DOSSIER DE PRESSE

« SENS CONTRESENS »

GLEN BAXTER, NELLY MAUREL, DIDIER PAQUIGNON, ROLAND TOPOR, TOMI UNGERER

Exposition du 17.03.18 au 06.05.18

Copyright © Tomi Ungerer / Diogenes Verlag AG Zurich, Suisse

L’EXPOSITION

La Fondation Fernet-Branca est heureuse de présenter les artistes Glen Baxter, Nelly Maurel, Didier Paquignon, Roland Topor, Tomi Ungerer dans une exposition collective intitulée « Sens contresens ». Le sens des choses se comprend parfois mieux quand leurs illustrations jouent du contresens. Ces artistes évitent l’académisme, se servent du classicisme, de la ligne, du dessin dans l’ultime objectif de tordre le cou à l’attendu, au consensuel, au politiquement correct et donne à voir le déconcertant, le surprenant, le déroutant, l’inconvenant, le drôle et l’irrévérencieux. Mais tout cela cache une pudeur, un souci d’interpeller le spectateur sur des sujets importants touchant à la liberté, au corps, à la guerre, à la haine… Parfois c’est l’humour qui est employé afin de trouver un certain surréalisme, une poésie, une ivresse, dirait Baudelaire, dans la réalité, dans la vie quotidienne, qui pourrait lui donner un goût suave, étonnant et surprenant. Laissez-vous porter par cette ivresse des mots et du dessin qui ne vous laissera pas indifférent à la réalité du monde.

Pierre-Jean Sugier

Informations pratiques

Vernissage : Samedi 17 mars 2018 à 17h

Exposition du dimanche 18 mars au dimanche 06 mai 2018 Horaires d'ouverture : du mercredi au dimanche de 13 heures à 18 heures

GLEN BAXTER

Glen Baxter, “It was at chaundley camp where I first learned to set fire to my own kneecaps”,2016, Courtesy Galerie

Isabelle Gounod

Né à Leeds (GB) en 1944, Glen Baxter vit et travaille à Londres. Célèbre pour ses dessins surréalistes et absurdes, c'est après avoir découvert le surréalisme et le dadaïsme (de Chirico, Picabia, Magritte, Ernst, Beckett, Roussel...) que Glen Baxter développe une appétence pour le non-sense, l'incongru, l'ironie. Jouant avec les associations entre textes et images, il agrémente ses dessins de commentaires pour obtenir des effets de décalage, une incongruité commune du texte et de l’image, nouant un rapport intense avec la langue et ses sonorités. Au burlesque de la situation dépeinte répond le grotesque d’un commentaire énoncé le plus sérieusement du monde. « Les surréalistes appelaient ça le ‘frisson’ [en français dans le texte] cette impression soudain que le sol se dérobe, qu’on est allé trop vite, que l’on s’est trompé. (…) C’est une sensation fugitive, mais très forte, comme si l’esprit perdait momentanément l’équilibre. Exactement ce que j’essaie de faire éprouver à ceux qui regardent mes dessins. J’ai toujours adoré ces accrocs dans la réalité, ces légers vertiges. »1

Les plus importantes expositions des dessins et peintures de Glen Baxter ont eu lieu à New York, Londres, San Francisco, Munich, Tokyo, Sydney et Paris où il a régulièrement exposé (Galerie Martine et Thibault de La Châtre). Son travail se trouve dans les collections de la Tate Gallery, du V&A Museum à Londres ainsi que dans de nombreux musées et collections privées à travers le monde. Glen Baxter est l'auteur de plusieurs ouvrages, publiés en anglais et en français (Edition Hoëbeke). Ses dessins ont illustré de prestigieux magazines The New Yorker, The Independent on Sunday, Vanity Fair, Le Monde...

