au contraire de mettre une distance entre la réalité et le virtuel et d’opérer une dédramatisation.)

✛ L’ambiance noire du film et cette notion de zone ou d’un no man’s land proche de la destruction ont été a posteriori comparées à un événement noir de l’Union Soviétique. Lequel ? Pourquoi ? (Tchernobyl en 1986.)

✛ Comment Sabrina Ratté suggère-t-elle un climat inquiétant dans sa vidéo ? (utilisation de la musique, de masse abstraite et de couleurs sombres.)

✛ Pourquoi cette œuvre se trouve-t-elle dans la « Chambre » du musée passager ? (L’œuvre de Sabrina fait allusion à la « chambre » espace intime et secret, lieu de tous les souhaits que les personnages du film « Stalker » souhaitent atteindre.)

ARTISTE ASSOCIÉE À… LA VIDÉO, AU MONTAGE NUMÉRIQUE/ANALOGIQUE ET AU CINÉMA EXPÉRIMENTAL ABSTRAIT :

✛ Qu’est-ce que la vidéo ? L’art vidéo naît dans les années 1960. Il résulte de la volonté de faire de ce type de médium une création à part entière, hors du contexte de l’image télévisuelle ou cinématographique traditionnelle. Dans un de ses premiers travaux, l’artiste sud-coréen Nam June Paik participe à l’exposition de musique de télévision en 1963 dans la galerie Parnass de Wuppertal. Il pose 13 téléviseurs à même le sol et utilise des aimants pour dérégler les images. Certains sont posés droits et d’autres de biais. Le but est de perturber la relation habituelle que le spectateur a à son récepteur. Ce sera l’acte de naissance officiel de l’art vidéo.

✛ Qu’est ce que le montage numérique/analogique ? Pour la vidéo, le montage analogique est celui où le monteur manipule directement la pellicule; dans le montage numérique, il n’y a plus de pellicule car toutes les images sont numérisées et le montage s’effectue sur un ordinateur à partir de ces fichiers vidéos et audio.

✛ Qu’est-ce que le cinéma abstrait et expérimental ? Le cinéma abstrait est d’abord une catégorie du cinéma d’avant-garde, puis du cinéma expérimental qui s’est formalisée en 1912 en Italie, au sein du futurisme, première avant-garde artistique du XXe siècle. Le cinéma abstrait vise à être un cinéma purement graphique. Le but principal de l’abstraction apparue en peinture en 1910, était de libérer cette dernière du sujet et de sa représentation au profit de l’expression directe par la couleur et le geste créateur. C’est surtout en Allemagne dans les années 20 que se développe le premier courant de films abstraits (encore visibles aujourd’hui) autour de Hans Richter.

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L’artiste, Sabrina Ratté, Visites Possibles, 7 min, vidéo, son Roger Tellier, 2014 / Les images de la vie quotidienne qui inspirent l’artiste Sabrina Ratté, AMC Forum III (Mtl), 2013 / Sabrina Ratté, ComplexeDesjardinsMtl, 2014 / Sabrina Ratté, Cinéplex forum, 2014 Sabrina Ratté, Mail Champlain Brossard, 2014 /Art vidéo Nam June Paik, Exposition of Music-Electronic Television, 1963/Nam June Paik, Electronic Superhighway : Continental U.S., Alaska, Hawaii, 1995 / Andrei Tarkoski Tarkovski, Stalker, la chambre, 1979 / Andrei Tarkoski Tarkovski, Stalker, la zone, 1979

Sabrina Ratté, Complexe Des jardins Mtl, photographie d’inspiration pour ses œuvres vidéos

Sabrina Ratté, Mail Champlaing Brossard

Nam June Paik Exposition of Music-ElectronicTelevision, 1963.

