L'approche didactique et pédagogique dans la danse · VERS LA COMPÉTENCE ARTISTIQUE Les spectacles contemporains associent des formes variées d’expression artistique (danse,

Formation AEFE

Stage Liban, 11/12/13 Février 2014

L'approche didactique et pédagogique dans

la danse

Formateur : Laurent DASTUGUE

VERS LA COMPÉTENCE ARTISTIQUE

Les spectacles contemporains associent des formes variées

d’expression artistique (danse, cirque, théâtre, chant, musique, etc.) pour

mieux servir le propos de l’auteur. Nous allons aujourd’hui nous centrer sur

la danse.

La création d’une œuvre artistique et donc d’une chorégraphie en

danse est guidée par la volonté de présenter, communiquer une intention,

une vision du monde à un spectateur, de sortir du réel, le détourner pour

construire un monde imaginaire. Quel que soit le support, l’artiste entre

dans un processus qui alterne des phases d’exploration, de composition, de

répétition et de présentation. Ce processus de création et son

aboutissement à un projet personnel définissent ce que nous entendons par

« compétence artistique ».

La démarche

Pour entrer dans le processus de création et produire une œuvre

répondant à la logique interne des activités artistiques, il s’agit pour l’élève

de créer et maintenir le lien entre l’œuvre et le spectateur par une mise en

scène cohérente, une véritable interprétation et la capacité à se mettre en

risque. La danse, figurant dans les programmes d’EPS, est appréhendée

comme un outil au service de la création. En suivant le chemin de l’artiste,

l’élève explore un répertoire élargi et développe son domaine de

compétence privilégié. Sa motivation s’en trouve renforcée.

LE PROCESSUS DE CREATION

Le processus de création, tel que nous l’avons formalisé, organise les

différentes étapes d’apprentissage de la démarche d’enseignement. Il

propose un cadre incontournable où alternent les phases d’exploration,

d’écriture, de recherches d’idées nouvelles, de répétition et de

présentation des choix. Il met en jeu, à chaque séance, les rôles issus des

composantes de la logique interne : COMPOSITEUR (chorégraphe/metteur

en scène), ACTEUR (danseur : acteur et interprète) et LECTEUR

(spectateur).

La compétence artistique c’est aussi pour l’élève viser une autonomie

dans la conduite de ce processus pour aboutir à son œuvre. Donc, il faut se

rappeler la règle suivante : plus il y a de contraintes, plus la création

est facilitée.

Dans la présentation des situations, nous avons associé une couleur à

chacune des phases décrites.

Démarche de création en activités physiques artistiques en s’inspirant des

travaux de Guilforld :

Divergence Convergence

Alain Beaudot dans son livre « La créativité à l’école » expose les

travaux de Guilford (1961) et de son équipe qui mettent en évidence deux

modes de pensée : convergente et divergente.

Quand la pensée convergente « caractérise l’écolier modèle », la pensée

divergente « réside dans la capacité à produire des formes nouvelles »,

c’est la faculté créatrice, l’imagination, la fantaisie.

La place de la technique

Au contraire d’un enseignement technique identique à tous, balisé par

des grilles de niveau à atteindre, l’enseignant part du point fort de chaque

élève, le guide, l’aide à créer et à maîtriser des formes dansées,

acrobatiques en cohérence avec son projet artistique. Il est donc

fondamental d’être attentif pour individualiser les remédiations au niveau

de la motricité pour faire progresser et réussir chaque élève.

Les textes officiels

Après étude des compétences attendues au collège ( B.O. spécial n°6 du

28 août 2008) et plus en détails des connaissances, capacités et attitudes

de l’activité « Danse », il en ressort quelques caractéristiques

fondamentales :

La démarche de création en 3 étapes: exploration – composition –

présentation

Les trois rôles qui y sont associés : Danseur – Chorégraphe –

Spectateur

Les codes des arts de la scène :

- Un propos (thème ou intention)

- Un espace scénique (délimité et orienté par rapport à

un public)

- Un jeu d’interprète (concentration et force de

conviction)

- Des relations entre les interprètes (unisson,

formations, échanges, contacts…)

- Une scénographie

Le statut du corps : poétique et expressif

Définition de l’activité Danse (travaux de Bénédicte Raquin UFR

STAPS de Créteil) L’accroissement des APSA (de 15 dans les années 60 à une centaine

aujourd’hui) nécessite pour l’enseignant d’opérer, à l’aide de critères, un

rassemblement par catégories autour de caractères communs ; ainsi nous

parlons :

- d’activités favorisant la relation à l’environnement

- d’activités favorisant les relations sociales entre les individus

- d’activités d’oppositions corporelles ou matérielles…

Dans ce concert, les activités favorisant l’activité créatrice se sont fait

une place à coté des activités plus traditionnelles sollicitant

prioritairement les ressources biomécaniques : ici la sollicitation

corporelle s’effectue sur un registre différent ; le corps devient le

matériel et l’objet d’une réflexion poétique, esthétique ce qui permet

d’obtenir une figuration, par le corps, des représentations imagées.

