DOSSIER DE PRESSE - Page d'accueil - Ville de Genève - … · 2017-06-07 · de la sonorité et du tempérament de chaque musicien. Les étudiants travaillent à tour de rôle avec

DOSSIER DE PRESSE6 juin 2017

ÉDITODepuis plusieurs décennies, un métissage culturel brasse les patrimoines et les courants musi-caux, métissage qui change nos habitudes et nos pratiques d’écoute. Ainsi, Musiques en été, qui rythme vos mois de juillet et d’août, s’affranchit de sa classification classique, jazz, world et opéra de chambre, pour tenter des rencontres inédites tout en renforçant à la fois l’unité de la manifestation et le caractère éclectique de sa programmation. Dès 2014, la manifestation proposait déjà d’écouter des concerts de musiques classiques à la Scène Ella Fitzgerald : elle persiste dans ses intentions en vous proposant notamment sur cette scène le furieux jazz psychédélique de The Comet is Coming, puis quelques jours après un concert qui fait se rencontrer L’Orchestre de Chambre de Genève et l’ensemble hongrois Muzsikás. Et, pour la réciprocité, la Cour de l’Hôtel de Ville accueillera dans son écrin les griots maliens du Trio Da Kali.Dans cet esprit de découverte et d’expériences, je vous souhaite un été traversé par des fulgurances, des émotions, des quiétudes et des émerveillements, ce que la musique est justement capable de transmettre.

Sami KanaanConseiller administratif de la Ville de Genève en charge de la culture et du sport

MUSIQUES EN ÉTÉ 2017 - DOSSIER DE PRESSE - VILLE DE GENÈVE

CONFÉRENCE DE PRESSEMardi 6 juin 2017 à 10h30Alhambra – foyer du 2e étage

Intervenants

Sami KanaanConseiller administratif de la Ville de Genève, Département de la culture et du sport

Jacques MénétreyConseiller culturel, Programmateur classique, Département de la culture et du sport

Anne-Lise MaierAdministratrice de l’Opéra de Chambre de Genève

Eve-Anouk JebejianChargée de production, Département de la culture et du sport

Nelson Schaer, Ernie OdoomProgrammateurs jazz

Jakob GrafProgrammateur musiques actuelles

Sarah MargotChargée de communication et de promotion, Département de la culture et du sport

ModérationDominique BerlieConseiller culturel, Département de la culture et du sport

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CLAS

SIQU

E

JUILLET

SA 1.7 Seiji Ozawa International Academy Switzerland 2017 Bartòk, Beethoven, Brahms, Mozart, Ravel, Schumann ATTENTION concert unique au Victoria HallDi 2.7 Orchestre de la Suisse Romande & Denis Kozhukhin, piano Bizet, Ravel ATTENTION concert à la Scène Ella Fitzgerald, parc La Grange (entrée libre)Ma 11.07 The Mozart Project, Olivier Cavé , piano MozartJe 13.7 Quatuor Arod Mozart, Beethoven, Mendelssohn,Ma 18.7 Beatrice Rana, piano BachJe 20.07 Stephan Genz, baryton & Michel Dalberto, piano Brahms, MahlerMa 25.7 22e Académie baroque européenne d’Ambronay & l’Ensemble Repicco Desmarest, Purcell Je 27.7 Quatuor Zaïde Franck, Ravel

AOÛTJe 3.8 Geneva Camerata & Marie-Nicole Lemieux, contralto Corrales, Mozart, Rossini, Beethoven Ma 8.8 Ensemble RARO Schumann, Schreker, Enescu, DöhnányiJe 10.8 L’Orchestre de Chambre de Genève & Muzsikás Ligeti, Bartók, Haydn ATTENTION concert à la Scène Ella Fitzgerald, parc La Grange (entrée libre)Ma 15.8 Berlin Stradivari Brahms, Tchaïkovski

Cour de l’Hôtel de Ville les mardis et jeudis 20h30En cas de pluie - AlhambraPlein tarif CHF 40.- / 30.- Tarifs réduits CHF 30.- / 15.- / 10.-


SA 1er juillet - 20h30concert unique au Victoria Hall

Kazuki Yamada direction

1ère partie Mouvements de quatuors à cordes de Bartòk, Beethoven, Brahms, Dvorák, Haydn et Ravel 2e partie Ensemble des musiciens de l’AcadémieBeethoven, op. 135, lento assaiTchaïkovski, Sérénade pour cordes, op. 48, 1er mouvement

Passionné par l’enseignement, et convaincu que la pratique de la musique de chambre et du quatuor en particulier est essentielle, Seiji Ozawa fonde, en 2004, une Académie de musique de chambre.Pendant dix jours, sélectionnés avec la plus grande rigueur dans les principaux conservatoires et concours internationaux, vingt-quatre jeunes talents vont, en présence du maestro, travailler inten-sément en quatuors avec Nobuko Imai, Pamela Frank et Sadao Harada, trois professeurs et inter-prètes à la renommée internationale. Pour ce concert, le directeur artistique, accompagné de ses musiciens et de Kazuki Yamada, offrira au public le fruit de ce profond travail collégial.

SEIJI OZAWA INTERNATIONAL ACADEMY SWITZERLAND 2017

pour en savoir plusSeiji Ozawa se forme à la musique occidentale à l’école de musique de Toho à Tokyo. Son premier maître, Hideo Saito, lui donne les bases techniques indispensables qui lui permettent ensuite d’aller en Europe et aux Etats-Unis, là où s’ancrent la tradition et le répertoire de la musique occidentale qu’il a étudiée. Lors de ses années américaines, Seiji Ozawa assure la direction musicale de l’Orchestre symphonique de Toronto de 1965 à 1969, avant d’être nommé chef de l’Orchestre symphonique de San Francisco de 1970 à 1976. Il accomplit ce mandat tout en étant chef attitré de l’Orchestre symphonique de Boston où il imprime sa marque jusqu’en 2001. De retour en Europe, où il est est directeur musical de l’Opéra de Vienne de 2002 à 2010, Seiji Ozawa n’en cultive pas moins les liens qui l’unissent au Japon. Ainsi, en 1984, en hommage à son professeur Hideo Saito, il fonde l’Orchestre Saito Kinen, qui réunit chaque été dans la ville de Matsumoto des instrumentistes nationaux appartenant aux plus prestigieux orchestres occidentaux pour le Saito Kinen Festival. L’éducation musicale des jeunes artistes est au cœur de ses préoccupations. Seiji Ozawa est ainsi à l’origine de plusieurs académies, dont l’International Music Academy – Switzerland (IMAS) à Genève, connue depuis 2011 sous le nom de ‘Seiji Ozawa International Academy Switzerland’.

Pour Seiji Ozawa, la pratique musicale de la musique de chambre et du quatuor en particulier est essentielle. Le quatuor, selon Seiji Ozawa, est l’essence même de la musique. Les compositeurs y donnent le meilleur d’eux-mêmes, sans rien de décoratif ni de superflu. Travailler un quatuor à cordes permet d’aller au plus pro-fond du style et des intentions de son créateur. Les quatuors se forment par affinité, sur la base des échanges entre Seiji Ozawa, les professeurs, les instrumentistes, et la direction artistique, en tenant compte du style, de la sonorité et du tempérament de chaque musicien. Les étudiants travaillent à tour de rôle avec les profes-seurs, ce qui assure la transmission d’un savoir-faire unique.

www.ozawa-academy.ch

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DI 2 juillet - 20h30concert à la Scène Ella Fitzgerald, parc La GrangeEn cas de pluie - Victoria Hall

Kazuki Yamada directionDenis Kozhukhin piano

Bizet, Ouverture de Carmen Ravel, Concerto pour piano en sol majeurBizet, L’Arlésienne, Suite n° 1 et Suite n° 2

L’Orchestre de la Suisse Romande nous emmène vers des horizons colorés et rythmés, avec pour commencer la Provence de Georges Bizet. Sa musique de scène accompagnant la pièce L’Arlésienne d’Alphonse Daudet connut, dès sa création en 1872, un succès jamais démenti depuis. L’auteur y adapte même quelques mélodies populaires provençales pour nous plonger mieux encore dans l’ambiance de ce drame amoureux. Maurice Ravel nous emporte ensuite dans son univers éclectique où s’entrecroisent l’Espagne, la danse, mais aussi des accents empruntés au jazz, bien présents dans son Concerto pour piano en sol majeur.

ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE

pour en savoir plusRécemment nommé directeur artistique et musical de l’Orchestre philharmonique de Monte-Carlo, Kazuki Yamada est également le chef principal invité de l’Orchestre de la Suisse Romande depuis septembre 2012. Remarqué en 2009, lorsqu’il remporte le Grand Prix et le Prix du public du 51e Concours International de Jeune Chef d’Orchestre de Besançon, il se fait rapidement connaître sur la scène internationale. Toujours très actif dans son pays natal, il est chef principal du Japan Philharmonic Orchestra, chef associé du Sendai Philhar-monic Orchestra et de l’Ensemble orchestral Kanazawa, mais aussi directeur musical du Yokohama Sinfoniet-ta, un ensemble qu’il a fondé quand il était encore étudiant. Avec l’Orchestre de la Suisse Romande, Kazuki Yamada a achevé récemment une trilogie d’enregistrements inspirés par la danse, pour le label Pentatone.

Premier Prix en 2010, à l’âge de 23 ans, du Concours Reine Elisabeth de Bruxelles, le Russe Denis Kozhukhin a acquis aujourd’hui une réputation internationale qui lui permet de se produire dans les plus grandes salles. On peut notamment l’entendre à la Philharmonie de Berlin et à celle de Cologne, au Carnegie Hall de New York, au Gewandhaus de Leipzig, au Concertgebouw d’Amsterdam ou au Konzerthaus de Vienne. Il est invité à jouer dans la salle Pierre Boulez de Berlin pour sa saison inaugurale.

Fondé en 1918 par Ernest Ansermet, qui en est le chef titulaire jusqu’en 1967, l’Orchestre de la Suisse Romande compte 112 musiciens permanents. Sa réputation s’est bâtie au fil des ans grâce à ses enregistre-ments historiques et à son interprétation du répertoire français et russe du 20e siècle.

www.osr.ch


MA 11 juillet - 20h30En cas de pluie -Alhambra

Olivier Cavé pianoRinaldo Alessandrini direction

Orchestre DivertissementMozartSérénade n° 9 K 320 «Posthorn» extraits Concerto pour piano n° 25 en do majeur KV 503Symphonie n° 41 K 551 «Jupiter»

C’est peut-être bien parce que l’opéra représentait l’essence même de la création chez Wolfgang Amadeus Mozart que celui-ci a élevé le concerto au rang de véritable théâtre instrumental. Le pianiste suisse Olivier Cavé, spécialiste de ce répertoire, interprètera le Concerto en do majeur KV 503, écrit en 1786. Deux ans plus tard, le compositeur signait son ultime symphonie, la célèbre «Jupi-ter» KV 551. Citation d’opéra et écriture polyphonique participent ici à créer une œuvre à la dra-maturgie lumineuse et qui s’impose comme un résumé du style de Mozart.