Nam June Paik, Electronic Superhighway : Continental U.S., Alaska, Hawaii, 1995

Sabrina Ratté, Visites Possibles, 7 min, vidéo, son Roger Tellier, 2014

Sabrina Ratté, Cinéplex forum

Andrei Tarkoski Tarkovski, Stalker, 1979Andrei Tarkoski Tarkovski, Stalker, la chambre, 1979Andrei Tarkoski Tarkovski, Stalker, la chambre, 1979

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Dans la chapelle du musée passager, sera présentée l’œuvre de Marine Antony, une installation immersive et spirituelle au sein de laquelle le visiteur est convié à cheminer vers son espace intérieur.En tout temps, en tout lieu, l’Homme a cherché sa condition à travers la foi, le dogme et la croyance. Cet élan métaphysique, par besoin d’isolement ou de communion a toujours pris forme physique; en se concentrant sur le génie sensuel de l’incarnation, ou la rigueur intellectuelle de l’iconoclasme, en affichant une modestie emblème de pureté, ou une magnificence qui sublime. Egalement en quête d’essence et de transcende, l’art se mêle à ce mouvement, depuis les peintures pariétales et le chamanisme jusqu’à la chapelle Matisse à Vence. La pièce de Marine Antony s’inscrit dans cette tradition de recherche de la vérité, dont l’immanence en chacun et la multitude des chemins obligent au doute de soi et au respect de l’autre.

DÉFINITION• Autrefois, église ou oratoire sans qualification

paroissiale. • Aujourd’hui, édifice religieux comportant généra-

lement un autel.• Pièce réservée au culte dans un lieu privé (collège,

lycée, hôpital, séminaire, château…). • Réunion en un lieu de statuettes de piété, etc. :

Avoir une petite chapelle dans sa chambre. • Ensemble des musiciens et des chanteurs qui assurent

la partie musicale d’un office religieux.

Thématique (Mots- clefs)Spirituel, immersif, espace-couleurs, lumières, espace clos-culte.

PISTES PÉDAGOGIQUESQuelle est l’importance de la lumière dans les lieux où l’on se recueille ?En quoi l’œuvre de Marine Antony diffère de cette image traditionnelle ?Quels sont les éléments qui confèrent à la spiritualité, à l’élévation de l’esprit, de l’âme ?

La chapelle« O Toi l’au-delà de tout N’est-ce pas là tout ce qu’on peut chanter de Toi ? Quelle hymne Te dira, quel langage ? Aucun mot ne t’exprime. »Grégoire de Nazianze (330-390 apr JC)

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VISUELS

Détail du mausolée de Galla Placidia, Ravenne, Ve siècle / Michel-Ange, fresque du plafond de la chapelle Sixtine, entre 1508 et 1512 / Marc Chagall, les trois verrières pour la chapelle axiale de la cathédrale de Reims/Marc Chagall, Vitrail de la chapelle des Cordeliers à Sarrebourg, 1976 / James Turrell, Skyspace at Live Oak Friends Meeting House, Houston, Texas, 2000 / Anish Kapoor, chapelle des petits augustins de l’école nationale superieure des beaux-arts, 2011 / Marine Antony, Black over blue, 2011, installation immersive.

Détail du mausolée de Galla Placidia, Ravenne, Ve siècleMichel-Ange, Vatican, chapelle Sixtine, fresques des voûtes, La Création d’Adam, Scènes de la Genèse, 1508-1512.

Marc Chagall, Vitrail de la chapelle des Cordeliers à Sarrebourg, 1976

James Turrell, Skyspace at Live Oak Friends Meeting House, Houston, Texas, 2000

Marine Antony, Black over blue, 2011,installation immersive

Anish Kapoor, Chapelle des petits augustins de l’école nationale supérieure des beaux-arts, 2011

Marc Chagall, les trois verrières pour la chapelle axiale de la cathédrale de Reims

Mausolée de Galla Placidia, Ravenne, Ve

siècle

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Marine Antony, Black over blue, 2011, installation immersive, espace noir, 100 plaques phosphorescentes. Dimensions variables. Photo : John Downes

COMMENTAIRE D’ŒUVREL’œuvre Black over blue de Marine Antony est composée de 100 plaques d’aluminium à deux faces : une noire, une phosphorescente, éparpillées dans une salle. Cette installation immersive met en scène deux notions chères à Marine Antony : l’espace et le spectateur. L’un et l’autre sont indissociables. D’un côté le spectateur

pénètre l’environnement de l’artiste, il est immergé dans un espace modulé par Marine Antony; de l’autre, cet espace lui permet d’interroger sa perception, de donner lieu à une contemplation et/ou d’y exercer une interaction.