L’absence d’interdit réglementaire et de codes à respecter permet

d’accéder à une liberté et une autonomie qui sont sans commune mesure

avec les pratiques sportives.

Cette liberté et cette autonomie de l’artiste prennent un sens social au

travers de la relation ENONCIATION de l’œuvre (activité du travail sur la

forme : le corps en production de mouvement) /CONTEMPLATION de

celle.

La vocation de l’enseignement des activités artistiques est d’élever le

niveau de l’énonciation et d’affiner le pouvoir de contemplation.

Comment la Danse répond-t-elle à cette exigence ?

Cette définition proposée par DELGA, FLAMBARD, LE PELLEC… « Danse :

objet culturel, objet d’enseignement » AFRAPS 1989

« La Danse c’est l’organisation intentionnelle des mouvements du corps

dans l’espace et le temps, réclamant une utilisant optimale de l’énergie et

possédant une valeur propre et esthétique dans le but d’expression,

d’évocation et/ou de communication ; cette activité est visuellement

appréhendée. »

DIALECTIQUE :

EXPRESSION / IMPRESSION

Pour cela DANSER comme objet d’enseignement c’est :

« L’activité d’une ou de plusieurs personnes qui doivent gérer la dialectique

EXPRESSION/IMPRESSION dans une perspective de communication au

moyen d’une œuvre chorégraphique ayant une valeur esthétique et

émotionnelle » Pia PINEAU, thèse

Objectifs à atteindre dans le cadre scolaire Quelque soit la préférence pour l’une ou l’autre des approches (que nous détaillerons plus loin dans le document), il est important de faire vivre diverses

expériences à l’élève.

L’idée est de montrer que la danse est toujours un point de vue (sur le monde, sur les choix esthétiques, sur les styles, sur le rapport au corps…) et qu’il s’agira

de le communiquer aux spectateurs.

1) La danse face aux objectifs de l’EPS :

Le développement et la mobilisation des ressources individuelles favorisant l’enrichissement de la motricité: développer les habiletés

motrices revient à développer dans l’activité danse une motricité signifiante, trouver et expérimenter des formes de corps, des

techniques corporelles plaçant l’élève en situation d’activité motrice nouvelle.

La danse favorise la sollicitation de trois motricités :

o Motricité de sens (sémio cinèse)

o Motricité d’efficience ( topocinèse)

o Motricité de forme (morphocinèse)

L’accès au patrimoine de la culture physique et sportive :relatif à la connaissance des APSA implique le développement de

connaissances SUR la danse pour partager un domaine de culture (connaissances de l’histoire de la danse, des œuvres, des spécificités

des lieux de présentations.)

L’éducation à la santé et à la gestion de la vie physique et sociale: connaissance de soi et entretien en vue de sa vie physique d’adulte

appelle à :

o la gestion et à la distinction de son apparence, de sa propre image : l’aspect émotionnel de la personnalité s’affirme dans un

exercice de théâtralité du corps.

o être un spectateur averti et critique (qui a construit un discourt grâce à des analyseurs lui permettant d’expliciter ses goût)

Afin de répondre à ces objectifs, l’enseignant devra s’assurer que ces propositions :

- appartiennent à la culture des élèves (culture musicale, corporelle, picturale) afin que l’esthétique choisisse joue un rôle initiatique dans la

reconnaissance des jeunes entre eux

- permettent l’ouverture d’un horizon à travers la découverte de styles, de codes,de créations fonctionnant dans un nouveau cadre esthétique

- permettent la transformation de la motricité : les productions doivent être accompagnées d’intervention sur la composition afin de sortir du simple

plaisir du faire et d’évoluer vers une vraie intention de partager avec le plus grand nombre

- permettent l’affirmation d’une identité par la verbalisation (si peu courante notamment chez les adolescents) des émotions

2) Les contradictions à résoudre :

Comment donné à voir un corps IMAGINAIRE par les corps réel ?

C’est une caractéristique des activités de stylisation.

Comment exprimer ce que l’on ressent autrement que par le MOT ?

C’est une caractéristique des activités de symbolisation.

Comment vivre et s’émouvoir pour émouvoir ?

C’est une caractéristique des activités de présentation.

Les enjeux d’une éducation artistique

1) Les raisons générales :

Les raisons sociales :

La danse, tout comme la peinture, la sculpture en parle de formes, de volumes, d’espace vital, des trajectoires etc. Si l’on amène l’homme à prendre conscience :

- des effets d’harmonie que cet espace peut revêtir

- de la notion d’espace vitale ou subit selon les œuvres

On peut penser qu’il transfèrera sur son propre quotidien ces notions ; le BEAU, n’est donc plus seulement l’affaire des initiés qui se réfugient dans les musées

mais de tous et cela s’inscrit dans un projet collectif de sensibilisation à l’art.

La tâche de l’école par exemple est de donner à tous ce que certains ont la chance de découvrir : sensibiliser les enfants à la qualité du cadre de vie peut les

rendre plus vigilants à l’égard de leur environnement.

Les raisons techniques :

Toute œuvre est le produit d’une lutte entre l’imaginaire et la matière. La technique en danse (ce qui permet de construire, d’agencer…) est justement ce qui rend

possible le passage de l’imaginaire à la matière. L’éducation devra faire prendre conscience de ce passage du spontané à l’élaboré. La technique par son acquisition

ouvre les voies à la création, à l’invention ; En danse, c’est un travail spécifique du corps permettant :

- la concentration, la perception de son fonctionnement corporel

- la connaissance parfaite des coordinations

C’est donc un outil qui demande de la rigueur mais qui permet de mieux comprendre, lire les œuvres.

Les raisons esthétiques :

L’éducation artistique doit parvenir à montrer que finalement si une ouvre est belle, nous émeut ce n’est pas par ce qu’elle représente formellement : le sujet d’une

sculpture, le thème au cinéma, une peinture figurative…mais ce qui nous touche se situe souvent en arrière plan dans la composition générale : les rapports des

valeurs, les rythmes, les mise en scène….

2) les raisons éducatives :

Au regard des finalités de l’éducation, la DANSE privilégie :

- la SANTE : en tant que maintient d’un bien être par la prise en compte de l’imaginaire et des émotions

- DEVELOPPEMENT PERSONNEL et IDENTITE : avoir un projet de transformation de soi, choisir un rôle pour se construire dans le jeu du personnage

- CORPS : la créativité corporelle est une ressource pour communiquer

- CULTURE : la poésie du geste comme langage : expression d’une identité culturelle

Au regard des objectifs sociaux poursuivis par l’école :

- la danse incite les élèves à échanger leur point de vue afin de construire des compositions collectives dites « partagées »

- la danse incite à communiquer ses goûts en organisant un discours différent de la seule perception des sentiments…

L’élève explore sa capacité à être actif, disponible, engagé ; il doit jouer avec les normes et doit trouver des manières de jouer qu’il n’aurait pas expérimenté dans

d’autres APS où les rôles sont fixés.

ENJEUX DE FORMATION EN DANSE (rôle du chorégraphe, du sepctateur et du danseur)

Chorégraphe

(Celui qui choisit et organise)

Construire une

démarche : le

processus de création

Construire une culture

: les inducteurs, les

procédés de

composition, les

organisations de

l'espace, les

scénographies...

Construire une

autonomie du choix

Le danseur

(Celui qui fait) L’interprète

(Engagement émotionnel)

Le corps

sensible/messager

Adapter les formes en fonction

de l’émotion recherchée chez le

spectateur

Etre présent, en état de scène

Construire la rencontre entre la

forme et l'émotion, le

spectaculaire et l'intention

dans un même rôle.

Etre capable de construire ou

de réinterpréter des formes

par rapport au projet final.

Le virtuose

(Engagement moteur)

Le corps maîtrisé/sublimé

Construire et maitriser un

répertoire varié de formes à

partir de l'exploration du

mouvement, du geste quotidien,

personnel, culturel transformés

selon des composantes du

mouvement: espace, temps et

énergie

Le spectateur

(Celui qui lit/ regarde)

Regarder avec respect

et attention une

chorégraphie

Identifier les

composantes d'une

chorégraphie

Déterminer au-delà de

l'impression générale

un avis argumenté sur

tel ou tel élément,

composante de la

chorégraphie

Développer une culture

artistique

VERS LA CP3

Suite à une réflexion autour des différentes activités (dont la danse fait partie) qui visent à la réalisation d’une prestation à visée acrobatique ou

artistique, nous avons pu déterminer des PASSAGES OBLIGES pour chaque rôle permettant de devenir compétent dans cette CP3.

Quelque soit le niveau de l’élèves, ces PO seront nécessaires à construction de la compétence et guideront donc la démarche d’enseignement autant que le

processus de création.

Ces PO sont à actualiser à chaque niveau des programmes pour les actualiser en termes d’enjeux et de ressources sollicitées.

MOTIF D’AGIR : OSER se confronter à ses propres ressources et au regard des autres

Rôles PO1 PO2 PO3

Acteur

Construire un répertoire de

formes variées Enchaîner des formes Assumer un rôle

Produire ou reproduire des

formes.

Construire des formes seul ou

à plusieurs

Maîtriser des formes de

différentes natures (déplacement,

gestuelles, postures, acrobatie,

équilibre, etc...)

Assurer la

continuité d’un mouvement

(seul)

Enchaîner des

formes en interrelation

Enchaîner des

formes de natures

différentes

Se concentrer et rester concentrer

Jouer son rôle devant un public pendant

tout une prestation

S’engager dans son rôle

Compositeur

S’informer Choisir Organiser

Connaître et reconnaître le

cadre, le code, les formes

Connaître et reconnaître mon

niveau et celui de mes partenaires

Trier les

informations

Utiliser celles

pertinentes pour

sélectionner les éléments

corporels et

scénographiques (analyser,

comparer, hiérarchiser et

faire des liens)

Choisir à plusieurs

(s’exprimer dans le groupe,

accepter les décisions dans

le groupe)

Ordonner dans le temps

Orienter dans l’espace

Relier de façon cohérente (à soi, aux

partenaires, au projet, au cadre, au spectateur)

Distribuer les rôles

Anticiper les imprévus

Spectateur

S’informer Observer Rendre compte

Connaître le cadre, le code, les

formes

Connaître ce que je dois

observer

Connaître l’outil pour observer

Regarder

Se rendre

disponible

Repérer les formes

et la structure (lien

entre connaissances et

actions)

Dire

Justifier, expliquer, argumenter

Les Passages Obligés en danse

Rôles PO1 PO2 PO3

Danseur


formes variées Enchaîner des formes Assumer un rôle

- Construire des formes corporelles

inédites à partir d'inducteurs

(photos, verbes d'action)


originales à partir du détournement

d'inducteurs (module, verbes

d'action)


collectives et originales grâce au jeu

avec l'espace scénique et avec

l'espace corporel

- Réaliser des formes

corporelles sollicitant

différents appuis et des

coordinations originales


corporelles à partir d'un

jeu avec le poids du corps


corporelles collectives et

originales à partir des

différents procédés de

composition


corporelles en rapport

avec un argument

chorégraphique

- Produire des formes corporelles sollicitant

des coordinations complexes

Nuancer l'énergie et la vitesse d'exécution

pour appuyer l'interprétation et le propos

chorégraphique

Garder un engagement émotionnel convaincu

et engagé

Chorégraphe

S’informer Choisir Organiser

Connaître et reconnaître les

paramètres de l'espace scénique

et corporel

Connaître deux façons de

Réaliser des choix

au niveau de l'espace

scénique pour créer

un espace symbolique

Organiser les paramètres du mouvement

pour construire un parti pris

chorégraphique.

Construire un propos chorégraphique

composer :

début/développement/fin et

couplet/refrain

Réaliser des choix à partir

d'inducteurs.

Connaître et choisir

les différents

procédés de

composition et réaliser

des choix appuyant le

projet chorégraphique

Identifier les

éléments pertinents

en fonction d'un thème

cohérent et affirmé

Réaliser des choix au niveau de la

scénographie en rapport avec le projet

expressif.

Spectateur

S’informer Observer Rendre compte

Reconnaître les paramètres

de l'espace scénique et les

formes corporelles utilisées

Reconnaître les deux façons

de composer :

début/développement/fin et

couplet/refrain

Reconnaître les exigences de

composition

Regarder ses camarades avec

respect

Dépasser le « j'aime/ je

n'aime pas »

Reconnaître les

paramètres de

l'espace scénique

créant l'espace

symbolique

Reconnaître les

procédés de relations

utilisées dans la

chorégraphie

Argumenter sur

l'effet que l'on a

ressenti

Argumenter sur l'effet que l'on a

ressenti en rapport avec le parti pris

chorégraphique.

COMPETENCES ATTENDUES ET CAPACITES DE REFERENCE

NIVEAU 1

Le tableau ci-dessous propose pour chaque rôle l’enjeu de formation spécifique au niveau 1.

Activités DANSE

Compétences

Composer et présenter une chorégraphie collective structurée en enrichissant des

formes corporelles et des gestes simples, en jouant sur les composantes du

mouvement : l’espace, le temps et l’énergie. Maîtriser ses émotions et accepter le

regard des autres.

Observer avec attention et apprécier avec respect les prestations.

LE DANSEUR Construire des formes corporelles originales, simples et inédites

LE CHOREGRAPHE Intégrer et suivre une démarche de création guidée par l’enseignant.

Construire une prestation structurée...

SPECTATEUR Reconnaître les exigences de composition et observer ses camarades avec respect

1. Les connaissances indispensables pour le niveau 1

1. A Les actions corporelles possibles en danse

- Mobiliser les segments : flexion, extension, rotation, circumduction, translation

- Mobiliser le corps entier :

courir, marcher, ramper, glisser

sauter (variété des sauts suivant l'impulsion et la réception ; combinaison multiples avec les segments du corps)

tourner ( idem que saut)

chuter (régulation du processus tonique)

- Le jeu avec la gravité : recherche de l'équilibre et du déséquilibre

A partir de ces paramètres, le danseur crée des formes corporelles.

1. B. Les différentes composantes de l’espace scénique

L’espace scénique est le lieu dans lequel, se construit la danse, c’est l’aire disponible pour le danseur afin qu’il évolue seul ou à plusieurs :

ce peut être une scène dans un théâtre ou bien la rue, un mur d’escalade… quoiqu’il en soit cet espace délimite un champ d’action qui

permet de communiquer avec les spectateurs.

Directions (Devant, derrière, sur le côté, en diagonale)

Orientations / sens (De face, de dos, de profil, de biais)

Trajectoires (Directes ou indirectes)

Niveaux (Du tout en haut au tout en bas)

Plans (Frontal, vertical, horizontal)

Formations géométriques (cercle, carré, colonne, ligne, triangle…)

1. C Les différents procédés de composition

Les différentes propositions chorégraphiques sont régies par des « lois », des règles, définies au préalable qui permettent la mise

en perspective d’un discours

Les procédés, à l'aide du temps et de l'espace, aident le chorégraphe à préciser son intention: moyens , outils du langage

chorégraphique

L’Unisson Réaliser à plusieurs le même mouvement dans le même espace (dans toutes ses dimensions) et en même temps

La Répétition Elle sert à renforcer le propos, à le développer, elle est aussi indicateur de virtuosité

L’Arrêt sur image Lors de la réalisation d’une phrase, s’arrêter dans un mouvement. Cela peut créer un effet de décalage dans le temps

dans un groupe de danseurs ou un effet de rythme dans un solo

Le contraste Il consiste à opposer des extrêmes : vertical/horizontal, lent/rapide, continu/saccadé pour faire ressortir la dualité

La Transposition

Reproduction d’un même mouvement avec une autre partie du corps ou un autre segment du corps, dans un autre

espace, une autre énergie… ou réaliser SANS l’objet ce que j’ai écrit avec l’objet

Le Question /

Réponse

Alternance entre 2 danseurs ou groupes de danseurs. Chacun dansent une phrase, mais par séquences, et en

alternance. Un groupe danse, questionne, avec une phrase et l’autre groupe écoute, à l’arrêt. Puis le deuxième groupe

répond avec une autre phrase et le premier groupe s’arrête pour écouter, etc.…

La Cascade Réalisation d’un même mouvement, bref, en succession, dans un groupe. Cela produit l’effet des dominos qui tombent

en cascade.

Le canon Il permet d’introduire un décalage régulier dans le temps, dans une phrase gestuelle

Le lâcher-

rattraper Il se construit à partir d’un unisson. Il s’agit de quitter et reprendre le travail de l’unisson

Exemple 1 : à partir du module appris

SITUATION 1 : S’échauffer à partir d’un module jouant sur les différents paramètres de l’espace scénique :

Trajets, niveaux, orientations

OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou EVOLUTIONS


formes originales

Inducteur : La reproduction d'un module jouant sur les orientations, les directions et les

niveaux : « le parachutiste hip-hoper »

Organisation : Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant

A. REPRODUIRE (l’enseignant guide) :

- reproduire le module présenté par l'enseignant

- le module comprend différentes orientations, directions, trajets et

niveaux

- pour un niveau 1, il est plus facile pour les élèves de retenir le module si

les gestes sont associés à une histoire

- les actions sont associés à des verbes d'action ce qui donne une

intention au mouvement et une plus grande précision dans les trajets

- donner les moteurs du mouvement

Critères de réalisation : Etre attentif à l’histoire racontée par l’enseignant et

précis dans les trajets moteurs

Critères de réussite : Reproduire le module, enchaîner les formes sans temps

d’arrêt

MATERIAUX CREES : Module

- Jouer sur des supports musicaux variés qui

induisent plus des rythmiques ou des ambiances

(commencer sur une pulsation lente au départ)

- Jouer sur la vitesse d’exécution (rapide /

moyen / lent)

- Varier les trajets (directs, indirects)

INTERVENTIONS :

- Feedback rétroactifs (voir les réponses des élèves et

préciser les directions, orientations et trajets)

-Proposer des trajets indirects (les élèves vont avoir

tendance à n'utiliser que des trajets en angle droit durant

leurs créations)

-Il est possible dans cette situation d'insister sur le moteur

du mouvement (la partie du corps qui est responsable du

mouvement) pour passer d'une posture à une autre

Comment adapter un module ?

Pour un niveau 1, les trajets et les formes doivent être

simples, précis et lisibles avec des formes marquantes (où

commence et se termine le mouvement)

Lorsque vous apprenez un module, il faut savoir faire des

temps d'arrêt pour que l’élève visualise la forme et compare

avec sa réponse.( possibilité de vous servir du miroir pour

comparer)

La situation ne marche pas :

Si les élèves n'adhérent pas, proposez leur de construire

leur propre module à partir de photos qu'ils vont devoir lier

entre elles.

SITUATION 2 : la déconstruction/ reconstruction du module


Explorer différentes actions pour enrichir le

répertoire gestuel pour ensuite les intégrer dans

une chorégraphie collective

ETAPE 1 : A deux, découvrir la déconstruction

/reconstruction d'un module

Inducteur : Le module

Organisation : Les élèves sont répartis par groupes de 2 chaque

groupe travaillant. Répartition libre dans l’espace scénique délimité

Explorer (travail par 2) :

L e travail de déconstruction/ reconstruction peut se réaliser de plusieurs

façons (au choix): les contraintes sont à amener progressivement durant le

cycle. Il est possible de travailler uniquement sur un seul type de

contraintes durant une leçon.

Les verbes d'actions (les intégrer à l'intérieur du module) :●

TOURNER AUTOUR / ECRASER / ETIRER ou ● GLISSER SUR /

SAUTER PAR DESSUS / REPOUSSER (d'autres actions sont

possibles)

Le travail de déformation : changer les orientations, les niveaux, les

directions, les trajets

Possibilité de repartir des mouvements du module mais dans un

ordre différent.

Leur présenter des images (6 maximum) , en sélectionner 3 qu'ils

doivent introduire dans le module.

Les gestes sportifs détournés

Durant le stage, vous avez répondu à la consigne suivante : créer à deux un

module comprenant 3 gestes sportifs, 1 geste du module appris

précédemment et 1 photo.

Composer : Sélectionner la formule la plus originale

L'enchaîner sans temps d’arrêt

Répéter : le duo

MATERIAUX CREES : 1 duo

Situation permettant de montrer aux élèves qu’à partir des mêmes consignes,

les solutions trouvées divergent.

Elève passif (timidité) : s’approcher, l’encourager en

l’aidant à verbaliser les différents possibles pour

chaque consigne

Elèves discutant : les séparer dans l’espace et leur

demander de montrer les solutions trouvées pour

prendre conscience rapidement du travail à fournir

Le travail peut se réaliser en individuel.

INTERVENTIONS :

1. EXPLORATION

Pour obtenir des réponses variées et originales, il est

possible d'intervenir sur les appuis, sur les moteurs du

mouvement et sur la vitesse d'exécution. On peut

également partir d'une attitude originale proposée par

l'enseignant

2. COMPOSITION

Identifier avec les élèves une logique de mouvement

pour trouver les meilleures combinaisons possibles

Proposer des éléments de liaison en identifiant le

moteur du mouvement

3. REPETITION

Lorsque les élèves se lassent de répéter, nous pouvons

jouer sur la musique (ils dansent à nouveau leurs

compositions), ils peuvent se montrer leurs réponses.

ETAPE 2 : Construire un quatuor

Inducteur : les modules créés par les élèves

Organisation : Par 4, 2 duos ensemble. (répartis dans l’espace de

façon équilibrée) Composer : Se montrer et s’apprendre mutuellement les duos (les

mettre bout à bout ou sélectionner le meilleur de chaque duo et assembles

les parties sélectionnées) Répéter : ce quatuor, faire sortir un élève du quatuor en tant que

spectateur pour vérifier si les danseurs sont bien à l’unisson

Présenter : à la classe

Critères de réussite : Réaliser le quatuor sans interruption à

l’unisson, commencer et terminer ensemble. MATERIAUX CREES : 1 quatuor

Elèves rapidement inactifs (se contentent de le faire 1

ou 2 fois !) : leur demander de montrer leur séquence et

être attentif aux indicateurs suivants :

- Trous de mémoire, nombreux arrêts

- Parlent entre eux

- Regard direct sur les autres danseurs

Mouvements étriqués

SITUATION 3 : Quatuor « revisité » à partir de contraintes liées à l’ESPACE

OBJECTIF DESCRIPTION REMEDIATIONS ou

EVOLUTIONS

Enrichir le

quatuor en

jouant sur

l’espace :

Place sur

scène,

volumes,

niveaux,

orientations,

trajets

Observer la

prestation d’un

groupe et

relancer la

création

ETAPE 1 : Quatuor « revisité »

Inducteur : le quatuor

Organisation : par groupe de 4

- Explorer Composer : Trouver des solutions pour adapter la composition initiale aux contraintes demandées.

Contraintes liées aux éléments suivants :

● les NIVEAUX : haut, moyen, bas

les ORIENTATIONS : devant-derrière, droite-gauche, sol-plafond, diagonale

les TRAJETS : tracer une ligne, un cercle, un zigzag (directs ou indirects)

les VOLUMES : danser grand ou petit ; ouvert/fermé, dans les différents plans

Les DIRECTIONS : devant , derrière, sur le côté , en diagonale

LES LIEUX : fond de scène, côté cour, côté jardin, avant de scène, dans un coin, au centre…

LES FORMES : ligne, triangle, cercle, carré, forme inventée, lettre de l’alphabet

Contrainte 1 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître une orientation de dos et de profil et 2 espaces occupés différents

Contrainte 2 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître 2 volumes différents et les 3 niveaux

Contrainte 3 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître 2 directions différentes et 2 trajets différents.

Contrainte 4 : dans chaque chorégraphie, doivent apparaître 2 formes géométriques différentes.

Répéter : ce quatuor


● Jouer sur le nombre de contraintes en

fonction du niveau des élèves et de leurs

motivations

INTERVENTIONS :

1 EXPLORATION/COMPOSITION

La contrainte fait que les élèves vont

déconstruire leurs compositions initiales. Il faut

les aider en n'hésitant pas à supprimer certains

gestes ou transformer dans leurs formes et leurs

trajets certains mouvements.

2 REPETITION

Durant cette phase, l'enseignant devra gommer

les gestes parasites, permettre aux élèves

d'identifier les orientations et un début /une fin

ETAPE 2 : Remédiation Chaque groupe a la responsabilité d’observer particulièrement un autre groupe à partir d’une fiche, afin

d’améliorer et d’enrichir la prestation du groupe.

Présenter à nouveau sa composition pour identifier l’évolution de la prestation après remédiation.

● Support musical choisi au hasard

● Faire passer les quatuors ayant les mêmes

contraintes à la suite pour identifier les

différents traitements et choix possibles.

DEMARCHE ARTISTIQUE

NIVEAU 1

ETAPE 1:SOLO

REPRODUIRE: REPRODUIRE A L'IDENTIQUE LE

MODULE

ETAPE 2 : DUO

EXPLORER : EXPLORER LE MODULE A PARTIR DE

DIFFERENTS INDUCTEURS (photos, verbes d'action,

ordre des formes corporelles, gestes sportifs…)

COMPOSER : ● COMPOSER UNE NOUVELLE FORMULE

DU MODULE A 2.

● L'ENCHAINER SANS TEMPS D’ARRET, EN AJOUTANT

SI NECESSAIRE DES ELEMENTS DE LIAISON

REPETER : CE DUO

REALISER LE DUO SANS INTERRUPTION A

L’UNISSON, COMMENCER ET TERMINER ENSEMBLE

ETAPE 3 : QUATUOR

COMPOSER : ● SE MONTRER ET S’APPRENDRE

MUTUELLEMENT LES DUOS (ou une partie)

● CHOISIR UN ORDRE POUR METTRE BOUT A BOUT

LES DUOS.

REPETER : CE QUATUOR

FAIRE SORTIR UN ELEVE EN TANT QUE

SPECTATEUR POUR VERIFIER L’UNISSON

ETAPE 4: QUATUOR « revisité »

EXPLORER COMPOSER : TROUVER DES SOLUTIONS

POUR ADAPTER LA COMPOSITION AUX CONTRAINTES

LIEES A L’ESPACE

TRANSFORMER LA COMPOSITION INITIALE ET/OU

AJOUTER DES LIAISONS POUR QUE LES MOUVEMENTS

S’ENCHAINENT DE MANIERE LOGIQUE


Situation : découvrir les procédés de composition


Découvrir les différents procédés de composition

et intégrer les contraintes liées au temps

ETAPE 1 : A quatre, découvrir les relations possibles

entre danseurs

Inducteur : Le module et les vidéos

Organisation : à partir d’un module appris, les élèves vont

découvrir les relations possibles entre danseur. Un outil pédagogique

intéressant est de montrer les procédés de composition par la vidéo.

L’espace est réparti en 4 scènes. Chaque scène représente un

monde : le monde du « domino » (cascade), le monde du « je vous

lâche et je vous rattrape » (lâcher et rattrapé); le monde du

« battle » (questions/réponse) ; le monde du « je m’isole et je suis

différent » (Le contrepoint)

Explorer (ensemble du groupe) : Différentes façons d’explorer les procédés de composition existent.

- Vivre le procédé de composition avec l’enseignant comme

guide: ici « le lâcher-rattrapé », l’enseignant dirige la

réalisation d’un module (le parachutiste hip hoper). Le travail

va plus loin en qualité : déséquilibre, relais du mouvement,

rapidité d’exécution. Les étudiants doivent toujours être au

minimum 6 sur scène. Par contre, ils peuvent sortir et rentrer

sur scène quand ils veulent.( exemple vécu durant le stage)

- Vivre le procédé à partir de contraintes temporelles :

Créer un contrepoint à partir du module : 3 personnes dans la

chorégraphie doivent réaliser le module à une vitesse

déterminée tandis que celui qui est isolé doit le réaliser à une

vitesse très lente. Le but de la situation est de commencer et

finir ensemble : le groupe de 3 réalise le module 3 fois tandis

que celui qui est tout seul le réaliser une fois (Le même

principe est possible avec des mouvements différents).

Visualiser ensuite « le sacre du printemps de P.BAUSCH ou

« the Roots » de Kader Attou pour illustrer le contrepoint

- Visualiser le procédé et ensuite le vivre dans un

aménagement de la chorégraphie : Visualiser « la cascade » à

partir d’un extrait vidéo : « Falling Angels » de J.KYLIAN et

ensuite donner comme contrainte de retrouver 3 moments de

cascade dans la chorégraphie précédente (exemple vécu durant

le stage)

- « La répétition », « le crescendo » : idem que pour la cascade à

partir d’un extrait vidéo « Café Muller » de P.BAUSCH.

Composer : Expérimenter dans la chorégraphie précédente les

procédés de composition dans chacun des mondes

Répéter : la chorégraphie avec les procédés de composition

INTERVENTIONS :

1. La cascade : identifier le début et la fin du

mouvement pour réaliser sans temps d’arrêt ce procédé

et permettre un effet d’écho

2. Le lâcher / rattrapé : identifier pour celui qui va

réaliser le lâcher rattrapé le moment d’anticipation

pour rentrer dans le groupe

3. Le question/réponse : identifier la fin du mouvement

du groupe opposé pour renforcer l’effet de duel par une

réponse rapide

4. Le contrepoint : Accentuer l’effet d’isolation par le

placement sur scène et par le contraste entre les

groupes dans le temps

Les procédés de composition font appel à une notion

fondamentale en danse : l’écoute. Cette dernière est un

état de réceptivité permettant de prendre des

informations sur son corps, le corps de l’autre et

l’environnement. L’élève gère alors une contradiction :

être concentré sur sa propre réalisation et rester

réceptif aux mouvements des autres.

.