THE MOZART PROJECTOLIVIER CAVÉ

pour en savoir plusLe pianiste suisse d’origine napolitaine Olivier Cavé étudie auprès de Nelson Goerner, Maria Tipo et Aldo Ciccolini. Il donne son premier concert en 1991, accompagné de la Camerata Lysy sous la baguette de Yehudi Menuhin. Sa carrière prend un nouvel essor en 2008, dans le sillage de la sortie de son premier album chez Aeon (Outhere Music Group) dédié aux sonates de Domenico Scarlatti.

L’Orchestre Divertissement réunit quelques-uns des meilleurs musiciens d’Europe jouant sur instrument d’époque. La variété des approches et des styles est constitutive de son identité. Sans être une formation fixe, il interprète le répertoire classique et romantique, en collaboration avec Olivier Cavé. Les enregistrements d’Olivier Cavé sont salués par la critique qui leur décerne plusieurs distinctions. On peut citer, chez Aeon, un album consacré à Muzio Clementi en 2010 et un autre dédié, au printemps 2013, à Johann Sebastian Bach. Chez ce même label, un disque avec des œuvres de Joseph Haydn et Domenico Scarlatti est paru en 2015 et a été recensé par le magazine Forbes comme le numéro un des «10 best classical recordings 2015».

Fondateur et directeur du Concerto Italiano, Rinaldo Alessandrini se produit aussi au clavecin, au pianoforte et à l’orgue. Spécialiste de Claudio Monteverdi et du répertoire baroque, il cherche à reproduire dans ses interprétations les éléments expressifs et cantabile essentiels, mais souvent insaisissables de la musique ita-lienne des 17e et 18e siècles. Rinaldo Alessandrini enregistre de la musique italienne, mais également celle de Bach et de ses contemporains. Disponibles auprès des labels Naïve, Astrée, Arcana et Deutsche Harmonia Mundi, ses disques se voient attribuer de nombreux prix. Il s’est notamment vu décerner le prestigieux Pre-mio Abbiati des critiques musicaux italiens. Il a aussi travaillé comme éditeur de L’Orfeo et Il ritorno d’Ulisse in patria de Monteverdi pour Bärenreiter.

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JE 13 juillet - 20h30En cas de pluie -Alhambra

Jordan Victoria premier violon, Alexandre Vu deuxième violonCorentin Apparailly alto, Samy Rachid violoncelle

Mozart, Quatuor en sol majeur n° 1 KV 80Mendelssohn, Quatuor en mi mineur op.44 n° 2Beethoven, Quatuor en mi mineur n° 8 op. 59 n° 2

Premier prix du réputé Concours ARD de Munich en 2016, le Quatuor Arod vient présenter trois visages de ce genre musical, au travers de trois maîtres à des moments bien différents de leur vie. Le Quatuor en sol majeur KV 80 n’est autre que la toute première contribution en la matière de Wolfgang Amadeus Mozart qui avait alors quatorze ans ! Œuvre de maturité, l’opus 59 no 2 de Ludwig van Beethoven atteste d’un nouveau départ dans l’évolution du quatuor. C’est enfin avec ses trois partitions de l’opus 44 que Felix Mendelssohn Bartholdy parvient à se libérer de l’influence beetho-vénienne.

QUATUOR AROD

pour en savoir plusFormé en 2013, le Quatuor Arod se fait remarquer en remportant trois important premiers prix dans des com-pétitions internationales: celui du Concours européen de la FNAPEC en 2014, celui du Concours Carl Nielsen de Copenhague en 2015 et, surtout, celui du prestigieux Concours ARD de Munich en 2016. Le Quatuor bénéficie de l’enseignement de Mathieu Herzog et de Jean Sulem. Il est actuellement en résidence à la Cha-pelle Musicale de la Reine Elisabeth de Bruxelles, dans la classe du Quatuor Artemis, et travaille par ailleurs régulièrement avec le Quatuor Ebène et le Quatuor Diotima. Il collabore avec des artistes tels que les altistes Amihai Grosz et Mathieu Herzog, le pianiste Eric Lesage, les clarinettistes Martin Fröst, Romain Guyot et Mi-chel Lethiec ou encore les violoncellistes Raphaël Pidoux, Harriet Krijgh, François Salque et Bruno Philippe. Le Quatuor Arod enregistre pour le label Erato Warner Classics. Son premier disque, consacré à Mendelssohn, sortira à l’automne 2017.

www.quatuorarod.com



Beatrice Rana piano

Bach, Variations Goldberg BWV988

Elle n’a que vingt-quatre ans, mais joue déjà en compagnie des plus grands aux quatre coins du monde et n’a pas peur de se confronter aux œuvres les plus titanesques du répertoire : la pianiste italienne Beatrice Rana interprète les Variations Goldberg, partition mythique et hors norme de Johann Sebastian Bach, monument unique où le compositeur au soir de sa vie propose une synthèse de son art. Ce sont ces mêmes Variations Goldberg que l’artiste a choisies pour son premier disque en solo chez Warner Classics, sorti en février dernier.

BEATRICE RANA

pour en savoir plusBeatrice Rana accède au plus haut niveau de reconnaissance internationale en remportant en 2013, à l’âge de vingt ans, le Deuxième Prix et le Prix du public du Concours Van Cliburn aux Etats-Unis. Cette distinction vient couronner une série de récompenses obtenues dans plusieurs compétitions, parmi lesquelles les concours Muzio Clementi, de San Marino et de Montréal. L’Italienne a aussi fait partie en 2010 d’une sélection de six pianistes participant au Prix Arturo Benedetti Michelangeli. Elle est désormais l’invitée de salles de concerts comme la Tonhalle de Zurich, le Konzerthaus de Vienne, le Wigmore Hall à Londres, le Kennedy Center de Washington ou encore la Philharmonie de Cologne et se voit invitée par des festivals tels le Klavier Festival Ruhr, le Verbier Festival, le Toronto Summer Music Festival, sans oublier le Festival Chopin de Nohant.

Son premier album solo pour le label Warner Classics est sorti au début de 2017 et présente les Variations Goldberg. Après avoir bénéficié de l’enseignement et des conseils de plusieurs maîtres, parmi lesquels Aldo Ciccolini, Beatrice Rana poursuit actuellement sa formation à Rome auprès de Benedetto Lupo.

www.beatricerana.com

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JE 20 juillet - 20h30En cas de pluie -Alhambra

Stephan Genz barytonMichel Dalberto piano

Brahms, Extraits de l’op. 32Brahms, Vier ernste Gesänge op. 121Mahler, Sieben Lieder aus später Zeit (Seven late songs)

En 1896, à quelques mois de son décès, Johannes Brahms l’agnostique se plonge une dernière fois dans les textes bibliques pour écrire ses Vier ernste Gesänge. Ces ultimes lieder sont de poignantes méditations sur la vie et la mort. Quelques années plus tard, à Vienne toujours, Gustav Mahler re-nouvelle ce genre musical avec plusieurs opus essentiels fondateurs d’une nouvelle modernité, par-mi lesquels les Rückert-Lieder. Une soirée intense en perspective, servie par l’un des grands maîtres du lied, le baryton Stephan Genz.

STEPHAN GENZ & MICHEL DALBERTO

pour en savoir plusLe baryton allemand Stephan Genz se forme à Leipzig auprès de Hans-Joachim Beyer, puis à Karlsruhe avec Mitsuko Shirai et Hartmut Höll. Il bénéficie aussi de l’enseignement de Dietrich Fischer-Dieskau et d’Elisabeth Schwarzkopf. C’est en remportant le Concours Johannes Brahms à Hambourg en 1994 et, la même année, le Concours Hugo Wolf à Stuttgart qu’il attire l’attention internationale. Depuis lors, sa carrière le conduit dans de nombreux théâtres lyriques, notamment le Staatsoper de Berlin, l’Opéra national de Paris, le Teatro alla Scala de Milan, le Semperoper de Dresde, le Grand Théâtre de Genève ou encore le Teatro La Fenice de Venise.

Parmi les interprétations récente de Stephan Genz on peut citer les rôles de Frank et Fritz dans Die tote Stadt de Korngold à Venise et de Guglielmo dans Così fan tutte à Baden-Baden. Au Grand Théâtre de Genève, on a pu l’entendre chanter dans les Carmina Burana, ainsi qu’incarner Demetrius dans A Midsummer Night’s Dream de Britten. Plus de cinquante enregistrements, régulièrement récompensés par la critique, témoignent du large répertoire de l’artiste. Ce dernier est depuis 2012 professeur pour le répertoire allemand au Conser-vatoire de Paris.

www.stephan-genz.com

Michel Dalberto se forme dans la classe de Vlado Perlemuter au Conservatoire de Paris, sa ville natale. En 1975, il est lauréat du premier Concours Mozart à Salzburg et gagne le Prix Clara Haskil. Trois ans plus tard, il remporte le Premier Prix au Leeds International Piano Competition. Il est dès lors invité à jouer dans la plupart des centres musicaux européens et dans les grands festivals.

Michel Dalberto se produit en musique de chambre avec des artistes comme Lynn Harrel, Renaud et Gautier Capuçon, Vadim Repin, Emmanuel Pahud, Yuri Bashmet ou Truls Mørk. Dans le domaine vocal, ses partenaires sont, entre autres, Jessye Norman, Barbara Hendricks, Ildiko Raimondi, et Stephan Genz. Parmi ses nombreux enregistrements figurent plusieurs concertos dont ceux de Grieg et de Schumann, mais aussi des récitals consacrés à Liszt, Mozart, Debussy, sans oublier une intégrale de l’œuvre pour piano de Schubert.

www.micheldalberto.com



Paul Agnew direction musicale et mise en espaceKerstin Dietl, Aurora Peña Llobregat, Deborah Cachet sopranos,

Alberto Miguélez-Rouco, Jonas Descotte contre-ténors, Clément Debieuvre haute-contre, Etienne Duhil de Bénazé ténor,

Jean-Christophe Lanièce, Renaud Bres barytons-basses, Ensemble Repicco

Henry Desmarest, Didon, tragédie lyrique (extraits)Henry Purcell, Didon & Enée

Avec Dido and Aeneas, Henry Purcell livrait en 1689 l’un des tout premiers opéras anglais, mais aussi l’un des plus beaux et émouvants ouvrages du répertoire baroque. Les amours malheureuses de la reine de Carthage devaient inspirer de nombreux autres auteurs. C’est ainsi qu’en 1693 le Français Henry Desmarest proposait sur ce sujet une tragédie lyrique qui cherchait à dépasser les accom-plissements du défunt Jean-Baptiste Lully. Les jeunes artistes prometteurs de l’Académie baroque européenne d’Ambronay feront vivre ces deux partitions à la fois complémentaires et contrastées.

22e ACADÉMIE BAROQUE EUROPÉENNE D’AMBRONAY

pour en savoir plusDepuis sa création en 1993, l’Académie baroque européenne d’Ambronay participe à l’évolution des jeunes artistes en début de carrière et s’affirme comme un des projets phares de formation et d’insertion profession-nelle en Europe. Elle associe les Académiciens aux projets artistiques du Centre culturel de rencontre (résidences et concerts de jeunes ensembles) et joue un rôle de médiation fort entre les milieux professionnels et les artistes en devenir. En vingt éditions, ce sont ainsi plus de mille artistes, instrumentistes, chanteurs et danseurs qui ont participé à l’Académie.

