Service de l´enseignement obligatoire de langue française SEnOFAmt für französischsprachigen obligatorischen Unterricht FOA

Inspectorat scolaireSchulinspektorat

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Les courants artistiques en AC&M

« Concevoir une histoire de l’art revient à se plonger dans l’histoire des hommes. En effet, chaque mouvement artistique rencontre une époque, une ère géographique, un contexte économique, un environnement philosophique, politique ou spirituel bien particulier. » (Histoire de l’art et des styles, P. Weber)

Proposition d’affichage de frise pour les AC&MPréhistoire Antiquité Moyen-âge 15ème-18ème 19ème 20ème

Art égyptienArt grecArt romain…

Art romanArt gothique…

RenaissanceBaroqueClassicismeRococo…

Néo-classicismeRéalismeRomantismeArt nouveau …

CubismeFuturismeConstructivismeArt abstraitExpressionnismeDadaïsmeBauhaus SurréalismePop’artArt cinétiqueLand artHyperréalismeMinimalismeArt conceptuelInstallationBrutalisme…

Sources : Histoire de l’art et des styles, Patrick Weber, Librio ; Le Petit Larousse de l’Histoire de L’Art, Larousse, pour une Histoire culturelle de l’art moderne I II P. Daix, Wikipédia, encyclopédie universalis, musée du louvre, l’histoire de l’art en images Andrew Graham Dixon

PREHISTOIRE

ART DE LA PREHISTOIRE

Il est bien difficile, pour ne pas dire impossible, de dater la naissance de l’art. Dès 40'000 ans, Homo Sapiens nous a laissé des peintures rupestres, des gravures, des animaux modelés dans de l'argile, des objets utilitaires parfois sculptés, des statuettes de femmes aux formes rebondies que l'on nomme généralement 'Vénus', etc. Qu'en est-il de la signification de ces diverses représentations? Peut-on réellement parler d'art? Sont-elles des manifestations d'une certaine forme de spiritualité?

—Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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En sculpture : L’homme sculpte, grave, poli et peint le silex, l’os, les dents, les coquillages, le bois cervidé, l’ivoire et la pierre.

En architecture : Les premières constructions à caractère architectural, sont essentiellement des mégalithes (menhirs, dolmens et allées couvertes)

Artistes : inconnus

Œuvres emblématiques : Vénus de Brassempuy, Vénus de Willendorf et de Monruz, Bisons modelés au tuc d’Audoubert,Statuette de Vogelherd, statue menhirs du Petit Chasseur à Sion, ou celle de Bevaix/ Treytel au Laténium…

Vénus de Brassempuy Statuette de Vogelherd Mégalithes Dolmen

ANTIQUITE

ART EGYPTIEN

La période de l’ancienne Egypte (entre 2649 et 1070 av J-C) s’illustre par une remarquable diversité des arts : peinture, sculpture, architecture, orfèvrerie, tissage, poterie, aménagement de jardins, habillement. Les artistes égyptiens ont été chargés avant tout de la communication des doctrines spirituelles, sociales et politique : leurs travaux sont toujours liés à des fonctions culturelles, dynastiques ou religieuses.Pour les Egyptiens, une vie identique à celle qu’il a eue de son vivant attend le défunt après la mort. Il importe qu’il parte avec tout ce qui lui sera utile dans l’au-delà. Architecture, peinture, sculpture, arts décoratifs, tout doit concourir à la perfection du résultat ; la vie dans l’au-delà en dépend.

En sculpture : Les Egyptiens ont commencé par sculpter l’ivoire et le bois. Cependant, conscients de la fragilité de ces matériaux, ils ont sculpté des roches tendres et des roches dures.L'Ancien Empire était adepte de la sculpture. Jusqu'au Moyen Empire, les arts évoluent: on passe d'une approche très idéalisée à quelque chose de plus classique. Les techniques de mesure, surtout dans les représentations humaines, sont appliquées de façon plus systématique. Le Nouvel Empire est marqué par une stabilité politique et une croissance économique qui permettent aux fonctionnaires de haut rang de commander des décors de grande qualité pour leurs tombeaux. Les œuvres produites au cours de cette période sont très extravagantes et sophistiquées, les plus abouties techniquement.

En architecture : Les connaissances scientifiques des bâtisseurs égyptiens, dans la plupart des cas purement expérimentales, ont permis de construire tout en tenant compte des propriétés réelles ou supposées des matériaux utilisés.

Artistes : Souvent inconnus, Imhotep…

Œuvres emblématiques : La pyramide à degrés de Saqqarah, le Sphinx, les pyramides de Gizeh, le palais de Mari, Livre des Morts, Deir el-Bahari, Sekta en scribe (Louvre), le masque mortuaire de Toutankhamon, le buste de Néfertiti (Berlin)…

—Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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ThoutmôsisBuste de Nefertiti

Masque de Toutankhamon

Pyramides de Giseh Temple de Ramsès II

ART GRECLa culture grecque s'est développée depuis la Grèce proprement dite vers l'Ouest de la Méditerranée, notamment dans le Sud de l'Italie, et à l'Est le long de la côte turque et jusque loin en Orient. Chronologiquement, elle naît entre le XIe et le IXe siècle avant l'ère chrétienne et son dynamisme perdure à l'époque dite 'hellénistique', de la mort d'Alexandre (vers 323) à la bataille d'Actium (- 31) qui unifie la Méditerranée sous l'hégémonie romaine.

L'art et l'architecture grecs ont eu une grande influence sur l'évolution de la culture et de l'art occidentaux. Le réalisme idéalisé de l'art grec a été redécouvert au cours de la première Renaissance et est resté, jusqu'au XIXe siècle, le standard auquel ont aspiré la plupart des artistes occidentaux.

Plusieurs courants : archaïque, classique, hellénistique.

En sculpture : En bronze, en terre cuite, en pierre ou en marbre, les sculpteurs recherchent les proportions et l’équilibre dans leurs créations. L'évolution de la sculpture a été rapide: à partir d'un archétype archaïque géométrique et symétrique inspiré des Egyptiens, les sculpteurs sont parvenus à rendre un grand réalisme dans le rendu des corps. Même si ce sont les représentations humaines qui sont les plus connues, les artistes grecs représentaient aussi parfois des animaux. Les potiers atteignent une telle maîtrise dans leur art, les parois deviennent très fines et les décors très perfectionnés.

En architecture : L'architecture grecque a eu une grande influence sur l'art occidental. Elle est principalement connue par ses temples et ses théâtres. Toute une série d'autres bâtiments ont été construits par les Grecs tels que tholos, propylées, stoa, etc. Les palais sont des demeures dont les pièces s’articulent autour d’une cour intérieure.Il y avait deux principaux styles (appelés ordres) dans l'architecture grecque : le dorique et l'ionique.Nous admirons aujourd'hui la blancheur du marbre des statues et des édifices mais il faut garder à l'esprit qu'ils étaient peints!