BIOGRAPHIENée en France en 1986, Marine Antony vit et travaille en France

Après avoir étudié les arts plastiques à École Européenne Supérieure de l’Image à Poitiers, la danse et les nouveaux médias à l’ université Concordia à Montréal, elle donne forme à des œuvres pluridisciplinaires, mêlant instal-lations, performances, réalisations scénographiques, œuvres numériques, sculptures, à la croisée entre arts plastiques, arts sonores et arts du mouvement. Marine Antony créée des installations sensorielles et des envi-ronnements immersifs. Plongé dans un espace au sein

duquel ses repères habituels s’effacent, le spectateur est conduit à explorer de nouvelles perceptions et à questionner son rapport à l’inconscient et à l’invisible. Si sa formation aux nouveaux médias et sa proximité avec les arts numériques témoignent également d’une maîtrise sous-jacente des mathématiques et des sciences physiques, ses pièces en mouvement se rapprochent de l’art cinétique.

Pour aller plus loinPour en savoir plus sur Marine Antony : Site de l’artiste : http ://marineantony.netTexte sur Black over blue :http ://marineantony.net/bibliographie/presse/Accès au catalogue sur l’œuvre de Marine Antony :http ://marineantony.net/wp-content/uploads/2012/04/Catalogue-Marine-Antony.pdf

Thématique (mots-clefs)Installation immersive, moteurs électriques, mouvement aléatoire, ombre, lumières, couleurs, environnement.

MARINE ANTONY

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PRIMAIRES ✛ “Entendre les couleurs et voir les sons”, dans son

œuvre, Marine Antony souhaite aiguiser nos sens. En fermant les yeux, arrive-t-on à imaginer des couleurs ? Et inversement, quelles sont les couleurs d’un son, d’une voix ? Mettre la phrase de Marine en pratique : en cercle, chaque élève à tour de rôle prend une voix, une tonalité différente. Les autres essaient d’associer une couleur. Associer en deuxième partie du jeu les expressions sur les couleurs : rouge de colère, vert de rage, peur bleue, rire jaune, etc. Associer des émotions à des peintures (les fauves Rothka, Richter).

✛ Quelle est l’ambiance de la salle réservée à Marine Antony ? Est-ce une salle chaleureuse ou froide ? Travailler sur les couleurs chaudes et les couleurs froides, classer des feuilles de couleurs de la plus froide à la plus chaude.

COLLÈGES-LYCÉES ✛ Dans la classe d’arts plastiques, définir et créer une

installation. Une moitié de la classe traite la couleur bleue, l’autre moitié, la couleur noire. Chacun travaille sur un A4 et peut réaliser ce qu’il désire sur son support dans la couleur imposée par le collage, la peinture, des techniques sèches. Fixer ensuite tous les formats A4 au plafond grâce à un fil de laine. Expérimenter les mouvements aléatoires des formats suspendus en fonction des déplacements de chacun.

ARTISTE ASSOCIÉE À… L’INSTALLATION, À L’ART CINÉTIQUE ET AU MOUVEMENT LIGHT AND SPACE

✛ Qu’est-ce qu’une installation ? Une installation caractérise depuis les années 1970, une partie des productions de l’art contemporain qui se définissent par l’occupation d’un espace donné, par la mise en situation de diffé-rentes techniques d’expression et de représentation, ainsi que par le rapport participatif qu’elle implique avec le spectateur. L’art de l’installation représente l’avènement d’un nouvel espace plastique à la frontière entre l’art et le réel. Cette frontière est le moteur d’un dispositif artistique immersif (dans lequel on entre complétement) par lequel le visiteur d’une installation expérimente une perception autre de l’espace.

✛ Qu’est-ce que l’art cinétique ? Forme d’art contemporain issue de l’abstraction et fondée sur le caractère changeant de l’œuvre, son mouvement apparent ou réel. Le mouvement peut être produit par le vent, le soleil, un moteur ou le spectacteur.