L’Académie est aujourd’hui intégrée au dispositif eeemerging (ensembles européens émergents), en valori-sant un ou plusieurs jeunes ensembles choisis dans ce cadre, auxquels s’ajoutent de jeunes talents individuels sélectionnés dans toute l’Europe, en partenariat avec l’Association Européenne des Conservatoires (AEC). L’édition 2017 se voit composée de 21 musiciens (9 chanteurs et 12 instrumentistes) regroupés autour de l’ensemble eeemerging Repicco.

www.academie.ambronay.org

Paul Agnew est directeur musical adjoint et chef associé des Arts Florissants. Né à Glasgow, il commence à chanter au sein de la chorale de la cathédrale de Birmingham et rejoint ensuite le Magdalen College d’Oxford. En 1992, il est auditionné par William Christie. Il devient alors l’interprète privilégié des rôles de haute-contre du répertoire baroque français aux côtés des Arts Florissants. En 2007, il commence à assurer la direction mu-sicale de certains projets des Arts Florissants, notamment lors du Festival d’Ambronay. Au cours de la saison 2013-2014, il est nommé directeur musical adjoint de l’ensemble et dirige la reprise du ballet Doux Mensonges à l’Opéra national de Paris, ainsi que la création de Platée au Theater an der Wien, à l’Opéra-Comique et au Lincoln Center de New York. Paul Agnew est aussi codirecteur du Jardin des Voix, l’Académie des Arts Florissants pour les jeunes chanteurs. Cet intérêt pour la formation des nouvelles générations de musiciens l’amène à diriger à de nombreuses re-prises l’Orchestre français des jeunes baroque.

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QUATUOR ZAÏDEJE 27 juillet - 20h30En cas de pluie -Alhambra

Charlotte Juillard violon, Leslie Boulin Raulet violonSarah Chenaf alto, Juliette Salmona violoncelle

Franck, Quatuor en ré majeur FWV9Ravel, Quatuor en fa majeur

César Franck et Maurice Ravel n’ont chacun écrit qu’un seul quatuor à cordes, nous ouvrant deux mondes bien contrastés. Franck achève sa partition dans les derniers mois de sa vie et signe là le départ d’une véritable renaissance de ce genre musical en France. L’ouvrage de Ravel marque de son côté le début de la maturité pour son auteur et inaugure une longue série de chefs-d’œuvre. C’est le Quatuor Zaïde qui rendra justice à ces deux auteurs : quatre jeunes femmes qui, depuis huit ans, volent de succès en succès.

pour en savoir plusFormé en 2009, le Quatuor Zaïde a étudié à Vienne avec Johannes Meissl, membre du Quatuor Artis, et a participé de nombreuses fois à L’European Chamber Music Academy fondée par Hatto Beyerle du Quatuor Alban Berg. Plusieurs prix viennent rapidement donner une audience internationale aux quatre musiciennes et les amènent à se produire entre autres à la Philharmonie de Berlin, de Paris et de Cologne, au Wigmore Hall ainsi qu’au Barbican Center de Londres, au Musikverein de Vienne ou au Concertgebouw d’Amsterdam.

Si les festivals et les tournées leur font sillonner l’espace, les membres du quatuor Zaïde explorent aussi le temps et l’histoire. La jeune formation met en effet un point d’honneur à ne pas se spécialiser dans un réper-toire spécifique. Joseph Haydn reste ainsi au coeur des activités du groupe, qui remporte d’ailleurs le Premier Prix lors du Concours international Joseph Haydn de Vienne en 2012, au même titre que la musique des 20e

et 21e siècles.

www.quatuorzaide.com


JE 3 aoûtEn cas de pluie -Alhambra

David Greilsammer direction, Marie-Nicole Lemieux contralto Damien Darioli percussions

Corrales, Muévete, Janus…! - Concerto pour percussions et orchestreMozart, La Clemenza di Tito et La Betulia Liberata Rossini, L’Italiana in Algeri Beethoven, Symphonie n°4 en si bémol majeur op. 60

Le Geneva Camerata met à l’honneur un compositeur formé et actif à Genève, le Salvadorien Arturo Corrales, avec sa récente création Muévete, Janus… ! Dans ce concerto pour percussions et orchestre largement construit sur des rythmes de danses latino-américaines, le corps du soliste et même sa voix se joignent eux aussi à l’effectif instrumental. Autre voix, celle plus classique mais non moins envoûtante de la grande contralto canadienne Marie-Nicole Lemieux, qui donnera vie à quelques airs d’opéra de Mozart et Rossini. Pour conclure cette soirée, le Geneva Camerata interprétera la lumineuse Symphonie n°4 de Beethoven.

GENEVA CAMERATA

pour en savoir plusLa contralto canadienne Marie-Nicole Lemieux remporte en 2000 le Prix de la Reine Fabiola et le Prix du lied au Concours Reine Elisabeth de Belgique. Elle entame alors une carrière internationale qui la mène sur les plus grandes scènes du monde. D’abord centrée sur la musique baroque, l’évolution de sa voix lui permet ensuite d’aborder le répertoire français du 19e siècle, Rossini ou encore Verdi, mais aussi la mélodie française, russe et le lied.

www. marienicolelemieux.com

Le percussionniste valaisan Damien Darioli débute ses études au Conservatoire de Sion avant de poursuivre sa formation à Genève auprès d’Yves Brustaux, William Blank et Jean Geoffroy. En 2003, il reçoit le Premier Prix de vibraphone au Concours national d’exécution musicale de Riddes. Il collabore avec différentes for-mations dont l’Orchestre de la Suisse Romande, L’Orchestre de Chambre de Genève, le Geneva Camerata, l’Ensemble Contrechamps, se produit en soliste ou en musique de chambre et se voit régulièrement invité par le Festival Archipel. Il est également membre d’Eklekto (Geneva Percussion Center) et enseignant au Conser-vatoire de Musique de Genève.

Sacré «Révélation» aux Victoires de la Musique, le chef d’orchestre et pianiste David Greilsammer porte une affection particulière aux projets innovants, à la création contemporaine et aux passerelles entre les arts. Directeur musical et artistique du Geneva Camerata, il s’est récemment produit avec l’Orchestre philharmo-nique de Radio France, le Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra et le Mozarteumorchester de Salzburg. Il donne cette saison des récitals à Londres, Bruxelles, Amsterdam, Dresde ou encore Lyon et dirige entre autres le BBC Philharmonic Orchestra.

Constitué de jeunes musiciens, le Geneva Camerata propose une programmation éclectique allant du ba-roque à la création contemporaine, en passant par le jazz, l’électro et les musiques du monde. Il présente plus de trente concerts par saison, en créant de nombreux spectacles multidisciplinaires alliant musique, danse, théâtre, cirque et arts visuels.

www.genevacamerata.com

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MA 8 août - 20h30En cas de pluie -Alhambra

Diana Ketler piano, Alexander Sitkovetsky violonRazvan Popovici alto, Jan-Erik Gustafsson violoncelle

Thorsten Johanns clarinette, Olivier Darbellay corSchumann, Quatuor avec piano en mi bémol majeurEnescu, Rhapsodie roumaine (arr. spécialement pour l’Ensemble Raro par Thomas Wally)Schreker, Der Wind pour violon, violoncelle, clarinette, cor et pianoDönányi, Sextuor en do majeur op. 37

Formation à géométrie variable, l’Ensemble Raro se plaît à explorer un répertoire en dehors des sen-tiers battus. Un postulat confirmé par le programme à l’affiche qui propose trois auteurs trop sou-vent ignorés du 20e siècle, à commencer par Franz Schreker, représentant de la modernité musicale viennoise. C’est ensuite George Enescu et son exploration du folklore dans sa Rhapsodie roumaine. Conclusion magistrale enfin avec le Sextuor d’Ernö Döhnányi, d’inspiration plus romantique mais qui démontre toute l’originalité de ce compositeur qui mélange ici valse viennoise et musique populaire tzigane.

ENSEMBLE RARO

pour en savoir plusL’Ensemble Raro est fondé en 2004 dans le but d’aborder de manière innovante le répertoire de musique de chambre. En 2011, l’ensemble s’élargit en accueillant les violonistes Alina Pogostkina et Erik Schumann, le clarinettiste Thorsten Johanns et le corniste Olivier Darbellay. Il est en résidence au Chiemgauer Musikfrühling Festival, au SoNoRo Festival de Bucarest et d’Arezzo, au Kobe International Music Festival ainsi qu’au festi-val Pèlerinages de Munich. En collaborant et même en initiant plusieurs de ces évènements, les musiciens bénéficient d’une liberté artistique totale leur permettant d’improviser avec des DJ, de créer des spectacles multimédias ou d’organiser des soirées littéraires avec des thèmes aussi variés que l’amour, Paul Wittgenstein ou Emanuel Schikaneder.

L’Ensemble Raro donne régulièrement des master classes dans plusieurs pays et se trouve à l’origine de Sonoro-Interferences, un projet éducatif qui soutient de jeunes et talentueux musiciens. Né en Roumanie, le programme a depuis lors aussi pris place en Italie, en Ukraine et en Allemagne.

www.ensembleraro.com


JE 10 août - 20h30concert à la Scène Ella Fitzgerald, parc La GrangeEn cas de pluie - Victoria Hall

Arie van Beek directionMihály Sipos violon, cithare, László Porteleki violon, koboz, chant

Péter Éri alto, mandoline, flûtes, Dániel Hamar contrebasse, tambour, cymbales, chant

Ligeti, Concerto romanesqueBartók, Danses populaires roumainesHaydn, Symphonie n° 90 en do majeur

Tant Béla Bartók que György Ligeti sont allés puiser dans le folklore de leur région pour y trouver matière à renouveler le langage de la musique classique occidentale, démarche dont les Danses populaires roumaines ou le Concert Românesc offrent un éclatant témoignage. L’Orchestre de Chambre de Genève franchit un pas supplémentaire en se joignant le temps d’un concert aux Muzsikás. Depuis plus de quarante ans, ce groupe venu de Hongrie mélange les musiques populaires et savantes pour mieux démontrer la proximité et la perméabilité entre ces deux traditions.

L’ORCHESTRE DE CHAMBRE DE GENÈVE &

MUZSIKÁS

pour en savoir plusMuzsikás est à l’origine le nom donné aux musiciens se produisant dans les villages de Hongrie et transmet-tant un répertoire et une tradition séculaires où l’improvisation occupe une place importante. L’ensemble qui porte aujourd’hui ce nom propose des arrangements de cette musique populaire authentique qu’un com-positeur comme Bartók s’était employé à collecter. Depuis quarante ans, les Muzsikás font ainsi connaître la musique folklorique hongroise à travers le monde, en se mêlant aussi bien avec des musiciens classiques, jazz, klezmer qu’avec d’autres issus des musiques du monde et même du rock alternatif.

www.muzsikas.hu

Né à Rotterdam, Arie van Beek travaille d’abord comme percussionniste dans les orchestres radiophoniques de son pays avant de s’orienter vers la direction d’orchestre qu’il étudie auprès d’Edo de Waart et David Porcelijn. Directeur musical de l’Orchestre d’Auvergne de 1994 à 2010, il occupe depuis 2011 cette même fonction à l’Orchestre de Picardie. Il est également, depuis 2013, directeur artistique et musical de L’Orchestre de Chambre de Genève, ainsi que chef en résidence au Doelen Ensemble à Rotterdam et au Conservatoire supérieur de musique de Rotterdam (Codarts).