Artistes : Myron, Polyclète, Praxitèle, Callirrohée (sculptrice), Scopas, Ictinos, …

Œuvres emblématiques: Les ordres architecturaux dorique, ionique et corinthiens; le Parthénon et la frise des Panathénées de Phidias; les Kouroi de Delphes et la Dame d'Auxerre pour la sculpture archaïque; l'Ephèbe de Kritios, les bronzes de Riacce; l'Aurige de Delphes; le Discobole de Myron; le Doryphore de Polyclète; le Laocoon; les vases à figures noires et à figures rouges, …

—Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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MyronDiscobole

Groupe du Laocoon Amphore Exekias Le parthénon Athène

ART ROMAIN

La naissance de Rome se situe vers le VIIIe siècle av. J.-C. Aux alentours du Ier siècle apr. J.-C., elle domine le monde méditerranéen et l'Occident européen, et maintient cette domination, brillamment jusqu'au IIIe siècle, puis avec un déclin progressif jusqu'au Ve siècle.Il est important d'avoir à l'esprit que la civilisation romaine s'est développée sur une longue période et sur une ère géographique très large (des îles Britanniques jusqu'à la mer Caspienne en passant par l'Europe de l'ouest, la Grèce, une partie de l'Afrique du Nord et le Moyen-Orient)!L'art romain a été influencé par ses prédécesseurs étrusques et grecs. Les 'artistes' romains respectaient les standards grecs et les sculptures grecques ont souvent été copiées.

En sculpture : Le développement du portrait, certes encore idéalisé, est un aspect important de l'art romain. Les empereurs, leurs succès militaires ont été immortalisés par le biais de statues, bustes, autels, arcs de triomphe. Tous ces éléments constituaient des outils efficaces de propagande.

En architecture : Les Romains sont connus pour leurs innovations en architecture. L'amphithéâtre est l'un des édifices les plus répandus et les plus caractéristiques du monde romain. Dans chaque grande ville romaine de l'Empire on retrouve la même organisation autour d'un forum et les mêmes édifices: amphithéâtre, théâtre, thermes, …

Artistes : Auguste, Celer…

Œuvres emblématiques : Louve étrusque en bronze du Musée du Capitole, les portraits de César et des empereurs, la statue équestre de Marc Aurèle, le Colisée, le Panthéon, la Colonne Trajane, Auguste de Prima Porta,…

—Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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Brutus du Capitole La vénus de l’ Esquillin Le pontdu Gard Le Colisée Rome

MOYEN-AGE

ART ROMAN

Les historiens de l'art ont inventé le terme 'roman' au début du XIXe siècle pour décrire l'art de l'Ouest de l'Europe des XIe et XIIe siècles.En Occident, la seconde moitié du XIe siècle et le XIIe sont marqués par un essor touchant tous les domaines. Une amélioration des conditions de vie, le lent accroissement de la population, l'organisation de la féodalité, l'implantation de dynasties stables, sont des facteurs essentiels d'une renaissance culturelle. Un élément essentiel de cette époque est le développement des pèlerinages.Le concept de 'roman' a été suggéré par la structure des églises elles-mêmes. Leur disposition dérive de la basilique romaine.L’art roman est d'une grande diversité: broderie, tapisserie, statues, fresques, manuscrits enluminés, objets liturgiques, ivoire, orfèvrerie, pièces de mobilier, etc.Il a été influencé par l'art copte d'Egypte, l'art sassanide de Perse, l'art insulaire et byzantin.

En sculpture : à l'époque romane, la sculpture commence à se développer avec toujours plus de richesse. C'est sur la façade (ou dans le narthex) et sur les chapiteaux que se fixe le décor sculpté. La configuration des portails est pratiquement toujours identique. Sur le tympan on retrouve une scène de l'Apocalypse.Les figures sculptées sont souvent décoratives et mettent en évidence les éléments clés de l’architecture.Le travail du bois est également un aspect important de l'art roman. Les Vierges sont souvent exécutées dans un seul bloc de bois auquel on ajoute l'Enfant taillé à part. Les Christs sont généralement formés de deux ou trois pièces.

En architecture : l’arc en plein cintre, les murs droits, les solides contreforts et les piliers robustes témoignent des recherches pour garantir la solidité des édifices. Une des innovations est le remplacement de la charpente en bois par une voûte en pierre. Les tours deviennent un élément marquant.

Artistes : Giovanni Pisano, Bonnano Pisano, Maître Cabestany…

Œuvres emblématiques : La Tour de Pise; les églises de Conques, Moissac, Vézelay, Autun, la tapisserie de Bayeux; les chapiteaux,…

—Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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Le songe des Rois mages, chapiteau Saint-Lazare, Autun.

Giovanni PisanoChaire du Duomo Pise

Moissac (Tarn-et-Garonne), ancienne abbatiale Saint-Pierre

Bonnano PisanoTour de Pise

ART GOTHIQUE

Le mot a été inventé à la Renaissance et possédait à l’époque une connotation péjorative (les Goths étaient considérés comme des Barbares).L'histoire de l'art gothique peut être divisée en plusieurs périodes. Selon les régions, ces périodes recouvrent des années et des réalités parfois différentes.Sur le plan stylistique, tous les arts figurés du XIIIe siècle tendent à s'affranchir des conventions romanes. Vers 1200, on peut noter une réapparition des formes antiques et antiquisantes, ainsi que la diffusion de modèles byzantins. Dans un deuxième temps, une approche plus objective de la réalité sensible se fait sentir.

En sculpture : Les sculptures se détachent de leur colonne et acquièrent leur autonomie. La sculpture se fait de plus en plus expressive. L’art des chapiteaux diminue.

En architecture : La région de Paris joue un rôle crucial dans le développement de l'architecture gothique. L'objectif est de construire plus grand, plus haut et surtout d'amener de la lumière (symbolisant la lumière divine. Avec son chromatisme qui se reflète sur les parois et sur le sol, le vitrail permet une plongée vers un monde différent, celui de la Jérusalem céleste) dans les églises. Grâce à l'évidement et à l'allègement des murs, rendus possibles par l'utilisation de la voûte sur croisée d'ogives, des arcs-boutants et des contreforts, l'art du vitrail a pu se développer.

Artistes: Maître de Naumbourg, Nicola et Giovanni Pisano, Claus de Werve, Eugène Viollet-le-Duc, Giovanni Bon, Claus Sluter …

Œuvres emblématiques : Notre-Dame de Paris, Chartres, Amiens, Reims; Chaire de la Cathédrale de Pise; Cavalier de Bamberg; Vierge à l'Enfant; les statues d'ébrasement des grandes cathédrales…

—Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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NaumburgLa contesse Uta

Ange au sourire Cathédrale de Reims.