1 Glen Baxter in Stéphane Jarno, «Les dadas du Colonel», Télérama n° 3077, 2009

NELLY MAUREL

A douze ans je me suis électrocutée en fixant un potentiomètre sur ma lampe de chevet. J’ai voulu comprendre et je me suis orientée vers des études scientifiques jusqu’à ce que j’entende de la poésie à la radio, à seize ans, ce qui m’a donné envie d’entrer aux beaux-arts. La littérature a, comme le fluide dans lequel a lieu l’électrolyse, déplacé mon intérêt de l’électrode de la science physique et de la biologie vers l’électrode de l’expression (expression entendue comme écriture artisanale, comme travail manuel, même si la langue y est présente). Ce parcours diversifié m’a permis d’envisager la perception, le sens et la forme en impliquant les outils que mon éducation avait mis à ma disposition : la réflexion cartésienne, l’expression sans contrainte et la représentation plastique. Je n’ai jamais pu vraiment dissocier l’utilisation de l’ensemble de ces outils. Le texte et l’image sont toujours en dialogue, dans une expérimentation du sens parfois renforcé parfois affaibli. J’ai fait des livres de textes qui évoquent des images (80 vues de l’esprit / Un verbe en commun), j’ai fait des images qui questionnent le vocabulaire (Pictogrammes / Mnémotechnie). Je travaille ou plutôt je passe mon temps à noter dans des carnets des histoires que je vis, des schémas de ce que je comprends et de ce que je ne comprends pas. Je dessine des situations, des paysages, ce qui est sous mes yeux, j’écris des histoires, ce que j’entends à la radio. Ou simplement un mot parce qu’il me paraît plein, plus rempli que d’autres. Ou au contraire bien vide. J’alterne des compositions à sujet unique et des compositions fourre-tout, j’utilise différents degrés de figuration, de la typographie, du logotype au dessin « classique », de la notation fulgurante à l'image plus élaborée, de la tâche accidentelle à la figuration excessive. Le texte, dont la typographie varie aussi écrit une histoire fragmentaire qui bifurque, qui dérape avec cette possibilité qu'il ne soit plus le texte correspondant à une image, sa légende, mais jouisse d'une relative autonomie, s’accrochant de moins en moins aux images, aux saynètes, mais les traversant toutes, les réunissant et les disjoignant en même temps.

Nelly Maurel, L'exactitude des apparences,2

La définition d’un mot est comme une recette de cuisine. Elle nous indique sa composition, ses ingrédients. Le couscous contient de la semoule et du bouillon, des légumes et parfois de la viande. La chaise contient au moins une assise, un dossier et des pieds, mais les barreaux, le coussin, les accoudoirs ne sont pas signifiants. Parfois elle est en bois parfois elle est en fer. Alors que le couscous est toujours en semoule. Il y a un nombre de choses en option qui ne feront pas dévier la chaise ni le couscous de la compréhension que nous en avons. On pourrait s’amuser à vérifier ce que chaque mot propose en option. En dessin c’est parfois la même chose. On ne compte pas les graines de semoule pour représenter le couscous. De même il n’y a pas besoin de dessiner toutes les carottes. La couleur à elle seule peut donner une « impression couscous ». Plus difficile, mais pas impossible, par des tâches colorées de donner une « impression chaise ». Car il existe des chaises de toutes les couleurs. On ne l’aura pas sans la forme. Les contours et les couleurs peuvent être utilisés n’importe comment, mais il y a un seuil de reconnaissance, propre à l’objet représenté, mais aussi propre à l’auteur et propre au spectateur. Certains mots ont une définition irréductible, d’autres pas. Un mot est parfois une caricature de ce qu’il évoque. Les mots ont des fonctions très différentes, certains sont là pour nommer d’autres pour décrire. Comme ils partagent l’alphabet, on a le mauvais réflexe de ne faire qu’un seul dictionnaire. On y trouve des mots fraudeurs qui veulent dire plus qu’ils ne permettent de penser. Dans mon travail, l’incongruité que les juxtapositions provoquent me plonge dans un état quasi mystique, proche de la Révélation, toujours la même : les messages que nous percevons sont douteux, et il n’y a que le doute qui soit capable d’en entretenir l’authenticité.2