L’Orchestre de Chambre de Genève propose des saisons de concerts dont les programmes s’articulent chacun autour d’une thématique. Son répertoire s’étend du baroque à la musique contemporaine, mais privilégie les périodes classiques et préromantiques. Il prend à cœur sa mission pédagogique et la diffusion culturelle de proximité, et présente de nombreux programmes et des collaborations artistiques avec différentes insti-tutions genevoises: les écoles, la Haute Ecole de Musique, le Conservatoire Populaire de Musique, Danse et Théâtre ou les Activités culturelles de l’Université. Il collabore de même avec différents chœurs et ensembles vocaux du canton.

www.locg.ch

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MA 15 août - 20h30En cas de pluie -Alhambra

Wolfram Brandl violon, Christoph Streuli violonMatthew Hunter alto, Walter Küssner alto

Knut Weber violoncelle, Stephan Koncz violoncelle

Brahms, Sextuor n° 2 en sol majeur, op. 36Tchaïkovski, Sextuor en ré mineur, op. 70 Souvenir de Florence

Répertoire restreint dont l’écriture exige un équilibre difficile à trouver entre les instruments, la musique pour sextuor à cordes peut néanmoins s’enorgueillir de quelques chefs-d’œuvre inou-bliables, à l’image des partitions de Johannes Brahms ou de Piotr Ilitch Tchaïkovski. Pour servir ces grandes pages musicales, qui de mieux que les Philharmonische Stradivari-Solisten de Berlin ? Les membres de l’ensemble, issus du prestigieux orchestre philharmonique de la ville, présentent tous la particularité de jouer sur un instrument du luthier Antonio Stradivari.

BERLIN STRADIVARI

pour en savoir plusLes Solistes Stradivari, tous membres de l’Orchestre philharmonique de Berlin, jouent exclusivement sur des instruments construits par le célèbre Antonio Stradivari (1644-1737). Le mythe Stradivari est encore intensifié par les connaissances très fragmentaires que nous possédons sur la vie de l’artisan dont quelques 650 instru-ments sont parvenus jusqu’à nous.

Les Solistes Stradivari doivent leur existence au soutien de la Fondation Stradivari Habisreutinger qui met à disposition plusieurs instruments, notamment les deux altos qui comptent parmi les très rares que nous conservons du luthier. Les onze musiciens se répartissent aujourd’hui en deux quatuors à cordes auxquels s’ajoutent trois autres violons, leur permettant d’aborder un large répertoire dans des formations variées. Fondé en 1993 sous le nom de Stradivari Summit, l’ensemble se produit en tournée tous les deux ans. Il est placé depuis 1999 sous la direction de Matthew Hunter, premier alto solo de l’Orchestre philharmonique de Berlin.

OPÉR

A

OPÉRA DE CHAMBRE DE GENÈVEFranco Trinca direction

Pierre-Emmanuel Rousseau mise en scène, décors et costumes L’Orchestre de Chambre de Genève

Valerio Contaldo Alessandro, Bianca Tognocchi Aminta, Amelia Scicolone Elisa Carole Meyer Tamiri, Manuel Nuñez Camelino Agenore

Serviteurs

WOLFGANG AMADEUS MOZART Il Re Pastore

Serenata en deux actes KV 208 créée le 23 avril 1775 à Salzbourg

Texte de Pietro Metastasio, publié par Pierluigi Petrobelli et Wolfgang Rehm (Neue Mozart-Ausgabe, Bärenreiter-Verlag, Kassel – Basel – London – New York – Praha)

Le rêve d’une Nature amicale, un rêve de paix et de justice, un rêve de l’âge des Lumières. Dans ce court chef-d’oeuvre peu connu, écrit à l’âge de vingt ans, Wolfgang Amadeus Mozart se permet, et nous offre, une excursion dans un paradis sur terre, où les plus petites ombres laissent place à l’espoir d’un futur sans conflits. Un opéra imaginé pour de très belles voix et un orchestre léger comme l’air et plein de sur-prises. Une musique lumineuse et transparente comme un cristal remplira le soir d’été, demeurera longtemps dans les oreilles et dans le coeur… et vous emportera très loin.

Cour de l’Hôtel de Ville 20h45En cas de pluie - AlhambraPlein tarif CHF 40.- / 30.- Tarifs réduits CHF 30.- / 15.- / 10.-

JUILLET

Ma 4.7

Me 5.7

Ve 7.07 Sa 8.7

pour en savoir plusFondé en 1966 par Robert Dunand, Sarah Ventura et Thierry Vernet, l’Opéra de Chambre de Genève collabore tra-ditionnellement avec L’Orchestre de Chambre de Genève, un ensemble qui épouse idéalement les contours des oeuvres choisies par le directeur artistique Franco Trinca et par Riccardo Mascia, musicologue.L’espace restreint de la Cour de l’Hôtel-de-Ville favorise le contact entre les acteurs et le public, et la nécessité de prévoir une rocade en cas de mauvais temps conduit vers une scénographie simple mais expressive.Depuis sa fondation, l’Opéra de Chambre de Genève s’efforce d’engager des chanteurs talentueux et de leur per-mettre d’acquérir ou d’élargir l’expérience du jeu que demandent le répertoire d’opéra de chambre et notre situa-tion de «théâtre de tréteaux». C’est dans ce même sens que travaillent les metteurs en scène qui ont succédé à Sarah Ventura.

Franco Trinca, directeur artistique et chef d’orchestreObtient un diplôme de piano, de composition, de direction de choeur et d’orchestre au Conservatoire Sainte Cécile de Rome. Il suit les cours de perfectionnement de direction d’orchestre à l’Accademia Musicale Chigiana de Sienne avec G. Rodestvensky. Ensuite, il devient chef de choeurs et répétiteur à la RAI de Rome. Il gagne le concours Carlo Zecchi à Rome. Il a dirigé dans sa carrière environ cent opéras. Il est actuellement Directeur musical de l’Opéra Studio Suisse de la Hochschule der Künste de Berne, adjoint-direction artistique à l’opéra de Bienne-Soleure et Direc-teur artistique de l’Opéra de Chambre de Genève. Il a enregistré sur CD pour Dynamic, Bongiovanni et Pan Classics.

www.opchge.ch

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JAZZ

JUILLET

Lu 3.7 Julian Lage Trio Julian Lage, Eric Doob, Chris LightcapLu 10.7 Miguel Zenón Quartet Miguel Zenón, Luis Perdomo, Hans Glawischnig, Henry ColeLu 17.7 Rita Marcotulli Quartet Rita Marcotulli, Andy Sheppard, Michel Benita, Israel VarelaLu 24.7 Mark Guiliana Jazz Quartet Mark Guiliana, Jason Rigby, Shai Maestro, Chris MorrisseyLu 31.7 Bokani Dyer Trio Bokani Dyer, Romy Brauteseth, Sphelelo Mazibuko

AOÛTVe 4.8 The Comet is Coming Danalogue the Conqueror, Betamax Killer, King Shabaka ATTENTION concert à la Scène Ella Fitzgerald, parc La Grange (entrée libre)Lu 7.8 Still Dreaming Joshua Redman, Ron Miles, Scott Colley, Brian Blade

Cour de l’Hôtel de Ville les lundis 20h30En cas de pluie - AlhambraPlein tarif CHF 40.- / 30.- Tarifs réduits CHF 30.- / 15.- / 10.-


LU 3 juillet - 20h30

A l’âge de vingt-sept ans, Julian Lage possède déjà un curriculum exceptionnel. Ancien enfant pro-dige, il a collaboré avec des géants comme Gary Burton, Jim Hall, Charles Lloyd, David Grisman, Béla Fleck et les Punch Brothers. Bien qu’il soit considéré comme un musicien de jazz, sa musique est aussi enracinée dans les musiques traditionnelles comme le folk et la country. Son trio vous proposera un magnifique voyage entre virtuosité et tradition, au coeur de la musique américaine !

pour en savoir plusAt age 27, Julian Lage already boasts a resume that an artist twice his age would be proud to claim. A for-mer child prodigy - he was the subject of the 1997 documentary Jules at Eight - the California-born, now New York-based guitarist has collaborated with such giants as Gary Burton, Jim Hall, David Grisman, Béla Fleck, and Chales Lloyd. He’s released three albums as a leader, most recently this year’s solo outing World’s Fair, and a few others in duo situations, including Wilco guitarist Nels Cline, pianist Fred Hersch, and Punch Brothers guitarist Chris Eldridge. Lage has also served as sideman to many.

With his new trio that features bassist Scott Colley and drummer Kenny Wollesen, Lage is certainly positioned to help move the music forward. «When I first saw Scott and Kenny with Jim Hall when I was 11,» he says, referring to the guitar great who died in 2013. «So to be able to form a band and make a record with them, and to debut it in New York at Carnegie Hall, represents a lot of positive stuff for me.»

Lage describes the trio’s forthcoming album, Arclight, as a «collection of originals and pre-bebop-era songs.» He looks forward to performing the music in a live setting, but more than anything, he’s simply excited about discovering what this trio is capable of doing. «There’s a willingness to jump in with these guys,» he says. «At the end of the day it comes down to throwing yourself at the music.»

www.julianlage.com

Julian Lage guitare Eric Doob batterie

Chris Lightcap contrebasse

JULIAN LAGE TRIO

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Miguel Zenón saxophone Luis Perdomo piano

Hans Glawischnig contrebasse Henry Cole batterie

Magnifique saxophoniste portoricain, Miguel Zenón s’est imposé sur la scène internationale depuis une quinzaine d’années. Il a développé une voix unique, concentrant ses efforts sur le perfectionne-ment d’un fin mélange entre la musique folklorique latino-américaine et le jazz. Accompagné de son quartet fidèle et complice comme jamais, il fera vibrer la Cour de l’Hôtel de Ville avec ses composi-tions et ses rythmes envoûtants.

pour en savoir plusMiguel Zenón, né en 1976 à San Juan (Porto Rico), est un saxophoniste, flûtiste, et compositeur de jazz portoricain. Après avoir beaucoup joué en sideman dans les groupes de Ray Barretto et David Sánchez, Miguel crée son propre groupe en 2001 avec le pianiste Luis Perdomo, le bassiste Hans Glawischnig et le batteur Antonio Sánchez. Il enregistre plusieurs albums, son premier est Looking Forward, réalisé en Espagne chez le label Fresh Sounds/New Talent en 2002. Un an plus tard, Miguel Zenón devient le premier artiste signé par le label du saxophoniste Branford Marsalis : Marsalis Music (en).

Multiple Grammy Nominee and Guggenheim and MacArthur Fellow Miguel Zenón represents a select group of musicians who have masterfully balanced and blended the often-contradictory poles of innovation and tradition. Widely considered as one of the most groundbreaking and influential saxophonists of his genera-tion, he has also developed a unique voice as a composer and as a conceptualist, concentrating his efforts on perfecting a fine mix between Latin American Folkloric Music and Jazz. His latest release, Típico (Miel Music, 2017) celebrates the Miguel Zenón Quartet, his working band of more than 15 years, which includes Venezuelan pianist Luis Perdomo, Austrian bassist Hans Glawischnig and fellow Puerto Rican drummer Hen-ry Cole. The album features original music by Zenón, which was specifically written for the members of the Quartet and directly inspired by their individual playing and personalities. The end result is a testament to the band’s unique chemistry and their outstanding collective musicianship.

www.miguelzenon.com

MIGUEL ZENÓN QUARTET



Rita Marcotulli piano Andy Sheppard saxophone Michel Benita contrebasse

Israel Varela batterie

La pianiste italienne Rita Marcotulli est une des plus grandes musiciennes de jazz de notre continent. Son extraordinaire carrière l’a amenée à accompagner des géants tels que Chet Baker, Joe Henderson, Peter Erskine, Enrico Rava, Pat Metheny, etc. Pour ce concert à la Cour de l’Hôtel de Ville, elle nous propose un superbe quartet issu de la grande famille du jazz européen, avec le saxophoniste anglais Andy Sheppard, le contrebassiste français Michel Benita et le batteur mexicain basé à Rome Israel Varela.

pour en savoir plusAt the age of five she fell in love with the piano, which she lately went on studying at Santa Cecilia Conservatory in Rome. Rita Marcotulli, an elegant pianist gifted with a melodic timbre and a very exclusive instrumental voice, approached Brasilian music to come definitively to jazz aesthetics at the age of twenty.

Rita Marcotulli a commencé sa carrière professionnelle au début des années 1980 et a fait son premier enregistrement en 1984. Elle a collaboré entre autres avec Richard Galliano, Chet Baker, Enrico Rava, Kenny Wheeler, Peter Erskine, et Steve Grossman et s’est imposée comme une figure importante dans la scène jazz contemporaine. En 1988, elle fait des tournées aux États-Unis et en Europe avec Billy Cobham, apparaissant également dans l ‘album de Cobham. En 1996, elle joue en duo avec Pat Metheny au Festival de Sanremo. Elle a également eu une longue relation musicale avec Dewey Redman.Le style de Marcotulli repose en grande partie sur l’improvisation, et ses influences proviennent des musiques brésilienne, africaine et indienne.

Première femme à recevoir le David di Donatello, elle est récompensée par le Premio Top Jazz 2011 comme meilleur artiste de jazz italien selon la revue Musica Jazz.

RITA MARCOTULLI QUARTET

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Mark Guiliana batterie Jason Rigby saxophone

Shai Maestro piano Chris Morrissey contrebasse

Le Time Out de Londres décrit parfaitement Mark Guiliana qui fût le dernier batteur de David Bowie : «Que se passe-t-il lorsque vous additionnez les batteurs de hard bop Elvin Jones et Art Blakey à une boîte à rythme Roland 808 des années 80, divisez le résultat par J Dilla, puis multipliez-le par la puis-sance de Squarepusher ? Réponse : Mark Guiliana.»

pour en savoir plusMark Guiliana is an acclaimed drummer, composer, educator, producer and founder of the independent record label, Beat Music Productions ; through which, he will release both My Life Starts Now and Beat Music : The Los Angeles Improvisations as a bandleader later this year. His forward-thinking, conceptual approach to the instrument is also featured in Mehliana, the electric duo featuring Brad Mehldau on keyboards and synthe-sizers. The group´s highly anticipated debut album, Taming the Dragon (Nonesuch), was released in early 2014. Over the past decade, Guiliana´s extensive touring has taken him across six continents with artists including Meshell Ndegeocello, Gretchen Parlato, Avishai Cohen, Matisyahu, Lionel Loueke, Now vs. Now, Dhafer Youssef, and his own groups, Beat Music and Heernt. He has also appeared on over 30 recordings to date.

Still in his early thirties, Guiliana, recognized by the New York Times as «a drummer around whom a cult of admiration has formed,» has earned international acclaim for his innovative and creative style.

www.arkguiliana.com

MARK GUILIANA JAZZ QUARTET



Bokani Dyer piano Romy Brauteseth contrebasse

Sphelelo Mazibuko batterie

La scène jazz sud-africaine a toujours été dynamique et originale. Bokani Dyer est un des leaders de la nouvelle génération. Sa musique est appréciée pour sa créativité, sa spiritualité et son côté orga-nique. Elle reflète à la fois un sens fort de l’identité culturelle sud-africaine ainsi qu’une célébration de la musique sans frontières. Le trio du pianiste est complété par la phénoménale bassiste Romy Brauteseth et du magnifique batteur Sphelelo Mazibuko. Superbe !

pour en savoir plusBokani Dyer was born in 1986 in Gaborone, Botswana where many exiled musicians and artists from South Africa, including Bokani’s father, musician Steve Dyer, were living in exile. Having musicians around in his early life gave Bokani the profound insight into the life of a musician and sparked a keen interest in pursuing music as a career. After taking up formal piano studies, he was accepted into the Jazz program at the University of Cape Town where he graduated with an Honours degree in Performance and Composition with distinction. During his time at the college of music, he formed long-lasting musical relationshios which have endured to this day.

Winner of multiple awards, Dyer has played on stages including at the Safaricom festival in Kenya, the opening of the London Jazz Festival and at Jazzahead in Bremen, Germany.

www.bokanidyer.com

BOKANI DYER TRIO

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VE 4 août - 20h30concert à la Scène Ella Fitzgerald, parc La Grange

Danalogue the Conqueror claviers Betamax Killer batterie

King Shabaka saxjazz psychédélique – Londres

2013, Londres, trois cosmonautes musicaux, Shabaka Hutchings, Danalogue et Betamax, se rencontrent. Ce trio unique cite Sun Ra, Frank Zappa, Jimmy Hendrix et les ateliers radiophoniques de la BBC (unité d’effets de son créée en 1958) comme influence. Avec d’autres groupes à l’ADN semblable, The Comet is Coming symbolise la vitalité de la scène jazz britannique, détonnant dans les clubs et alimentant les nouvelles impulsions du genre. «Nous sommes après la fin du monde, la scène est un vaisseau spatial, le micro est un levier de vitesse. Préparez-vous, la comète arrive!»

Concert en collaboration avec la programmation musiques actuelles de Musiques en été.

THE COMET IS COMING

pour en savoir plusThe Comet is Coming est la bande-son d’un apocalypse imaginaire.Trio londonien du saxophoniste King Shabaka, The Comet is Coming continue son aventure cosmique sur les traces de Sun Ra, Frank Zappa ou Hendrix. Son meneur est un membre hyperactif de la nouvelle scène jazz britannique, le saxophoniste et clarinettiste Shabaka Hutchings (aka King Shabaka) qui sévit au sein de groupes comme Sons of Kemet (grand moment scénique de Musiques en été 2015), Melt Yourself Down, des Heliocentrics, d’Anthony Joseph ou même du Sun Ra Orkestra. Pour son projet de fusion globale, King Shabaka a invité deux autres magi-ciens fous, le batteur Maxwell Hallett (Betamax Killer) et le claviériste Dan Leavers (Danalogue The Conqueror).Un trio extraterrestre qui fusionne librement jazz, funk, boucles électros, afrobeat, krautrock ou punk. Après le premier EP «Prophecy» sorti en 2015, le trio a publié son premier album «Channel The Spirits» au prin-temps 2016 sur le label The Leaf, un nouveau sommet d’énergie pure venu d’un recoin ignoré du cosmos jazz.

www.thecometiscoming.co.uk


LU 7 août - 20h30

Joshua Redman saxophone Ron Miles trompette

Scott Colley contrebasse Brian Blade batterie

Grande soirée en perspective avec ce all-stars réunissant Joshua Redman, Ron Miles, Scott Colley et Brian Blade ! Ce quartet rendra hommage à la musique du groupe Old and New Dreams formé par les disciples d’Ornette Coleman et dont faisait partie Dewey Redman. Avec Still Dreaming, Joshua Redman explore l’héritage de son père et ajoute ainsi une nouvelle perspective à ce matériel musical fascinant !

pour en savoir plusFils de Dewey (compagnon de Keith Jarrett dans les années 70), Joshua Redman a marqué son empreinte dès ses débuts à 22 ans. Unanimement salué comme le saxophoniste prodige de la nouvelle génération, le messie d’un courant post-néo-hard-bop revient sur le devant de la scène en 2003 avec un trio pour distiller le swing électrifié de son dernier album «Elastic».

Joshua Redman – one of the best known saxophonists in the world – embarks on his latest musical project with the «Still Dreaming» quartet. This new group features Ron Miles, Scott Colley, and Brian Blade, three of the most imaginative voices in contemporary jazz. Together they will interpret the «Old and New Dreams» quartet of the 1970s and ‘80s, a renowned quartet of Ornette Coleman alumni that included Joshua’s father, Dewey Redman. With repertoire consisting of Ornette Coleman compositions and original works, their music was honest, uninhibited and completely engaging in its unpredictable live execution. With Still Dreaming, Joshua Redman fulfills his birthright and explores his heritage by adding a new perspective to this historic material. Redman’s all-star group is the perfect match for the occasion, and the close personal connection will push these performances up where the first quartet displayed no fear to tread.

www.joshuaredman.com

STILL DREAMING

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WOR

LD, S

OUL,

HIP

-HOP

, FOL

K...

JUILLET

Me 5.7 Justin Townes Earle songwritter - NashvilleJe 6.7 Trio Da Kali musique de chambre malienne - Bamako ATTENTION concert à la Cour de l’Hôtel de Ville Ve 7.7 BNegão & Seletores de Frequência hip-hop, funk - Rio de JaneiroMe 12.7 Oumou Sangaré wassoulou - BamakoVe 14.7 Stiller Has Mundart - BerneMe 19.7 Nação Zumbi feat. Franz Treichler mangue beat, art rock - RecifeVe 21.7 Lee Fields & The Expressions classic soul - North CarolinaMe 26.7 Serge Beynaud coupé-décalé, afropop - AbidjanVe 28.7 Residente hip-hop, new world - Saun Juan

AOÛT

Me2.8 Cumbia All Stars cumbia peruana - LimaVe 4.8 The Comet is Coming jazz psychédélique - LondresMe 9.8 Hindi Zahra & Fatoumata Diawara world - ParisVe 11.8 Lau folk - ÉdimbourgMe 16.8 L’Orage & L’Éclair groove - GenèveVe 18.8 Dina El Wedidi new folk - Le Caire

Scène Ella Fitzgerald les mercredis et vendredis 20h30Entrée libre


ME 5 juillet - 20h30

Justin Townes Earle voix, guitare Paul Niehaus pedal steel, voix

Songwritter - Nashville

Né à Nashville, Tennessee, Justin Townes Earle a acquis une réputation singulière dans la communauté musicale Americana depuis ses débuts il y a dix ans. Fils du chanteur Steve Earle, et porteur d’un nom en hommage au grand Townes Van Zandt, son jeu de guitare et sa carrière le situent également en héritier de Woody Guthrie, «le saint patron de tout chanteur folk» selon Justin Townes Earle. Avec une intuition lyrique audacieuse et des mélodies au pouvoir viral, le jeune vétéran a construit un corpus riche et très personnel.

JUSTIN TOWNES EARLE

pour en savoir plusSince launching his recording career a decade ago, Justin Townes Earle has established a reputation as a singular leading light in the Americana music community. With fearless, personally charged lyrical insight and infectious melodic craftsmanship, the young veteran singer-songwriter has built a rich, personally charged body of work.

Now, on his seventh album (and New West debut) Kids in the Street, Justin Townes Earle raises the creative and personal stakes to deliver a deeply soulful set that’s both emotionally riveting and effortlessly uplifting. Taking himself out of his creative comfort zone and assembling a new set of collaborators, Earle has created one of his most potent efforts to date, reflecting all manner of new influences upon his life and his art.

Earle’s current level of inspiration is apparent throughout Kids in the Street, on which such tunes as «Champagne Corolla,» «Maybe A Moment,» «Faded Valentine» and the haunting title track paint vivid, vital portraits of cha-racters at the mercy of forces beyond their control. Elsewhere, Earle’s personalized update of the trad blues number «Stagalee» recasts that outlaw classic in modern terms, and his reading of Paul Simon’s «Graceland» (included here as a bonus track) locates the gospel/blues number that’s always been at the song’s heart.

Several of Kids in the Street’s songs reference the lower-middle-class Nashville neighborhoods of Earle’s youth, which in recent years have lost their character to the creeping scourge of gentrification.

www.justintownesearle.com

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JE 6 juillet - 20h30concert à la Cour de l’Hôtel de VilleEn cas de pluie - Alhambra

Hawa Diabaté voix Lassana Diabaté balafons

Madou Kouaté ngoni, choeur

musique de chambre malienne - Bamako

Trio Da Kali réunit trois des meilleurs musiciens maliens à l’héritage griot. Leur répertoire inclut des compositions, des chansons de mariage mais également quelques titres du répertoire de l’époque du grand empire malien des 13e et 14e siècles. Dans la tradition des griots, ces oeuvres chantent les louanges d’un chef historique et proposent un parallèle étonnant dans leurs formes et leurs fonctions avec la musique de chambre occidentale jouée à la cour du roi. Musiques en été accueille pour la pre-mière fois une musique classique d’un autre continent à la Cour de l’Hôtel de Ville.

TRIO DA KALI

pour en savoir plusLe groupe malien Trio Da Kali réunit des musiciens issus d’une longue lignée de griots – ces poètes et bardes gardiens des traditions orales en Afrique de l’Ouest. Au centre du projet, on trouve la divine Hawa Kasse Mady Diabaté, l’une des plus belles voix de griotte du Mali. Elle est entourée du balafoniste Lassana Diabaté et du jeune joueur de n’goni – instrument à cordes africain – Mamadou Kouyaté. Ensemble, ces musiciens vous pro-posent de (re-)découvrir l’art ancestral des griots auquel ils confèrent une touche de nouveauté et d’originalité.

Hawa Kassé Mady Diabaté, daughter of the legendary griot singer Kassé Mady Diabaté, is the Trio’s vocalist. Her rich, expressive voice and her natural vibrato have brought comparisons with Mahalia Jackson, Ameri-ca’s great gospel singer. The Trio’s musical director is master balafonist Lassana Diabaté. One of Mali’s most astonishing musicians, Lassana has recorded and toured with many of West Africa’s foremost artists inclu-ding Toumani Diabate’s Grammy-Award nominated Afrocubism album and Symmetric Orchestra project. The youngest member of the Trio is bass ngoni player Mamadou Kouyaté. Still in his mid-twenties, the eldest son of world-renowned Grammy nominated ngoni player Bassekou Kouyaté brings a contemporary feel to the traditions he has learnt from his father.

Trio Da Kali was originally formed to develop a collaborative project with The Kronos Quartet, produced by the Aga Khan Music Initiative; David Harrington (of Kronos) described it as ‘one of the most beautiful collabo-rations Kronos has had in our first 40 years’. Following the debut live performance of the collaboration at the Clarice Smith Center for Performing Arts in Maryland, USA in 2014, the two groups came together to perform again at Montreux Jazz Festival 2015. A studio recording of the collaboration is under development.

Since their formation Trio Da Kali have performed at some of the world’s most prestigious venues. They made their debut in 2012 at The Royal Albert Hall in London for a BBC Prom, followed by performances later that year with Toumani Diabate at the Theatre de la Ville in Paris and the Royal Festival Hall as part of the London Jazz Festival.

www.triodakali.com


VE 7 juillet - 20h30

BNegão voix Pedro Novellino trompette Rivaldo Costa Filho batterie Fabio Santoro basse

Carlos Fabiano Moreno guitare Marco Rafael Silva trombone Sandro Lustosa percussions

hip-hop, funk - Rio de Janeiro

Sans doute un des plus versatiles et prolifiques groupes brésiliens, BNegão se pose en ambassadeur d’une nouvelle scène aux influences funk. Les racines de sa longue carrière remontent au mythique groupe Planet Hemp, dont l’explosion sur la scène brésilienne des années 1990 a également lancé la carrière de Marcelo D2. Avec Seletores de Frequência, BNegão a consolidé son style unique de «black music», mix singulier de funk, hip-hop, hardcore, ragga et psychédélisme.

BNEGÃO & SELETORES DE FREQUÊNCIA

pour en savoir plusBNegão commence sa carrière musicale dans les années 1990 comme le MC leader du groupe mythique de hip-hop brésilien Planet Hemp, qui a aussi lancé la carrière de Marcelo D2. Au début des années 2000, il créée son propre groupe BNegão & Seletores de Frequência. Ce groupe qui ressembée dans son essence à un «Bad Brains» brésilien, mélange rap, funk et dub dans un style rappelant le légendaire Washington, DC Band et tous les groupes afro américains qui se développent sur la scène hardcore à partir des années 1980 dans la capitale brésilienne.

In 2012 the band released a celebrated album – «Sintoniza Lá» – that has been accumulating prizes since then, like Best Album of the Year at MTV Brasil Music Awards, Best Hip Hop Record from iTunes Brasil and Best Black Music Record at Prêmio Dynamite, an important award in the Brazilian independent music scene.In the same year, BNegão was also invited to represent the Brazilian music at the London Olympics closing cere-mony, performing alongside Seu Jorge and Marisa Monte, and sharing stage with Queen, Madonna, Metallica and Bruce Springsteen. The ceremony was broadcasted live for a worldwide audience of billions of people.

In 2015 BNegão & Seletores de Frequência released their third album, TransmutAção (Natura Musical) which was very well received by the press and the result of an extensive two-month tour throughout Brazil. In this new album the group perfectly synthetize the infinity of sounds from all black music styles and make some room for Samba, a never seen style in their discography.

www.bnsf.com.br

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Oumou Sangaré voix Guimba Kouyate guitare Elise Blanchard basse Kandy Guira, Emma Lamadji choeurs

Jon Grandcamp batterie Abou Diarra kamele n’goni Alexandre Millet claviers

wassoulou - Bamako

Grande diva du Mali, Oumou Sangaré est connue sous le nom de «Sangaré kono» ou Sangaré, l’oiseau chanteur. Dans son pays, porter le nom «oiseau chanteur» est un privilège pour les musiciens origi-naires de Wassoulou, au sud du fleuve Niger. Figure constante sur la scène musicale mondiale depuis son premier album Moussolou qui signifie «les femmes» en 1989, Oumou Sangaré nous accroche avec un timbre ample et vibrant. Son nouvel opus Mogoya a été conçu pour secouer les choses, promettant une approche nouvelle du son traditionnel malien qui l’a rendue célèbre.

OUMOU SANGARÉ

pour en savoir plusElle est l’une des chanteuses maliennes les plus célèbres auprès du public occidental. Issue d’une famille origi-naire du Wassoulou, une région boisée située au sud-est de Bamako, où la tradition s’inspire directement des chants de chasseurs, à travers ses chansons, le timbre ample et vibrant, Oumou Sangaré dit ses convictions. Attachée à l’identité culturelle du pays, elle croit aux valeurs traditionnelles tout en pointant celles qui brident les femmes.

Elle chante en wassoulou n’ke, une variante du bambara, ses thèmes de prédilection – exode rural, respect de la forêt, amour... –, défend la tradition mais, à l’instar de ses aînées, Nahawa Doumbia ou Coumba Sidibé, s’insurge contre la polygamie, les mariages arrangés et l’exploitation des femmes. Des femmes qui sont nom-breuses à lui écrire, du Mali, de Côte d’Ivoire ou du Burkina Faso, pour l’encourager dans ses prises de position courageuses. Rebelle, Oumou Sangaré ? «Je dis ce que j’ai envie de dire et je fais les choses comme j’ai envie de les faire», nuance la chanteuse dans un de ces larges et francs sourires qu’elle distribue à tout vent avec une belle générosité.

Sa carrière internationale, enclenchée en 1992-1993 après sa signature sur le label anglais World Circuit, n’a cessé de prendre de l’ampleur. Désormais, Oumou Sangaré porte le son du Wassoulou jusqu’aux oreilles du Japon, du Canada et des États-Unis, au Maroc, devant le public des festivals européens...

Magnifique chanteuse au port de reine, elle reçoit en 2001 le Prix de la musique de l’Unesco / Conseil International de la Musique, pour sa contribution à «l’enrichissement et au développement de la musique, ainsi qu’à la cause de la paix, de la compréhension entre les peuples et de la coopération internationale». Attachée à l’identité culturelle de son pays, elle reste toujours sur le qui-vive et sait prendre le recul nécessaire: «Dans la tradition, il faut faire la part des choses. Sauvegarder à tout prix les bons côtés et rejeter le reste.»

Premier album personnel depuis 2009 et «Seya», sorti chez No Format !, le label indépendant français de Laurent Bizot, «Mogoya» signe le retour de la diva Oumou Sangaré. Elle y parle de ce qu’elle connaît le mieux, à savoir les rapports humains («Mogoya» peut se traduire par «les relations humaines d’aujourd’hui)». Oumou explique les problèmes spécifiques que rencontre la femme africaine au quotidien, les rapports sou-vent difficiles qu’elle entretient avec le monde des hommes.



Endo Anaconda voix Andi Pupato percussions

Boris Klečić guitares, tambura, banjo Andreas Wyss basse Roman Wyss claviers

Mundart - Berne

Stiller Has (Lièvre Silencieux en français) est un trio musical fondé en 1989 à Berne. Groupe culte en Suisse alémanique, ils chantent en Mundart, dialecte bernois local. Les paroles d’Endo Anaconda, leader du groupe, illustrent souvent la classe moyenne suisse, tordant le cou aux stéréotypes et cé-lébrant la médiocrité, y compris les personnes qui se font mordre par leurs propres chiens. Au fil des ans, Endo est devenu un antihéros incontournable, contant une histoire attachante, parfois brute, mais toujours très humaine sur ce que peut aussi signifier d’être suisse.

STILLER HAS

pour en savoir plus

www.stillerhas.ch

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Jorge Du Peixe voix Dengue basse Lucio Maia guitares Pupillo batterie Toca Ogan percussions

Da Lua e Tom Rocha alfaias Franz Treichler voix

mangue beat, art rock - Recife

Le premier album de Nação Zumbi, sorti en 1994, a d’emblée placé le groupe à la tête du mangue beat, un mouvement culturel contestataire né à Recife, au nord-est du Brésil. Véritable cocktail de rythmes régionaux comme le maracatu, frevo, coco et forro mélangés à du rock, hip-hop, funk et musique électronique, le manguebeat est comme une antenne coincée dans la boue des mangroves mais qui capte pourtant des signaux du monde entier.

NAÇÃO ZUMBI FEAT. FRANZ TREICHLER

pour en savoir plusSome 20 years ago, one of the most important groups in Brazil launched its first record: «Da Lama ao Caos». The debut album by Chico Science & Nação Zumbi came out in 1994 and was a milestone brought about by a group of friends, that, by creating a new scene, kick-started a musical movement that ultimately destabilised the axis of musical production in Brazil. Like other Recife bands, their intent was express the sound of the local trait ‘crabs with brains’, or the ‘mud parabolics’, and everything else that people know, feel, or relate to with the Mangue beat sound. The difference is that this band, from the outskirts of Recife became known worldwide, far more than any other.

Their second album, «Afrociberdelia», was launched in 1996, and within less than one year, the band - and the world – lose Chico Science. Despite this devastating blow, it wasn’t the end: «When there’s a scar, it’s hard to forget ...», but the Nação Zumbi re-established itself and knew was able to reinvent itself, year after year, album after album to get where it is today. It’s since released six studio albums – «CSNZ» (1998), «Rádio S. Amb. A» (2000), «Nação Zumbi» (2002), «Futura» (2005), and the brand new album, also entitled «Nação Zumbi» – along two live albums that were also released on DVD – «Propagando ao Vivo» (2006) and «Ao Vivo no Recife» (2012). Thousands of steps and different places later, what was their leitmotiv now is in their essence. Today, the band evoke the Mangue beat, but also bring other sounds to life, a harvest tilled for so many years. No wonder the Nação Zumbi is, until this day, one of the most influential and respected Brazilian bands ever.

www.nacaozumbi.com.br



Lee Fields voix Toby Pazner claviers Michael Buckley sax

Evan Pazner batterie Vincent D’Annunzio guitare Jason Colby trompette Jakob Silver basse

classic soul - North Carolina

Avec Charles Bradley et la regrettée Sharon Jones, Lee Fields fait partie des chanteurs de soul qui ont contribué à la renaissance du genre. Sa discographie débute en 1969 et traverse une douzaine de labels, pour culminer avec Special Night, son dernier album, chef-d’oeuvre qui n’a rien à envier aux classiques de l’époque. «Dans une curieuse évolution musicale, plus Fields vieillit, plus il se rapproche de la soul de sa jeunesse et perfectionne le son avec lequel il a grandi» (NPR).

LEE FIELDS & THE EXPRESSIONS

pour en savoir plusBercé par James Brown ou Eddie Floyd depuis son enfance, passionné de blues, Lee Fields, l’un des rares vété-rans de la scène soul encore en activité, reste pourtant étonnamment méconnu. Dès la fin des années 1960, il fait ses premières armes en tant que chanteur en mettant sa voix au service de groupesqui posent les fondations du funk comme Kool& The Gang, Sammy Gordon& The Hip-Huggers, ou encore Little Royal.

S’il se forge progressivement une réputation locale en enregistrant des titres honorables sur de nombreux petits labels, sa carrièrene décolle pas pour autant. Il faut attendre les sorties de ‘Let’ s Get a Groove On’ (1999) puis de ‘Problems’ (2002) pour que Lee Fields connaisse une notoriété grandissante, au point d’être sollicité par le DJ Martin Solveig pour enregistrer sur quelques-uns de ses titres.

Après s’être entouré d’un nouveau groupe, The Expressions, il enregistre en 2009 l’album «My World» en colla-boration avec les musiciens de Sharon Joneset d’Amy Winehouse : l’occasion pour Lee Fields de réaffirmer son goût pour des arrangements sophistiqués qui recréent les orchestrations de la Motownet les sonorités soul des années 1960-70.

«I feel that every human being’s purpose is to do what their inner voice says to do,» says Lee Fields. «And my inner voice, my driving force, wants me to put out music and keeping making better records.»

www.leefieldsandtheexpressions.com

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Serge Beynaud voix Zota & Fallon danse Michel Lumana basse Gade Abel clavier

Moise Atta batterie Landry Ogomo guitare Julien Pestre guitare Fla Fla O’Neal choeur

coupé-décalé, afropop - Abidjan

Ambassadeur incontournable de «Yop City», Serge Beynaud, «l’arrangeur sexinini» est le roi du coupé-décalé. Ce sous-genre particulier de l’afropop connaît depuis longtemps un engouement qui dépasse le continent africain. Son succès phénoménal a été confirmé en 2016 par la victoire d’un MTV Music Award dans la catégorie meilleur artiste francophone. Son show avec sept musiciens et quatre danseurs sera sans doute un des moments forts de cet été!

SERGE BEYNAUD

pour en savoir plusSerge Beynaud est né en Côte d’Ivoire en 1987. Elève studieux, travailleur et brillant, il fait le bonheur de ses parents et découvre la musique vers l’âge de 7 ans. Poussé par la curiosité, le natif de Yopougon bricole sur l’ordinateur de son père. Il apprend vite, très vite et compose des sons de plus en plus cohérent, travaille, encore et encore, recherchant l’excellence.

Quelques années plus tard, en 2007, poussé par les conseils de ses proches, Serge Beynaud commence à monter son propre studio d’enregistrement. Il se fait rapidement un nom dans le domaine de la composition et de l’arrangement de son. De plus en plus d’artiste sollicitent ces services. Et en 2009, il pose sa voix sur une de ces productions. C’est une véritable bombe dans le milieu ! Le succès est immédiat ! La Beynomania est née ! Enchainant les succès il est aujourd’hui considéré comme le phénomène musical des jeunes d’Afrique francophone. Son 1er album «Seul Dieu» a était un tel succès que les stocks ont été vidés en quelques se-maines ! S’enchainent alors les tournées, les singles, les concerts en Europe, en Afrique, aux USA. En 2014, il sort son 2e album «Talehi» qui rencontre le même succès que son prédécesseur.

En 2015, il reçoit l’Afrima Award pour la meilleure danse dans une vidéo pour son titre à succès «Okeninkpin» et un Poro Award du meilleur artiste coupé décalé. Et en 2016, il reçoit un MTV Award dans la catégorie meilleur artiste francophone.

www.sergebeynaud.com



Residente voix Omar Rodríguez López guitare Leo Genovese basse

Kianí Medina claviers Tony Royster Jr batterie Daniel Díaz percussions

hip-hop, new world - San Juan

Leader du phénoménal Calle 13, le groupe portoricain qui a conquis le continent américain, Residente est l’incroyable lauréat de vingt-cinq Grammy Awards ! Son premier album solo trace l’histoire de son propre ADN à travers de multiples collaborations musicales, revendiquant une fraternité mondiale, sans frontières. Un opus fait de collaborations avec des artistes rencontrés lors de ses voyages, comme Bombino, Soko ou Goran Bregović, ou d’autres, moins connus, venant d’Ossétie, de Géorgie et de Tchétchénie.

RESIDENTE

pour en savoir plusResidente (born René Pérez Joglar; February 23, 1978) is a Puerto Rican rapper, writer, producer and co-founder of the alternative rap group Calle 13. He has won 25 Grammy awards, the most Grammys ever awarded to a Latin artist.

He studied fine art for 8 years, before launching an independent career as a lyricist, performer and director of many his own music videos. His lyrics have been lauded by critics and studied by academics at universities around the world.

He is most recognised for his commitment to social justice, championing educational and native rights across Latin America. In November 2015, Residente received the Nobel Peace Summit Award for his commitment to social awareness and promoting peace. He has also served as the spokesperson for several UNICEF and Amnesty International campaigns.

Despite his success, Residente has never shied away from speaking his mind. In 2009, his work was notably censored for 3 years after he called the governor of Puerto Rico a “SOB» for laying off more than 30,000 public employees.

www.residente.com

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ME 2 août - 20h30

Lucho Carrillo voix Lucho Reyes guitare Cesar Nicho guitare Manuel Pecho basse

Dante Reyes batterie, timbales Ernesto “Sanguito” Cadenas congas Hector “Chiquito” Mattos bongo

cumbia peruana - Lima

La vague psychédélique des sixties a déferlé jusque dans les villages amazoniens reculés du Pérou. Durant une décennie de liberté retrouvée, la deuxième génération d’immigrants a façonné cette musique à sa manière, donnant naissance à un genre musical propre à l’identité péruvienne : la Cumbia guaracha, la Cumbia psychédélique, la Cumbia amazonienne ou tout simplement la Cumbia péruvienne. Les membres de Cumbia All Stars regroupent le meilleur de ce mouvement (Los Diablos Rojos, Los Beta 5, Riberenos…), et donnent corps à cette riche tradition.

CUMBIA ALL STARS

pour en savoir plusIls proviennent des groupes légendaires de Cumbia péruvienne et, après 40 ans, ils se retrouvent enfn pour jouer ensemble la musique qu’ils ont eux même créée ! Cumbia All Stars est un projet musical auquel participent d’an-ciens membres de Los Diablos Rojos, Juaneco y su Combo, Los Girasoles, Los Beta 5 et les Riberenos, qui ont été liés durant plusieurs décennies à cette riche tradition musicale.

La vague psychédélique est un phénomène qui ne pouvait que s’être déroulé pendant les années soixante au Pérou. Produit de l’environnement efervescent d’une décennie de libertés redécouvertes, elle voit le jour dans les villes reculées de l’Amazonie, parmi les enfants des immigrants qui ont donné naissance à un genre musical qui fait maintenant partie intégrante de l’identité péruvienne : la Cumbia guaracha, la Cumbia psychédélique, la Cumbia amazonienne ou tout simplement la Cumbia péruvienne.

Cumbia All Stars est un voyage à la découverte de ce son original de mélodies délirantes à la guitare virtuose, de dissonances et de rythmes saccadés. Sans concessions majeures que celles que le temps aurait pu imposer, Cumbia All Stars retourne aux racines de la Cumbia péruvienne, mais en la ramenant au plan de la recherche et de l’expérimentation.Les membres de Cumbia All Stars sont parmi les créateurs de ce style musical et en concert ils interprètent les chansons les plus emblématiques et les trésors oubliés du répertoire de la Cumbia péruvienne.


ME 9 août - 20h30

Hindi Zahra voix Fatoumata Diawara voix, guitare Yacouba Kone guitare Sekou Bah basse

Ze Luis Nascimento batterie, percussionsworld - Paris

C’est l’histoire de deux grandes amies, artistes et africaines, dont la vie rime avec nomadisme, ouverture et liberté : Hindi Zahra, marocaine d’origine berbère et touareg, et Fatoumata Diawara, née en Côte d’Ivoire de parents maliens. Leur rencontre a lieu voilà douze ans, sur la scène de l’Olympic Café, haut lieu de la Goutte-d’Or, le quartier/carrefour des cultures à Paris. Depuis, elles naviguent entre tournées, plateaux de cinéma ou actions humanitaires. Deux guerrières, dont les musiques, chargées de l’énergie des rencontres, trouvent racines communes dans le blues, le folk et l’Afrique.

HINDI ZAHRA & FATOUMATA DIAWARA

pour en savoir plusHindi Zahra est né à Khouribga dans le sud du Maroc. Débutant dans la chanson, l’artiste s’est installée à Paris pour découvrir de nouvelles cultures. Même si cela n’a pas toujours était facile pour Hindi Zahra, elle a tout de même fini par s’adapter à cette vie parisienne.Elle a commencé en étant choriste soul sur les bords de la seine. La musique lui a permis de se découvrir elle-même et cela se retrouve sur l’album «Handmade» chanté en anglais et en berbère. Ses chansons ont un côté spontanées et déstructurées, mais l’artiste ne cache pas son faible pour le psychédélique.Cet album a été enregistré dans un studio d’artiste où la préservation d’un caractère artisanal était essentielle.Cependant, la chanteuse reste une vraie nomade, se déplaçant du Maroc à Londres, en passant par Bruxelles.

Auteure-compositrice, guitariste, interprète, danseuse et comédienne née en 1982 en Côte d’Ivoire, de parents maliens, Fatoumata Diawara développe un afro-folk tiré de la musique mandingue, notamment des rythmes et chants wassoulou du Mali, et teinté de blues et de jazz. Son premier opus, «Fatou», dont le magnifique «Sowa», lui vaut une invitation à l’émission «Later with Jools Holland» sur la chaîne anglaise BBC Two. Entre les sessions, Fatou trouve malgré tout le temps de participer au projet Africa Express de Damon Albarn, de faire les chœurs sur les albums de Cheikh Lô et de l’Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou, sans oublier AfroCubism et le projet Imagine de Herbie Hancock.

Après douze ans passés à dresser des passerelles entre les cultures, et faire rayonner chacune à sa manière l’Afrique moderne à travers le monde, elles souhaitaient se retrouver à nouveau sur scène toutes les deux, en toute simplicité.Elles interprèteront pour l’occasion des chansons de l’une et de l’autre, ainsi que des reprises choisies pour notre plus grand plaisir, et le leur !

www.hindi-zahra.comwww.fatoumatadiawara.com

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VE 11 août - 20h30

Kris Drever voix, guitare Martin Green accordéon, wurlitzer, claviers, electronics

Aidan O’Rourke fiddlefolk - Édimbourg

Lau est un trio folk contemporain, composé de trois des meilleurs musiciens traditionnels du Royaume-Uni. Le groupe a remporté quatre prix dans la catégorie « meilleur groupe folk » à la BBC. Pionnier dans son domaine et connu pour avoir poussé les limites des arrangements et de l’instrumentation en intégrant notamment des éléments d’electronica, Lau est l’un des groupes les plus innovants et créatifs de la musique folk contemporaine.

LAU

pour en savoir plusLau is the pioneering contemporary folk trio comprising three of the UK’s finest traditional musicians : Kris Drever (vocals, guitar), Martin Green (accordion, wurlitzer, keys, electronics) and Aidan O’Rourke (fiddle). Kris intent on inventing ways of accompanying Aidan’s off-kilter tunes with enough swing and solidity to make them fly. A night sometime in 1998, when Aidan, stopping off at the Green family safe house during a tour of England, discovered Martin’s shared love of roaming harmonies and kinked time signatures and melodies that tug sideways.

Plans were made, geography was surmounted. Kris tossed a coin in Kirkwall to decide whether to move to Edinburgh or Glasgow and the capital won. Martin moved north, Aidan moved east, all three gravitated to sessions at Whistlebinkies and the Tron. By the time «Lightweights and Gentleman» arrived in spring 2007, Lau had their sound.«Race the Loser» (2012) was produced by Tucker Martine, master of classy reverb and old-school analogue mixing who turned up with a Moog that made Martin swoon for its clear, hefty bass sound. Aidan got bold with effects, Kris tried his hand at arch-top electric and made it glow. A commission for the 2014 New Music Biennial became the audacious 17-minute centrepiece of «The Bell That Never Rang», featuring the Elysian Quartet and produced by Joan Wasser with unchained charisma and a vintage Brooklyn studio. The bonus album encompassed tunes by Väsen and Calexico and refracted mellotron remixes. They’d landed in the bit of the venn diagram where folk overlaps experimentalism and classical composition and pop songs. Maybe that bit is just called Lau.

www.lau-music.co.uk


ME 16 août - 20h30

Ganesh Geymeier saxophone ténor Robin Girod guitare, baby basse Maël Godinat piano Fabien Iannone basse Baba Konaté percussions Nelson Schaer batterie

China Seb Bui flying synth Yavor Space Lilov drum station Elie Cobra Ghersinu bass station Colonel Stefan Lilov guitar Black Joe Pitet scratch

Alain Island Sandri shake Albert Siberian Rivera twistgroove - Genève

Soirée tempétueuse sur le parc : quand L’Orage, mélange de transe jazz et de polyrythmie, se confronte à L’Eclair, septet de funk venu de l’espace pour atterrir chez l’inépuisable label local « rock this town records », la danse nous prend au corps et nous trempe jusqu’aux os. Deux générations s’inspirant l’une de l’autre, complices et concurrentes, issues des mêmes lieux de notre ville qui les a vus grandir. Six puis sept musiciens sur scène pour une rencontre finale explosive au nombre de treize !

L’ORAGE & L’ÉCLAIR

pour en savoir plusQuand les chemins se croisent et que les rythmes se répètent à l’infini dans une transe continentale, c’est l’Orage qui gronde. Les beats se disloquent et les thèmes brouillent les cartes du monde. Dans les nuages d’un ciel de fin d’été́, Nelson Schaer réunit ses amis les plus vifs et les plus intenses. Ceux avec qui il a échangé ́depuis longtemps ou depuis peu les chants les plus forts.

Qu’est-ce qui se cache derrière l’Eclair ? Le groove. Comme si Curtis Mayfield avait une extinction de voix et qu’il avait viré ses violons. Comme si Soul Train n’était plus une bizarrerie nostalgique de bobos mais bel et bien une évidence à prendre au pied de la lettre. Comme si Booker T & The MG’s venaient de l’Europe de l’est. L’Eclair est encore plus obscur que la B.O. d’un film des 70s jamais sorti et se compose de Yavor Space Krum à la batterie, Elie Cobra Ghersinu à la basse wah wah, China Seb Bui aux claviers wah wah et le colonel Stephan Lilov à la guitare wah wah. L’Eclair revendique le Game et les gangs, ainsi qu‘un kraut-exo-soul-brutal-funk-turkish-groove garanti 100% sans costards.

www.lorage.bandcamp.com

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VE 18 août - 20h30

Dina El Wedidi voix Mohamed Soliman basse Abdelazim Barhouma percussions

Feisal Omar claviers Wael Aly accordéon Mohamed Ahmed batterie Mohamed Hussein guitare

new folk - Le Caire

Dina El Wedidi chante la jeunesse actuelle de son pays, sur des sonorités folkloriques. La composi-tion et l’écriture ont commencé durant ses années d’études en langues orientales à l’université du Caire. En parallèle, elle rejoint la compagnie de théâtre El Warsha, intègre le projet ethnomusico-logique Nile Project, et devient la protégée de Gilberto Gil, l’immense chanteur et ex-ministre de la Culture brésilien. Depuis son album Tedawar W’Tergaa (Turning Back) en 2014, Dina El Wedidi est devenue une figure incontournable de la scène musicale égyptienne.

DINA EL WEDIDI

pour en savoir plusWhile still studying Oriental Languages at Cairo University, Dina joined El Warsha Theater Troupe and discovered her passion for music, learning to sing a wide variety of traditional genres. With the help of her tutor, Maged Soliman, she began to explore the full potential of her voice and also participated in many workshops with in-dependent musicians both in Egypt and beyond, including Grammy award-winning musician Fathy Salama and singer-songwriter Kamilya Jubran. Recently, Dina has been the lead performer of an ensemble of musicians that she refers to as «a growing project». They have performed extensively in the past two years, fusing local and global styles of music.Dina continues to be inspired by the heritage and identity of Cairo, where she was born and raised, but that ins-piration has taken her far beyond the limits of her home city. She is now taking part in the Nile Project, a musical and environmental initiative that brings together musicians and thinkers from all over the Nile Valley. She has also won an award from the Rolex Arts Initiative for promising international artists, which gives her a year of mentoring with the renowned Brazilian singer, Gilberto Gil. This major turning point in Dina’s career will see her performing alongside Gil at a number of international music festivals across the world.

www.dinaelwedidi.com

INFORMATIONS PRATIQUES BilletterieTarifs Cour de l’Hôtel de Ville Plein tarif CHF 40.- / 30.- Tarif réduit CHF 30.- / 15.- (AVS, chômeurs, étudiants jusqu’à 25 ans et sur présentation de la carte) Places debout CHF 10.- uniquement à la caisse du soir Carte 20 ans / 20 francs CHF 10.- Chèque culture accepté

Scène Ella Fitzgerald Entrée libre

Points de vente• Maison des arts du Grütli - Rue du Général-Dufour 16, lu-sa 10h-18h• Espace Ville de Genève - Pont de la Machine 1, lu 12h-17h30, ma-ve 9h-17h30, sa 10h-16h30• Cité Seniors - Rue Amat 28, ma-ve 9h-12h15• Genève Tourisme - Rue du Mont-Blanc 18, lu-me 9h-18h, je 10h-18h, ve-sa 9h-18h, di 10h-16h• Sur place une heure avant chaque concert, dans la limite des places disponibles• En ligne sur www.musiquesenete.ch

Renseignements par téléphone 0800 418 418 (gratuit) / Depuis l’étranger : +41 (0)22 418 36 18 (payant)

Lieux de concerts Cour de l’Hôtel de Ville - Rue de l’Hôtel-de-Ville 2 / bus 2, 7, 10, 36, tram 12 (arrêt Molard), parking Saint-Antoine

Scène Ella Fitzgerald - Parc La Grange / bus 2, 6, E, G (arrêt Parcs), bus 1, 9 (arrêt Cuisine), parking Genève-Plage La Buvette de la Scène Ella Fitzgerald, gérée par l’association Le Cabinet, est ouverte tous les soirs de concert, et propose des boissons locales, des tapas et des paniers pique-nique.

L’Alhambra - Rue de la Rôtisserie 10 / bus 2, 7, 10, 36, tram 12 (arrêt Molard), parking Lac

En cas de pluieLes concerts de la Scène Ella Fitzgerald ne sont pas déplacés. A l’exception des concerts classiques du 2 juillet et du 10 août déplacés au Victoria Hall, rue du Général-Dufour 14.En cas de risques météo élevés et pour des raisons de sécurité, certains concerts peuvent toutefois être annulés.

Les concerts de la Cour de l’Hôtel de Ville sont déplacés à l’Alhambra, rue de la Rôtisserie 10.En cas de temps incertain, prière de téléphoner le jour-même au n° 1600, rubrique 5, dès 15h.

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CONTACTSCONTACT PRESSEDépartement de la culture et du sport de la Ville de GenèveService culturelSarah MargotTél. +41 (0)22 418 65 75 / +41 (0)78 756 25 [email protected]

Dossier de presse et photos à disposition sur le site internetwww.musiquesenete.ch

• Programme complet• Dossier de presse• Photos de presse : toutes les photos sont libres de droits, mention du copyright obligatoire

INTERVIEW

CLASSIQUEJacques Ménétrey Tél. +41 (0)22 418 65 79 ou +41 (0)79 644 21 69Courriel : [email protected]

OPÉRAAnne-Lise Maier Tél. + 41 (0)22 757 30 73Courriel : [email protected]

JAZZNelson Schaer Tél. +41 (0)76 379 71 57Courriel : [email protected]

MUSIQUES ACTUELLES - Sène Ella FitzgeraldJakob Graf Tél. +41 (0)78 885 98 28Courriel : [email protected]

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DOSSIER DE PRESSE - Page d'accueil - Ville de Genève - … · 2017-06-07 · de la sonorité et du tempérament de chaque musicien. Les étudiants travaillent à tour de rôle avec