Rose,Notre Dame de Paris

Notre dame de Reims

15 ème- 18 ème siècles

RENAISSANCE

Le terme « Renaissance » est employé au milieu du XVIe siècle par Vasari (peintre, architecte et écrivain), pour louer ce qu'il considère comme le redressement des arts. Ce « redressement » des arts a eu lieu au commencement du XIVe siècle en Italie avec Giotto, moment où les peintres se détournent des modèles byzantins pour s'intéresser au réel et renouer avec l'art des anciens Romains.L'historiographie moderne fait véritablement commencer la Renaissance au XVe siècle et précisément à la génération de Van Eyck dans les Flandres et de Masaccio en Italie.Périodes: Première Renaissance ou Haute Renaissance: 1420-1500, avec une Renaissance septentrionale et une Renaissance méridionale; Renaissance classique qui correspond à l'apogée de l'influence culturelle de Rome; Maniérisme qui commence vers 1520.Au Trecento (XIVe siècle), en Italie centrale, les artistes se livrent à des expériences. Ils veulent reproduire la nature et se donnent pour objet l'imitation tant de l'espace que du décor. Ils s'intéressent à la figure humaine, à son anatomie, aux gestes, aux postures qui expriment les émotions. La peste noire de 1348 a marqué un arrêt brutal à cette effervescence et entraîné de profondes mutations sociales.L'époque qui commence à partir de 1420, le Quattrocento, se caractérise par un idéal de vie fondé sur la foi chrétienne, la confiance en l'homme et dans son savoir, et une curiosité passionnée pour l'Antiquité.Dans les Flandres aussi, un style radicalement nouveau s'élabore, abandonnant l'élégance courtoise et les décorations extravagantes du gothique international au profit d'un réalisme novateur, où l'on retrouve des scènes à haut potentiel dramatique situées dans des intérieurs domestiques.Le terme 'Renaissance' se réfère à un renouveau d'intérêt pour les trésors intellectuels et artistiques de la Grèce et de la Rome antique. Ces anciens savoirs sont réinterprétés et confrontés avec les récentes découvertes scientifiques. L'homme est au centre des réflexions et devient la mesure de toute chose. En témoignent la découverte de la perspective, l'étude de l’anatomie, la représentation du nu et la naissance du portrait.La recherche de la perspective devient essentielle. L’idéal humaniste s’incarne dans la rencontre de l’art et de la science.Vers 1500, le centre de gravité de l'art italien se développe vers Rome et Venise, Florence étant évincée de sa position dominante. A Rome, la papauté veut restaurer la ville dans sa position de centre culturel de l'Occident.A la suite de la Haute Renaissance, le Maniérisme (terme venant de maniera qui sert à désigner le style d'un artiste) se présente comme la somme d'expériences individuelles conduites par des créateurs isolés, travaillant pour les personnes initiées. Le Maniérisme se présente comme une période de bilan et de

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réflexion, où une nouvelle conception de l'espace associée à un désir de représentation du mouvement se dessine.En sculpture : comme les autres arts, la sculpture reflète l'ambiance humaniste dans la beauté du corps humain, utilisant les nouvelles connaissances anatomiques et les canons grecs. L'homme est le thème principal. La sculpture se caractérise par son expressivité et la perfection des formes, tant dans le bas-relief que dans la statuaire.Donatello a apporté une contribution fondamentale à la sculpture. Son David est le premier nu fondu depuis l'Antiquité. Michel-Ange, quant à lui, était capable d'insuffler une âme à la pierre. Pour lui, la beauté humaine était le reflet de la beauté céleste.Les œuvres maniéristes sont caractérisées par la ligne courbe ('la figura serpentinata') qui donne un remarquable dynamisme aux figures.

En architecture : la coupole de la Cathédrale Santa Maria del Fiore à Florence, élaborée par Filippo Brunelleschi, est une prouesse architecturale, le symbole même de la Renaissance et de la domination de Florence au Quattrocento. Brunelleschi a été l'un des premiers à redécouvrir les lois de la perspective à un seul point de fuite.Un autre monument phare de la Renaissance est la Basilique Saint-Pierre qui a occupé bon nombre d'artistes comme Bramante, Giacomo della Porta, Michel-Ange, etc.L’architecture est caractérisée par l'emploi de proportions modulaires, de coupoles colossales faites de panneaux à arêtes, de tambours, de fenêtres rondes, de lanternes et de balustrades.

Artistes :Michel-Ange Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Léonard de Vinci, Jean Bologne, Donatello, Jean Goujon Giotto di Bondone Bartolomeo Ammannati, le Primatice, Bevenuto Cellini,…

Œuvres emblématiques Le David (Donatello et celui de Michel-Ange), le dôme de Santa Maria del Fiore à Florence, la coupole de Saint-Pierre de Rome (Michel-Ange), le palais Rucellai à Florence (Alberti), le Tempieto (Bramante), les statues équestres de Gattamelata et B. Colleoni (Donatello et del Verrocchio), la Pietà et Moïse (tombeau de Jules II) de Michel-Ange, Persée (Cellini), Mercure volant (Jean Bologne)…

Michel AngeDavid

DonatelloMadeleine Pénitente

Chapelle Sixtine Rome Basilique St Pierre Rome

BAROQUE ET CLASSICISME

Le terme « baroque » naît du mot portugais « barroco » qui désigne des perles orientales de formes irrégulières.Le baroque émerge, en tant que phénomène culturel dans les dernières années du XVIe (vers 1580) et il

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marquera la civilisation européenne jusqu'aux alentours de 1760.Il pénètre tous les arts, de la littérature aux arts plastiques, en passant par l'urbanisme, le théâtre, et même les architectures éphémères des fêtes.Un sens nouveau du théâtre et de la fête se développe. La séduction des sens prime. Accentuation des volumes, effets dynamiques, prolifération de formes et lignes obliques accompagnent l’exubérance des courbes et contre-courbes. Illusion et trompe l’œil sont omniprésents.Les œuvres religieuses baroques sont liées à la Contre-Réforme, elles constituent un instrument mis au service de la propagande religieuse.Le classicisme, qui privilégie la recherche du grandiose, est une réponse française à l’affirmation de la monarchie absolue au XVIIe siècle Son objectif est d'exprimer la grandeur du pouvoir royal. Au prestige de la ligne courbe s'oppose un style monumental fondé sur les lignes droites, horizontales et verticales, sur l'équilibre, la clarté et la rationalité.

En sculpture : Il y a un désir de choisir des thèmes que l'on peut saisir immédiatement. Pour les œuvres religieuses, on veut convaincre le fidèle non par la raison, mais par les sens, l'émotion. Il y a une volonté d'éblouir, de transporter le spectateur dans une autre réalité. La théâtralisation, les gestes et les expressions exacerbées dominent. Une part importante est accordée aux riches matériaux. Il faut parler d'œuvre d'art totale qui réunit les diverses disciplines artistiques.

En architecture : Au-delà des styles (baroque ou classicisme), le XVIIe siècle a une référence commune: l'inspiration antique, l'utilisation des colonnes et des ordres, etc. Le désir de surprendre et d'émouvoir, de transformer la ville en un décor de théâtre, caractérisent l'architecture baroque. Le Bernin, architecte et sculpteur, est un artiste incontournable de la Rome baroque.Un dialogue s’établit entre formes concaves et convexes, les façades sont incurvées, ondulantes. L'ovale constitue l'un des plans privilégiés. Dans les villes de nouvelles places sont dessinées et se couvrent d’obélisques, de fontaines.En France, c'est l'interprétation rigoureuse du modèle antique, la symétrie, la ligne droite, qui dominent pour les palais et les hôtels urbains. Le summum de l'architecture européenne de châteaux est représenté par VersaillesLe classicisme est une réponse française à l’affirmation de la monarchie absolue au XVIIe siècle.

Artistes : Guarino Guarini, Le Bernin, Francesco Borromini, Jules Hardouin Mansart, Louis Le Vau, François Girardon…

Œuvres emblématiques : Saint-Charles-aux-Quatre-Fontaines (Borromini), le Baldaquin de Saint-Pierre (Bernin), les œuvres du Bernin à Rome, Château de Versailles, L’Extase de Sainte Thérèse (Bernin)…

Nicolas-Sébastien AdamProméthée enchaîné

Eglise du GesùRome

Fontaine de TréviRome

Château de Versaille Paris

ROCOCO

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Le rococo est un style qui naît en France et qui s'épanouit dans toute l'Europe pendant presque tout le XVIIIe siècle. Dès 1770, il cède peu à peu la place au néo-classicisme.Le terme même fait référence à un type de décoration avec des coquillages et des petites pierres utilisé pour les grottes et les pavillons de jardins.Indissociable d'un style de vie où raffinement et sensualité dominent, il s'impose dans les demeures, hôtels ou palais. Stucs, dorures, miroirs sur lambris clairs, petits meuble en bois rare ou en laque, dominent dans ces intérieurs. Comme dans le baroque, les frontières restent indécises entre l'ornement et la figure.La légèreté de ce style donne l'idée d'une époque heureuse mais le XVIIIe a vu le tremblement de terre de Lisbonne; c'est aussi une période de guerres et de tensions sociales.

En sculpture : Les jardins et les parcs se peuplent plus que jamais de statues chargées de créer la surprise ou susciter le rêve. Des sculptures de petites taille (bronzes, biscuits, etc.) sont également réalisées pour des collectionneurs dont le statut social évolue. Grâce, douceur et coquetterie caractérisent la sculpture rococo.

En architecture : Libérés du besoin de résider à la cour, nobles et bourgeois mettent en place une ornementation luxuriante dans leurs 'hôtels' urbains. Le style rocaille triomphe en Italie et plus encore en Europe centrale. Par l’intermédiaire des portugais, le rococo se développe au Brésil.

Artistes : Antoine Coysevox, Franz Anton Bustelli, François de Cuvilliés, Jean-Baptiste Pigalle, Jean Antoine Houdon…

Œuvres emblématiques : l'Hôtel de Soubise à Paris, l'Eglise de Wies en Bavière, L'enfant à la cage (Pigalle), Voltaire assis (Houdon), Amour taillant son arc dans la massue d’Hercule (Bouchardon), Galerie des ancêtres de la résidence de Munich…

Franz Anton Bustelli Tempestuous Lovers

Antoine Coysevox Louis IV

Queluz National palace Portugal

Galerie des ancêtres Munich

19 ème siècle

NEO-CLASSICISME

Au XVIIIe siècle, les Encyclopédistes rédigent des attaques implacables contre le rococo dont ils dénoncent la sensualité. Ils exigent un art rationnel, moralisateur et de sentiments nobles.Le néo-classicisme s'épanouit en Europe entre 1760 et le début du XIXe siècle. Battu en brèche par le romantisme, il demeure influent jusque vers 1830 environ. Il se caractérise par une volonté de 'retour à l'antique' (historiquement lié aux découvertes archéologiques de Pompéi et Herculanum), le goût des sujets sérieux, d'un style simple et sobre.Les révolutions stylistiques sont plus lentes en architecture et en sculpture qu'en peinture. Il faut être —Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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vigilent quant à l'utilisation des qualificatifs néoclassique et romantique. Au XIXe siècle, la sculpture est, plus que la peinture, gouvernée par les commandes officielles.

En sculpture: Le néo-classicisme se caractérise à la fois par la froideur et une volonté de perfection technique (le beau absolu). Le rendu des nus n’est pas exempt de sensualité.

En architecture : Le retour à l’Antiquité s’impose. Les façades rythmées par les colonnes sont imposantes par leur taille et leur austérité. Les architectes réinterprètent les modèles grecs et romains.

Artistes: Antonio Canova, John Flaxman, Bertel Thorvaldsen, Antoine-Louis Barye, Charles Percier, Pierre Fontaine, Antoine Denis Chaudet, François Joseph Bosio, James Pradier, Karl Friedrich Schinkel, Nicolas Ledoux…

Œuvres emblématiques : L'Amour et Psyché (Canova), la saline royale d'Arc-et-Senans (Ledoux), Napoléon Ier (Thorvaldsen), Altes Museum de Berlin, l’Arc de Triomphe du Carrousel de Paris…

CanovaL'Amour et Psyché

Auguste BartholdiStatue de la liberté

Le PanthéonParis

Arc de Trionphedu Carrousel Paris

REALISME

Le réalisme marque une rupture formelle et stylistique par rapport aux scènes théâtrales et idéalisées de l'art académique du début du XIXe siècle. Historiquement, c'est un mouvement littéraire et artistique essentiellement français qui naît dans les années 1820-1830 et qui se prolonge jusqu'à la fin du XIXe siècle. C'est un mouvement de contestation d'abord idéologique autant qu'esthétique.Les artistes ont un souci d'imiter sans concession la nature, ils ont aussi des préoccupations sociales et politiques qui les portent à s'intéresser aux classes sociales modestes. La réalité immédiate impose le vrai comme étant le beau. La vie laborieuse devient un sujet de prédilection. L’apparition de la photographie influence le travail des peintres tout comme la science et le positivisme. Cette fascination pour le réel passe aussi sur le témoignage social.

En sculpture : vers 1880, les sculpteurs, d’abord en Italie et en Belgique, donnent aux humbles la taille des héros, les montrant à leurs tâches quotidienne. La matière perd son caractère lisse pour accuser des traits, des trous, des empâtements.

En architecture : Le réalisme en architecture se traduit par un passage vers la fonctionnalité et tend à se débarrasser d'un langage formel venu du passé; Les bâtiments deviennent performants. De nouveaux modes et moyens de construction apparaissent; ceux issus de l'industrie: le métal et le verre.

Artistes : Auguste Rodin, Constantin Meunier, Aimé-Jules Dalou, Vincenzo Vela, Jean-Léon Gérôme, Honoré Daumier, Bartolomé …

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Œuvres emblématiques : Le penseur (Rodin), monument aux morts (Bartolomé), Le grand paysan (Dalou), Le grisou (Meunier), Tombe de Victor Noir (Dalou), Sarah Bernhardt (Gérôme) …

Aimé-Jules DalouLe Grand Paysan

Auguste RodinLe Penseur

Constantin MeunierLe Grisou

Albert BartoloméMonument aux morts

LE ROMANTISME

Le romantisme se caractérise par la prédominance de la sensibilité et de l’imagination sur la raison. La passion et l’intuition guident la démarche artistique. Les artistes cherchent à exprimer des états d'âme, des sentiments considérés jusque-là comme indignes d'intérêt: les passions, le rêve, la folie… L’aspect collectif laisse le pas à l’être seul, au moi et à son exaltation. Tous les sujets contemporains peuvent être traités mais également les scènes historiques. La sensibilité tourmentée s’accompagne d’une ampleur lyrique.

En sculpture : Les sculptures romantiques sont rares et il a fallu attendre la décennie 1830-1840 pour voir naître des chefs-d'œuvre à la suite du Roland furieux de Jehan Duseigneur. La sculpture romantique se caractérise par son sens du mouvement et son impétuosité.

En architecture : L’accent est porté sur le passé, sur l’histoire. Le château médiéval revient à la mode, on tend aussi à mélanger les styles architecturaux. La restauration est en vogue, et n’hésite pas à aller vers la reconstruction.

Artistes : David d’Angers, Antoine-Louis Barye, Eugène Thivier, François Rude, Auguste Préault, Eugène Viollet-le-Duc…

Œuvres emblématiques : Roland furieux (Duseigneur), Cauchermar (Thivier), Virgile (Préault), Le départ des volontaires (Rude), Le château du Neuschwanstein (Riedel).Opéra de Paris, Parlement de Londres…

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RudeLe départ des volontaires

David d’AngersLe grand condé

Auguste PéraultLe silence

Antoine-Louis Barye,Charles VI effrayé dans la forêt du Mans

L’ART NOUVEAU

L'Art nouveau, qui a touché tous les domaines artistique: peinture, architecture, arts graphiques, design, marque l'ensemble l'Europe entre 1890 et 1905. Le propos des artistes est de ne plus établir de hiérarchie entre les disciplines, les métiers d'art connaissent un nouvel essor.La courbe et la contre-courbe s’imposent en rappelant la forme des végétaux. Il se veut être un art qui ne soit pas de l’imitation, mais qui aille plus loin en créant quelque chose de totalement original pour une civilisation nouvelle. Il y a un désir d'embellir les éléments de la vie quotidienne.

En sculpture : Des lignes et de courbes, la présence de nombreux détails, des ornements et des décors précis en sont les principaux critères.

En architecture : Le plan de la maison se développe selon un schéma organique et fonctionnel. Le fer s’impose en épousant la pierre, le bois ou la brique. Partout règne la courbe qui confère à l’architecture un modèle exubérant et dynamique. Elle accorde une grande importance à la lumière naturelle.

Artistes Antonio Gaudi, Hermann Obrist, Joseph Maria Olbrich, Raoul Larche, Agathon Léonard, François Rupert Carabin, Victor Horta, Hector Guimard, Gustave Eiffel, Pierre Roche …

Œuvres emblématiques : la Casa Batlló (Gaudí), le Pavillon de la Sécession à Vienne (Olbrich), l'Hôtel Tassel (Horta), Loïe Fuller dansant (Roche)…

AgathonDanseuse au foulard

CarabinPiano

GaudiCasa Batllò

Hector GuimardPavillon de Métro

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20 ème siècle

« Le 20ème siècle précipite l’éclatement des genres et des styles. Désir de liberté, rejet des groupes et des étiquettes, affirmation de l’individualisme, puissance de la commercialisation… l’art se confronte à de nouvelles contradictions et épouse une nouvelle dynamique. »

Les artistes exploitent souvent différents courants durant de leur carrière.

CUBISME

C'est sans doute le mouvement le plus décisif de l'histoire de l'art moderne, il a totalement bouleversé la notion de représentation dans l'art.

Les artistes cubistes s’essaient à rendre le point de vue en trois dimensions. Le sujet se fragmente et présente plusieurs faces en même temps jusqu’à devenir une nouvelle création, une « re-création » reposant sur une démarche intellectuelle de l’artiste. Le collage intègre des éléments de la réalité quotidienne.

En sculpture : La Guitare de Pablo Picasso a totalement modifié la notion de sculpture. Elle n'est pas 'sculptée' à proprement parler, ni taillée, ni modelée. Il convient plutôt d'utiliser le terme de 'construction'. Cette construction crée aussi une nouvelle catégorie thématique: elle représente un objet, en l'occurrence une guitare grandeur nature. De plus, elle n'a pas de socle, elle est faite pour être accrochée au mur.Picasso commence à penser la sculpture non en termes de pleins, et de volume mais de vides, annonçant les recherches que développeront les constructivistes.

En architecture : Le courant est très actif en Tchécoslovaquie, principalement à Prague. La maison À la Vierge noire, édifiée en 1912 par Josef Gočár, peut revendiquer le titre de première construction cubiste.

Artistes : Pablo Picasso, Henri Laurens, Alexandre Archipenko, Otto Gutfreund, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Lipchitz, Pablo Gargallo, Julio González Zadkine, Joseph Csaky, Josef Gočár…

Œuvres emblématiques : Guitare (Picasso), Le verre d'absinthe (Picasso), Compotier de raisins (Laurens), maison À la Vierge noire (Gočár),…

Pablo PicassoGuitare

Henri LaurensTête de jeune fille

Alexandre Archipenko Femme à l’éventail

Josef GočárMaison à la Vierge noire

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LE FUTURISME

Les années qui précèdent la Première Guerre mondiale voient apparaître l'avion, la voiture, le télégraphe sans fil. De nouveaux mouvements artistiques vont refléter les progrès de la technologie et leurs conséquences sur la société. Le mouvement futuriste donne l'impulsion à cette nouvelle conscience artistique.

Le futurisme, qui coïncide avec la montée du fascisme, naît officiellement en 1909, sous la forme d'un manifeste incendiaire publié par le peintre italien Marinetti. Le texte est délibérément provocateur, engagé politiquement, il appelle à la destruction des musées, rejette la tradition, est antiféministe. Il valorise le mouvement, la vitesse, le dynamisme.

En sculpture : Les artistes souhaitent représenter le dynamisme des corps. Formes uniques de la continuité dans l'espace de Boccioni, comme d'autres du mouvement Futuriste, aura une influence directe dans l'histoire de l'art du XXe siècle. Ce sont les premières tentatives de rendre compte du mouvement par des formes fixes.

En architecture : Peu de construction voient le jour avant la guerre. C’est un mouvement qui va vivre son plein essor après la deuxième guerre mondiale. Le futurisme dans ce cas n'est plus un style, mais une approche architecturale assez libre et décomplexée, c'est pourquoi elle a été réinterprétée et transformée par les générations d'architectes des décennies suivantes, mais en général on retrouve des formes étonnantes aux lignes dynamiques et très contrastées, ainsi que l'utilisation de matériaux technologiquement avancés.

Artistes: Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Fortunato Depero Enrico Prampolini, Antonio St Elia, Angiolo Mazzoni,…

Œuvres emblématiques : Formes uniques de la continuité dans l'espace (Boccioni), Città nuova (Antonio de St Elia)…

Umberto Boccioni Formes uniques de la continuité dans l’espace

Giacomo BallaBoccioni’s Fist

Angiolo MazzoniPalace de la poste Arigento

Antonio St EliaCittà nuova

CONSTRUCTIVISME

La révolution russe éveille l'élan créateur de nombreux artistes, précurseurs de l'abstraction, qui conçoivent l’art comme un instrument de rénovation sociale. Certaines formes artistiques comme le

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tableau de chevalet sont considérées comme dépassées, alors que l'architecture, le graphisme en général et le design connaissent une grande ferveur.

En sculpture : Les formes abstraites employées rappellent la technologie des machines, elles sont suspendues dans l’espace.

En architecture : Elle allie une technologie et une ingénierie avancée. Les édifices sont construits à partir d’éléments utilisant des matières et des techniques industrielles.

Artistes : Naum Gabo, Vladimir Tatline, Antoine Pevsner, Constantin Melnikov, Ilya Golosov, El Lissitzky…

Œuvres emblématiques : Maquette du Monument à la Troisième Internationale (Tatline), Club des travailleurs (Zouïev), Tête de femme (Gabo)…

Naum Gabo Construction linéaire dans l’espace n°1

Antoine PevsnerTête

Ilya GolosovClub des travailleurs de Zouïev

Constantin MelnikovIntourist garage

ART ABSTRAIT

Il ne cherche pas à rendre une reproduction réaliste d’un modèle, mais il se suffit à lui-même en évitant de tomber dans la seule préoccupation décorative. L’art se libère des objets extérieurs et tente de rendre l’essence et l’esprit de la création. Les artistes ont la volonté d’expliquer ou théoriser leur démarche. M. Ragon : « J'appelle art abstrait tout art qui ne contient aucun rappel, aucune évocation de la réalité observée, que cette réalité soit, ou ne soit pas le point de départ de l'artiste. »

En sculpture : c’est pendant les années trente que la sculpture abstraite va pouvoir s’épanouir. Les sculpteurs appartiennent à des courants différents: néoplasticisme, art concret, constructivisme.La sculpture abstraite renouvelle ou initie des problématiques telles que la suppression du socle, l'équilibre des volumes, le rapport entre plein et vide, le mouvement (sculpture cinétique), etc.

En architecture : -

Artistes : Henry Moore, Constantin Brancusi, Jean Arp, Alexander Calder, Etienne Hajdu, Max Bill, Barbara Hepworth, Luciano Fontana…

Œuvres emblématiques : Les mobiles d’ (Alexander Calder), Buban sans fin (Bill), Le baiser (Brancusi), les figures étendues d’ (Henry Moore), Moutons (Moore)…

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Max BillRuban sans fin

BrancusiOiseau dans l'espace

Henry MooreReclining figure

Luciano FontanaConcetto spatiale

EXPRESSIONNISME

Le terme « expressionnisme » se rattache à l'atmosphère de malaise et de révolte qui a précédé et suivi la Première Guerre mondiale et que les créateurs d'alors ont traduite par une esthétique violente et tourmentée. Il se développe particulièrement en Allemagne et dans les pays du Nord. Hitler a qualifié de 'dégénérés' les peintres qui prolongent ce mouvement; il les a expulsés d'Allemagne et a confisqué leurs œuvres.Les revues jouent un rôle essentiel dans l’émergence de l’expressionisme. L’expression du moi passe par la révélation des émotions personnelles. L’expressionisme influencera de façon déterminante le cinéma.De manière générale, l'expressionnisme, tel que le mot est employé dans l'Entre-deux-guerres, se définit plus par une attitude de l'artiste que par un style précis. Il s'agit pour celui-ci de chercher à communiquer au spectateur la violence et la singularité d'une émotion. L'artiste expressionniste a le souci d'exprimer une conception du monde, et de partager avec le spectateur des sensations fortes, et souvent extrêmes et brutales.Dans les années 1980, un renouveau de l'expressionnisme voit le jour avec des artistes comme Georges Baselitz. Ce néo-expressionnisme nous pose une interrogation plus conceptuelle de l'image et de ses significations.

En sculpture : Les silhouettes se lissent, adoptent des poses plus communes, et acquièrent une plus grande intériorité. Il n’est plus ici question de modeler avec exactitude le corps humain, mais d’impulser une émotion plus suggestive et intérieure.

En architecture : L’architecture fait preuve de quelques qualités appartenant à ce mouvement, comme la distorsion, la fragmentation ou la manifestation d'une émotion violente.

Artistes : Wilhem Lehmbruck, Ernst Barlach, Erich Mendelsohn, Rudolph Steiner, Hugo Häring, Hans Scharoun …

Œuvres emblématiques : La tour Einstein d’Erich Mendelsohn…

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Wilhem LehMbruckJeune Homme assis

Ernst BarlachLe réfugié

Erich MendelsohnLa tour Einstein

Rudolph SteinerGoethenaum Dornach CH

DADAISME

Mouvement intellectuel, littéraire et artistique né à Zürich en 1916, dans le cadre du Cabaret Voltaire. Né d'un groupe d'artistes, d'écrivains, de musiciens cosmopolites réfractaires à la guerre et au système culturel et social qui y aboutit. Dada proclame un mépris rageur pour les valeurs en place, y compris celles de l'art.L’ironie, la provocation, le scandale, la dérision, font souvent partie de la démarche de ces artistes. Dada propose le hasard comme principe de création. Il repense à neuf la peinture, la poésie, la photographie, le cinéma. Il est à l'origine de l'art moderne et contemporain qui inscrit le non-art dans l'art, invitant à revoir les catégories esthétiques et le sens du beau.

En sculpture : L’exemple le plus parfait est l’objet trouvé, débarrassé de son contexte et exposé comme une œuvre d’art : le ready-made. Marcel Duchamp, qui en est « l'inventeur », remet pour la première fois en cause le statut de l'art au XXe siècle.

En architecture : -

Artistes : Marcel Duchamp, Jean Arp, Man Ray, Sophie Taeuber Arp, Raoul Hausmann…

Œuvres emblématiques : Fontaine (Duchamp), Roue de bicyclette (Duchamp), Tête Dada (Sophie Taeuber-Arp), L'esprit de notre temps, Tête mécanique (Haussmann)…

Marcel Duchamp Fontaine

Sophie Taeuber ArpTête Dada

Man RayObjet à détruire

Raoul HausmannMechanical Head

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BAUHAUS

L’école du Bauhaus est créée par l’architecte Walter Gropius, à Weimar, en 1919, pour devenir le centre de Design moderne en Allemagne en 1920. Le principe est de faire pénétrer l’art dans la vie de tous les jours. De ce fait, les artistes sont des architectes, des potiers, des artistes, des tisserands, des sculpteurs qui travaillent ensemble dans des ateliers comme les artistes et les artisans de la Renaissance.Si l'école du Bauhaus est surtout connue pour ses réalisations en matière d'architecture, elle a aussi exercé une forte influence dans le domaine des arts appliqués, à travers les objets usuels qu'elle a façonnés. Elle est le précurseur du design contemporain et de l'art de la performance.Le style caractéristique de ce mouvement est simple, géométrique.

En sculpture : Les artistes du Bauhaus travaillent par atelier: tissage, poterie, gravure, métal, vitrail, sculpture sur pierre et sur bois, etc. Même si le Bauhaus n'a pas attiré de sculpteurs au sens strict, la sculpture occupe une place essentielle dans l'enseignement.

En architecture : le Manifeste de 1919 déclare: "L'objectif suprême de toute activité créatrice est l'architecture." Cette dernière s’intègre aux arts et allie modernité et techniques variées, Elle privilégie une approche scientifique au détriment de l'esthétisme : les créations doivent être nécessaires et justes.

Artistes : Gerhard Marks, Walter Gropius, László Moholy-Nagy, Otto Werner, Oskar Schlemmer Johannes Itten, Marcel Breuer, Georges Vantongerloo…

Œuvres emblématiques : Ecole du Bauhaus (Gropius), Modulateur d'espace-lumière (Moholy-Nagy)…

Oscar SchlemmerDanse du Bauhaus

László Moholy-Nagy, Light prop for an electric stage

Walter GropiusEcole du Bauhaus

Marcel BreuerParador Ariston

SURREALISME

Le surréalisme est un mouvement littéraire et artistique, issu du mouvement Dada, et fondé à Paris par le poète André Breton.Au sortir de la Première Guerre mondiale, on ne croit plus en la raison. Comme la psychiatrie, le surréalisme s’intéresse à la dimension du rêve et des sentiments refoulés. Le terme «surréalisme» est inventé par Guillaume Apollinaire. Deux manifestes sont rédigés (1924 et 1929). Le surréalisme désire «pénétrer l’ensemble du domaine psychophysique dont la sphère de conscience ne constitue qu’une partie réduite» (Breton).

En sculpture : Les artistes ont beaucoup pratiqué l'assemblage qui se caractérise par leur improvisation apparemment aléatoire, anti-artistique. La combinaison d'objets trouvés, incongrus, a pour effet de suggérer une signification plus profonde, inconsciente, en éveillant chez le spectateur des associations de pensées ou de sentiments.

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En architecture : Seuls des croquis et des projets naissent de la main des architectes.

Artistes: Alberto Giacometti, Hans Arp, Man Ray, Salvatore Dali, Joan Miró, Meret Oppenheim, Max Ernst, etc.

Œuvres emblématiques : Personnage au parapluie (Miró), Objet (Déjeuner en fourrure) (Oppenheim), Torse (Arp), etc.

MiróPersonnage au parapluie

Hans Arp Lunaire spectral

Salvatore DaliFinger of god

Frederik Kiesler Endless house

POP’ART

Le Pop art marque la seconde moitié des années 1950 et la décennie 1960.Né en Angleterre, c’est aux Etats-Unis (région du monde qui est entrée la première dans l'ère de consommation) que le Pop art entreprend de magnifier l’objet commun, emprunté au quotidien. Les bandes dessinées, la publicité et les objets produits en série jouent une part importante dans ce mouvement.Les artistes réagissent face au pouvoir des médias et de la publicité. Le simple objet ou la figure médiatique est agrandi, répété en séries ou se met en couleurs variées. Cet art se veut populaire.

En sculpture : Comme les Nouveaux Réalistes européens (Jean Tinguely, Arman, Daniel Spoerri. Leur orientation est beaucoup plus politique), les artistes du Pop américain réhabilitent la figuration en intégrant l'objet dans leurs constructions. Claes Oldenburg réalise des répliques gigantesques d'objets du quotidien dans le but de surprendre le spectateur à l'étrangeté de l'ordinaire.Les sculpteurs néo-pop, tel que Jeff Koons, utilisent la brillance, les couleurs et de nouveaux matériaux : la résine, l'inox, le cristal, les matières plastiques…

En architecture : -

Artistes : Robert Indiana, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Jeff Koons, Jonathan Paul, Roy Lichtenstein etc.

Œuvres emblématiques : Soft-Burger (Oldenburg), Love (Robert Indiana), Inflatable Rabbit (Koons), etc.

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Jeff KoonsBalloon Dog

Claes Oldenburg Spoonbridge and Cherry

Robert IndianaLove

Victor VasarelyKroa A

ART CINETIQUE

Terme utilisé pour décrire une forme d’art incorporant un mouvement réel ou apparent. L’idée remonte aux années vingt avec un pic dans les années 1950 et 1960. L’histoire de l’Art cinétique s’inscrit bien dans le prolongement d’expériences antérieures.Outre les expositions d’Art cinétique qui s’organisent de par l’Europe au début des années 1960, des groupes d’artistes se forment avec cette volonté de faire du mouvement un médium à part entière et de libérer la création en touchant un public jusqu’alors exclu par une tradition jugée trop intellectuelle.Les objets peuvent être soit très simples (comme les mobiles de Calder mus par le vent) ou complexes (comme les sculptures à moteur de Tinguely).Le terme s’applique aussi à des œuvres utilisant des effets optiques afin de donner au spectateur l’illusion du mouvement. On parle alors d'Op'Art.

En sculpture : Espaces, lumières, mouvements, jeux de couleurs, effets d'optique et visions sont à la base de cet art.En architecture :L’esthétique du mouvement est centrale.

Artistes : Alexander Calder, Jean Tinguely, Arne Jacobsen, Jesùs Rafael Soto, Marcel Duchamp, YaacovAgam, Didzis Jaunzems…

Œuvres emblématiques : les mobiles d’(Alexander Calder), les machines de (Tinguely)…

Alexander CalderLe Paon

Jean TinguelyRequiem pour une feuille morte

Yaacov AgamFontaine Dizengoff square Tel Aviv

Didzis JaunzemsParc national de Gauja Lettonie

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LAND ART

Le Land Art est un mouvement qui délaisse les galeries pour investir l’environnement naturel. Il consiste souvent en la création d’œuvres monumentales. L’artiste utilise le cadre et les matériaux de la nature (bois, terre, sable, pierres, eau, rocher, bois, etc.) pour créer son œuvre qui est alors souvent éphémère. En effet, le plus souvent, les œuvres sont à l’extérieur, exposées aux éléments et soumises à l’érosion naturelle. La photo devient l’unique trace pérenne de l’œuvre. Les premières œuvres ont été réalisées dans les paysages désertiques de l’Ouest américain. Le Land art inclut aussi des sculptures conçues pour être placées dans un environnement naturel.

En sculpture : Les artistes utilisent les matériaux de la nature et creusent, déplacent, transportent, accumulent, griffent, tracent, plantent, …

En architecture : Les constructions sont en matériaux naturels intégrants l’environnement dans lequel ils sont érigés. Parfois des bâtiments historiques sont emballés.

Artistes: Robert Smithson, Walter De Maria, Robert Morris, Nils Udo, Andy Goldsworthy, Christo, Richard Long, James Turrell, Michaël Grab, Nancy Holt, Richard Serra, Michael Heizer, Christo, Robert Morris…

Œuvres emblématiques : Le Pont-Neuf (Christo et Jeanne Claude), Jetée en forme de spirale (Smithson), Champ de foudre (De Maria)…

Andy Goldsworthy Icicle Star

Michaël Grab Nils Udo The Clemson Clay Nest

Christo et Jeanne-ClaudePont neuf

HYPERREALISME

Il constitue la forme la plus extrême du réalisme. L'influence de la photographie dans le mouvement hyperréaliste est également majeure. Les peintures hyperréalistes montrent des scènes de la vie courante, des portraits… Reproduire à l'identique une image en peinture, en sculpture de façon tellement réaliste que le spectateur vient à se demander si l'œuvre artistique est vivante.

En sculpture : La particularité de la sculpture hyperréaliste est d’imiter l’apparence humaine au détail anatomique près : ongles, veines, grains de beauté, poils et cheveux ! En observant ces sculptures, il est très facile de les voir bouger… ce n’est qu’une illusion !

En architecture : -

Artistes : Ron Mueck, John De Andrea, Duane Hanson, Sam Jionks, Patricia Piccini, Maurizio Cattelan, —Direction de l’instruction publique, de la culture et du sport DICS Mireille Blanc, collaboratrice pédagogique AC&MDirektion für Erziehung, Kultur und Sport EKSD

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Marc Sijan, Carole Feuerman,…

Œuvres emblématiques : Femme avec caddie (Duane Hanson), L’homme en bateau (Ron Mueck)…

Ron MueckMask II

John De AndreaTara

Duane Hanson Supermarket Lady

Marc SijanEmbrace

MINIMALISME

Né aux Etats-Unis dans les années 1960/1970, c’est un mouvement en peinture et en sculpture qui se réduit à l’essentiel. Il est abstrait, libre de toute décoration superficielle, ou de geste excessif.La peinture et le dessin minimaliste sont monochromes et reposent souvent sur des grillesélaborées à partir d’équations et de matrices linéaires.Son influence se retrouve dans le design actuel.

En sculpture : les artistes privilégient le dépouillement formel, la sobriété. Les sculpteurs emploient des matériaux industriels comme l’acier galvanisé, l'aluminium, les lumières fluorescentes, le Plexiglas. Ils adoptent le mode de production en série et la réalisation est confiée à des ouvriers. La plupart du temps, l'objet vaut par lui-même, il ne dépend pas de la sensibilité du spectateur.

En architecture : Le design simple et épuré, l’extérieur est élégant et sans beaucoup d’ornements. Les couleurs sont souvent monochromes, le blanc et le noir sont les plus répandus.

Artistes : Dan Flavin, Robert Morris, Carl Andre, Donald Judd, Sol LeWitt, Ludwig Mies Van Der Rohe, Marcel Beuer…

Œuvres emblématiques : La Diagonale du 25 mai 1963 (pour Constantin Brancusi) (Flavin), Cube ouvert (LeWitt), Sans titre (Pile) (Judd)…

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Robert MorrisWall hanging

Donald Judd Stack

Ludwieg Mies Van Der Rohe Farmword House

Marcel Beuer Librairie d‘Atlanta

ART CONCEPTUELDans cet art, c’est le concept qui soutient l’œuvre plutôt que la maîtrise technique de l’artiste pour la réaliser. L'art conceptuel cherche à répondre à la question "qu'est-ce que l'art" par les moyens de la logique.Cet art est un phénomène important avec une envergure internationale dans les années 1970.Les idées ou les concepts sont communiqués sur divers supports comme par exemple des textes, des cartes, des diagrammes, des programmes sur film ou sur vidéo, des photos, et des représentations dramatiques, le tout rassemblé dans une galerie ou conçu pour un lieu particulier. Dans certains cas, le paysage est une partie intégrale de l’œuvre de l’artiste, comme dans «L’art de la terre» de Richard Long, ou encore les sculptures de l’environnement de Christo. Les idées véhiculées par l’art conceptuel ont leurs origines dans la philosophie, la psychanalyse, le féminisme, les études sur le cinéma et l’activisme politique.La notion d’artiste conceptuel apparaît comme un faiseur d’idées plutôt que d’objets cela remet fondamentalement le statut de l’artiste dans le sens traditionnel du terme ainsi que celui de l’objet d’art.La tendance conceptuelle «Arte Povera», établie en Italie au cours des années 1970, a développé cette idée par l’emploi de matériaux banals et sans valeur.

En sculpture : C’est un art dont le matériau est le concept, les idées peuvent être une œuvre d’art.

En architecture : L'architecte travaille dans un espace existant et réalise une véritable intervention sur celui-ci en bouleversant les repères et la vision de l’espace.

Artistes: Robert Morris, Joseph Kosuth, Joseph Beuys, Daniel Buren, Mario Merz, Sol LeWitt…

Œuvres emblématiques: One and Three chairs (Kosuth), 5 Part Piece (Open Cubes)( LeWitt) in Form of a Cross (LeWitt), Kansas City (Robert Morris)…

Robert MorrisL-Beams

Joseph KosuthOne and Three Chairs

Daniel BurenDominant Dominé

Daniel Buren colonne du palais royal Paris

INSTALLATION

Le terme apparaît à la fin des années 1960 mais dont les origines remontent aux ready-mades de Marcel Duchamp et aux assemblages 'Merz' de Kurt Schwitters.Une installation artistique est une œuvre d'art visuel en trois dimensions, souvent créée pour un lieu spécifique et conçue pour modifier la perception de l'espace. Elle consiste généralement en un agencement d’objets et d’éléments indépendants les uns des autres, mais constituant un tout. Les artistes désirent offrir au spectateur une expérience différente de l’art.

En sculpture : Ce sont les objets et les lieux choisis qui font évoluer la démarche des artistes. Parfois les objets sont triviaux comme des poubelles, des toilettes. A d’autres moments, il s’agit de perceptions

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éphémères qui jouent sur les sens : lumière, odeur, sons, ombres…En architecture : La beauté d’un monument existant peut être un support pour une installation.

Artistes : Christo et Jeanne Claude, Yayoi Kusama, Marcel Broodthaers, Nam June Paik, Cornelia Parker, Do Ho Suh, Piotr Kowalski, Paul Cummins et Tom Piper, Carlos Amorales, Thilo Frank…

Œuvres emblématiques : Le Reichstag emballé (Christo et Jeanne Claude), Blood Swept Lands and Seas of Red (Paul Cummins et Tom Piper)…

Yacoi KusamaDots Obsession

Cai Guo-QiangHead on

Paul Cummins et Tom Piper Blood Swept Lands and Seas of Red , Tour de Londres

Thilo FrankEkko

Brutalisme

Le brutalisme désigne un style architectural d'origine anglo-saxonne qui est issu du modernisme. Il connut une grande considération entre les années 1950 et 1970. Puis il condensa sur lui une grande impopularité : c'est sous ce nom que l'on rassembla toutes les constructions « laides » en béton. Les premiers exemples d'architecture brutaliste sont inspirés des travaux de l'architecte franco-suisse Le Corbusier.Alison & Peter Smithson, Reyner Banham définissent le brutalisme comme suit:1, une lisibilité formelle du plan;2, une claire exposition de la structure;3, une mise en valeur des matériaux à partir de leur qualités intrinsèques, telles qu'ils sont "trouvés".

En sculpture :Le béton est le principal matériau utilisé dans la sculpture.

En architecture : Esthétique de la structure et matériaux brut sont la base des monuments architecturaux. les finitions sont grossières.Artistes : Le Corbusier, Marcel Breuer, Louis Kahn, Calvin Siebert, David Umemoto, Marc Weinstein,…

Œuvres emblématiques : Cité radieuse de Marseille (Le Corbusier)

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David UmemotoSC xx infrastructure v

Calvin SiebertSculpture en sable

William pereiraGeisel Library

Le CorbusierCité radieuse Marseille

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