2 Texte écrit par l’artiste elle-même.

DIDIER PAQUIGNON

Didier Paquignon est né à Paris le 30 septembre 1958. Artiste, il est connu pour ses peintures. Une exposition personnelle lui a notamment été consacrée au Musée de l’orangerie en 2009 : Tu rencontreras d’abord les sirènes. Lecteur omnivore, il a aussi illustré pendant des années des couvertures pour les éditions Le Livre de Poche. De temps à autre, il s’amuse aussi à mettre en images des faits divers absurdes. En effet, depuis

vingt ans, le peintre Didier Paquignon recueille les faits divers les plus étranges dans des

journaux, des livres et des sites internet. Que ces événements soient tragiques ou ubuesques,

véridiques ou inventés, peu lui importe, Didier Paquignon traduit ces moments d’absurde par

des images incongrues. Il les dessine et les imprime en monotype.

Didier Paquignon, Le coup du lapin

Un lièvre s’attaque à un couple de retraités en Autriche La police autrichienne a dû abattre à coup de pistolet un lièvre qui avait attaqué un couple de retraités. L’animal de cinq kilos a surgi alors que la dame, âgée de 74 ans, accrochait du linge dans le jardin de son pavillon de Linz. L’ayant fait tomber en la mordant au pied, il s’est ensuite acharné sur elle avant de se retourner contre son mari venu la secourir. Le mammifère a ensuite attaqué deux policiers venus en renfort, « ne leur laissant pas d’autre choix que de faire usage de leur arme de service », a précisé le porte-parole, en ajoutant : « Les taureaux, les cochons ou les chiens qui deviennent particulièrement agressifs, nous connaissons. Mais un lièvre, c’est la première fois. » La vieille dame a dû être hospitalisée et le cadavre du lièvre est en cours d’analyse pour déterminer s’il était porteur du virus de la rage, hypothèse jugée « très improbable ». Le vétérinaire a estimé que « l’agressivité de ce lièvre était peut-être liée à une phase pubertaire et a été accentuée par les températures élevées » pour la saison actuellement en Autriche.

16 avril 2007, Les insolites MDR.

Didier Paquignon, Le Coup du lapin, 180 pages, Edition Le Tripode 9782370551603 Prix : 19,00 € Parution : 29 mars 2018 Dédicace à la Librairie le Divan le jeudi 29 mars 2018 à 19h. 203 rue de la Convention, 75015 Paris

ROLAND TOPOR

Roland Topor, en soi-même, acrylique sur toile, 130x97cm, 1996

Roland Topor a commencé à exister comme dessinateur dans la presse, une façon pour lui de se «frotter à la vie» en prenant ses distances avec l’artiste maudit qu’il aurait pu devenir s’il était resté le peintre que tout le monde voulait être. C’est avec le dessin surtout, et avec l’écriture, que Topor a su construire le vocabulaire de ses pensées. Topor était un penseur, mais un penseur actif. Un penseur armé d’un stylo. Un penseur capable d’observer le monde et de s’observer lui-même. Un penseur ayant le courage d’opposer aux consensus du marché, de la politique, de la société et de la culture, les paradoxes de son imagination, produit d’une confrontation des champs de la conscience et de l’inconscient.

Rares sont les artistes qui descendent aussi bas et qui montent aussi haut dans leur esprit. Rares sont ceux qui parviennent à transcrire ce qu’ils ont vu de tous les hommes, le bon et le mauvais, dans leur propre tête. Ce don de double-vue, dont pourrait disposer chacun mais auquel la plupart renonce, n’a été qu’un jeu pour Topor. « Je joue avec les images, les concepts et les genres », dit-il. Comme Evguénie Sokolov, le héros du conte de Serge Gainsbourg, Topor a su mettre au point le sismographe de ses tempêtes psychiques plutôt que de mourir étouffé sous l’encombrement, ou de refouler aux frontières toutes entités jugées honteuses par un sur-moi despotique. Pour devenir le maître d’un tel jeu, il faut déjà savoir que « jouer est une manière de rendre les choses moins graves, tout en leur donnant une autre gravité. » Le génie est là. Pour éviter les pièges du conformisme et prendre la facilité de vitesse, Topor a mis au point des règles de création. Le dessin est une écriture rapide. La plus rapide peut être. Mais il faut se méfier des labeurs de la réflexion pour que l’imagination puisse éclore et accéder au merveilleux, ou au fascinant. « La pure imagination n’existe pas. Si je devais définir l’imagination, je dirais qu’il s’agit plutôt de souvenirs mélangés. C’est une faculté qui, comme le rêve, permet de déplacer cette hiérarchie des valeurs qui dominent la vie courante. Tout n’est pas inventé dans ce que je dessine. Il y a même certains éléments (une pose, un regard, un pli de vêtement) que je vais chercher dans les photos de magazine car j’aime qu’un même dessin soit fondé sur une certaine diversité d’intentions et de factures : un détail exactement observé renforcera l’étrangeté d’une situation ; telle partie du dessin demandera une exécution lente, une autre sera rapidement couverte, rendu réaliste et stylisation, à-plat et volume pourront coexister. Ma méthode ? Chercher d’abord un prétexte pour dessiner, une idée, que je trouve souvent en lisant ou en regardant des livres. Trouver cette raison pour me mettre au travail, c’est le plus difficile. Après il se produit un entraînement d’un dessin à l’autre. L’unité de cette série de dessins ne résidera pas dans un thème mais dans le laps de temps relativement court durant lequel je les aurai réalisés dans un état assez obsessionnel, si bien que dans ces périodes il m’arrive de rêver de dessins tout faits. Ma démarche est pour une grande part systématique. Par exemple, je peux partir de l’idée d’un personnage qui se tiendrait sur un doigt. Je multiplie alors les combinaisons, je cherche les analogies, les contraires. C’est comme un jeu. Je joue la partie du doigt : est-ce que ce personnage va se tenir en équilibre sur un autre doigt ? Ce doigt appartiendra-t-il à une main ? Etc. »3

3 Extrait d’un texte d’Alexandre Devaux écrit pour l’exposition « Génie connu et méconnu » en 2014 à la galerie Anne Barrault à Paris

TOMI UNGERER

Copyright © Tomi Ungerer / Diogenes Verlag AG Zurich, Suisse

L’œuvre de Tomi Ungerer se distingue par sa diversité et sa créativité. Ses dessins d’enfance

réalisés pendant la Seconde Guerre mondiale montraient déjà son talent. Son parcours démarre en 1957 à New York quand il débute comme dessinateur et auteur de livres pour enfants. Les Mellops, Les Trois Brigands, Le Géant de Zeralda, Otto comptent aujourd’hui parmi les titres-phares d’une production riche de plus de soixante-dix volumes. Parallèlement il a créé pour le monde publicitaire des affiches qui ont marqué son temps comme la campagne réalisée pour The New York Times dans les années 1960, ou celles exécutées en Allemagne dans les années 1970 et 1980 pour de grandes entreprises comme Bonduelle ou Nixdorf.

Mais Tomi Ungerer est avant tout un grand dessinateur satirique. Les recueils comme The Party, Babylon et Rigor Mortis montrent combien il a su prendre la mesure du monde contemporain. Les dessins tracés à la plume ou au crayon sont féroces et cyniques, dans la continuité de Daumier, Goya ou Grosz. Ses objets-assemblages réalisés avec des matériaux usagés expriment sa vision critique de la société de consommation, et transposent en trois dimensions ses dessins-collages d’inspiration surréaliste. La critique politique est un élément significatif de son œuvre satirique. Des posters protestataires comme "Black Power/White Power" et la série contre la guerre du Vietnam, réalisés dans les années 1960, continuent d’impressionner par la violence de leur message. Tomi Ungerer est un grand témoin de son temps qui n’a cessé de s’engager avec force contre toutes les formes de dictature et d’injustice.4

4 Texte provenant du Musée Tomi Ungerer, Strasbourg

Histoire de la Fondation Fernet Branca

DE LA DISTILLERIE À L’ART CONTEMPORAIN

La société italienne Fernet-Branca est créée en 1845 par les frères Branca. Ils commencent alors

la commercialisation d’un amer à base de plantes, le Fernet-Branca. En 1909, une distillerie

ouvre à Saint-Louis, elle est destinée à approvisionner l’Allemagne en alcool. Petit à petit, la

production et la commercialisation déclinent dans l’usine ludovicienne et l’usine cesse son

activité le 22 juillet 2000.

Le député-maire Jean Ueberschlag sollicite la Direction Régionale des Affaires culturelles, afin

d’obtenir le classement à l’inventaire des monuments historiques de la façade principale de la

distillerie, ainsi que l’aigle, symbole du Fernet-Branca qui la surplombe. Ils sont tous deux

inscrits au registre des bâtiments historiques depuis l’arrêté préfectoral n°95/155 du 4 juillet

1996. C’est la première étape du rayonnement culturel de ce bâtiment qui commence alors.

En 2004, la ville de Saint-Louis loue le bâtiment à son propriétaire et assure la transformation

en un musée d’art moderne avec l’architecte Jean-Michel Wilmotte.

Sur les 4000 m2 du bâtiment, 1500m2 sont destinés à des expositions d’art contemporain

temporaires variées.

L’espace d’art contemporain est d’abord géré par l’Association pour le musée d’art

contemporain Fernet-Branca, qui le sous-loue et en assure la gestion culturelle. Elle en organise

notamment le lancement en 2004. Le 15 juin de cette même année, l’artiste coréen Lee Ufan

inaugure son exposition, qui sera la première de la Fondation Fernet-Branca.

Par le décret du 21 décembre 2011, l’espace d’art contemporain acquiert le statut de fondation,

dite “Fondation Fernet-Branca” et est reconnue d’utilité publique.

En 2014, la Fondation fête son dixième anniversaire et on inaugure sa trentième exposition le

13 juin 2015 avec l’artiste irlandaise Claire Morgan.

Selon les statuts de la Fondation Fernet-Branca, l’établissement “a pour but d’exploiter l’espace

d’exposition d’art contemporain en assurant le rayonnement trinational et de développer une

politique d’accès à l’art contemporain”. Pour ce faire, ses moyens d’actions principaux sont :

“l’organisation et la présentation d’expositions d’œuvres individuelles, collectives ou thématiques”,

ainsi que “le développement d’une politique d’accès à l’art contemporain tant pour le jeune public

que le grand public, au moyen d’actions d’initiation à l’art, d’ateliers pédagogiques, conférences

didactiques à finalité éducative”.

La Fondation Fernet-Branca accueille des artistes de tous horizons, locaux comme mondiaux et

son rayonnement va plus loin que les frontières de la région puisqu’elle n’attire plus

uniquement alsacien, bâlois et badois.

Informations pratiques :

Fondation Fernet Branca 1500m2 pour l’art contemporain

2, rue du Ballon

68 300 Saint-Louis - Alsace +33 3 89 69 10 77

www.fondationfernet-branca.org Horaires d'ouverture : du mercredi au dimanche de 13 heures à 18 heures

Président : Jean Ueberschlag Directeur : Pierre-Jean Sugier

Médiation jeune public : Coralie Oberlaender Chargée des projets et de la communication : Anaïs Roesz

Régisseurs : Perrin Keller, Michele Morando, Aglaé Rochette, Manon Cézaro

Contact presse :

Anaïs Roesz

Chargée des projets et de la communication

presse@fondationfernet-branca.org

Nos partenaires :

Nous remercions les artistes, la Galerie Isabelle Gounod, la Galerie Anne Barault, Nicolas Topor

et Michel Knoerr.