✛ Light and space (Lumière et espace)

✛ Il s’agit d’un mouvement artistique lié à l’art optique, au minimalisme et à l’abstraction géométrique qui trouve ses origines dans le sud de la Californie dans les années 1960. Ses caractéristiques sont de se baser sur les phénomènes de perception, tels que la lumière et le volume par l’utilisation de matériaux tels que le verre, le néon, les lampes fluorescentes. Les artistes du mouvement peuvent intégrer de la lumière naturelle ou de la lumière artificielle dans des objets ou de l’architecture, ou bien jouer avec à travers l’utilisation de matériaux transparents, translucides ou réfléchissants. James Turell fait partie de ce mouvement.

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Elias Crespin, Circuconcentricos Rouge Orange, Mobile pour le musée passager, 2014

Olafur Eliasson, Your Concentric Welcome, 2004. Œuvre en 3 dimensions.

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L’artiste Marine Antony, Résonnance, sculpture sonore interactive, Montréal, 2008 / Marine Antony, cross and share, scénographie pour la compagnie Dossavi, 2012. Art cinétique Olafur Eliasson, Your Concentric Welcome, 2004. Œuvre en 3 dimensions. Elias Crespin, Circuconcentricos Rouge Orange, Mobile pour le musée passager, 2014. Installation Immersive Jesús Rafael Soto, Pénétrable BBL Bleu,1999 /Yayoi Kusama, I pray with all of my love for tulips, installation, Osaka National Museum of International Art, 2012 / collectif Squidsoup, Submergence : champs de 8,064 ampoules suspendues, 2013 / James Turrell, The Light Inside, 1999, Museum of Fine Arts, Houston / James Turrell, Aten-Reign, 2013 / Les installations immersives de Marine, et sa volonté de créer un lien entre le spectateur et l’œuvre intègrent son travail dans la lignée d’artistes qui depuis la fin des années 50 souhaitent mêler art et vie, comme le théorise dans son manifeste Allan Kaprow / Allan Kaprow, 18 happenings in 6 parts, Galerie Reuben, 1959 / Immersion dans la couleur Mark Rothko, No. 61 (Rust and Blue), 1953 / Mark Rothko, Orange and Yellow, 1956

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Mark Rothko, Orange and Yellow, 1956

Mark Rothko, No. 61 (Rust and Blue), 1953

Yayoi Kusama, I pray with all of my love for tulips, installation, Osaka National Museum of International Art, 2012

Jesús Rafael Soto, Pénétrable BBL Bleu, 1999

James Turrell, The Light Inside, 1999, Museum of Fine Arts, Houston

Marine Antony, Résonnance, sculpture sonore interactive, Montréal, 2008

James Turrell, Aten-Reign, 2013 Allan Kaprow, 18 happenings in 6 parts, Galerie Reuben, 1959

Collectif Squidsoup, Submergence : champs de 8,064 ampoules suspendues, 2013

Marine Antony, cross and share, scénographie pour la compagnie Dossavi, 2012

INFORMATIONS GÉNÉRALES

Le musée passager est ouvert à tous, tous les jours, de 9h30 à 20h00.

ENTRÉE GRATUITE

Le musée passager reçoit les groupes pour des visites guidées gratuites, sur réservationuniquement : [email protected]

Tous les mercredis, samedis et dimanches après-midis, ainsi que les jours fériés, de 14h30 à 18h30, Le musée passager vous convie à des ateliers créatifs gratuits et sans réservation.Le musée passager, c’est aussi une programmation de concerts, performances, rencontresartistiques que vous pouvez retrouver sur le site de la manifestationwww.iledefrance.fr/museepassager

ALFORTVILLE4 au 26 AVRIL 2015L’ÎLE AU COINTRE

CERGY-PONTOISE4 au 24 MAI 2015QUARTIER GRAND CENTRE

MEAUX1ER au 21 JUIN 2015PLACE HENRI IV

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Conseil régional d’Île-de-France

Le musée passager est un projet de la Région Île-de-France réalisé par les Ateliers Frédéric Laffy

Adresse email musée passager mediation [email protected]

Documents

LE MUSÉE PASSAGER - cergy.fr€¦ · sa subsistance: Cette activité est loin de le faire vivre; être un motif de réconfort pour lui, l’aider à affronter les difficultés: