Anthologie de l’humour noir d'après Anthologie de l’humour noir d’André Breton

création

Adaptation et mise en scène Marc Goldberg

avec

Bernard Menez

Patrick d’Assumçao

Roland Timsit

du samedi 8 mars au dimanche 27 avril 2008 mercredi au samedi à 19h30, dimanche à 15h

relâches les lundis et mardis

Vingtième Théâtre 7, rue des Plâtrières – 75020 Paris métro Ménilmontant ou Gambetta

réservations : 01 43 66 01 13 / tarifs : de 12 à 22€

Contact presse MYRA

Rémi Fort et Elisabeth Le Coënt 01 40 33 79 13 / myra@myra.fr

Anthologie de l’humour noir d’après André Breton

mise en scène et adaptation : Marc Goldberg

avec :

Bernard Menez, Le Conférencier

Patrick d’Assumçao, Le Scientifique

Roland Timsit, Le Clown suicidaire

assistant à la mise en scène : David Ajchenbaum

scénographie : Françoise Henry

lumières : M2CH

costumes : Sylvie Mouchenik

durée : 1h30

production : le Dive Théâtre en co-réalisation avec le Vingtième Théâtre

avec le soutien de l’ADAMI

L’Anthologie de l’humour noir d’André Breton a été publiée aux Editions Pauvert, elle est aujourd’hui disponible aux Editions Fayard.

Liste des textes présentés Guillaume Apollinaire Dramaturgie Jean-Pierre Brisset La Grande Loi et La Formation du sexe Charles Cros La Science de l’Amour et Le Hareng Saur Marcel Duchamp La Mariée mise à nu par ses célibataires même Xavier Forneret Un Pauvre Honteux et Sans titre et encore un an Sans titre Joris-Karl Huysmans En rade Villiers de l’Isle-Adam Le Tueur de cygnes Georg Christoph Lichtenberg Aphorismes Thomas De Quincey De l’assassinat considéré comme un des beaux-arts Jacques Rigaut Papiers posthumes Marquis de Sade Testament Jonathan Swift Modeste proposition pour empêcher les enfants des pauvres en Irlande d’être à la charge de leur pays et pour les rendre utiles au public et Méditation sur un balai

Sur le choix des victimes d’un assassinat : « La victime doit être en bonne santé. En effet, il serait barbare d’assassiner des malades dans la mesure où ceux-ci n’ont généralement pas la force de le supporter. […] La victime doit aussi avoir une famille avec de jeunes enfants entièrement dépendants de lui. »

Thomas de Quincey, De l’assassinat considéré comme un des beaux-arts

Entretien avec Marc Goldberg

D'où vient votre désir de mettre en scène l'Anthologie de l'humour noir ?

D’une envie de rire, et de faire rire, mais d’une façon particulière. À mes yeux, l’humour noir tient du funambulisme. C’est un point d’équilibre instable, improbable, contre-nature. Il flirte sans cesse avec le tragique et avec le trivial, avec l’élégance et avec le cynisme. Le moindre écart, et il se perd. Mais quand on le touche, un rire se déclenche, irrépressible et déroutant. En 2006, après avoir monté une pièce particulièrement dense (A Woman of Mystery de John Cassavetes) et une farce contemporaine (Le Roux dans la Bergerie de Raphaël Scheer), j’ai eu envie de chercher ce point d’équilibre. J’ai eu envie d’emmener une troupe et le public vers un rire d’autant plus jubilatoire qu’il ouvre sur l’abîme. Un rire qui naît de l’abîme et qui ne s’en détourne pas. Loin du boulevard et de la satire, mais loin aussi des jérémiades, du glauque, ou de l’apitoiement. L’Anthologie de l’humour noir est le point d’origine, la ligne de fuite de cet humour. Il était inévitable que je m’y replonge. En la parcourant, je me suis aperçu que de nombreux textes (les conférences de Swift ou de Quincey par exemple) étaient d’autant plus drôles qu’ils étaient joués. Peu à peu, je me suis aperçu qu’il y avait là matière à un spectacle singulier où je pourrai donner corps aux multiples facettes de l’humour noir.

Comment avez-vous choisi les textes de l'Anthologie que vous présenterez sur scène ? En avez-vous fait une adaptation pour le plateau ?

Il n’était évidemment pas question de monter l’Anthologie dans son intégralité. J’ai choisi ce qui me fait le plus rire et ce qui me semble le plus théâtral - en l’occurrence, le plus théâtral n’était pas à mes yeux les extraits de pièces cités par Breton. Coupés de l’œuvre original, ces extraits me semblent en effet intéressants à lire, mais pas à monter. J’ai aussi cherché à donner une place aux différentes veines d’humour noir décelées par André Breton : l’aristocratique (de Quincey), la surréaliste (Duchamp, Forneret), la littéraire (Villiers de l’Isle Adam), l’aliénée (Brisset), la macabre (Swift), etc. En parallèle, j’ai travaillé sur l’adaptation. Bien sûr, il ne s’agissait pas de créer artificiellement une continuité dramatique. Mais je voulais à tout prix éviter la lassitude d’un spectacle qui ne serait au fond qu’une lecture mise en espace. Aussi, j’ai totalement changé l’ordre des textes : André Breton a suivi la chronologie, tandis que j’ai cherché des alternances, des changements de rythme et de couleur. Certains textes ont aussi été théâtralisés : j’ai créé des dialogues à partir d’aphorismes de Duchamp et Lichtenberg, ou écrit à deux voix un texte d’Apollinaire. J’ai aussi inventé trois personnages, qui interagissent sans cesse.

Que représentent les trois personnages que vous avez créés ? Comment interviennent-ils ?

Les trois personnages du spectacle représentent trois manifestations fondamentales de l’humour noir. Le premier, que j’appelle le Conférencier, incarne à mes yeux la quintessence de l’humour noir. Conscient de ce qu’il dit, dandy, provocateur, raffiné et désabusé, son mode d’expression naturel est la conférence. Lui revient par exemple le fameux texte de Swift dans lequel il explique que la meilleure façon de remédier au problème de la pauvreté et de la mendicité, c’est de manger les enfants lorsqu’ils cessent d’être nourris au sein. Le second personnage, le Scientifique, est un myope existentiel, un acharné de la logique. Il obéit à un pur esprit de sérieux, et par là même flirte sans cesse avec la plus radicale folie. Il en souffre atrocement, nous en rions délicieusement. Ces deux personnages dérivent naturellement des extraits rassemblés par André Breton. Mais j’ai rajouté un troisième personnage, inspiré par deux figures présentes dans l’Anthologie, Arthur Cravan et Jacques Rigaut, dont on pourrait dire que la vie a été un chef d’œuvre d’humour noir, davantage que leurs rares productions littéraires. Il s’agit d’un personnage burlesque et muet (même s’il joue un texte de Rigaut à la toute fin du spectacle), un clown sans nez rouge qui cherche perpétuellement à se suicider, mais auquel la mort semble se refuser. Ces trois personnages créent une forme de continuité, mais ils engendrent surtout du jeu. Le Conférencier et le Scientifique parlent entre eux, s’affrontent ou tournent le Clown en dérision. Le Clown intervient au milieu d’une conférence, ou sert d’acolyte du Scientifique à diverses reprises. Le Conférencier décrit une aventure du Scientifique, qui l’incarne en parallèle sur le plateau etc. Au fond, c’est l’existence de ces personnages qui permet aux textes de s’incarner véritablement et au spectacle de se renouveler sans cesse. Le choix des comédiens était donc déterminant. D’ailleurs, je n’ai pas rédigé l’adaptation avant de les avoir trouvés. Il me fallait un maître du décalage, un artiste insaisissable et imprévisible pour le Conférencier : dès la première rencontre, j’ai été convaincu que Bernard Menez saurait incarner les nuances et les méandres de ce personnage. En face, il fallait un enragé, un bulldozer, un monstre au bord de la folie : pour l’avoir vu dans Torquemada de Victor Hugo sous la direction de Christian Fregnet, et pour avoir travaillé avec lui, j’ai immédiatement pensé à Patrick d’Assumçao. Enfin, il fallait un Clown avec un vrai talent de comédien, à cause du texte qui lui est réservé à la fin du spectacle. Roland Timsit, qui donne vie à un Clown plein d’invention et de poésie depuis des années, en parallèle de sa carrière d’acteur, était tout indiqué.

La définition même de l'humour noir a-t-elle beaucoup évolué depuis qu'André Breton a réuni les textes de l’anthologie en 1939 ?

André Breton donne une définition essentiellement négative de l’humour noir, dans la préface de l’Anthologie : « Pour prendre part au tournoi noir de l’humour, il faut en effet avoir échappé à de nombreux éliminatoires. L’humour noir est borné par trop de choses, telles que la bêtise, l’ironie sceptique, la plaisanterie sans gravité… (l’énumération serait longue) mais il est par excellence l’ennemi mortel de la sentimentalité à l’air perpétuellement aux abois – la sentimentalité toujours sur fond bleu – et d’une certaine fantaisie à court terme, qui se donne trop souvent pour la poésie. » Il ne faut pas oublier, à cet égard, que Breton avait tout bonnement inventé la notion même d’humour noir en publiant son anthologie, en 1939. Comme il l’écrit en 1966 : « Qu’il suffise de rappeler qu’à son apparition les mots « humour noir » ne faisaient pas sens (quand ils ne suggéraient pas une forme de raillerie qui serait propre aux « nègres » !) ». Depuis 1939, l’humour noir s’est développé tout azimut. Un développement foisonnant, qui a vite débordé le champ littéraire : la bande dessinée (Les Idées Noires de Franquin, les revues Fluide Glacial ou Hara Kiri), le cinéma (belge en particulier, avec C’est arrivé près de chez vous par exemple), la télévision (notamment sur Canal +) se sont emparés du genre. Or, à la lecture de cette anthologie fondatrice, on ne peut qu’être frappé de la façon dont le genre a dérivé. L’humour noir est souvent devenu “trash”, frontal, brut. Celui qu’évoque André Breton, au contraire, a quelque chose de détaché, d’élégant, de raffiné. Il relève d’une attitude métaphysique face à l’existence. Il s’élève sur fond de désespoir (face à la mort, la misère, ou l’absurde) et, sans renoncer un instant à une lucidité absolue, il impose au monde sa logique (folle, souvent) pour réaffirmer in extremis, dans un éclat de rire salvateur, la supériorité de l’homme sur le destin. J’ai justement envie de revenir aux sources de l’humour noir, pour raviver ce rire jubilatoire.

Le mérite est mince à railler la bonté, à berner la charité, et le plus sûr élément de comique c’est de priver les gens de leur petite vie, sans motifs, pour rire. Les enfants, eux, ne s’y trompent pas et savent goûter tout le plaisir qu’il y a à jeter la panique dans une fourmilière, ou à écraser deux mouches surprises en train de forniquer.

Jacques Rigaut, Papiers posthumes

Le Dive Théâtre

A Woman of Mystery de John Cassavetes Le Vingtième Théâtre (mars-mai 2006) Traduction de Marc Goldberg et Louise Vincent, mise en scène de Marc Goldberg. Avec Myriam Boyer, Philippe Mercier, Brigitte Damiens, Stephen Szekely et Karina Beuthe.

Le Roux dans la Bergerie de Raphaël Scheer Le TAPS Gare, Strasbourg (mai 2006) Mise en scène de Marc Goldberg. Avec Dominique Kling, Christophe Bier, Luz Mando, Viviane Vaugelade, Patrick d’Assumçao, Gaël Maric.

Le Bébé de Marie Darrieussecq Le Vingtième Théâtre (févr-avr 2004), Le Studio des Champs Elysées (sept-dec. 2004) Adaptation et mise en scène de Marc Goldberg. Avec Lio et Laurent Cirade.

Café des Roses de Carine Lacroix Le Proscenium (août-oct. 2003), puis Le Café d’Edgar (jan.- mars 2004) Mise en scène de Marc Goldberg. Avec Carine Lacroix et Sébastien Roch.

Un Caprice de Bonaparte de Stefan Zweig Le Vingtième Théâtre (avr.-juin 2003) Traduction et mise en scène Marc Goldberg. Avec Dominique Kling, Julie Berduc, Arnaud Maudeux, Stephen Szekely, Denis Laustriat, Marc Goldberg.

Le Jeu d’Adam et La Farce du Cuvier Le Vingtième Théâtre (dec-mai 2002, jan-mars 2003) Mise en scène de Marc Goldberg. Avec Karen Oubraham, Julie B. Bousquet, Delphine Lacouque, Cédric Tuffier, et Arnaud Maudeux.

Dieu me pardonne Spectacle d’Ariane Bourrelier et Marc Goldberg, sur des textes des poètes musulmans du Moyen Âge.

Carmen et Luis La Péniche Opéra (nov. 2001–jan. 2002). Création avril 2000, au Tambour Royal. Pasticcio de Marc Goldberg, sur des airs d’Offenbach, Rossini, Audran, etc. Mise en scène : Marc Goldberg. Direction musicale : Marion Kilcher. Avec Alexandra Poulain, Philippe Solal. Piano : Michel Gallet.

Trans-Atlantique de Gombrowicz Théâtre des 3 Bornes (oct.–février 2002) Mise en scène : Marc Goldberg. Avec Cédric Tuffier.

Toute Seule de Delphine Lacouque (coproduction Théâtre du Tourtour) Théâtre des Corps-Saints, Avignon Off, Théâtre du Tourtour (oct. 2000). Mise en scène : Marc Goldberg. Avec Delphine Lacouque.

Bastien et Bastienne de Mozart Théâtre du Tourtour (déc.- juin 1998) Mise en scène : Marc Goldberg. Direction musicale : Marion Kilcher. Avec Alexandra Poulain, Philippe Solal, Lionel Coulandaye, David Ajchenbaum. Piano : Monique de Vivie.

L’équipe

Marc Goldberg, mise en scène et adaptation

Marc Goldberg fait ses premiers pas au théâtre avec la Compagnie des Théâtrophages, tout en menant des études de philosophie. Il y joue Goldoni, Tchekhov ou Anouilh, et la troupe monte son premier texte : Les Rendez-Vous, qui sera joué une centaine de fois.

En 1999, il crée sa compagnie, le Dive Théâtre, dont il est le metteur en scène. Elle lui permettra de faire découvrir des textes méconnus d’artistes célèbres (Trans-Altantique de Gombrowicz en 2001-2002, Un Caprice de Bonaparte de Zweig en 2003, A Woman of Mystery de John Cassavetes en 2006), mais aussi de mettre en scène des auteurs contemporains (Carine Lacroix pour Le Café des Roses au Proscenium puis au Théâtre d’Edgar, Marie Darrieussecq pour Le Bébé, avec Lio, au Vingtième Théâtre puis au Studio des Champs-Elysées, Raphaël Scheer à Strasbourg, pour Douce Violence puis Le Roux dans la Bergerie). En outre, le Dive Théâtre s’est permis quelques incursions du côté lyrique (Bastien et Bastienne au Théâtre du Tourtour en 1998-1999, Carmen et Luis à la Péniche Opéra en 2001) ou médiéval (avec la tournée d’un spectacle de poésie arabe du Moyen Age : Dieu me pardonne ! ou Le Jeu d’Adam et La Farce du Cuvier, destinés à un public scolaire).

Mais Marc Goldberg travaille aussi pour d’autres compagnies. Ainsi, récemment, il a par exemple mis en scène (et traduit) des farces du Moyen Age (Le Conseil au Nouveau Marié, Franc Archer de Bagnolet, etc.) pour la compagnie du Marivier en 2006, et créé Hors Forfait de Delphine Lacouque et Noémie de Lattre pour le Théâtre Rive Gauche, de mai à septembre 2007.

David Ajchenbaum, assistant à la mise en scène

Âgé de 22 ans, David Ajchenbaum a surtout travaillé comme comédien. Il commence à jouer dès l’âge de dix ans en suivant les cours de Jacqueline Joëlle, puis les cours Simon, et de 2001 à 2005 les cours de l’Académie Stéphane Gildas.

Il a joué entre autres sous la direction de Sylvie Leriche dans Les Femmes savantes de Molière, ou encore de Marielle Hubert dans Les Ames rouges. En 2006, il crée sa compagnie, Un Cheveu Sur La Langue, et met en scène un spectacle pour enfants, La Belle Egyptienne.

Il a déjà collaboré avec Marc Goldberg en 1999 sur Bastien et Bastienne en tant que comédien, puis, en 2006, en tant qu’assistant sur Hors Forfait au Théâtre Rive Gauche.

Bernard Menez, Le Conférencier

Après avoir enseigné ou dirigé des colonies de vacances, Bernard Menez s’est lancé dans une carrière artistique aussi riche que variée. Au théâtre, il ignore délibérément les frontières entre public et privé, contemporain et classique, grandes salles et petites salles. On l’a vu à la Comédie Française en 1991 (On purge bébé de Georges Feydeau mis en scène par Jean-Christophe Averty), ou plus récemment à Chaillot (La Répétition des erreurs d’après Shakespeare, mis en scène par Marc Feld, 2005). Mais c’est aussi lui qui a créé au théâtre Le Rois des cons de Wolinski, dans une mise en scène de Claude Confortes. Friand d’auteurs contemporains comme Jacques Rebotier (La Vie est courbe, Théâtre de l’Athénée, 1994) ou Eric Assous (Une Fille entre nous, Le Portefeuille et Couple en turbulences), il joue également de nombreux auteurs grand public, comme Françoise Dorin (Les Bonhommes) et Marc Camoletti (Happy Birthday, Duos sur canapé, Pyjama pour six, etc.). Il joue entre autres dans La Dame en noir de Susan Hill, Le Contrat (L’Emmerdeur) de Françis Weber, Oscar et Monsieur Masure de Claude Magnier, Drôle de couple de Neil Simon, SOS Hommes seuls de Jacques Wilfrid et La Taupe de Robert Lamoureux mis en scène par Françis Joffo (2005). En 1999, il met en scène Couple en turbulences d’Eric Assous, en 2003 il met en scène et joue dans Patate de Marcel Achard et en 2004 il met en scène La Chouette de Patrick Zonans et Human Bomb de Christian Cogné. Son dernier spectacle à Paris date de la saison dernière, où il interprète J’espérons que je m’en sortira, d’après Marcello d’Orta, dans une mise en scène de Gérard Volat. On retrouve la même liberté dans sa carrière cinématographique. Elle commence avec Jacques Rozier en 1969 pour le film Du côté d’Orouet, qu’il retrouve pour Maine Océan (prix Jean Vigo 1986) mais aussi pour Nono-nénesse (réalisé avec Pascal Thomas, 1975) et Joséphine en tournée (1989). Il travaille aussi avec François Truffaut (La Nuit Américaine), Jean-Pierre Mocky (Les Saisons du Plaisir et La Bête de miséricorde), Georges Lautner (Pas de problème) ou Edouard Molinaro (Dracula père et fils). On l’a vu dans de nombreuses comédies populaires dans les années 1970 et 1980, en particulier celles de Pascal Thomas (Pleure pas la bouche pleine, Le Chaud Lapin, Celles qu’on a pas eues, etc.). Ces dernières années, il est sollicité par de jeunes réalisatrices : Caroline Vignal pour Les Autres filles (1999), Chantal Lauby pour Laisse tes mains sur mes hanches (2002), Tonie Marshall pour France Boutique (2003) ou Brigitte Rouan pour Travaux (2004). Il a participé à de nombreux courts métrages réalisés par de jeunes réalisateurs dont Petites leçons de savoir vivre de Pascal Gontier, Flugma de Caroline Brésard (2005) et The Professionnals de Laurent Bertoni (2006). Bernard Menez est aussi chanteur. Il enregistre ainsi plusieurs succès populaires dont Jolie Poupée (disque d’or en 1985). Il participe par ailleurs à des comédies musicales, comme La Belle de Cadix, La Route Fleurie de Francis Lopez ou encore La Vie Parisienne et La Belle Hélène de Jacques Offenbach et, en 2007, Merci Elvis qu’il met en scène et interprète aux côtés de Richard Taxy et Robert Branche.

Patrick d’Assumçao, Le Scientifique

Après avoir suivi une formation de comédien auprès de Jean Darnel au théâtre de l’Atelier, Patrick d’Assumçao multiplie les expériences, jouant aussi bien du théâtre classique (Tartuffe, pièce qu’il joua par deux fois), que des pièces contemporaines (Dieu est Américain de Khorchef Aïssa mis en scène par Kahder Aïssa (1999), Les sept jours de Simon Labrosse de Carole Frechette mis en scène par Yves Cheneroy (2005). Il poursuit des compagnonnages avec différentes compagnies et metteurs en scène. Par exemple, Panchika Velez, metteur en scène de la compagnie Arguia, qui le dirigea dans plusieurs spectacles, dont Transports de Philippe Beheydt, Hugot Paviot et Stéphane Wojtowicz, (2005) ou encore Estrella de Paloma Pedrero (2004). Patrick d’Assumçao a par ailleurs joué plusieurs fois au Vingtième Théâtre, sous la direction de Christian Fregnet, dans Torquemada de Victor Hugo (2002), ou encore Petit Manuel de Campagne Electorale de Quintius et Tullius Cicéron (2006). C’est à cette occasion qu’il rencontre Marc Goldberg, sous la direction duquel il joue dans Le Roux dans la bergerie de Raphaël Scheer au TAPS Gare de Strasbourg en 2006.

Roland Timsit, Le Clown suicidaire

Formé au Conservatoire National de Région de Montpellier, dont il sort avec deux premiers prix de Comédie et de Tragédie, Roland Timsit est comédien, metteur en scène et animateur de compagnie. Il joue dans Mystère Buffo d’après Dario Fo, création réalisée avec P. Leoray (1979), Le Pain Nu de Mohamed Choukri mis en scène par Any Diguet (1984), Fragments de Muray Shisgall mis en scène par Fernando Terran (1985), Gaston H d’Any Diguet mis en scène par Michèle Oppenot (1986), Venise Sauvée d’après Hugo von Hofmannsthal mis en scène par André Engel (1986), Les Trois Sœurs d’Anton Tchekhov mis en scène par Alain Buttard (1987) et Oncle Vania du même auteur mis en scène par Jean-Claude Dupin (1993), Le Contrat de Slavomir Mrozk mis en scène par Jean Negroni (1997), Marion Delorme de Victor Hugo mis en scène par François Bourcier (2002), Quand j’étais singe d’après Franz Kafka mis en scène par Céline Agniel (2005), Britannicus de Jean Racine mis en scène par Bernard Pisani (2005) et Kaddish de Grigori Gorine mis en scène par J Zimina (2007). Parallèlement, il travaille sur le clown. Son premier spectacle clownesque est créé en 1981. En 1994, naît "son" clown, Chapo, avec le spectacle Chapo dans le métro (joué en France et à l'étranger notamment en Roumanie et en Israël). En 2000, il joue dans La Parabole de la Flûte de Roland Ménard dans une mise en scène de Mihail Vassilé qui tourne également en Roumanie. Actuellement, Chapo est en création avec l’Orchestre Symphonifilm (Steve Journey) pour Clownissimo (2007). Depuis 1987, il prête régulièrement sa voix pour des doublages de films et de dessins animés comme Fourmiz, Mister G, King of Queens, Le Laboratoire de Dexter, Mafia Blues, Father's day (Billy Crystal), Star Wars - La Menace Fantôme (râle de Jar Jar Binks). Depuis 1993, il est également interprète pour des fictions de Radio France, notamment réalisées par Michel Sidoroff, Catherine Lemire, Claude Chebel, Christine Bernard Sugy… Comme metteur en scène, il monte des spectacles burlesques Bijoux de famille (1994), Sourdingue (1995), The Pitchfork Disney de Philip Ridley et On a retrouvé Papa de Pascal Lainé. Il est co-directeur de la compagnie Théâtre du Gué de 1980 à 1984 et est responsable de la compagnie Calvero depuis 1997.

Françoise Henry, scénographie

Après avoir obtenu un diplôme de scénographie (E.P.I.A.R, Nice), Françoise Henry collabore avec divers metteurs en scène, tels que Catherine Beau, Jacques Vincet, ou encore André Gunthert et signe les scénographies des premiers spectacles d’Olivier Py, (Gaspacho, un chien mort 1990, ou encore La Femme canon et le bouquet final en 1991) qu’elle retrouvera en 2001 à l’occasion de la mise en scène des Contes d’Hoffman, à l’Opéra de Genève. Pensionnaire de la Villa Médicis en 1997 et 1998, sa recherche scénographique est principalement liée à l’écriture théâtrale contemporaine, ce qui ne l’empêche pas de réaliser des décors pour des pièces du répertoire classique, (notamment Les Cancans de Goldoni mis en scène par Romain Bonin en 1997), ou encore de travailler avec des chorégraphes et des musiciens contemporains. Parallèlement à son travail scénographique, Françoise Henry a entrepris une recherche plastique sur la lumière en mouvement, et a exposé, en collaboration avec Laurent Bolognini, dans différents endroits comme au Mac/Val ou encore à l’espace Electra. Depuis 2007, elle se consacre de nouveau pleinement à la scénographie. L’anthologie de l’Humour Noir est sa première collaboration avec Marc Goldberg. Pour l’Anthologie de l’humour noir, Françoise Henry s’est entourée d’n assistant, Christian Roudil, et d’un vidéaste, Valéry Faidherbe. Les Prises de vue en direct et la régie vidéo seront assurées par Karima Abou Abess, Moustaphe Meïte, Philippe Malo et Paul Etienne Durand.

Miguel Climent et Charly Hove (M2CH), lumières

Après une expérience de seize ans dans presque tous les domaines de la régie (salle, plateau, son, lumière), aussi bien en tournée qu’en place dans des salles parisiennes, Miguel Climent est directeur technique du Vingtième Théâtre depuis cinq saisons. Il y a effectué de nombreuses créations lumière, parmi lesquelles Mélite mis en scène par Jan Oliver Schroeder, Monsieur Kolpert et Tatouage mis en scène par Hans Peter Cloos, et Zoltan dans la mise en scène de Jean-Claude Dreyfus. Il réalise les lumières de L’Anthologie de l’Humour Noir avec Charly Hove, qu’il forme lui-même au Vingtième Théâtre. Ils signent cette création sous le nom de M2CH.

Sylvie Mouchenik, costumes

Costumière au Théâtre des Champs-Élysées, au Théâtre de la Ville, à Attitude Studio, mais aussi pour Lisa Gimenez (à la Biennale de la danse à Lyon en 2000, ou pour Anozam à Nîmes), Carolyn Carlson, Zine Fougali, Trilok Gurtu et Sophie Jolis, Sylvie Mouchenik travaille avec les metteurs en scène Jean-Michel Vanson et Eliane Gallet, tout en créant des vêtements pour les musiciens Lluis Llach et Ray Lema. Elle collabore avec Marc Goldberg sur Un Caprice de Bonaparte et Hors Forfait.

Le Vingtième Théâtre en pratique

www.vingtiemetheatre.com

Adresse : 7, rue des Plâtrières 75020 Paris Métro : Ménilmontant ou Gambetta (sortie Place Martin Nadaud) Bus : 96 (arrêt Henri Chevreau)

Réservations : Auprès du théâtre par téléphone au 01 43 66 01 13 La réservation téléphonique est ouverte de 14 heures à 18 heures, du mardi au samedi

magasins Fnac : 0 892 68 36 22 (0,34€/mn) / www.fnac.com

Tarifs : Tarif plein : 22€ Tarif senior : 17€ Tarif étudiant : 12€