ETAPE 2 : Construire un quatuor

Inducteur : les modules et les créations des élèves

Organisation : Par 4, tirer au sort une contrainte

Composer : composer à partir des contraintes

Répéter : Montrer ce quatuor à un autre groupe


Critères de réussite : Réaliser le quatuor avec un début et une

fin identifiable, des choix au niveau de l’espace scénique et des procédés de

composition. MATERIAUX CREES : 1 quatuor

1

- 1 niveau bas

- 1 orientation de

dos

- 1 trajet courbe

- 1 orientation de

profil

- 1 contrepoint

1

- 1 niveau bas

- 1 orientation de

dos

- 1 trajet courbe

- 1 orientation de

profil

- 1 lâcher rattrapé

1

1 niveau bas

1 orientation de

dos

1 trajet courbe

1 orientation de

profil

2

- 1 niveau bas

- 1 orientation

diagonale

- 1 niveau haut

- 1 trajet lignes

brisées

- 1 Contrepoint

2

- 1 niveau bas

- 1 orientation

diagonale

- 1 niveau haut

- 1 trajet lignes

brisées

- 1

question/réponse

2

- 1 niveau

bas

- 1

orientation

diagonale

- 1 niveau

haut

- 1 trajet

lignes brisées - 1

Lâcher/Rattrapé

3

- 1 niveau bas

- 1 orientation de

profil

- 1 trajet en ligne

directe

- 1 orientation

diagonale

3

- 1 niveau bas

- 1 orientation de

profil

- 1 trajet en ligne

directe

- 1 orientation

diagonale

3

- 1

niveau

bas

- 1

orientati

on de

profil

- 1

trajet en

ligne

directe

- 1

orientati

on

diagonale

N1 N2

ORIENTATION

S

Restent

exclusivement

de face

Utilisent

plusieurs

orientations

NIVEAUX Exploitent 1 seul

niveau

Exploitent au

moins 2 niveaux

identifiables

TRAJETS Trajets mal

définis

Formes des

trajets visibles

PROCEDES Hésitant Réaliser avec

continuité et

surprennent le

spectateur

Donner 2 consignes au groupe

observé, pour lui permettre

d’exploiter l’ensemble des éléments

et d’enrichir la composition

1-

2-

Fiche Evaluation

NIVEAU 1 : chorégraphie de 1’30 environ de 4 élèves.

CAPACITES

REFERENCE

Niveau non acquis

En cours d’acquisition Acquis

CHOREGRAPHE

Sur 8 points

Niveau non acquis

0 à 3)

HORS DU CADRE

Cadre de composition non

respecté.

Pas de début, ou

développement ou fin

La gestuelle reste

stéréotypée.

Aucun procédé de composition

En cours d’acquisition

(3,5 à 6)

CADRE SCOLAIRE

Cadre respecté.

Installe un début et une fin

mais le développement est

séquencé, découpé.

Au moins un procédé de composition

bien réalisé

Acquis

(6,5 à 8)

PERTINENT

Cadre respecté et réel

développement, les liaisons

sont cohérentes.

Le traitement de l'espace est varié et

riche

2 procédés composition qui créent des

moments fors dans la chorégraphie

DANSEUR

Sur 10 points

Niveau non acquis

0 à 3)

NI CONCENTRE NI A

L’ECOUTE

Réalisation monocorde et

étriquée.

Danse seul et ne tient pas

compte de ses partenaires.

Nombreux gestes

parasites.

CONCENTRE SCOLAIRE

(3 à 7)

Effort de précision

gestuelle, quelques

accents.

L’amplitude est partielle.

Tient compte de ses

partenaires proches,

regard placé.

Acquis

(7,5 à 10)

VIT SA DANSE

Gestuelle précise et ample.

Joue sur les contrastes

simples.

A l’écoute de tous ses

partenaires

Regard animé.

SPECTATEUR

sur 2 points

Niveau non acquis

0 à 0,25)

IRRESPECTEUX

Bavarde, rit.

Aucune mise en relation

entre la prestation et les

critères.

. En cours d’acquisition

0,5 à 1)

RESPECTEUX ET PARTIEL

Se concentre .

Identifie certains critères

dans la prestation.

Acquis

1,5 à 2)

RESPECTEUX ET EXHAUSTIF

Concentré et attentif.

Met en relation tous les critères

avec la prestation

NIVEAU 2/3.

Activités DANSE

Compétences

Niveau 2

Composer et présenter une chorégraphie collective en choisissant des procédés de

composition et des formes corporelles variées et originales en relation avec le projet

expressif.

Apprécier les prestations de façon argumentée à partir de quelques indicateurs simples.

Niveau 3

Composer et présenter une chorégraphie collective à partir d’un thème d’étude proposé par

l’enseignant, en faisant évoluer la motricité usuelle par l’utilisation de paramètres du

mouvement (espace, temps, énergie), dans un espace scénique orienté.

Apprécier le degré de lisibilité du thème d’étude et l’interprétation des élèves danseurs

LE CHOREGRAPHE

Utiliser celles pertinentes pour

sélectionner les éléments corporels et

scénographiques (analyser, comparer,

hiérarchiser et faire des liens)

LE DANSEUR

Interprète

Registre émotionnel

Contraster son interprétation (attitude,

démarche, rythme) pour se différencier des

partenaires

Réinterpréter un élément, une forme vis-à-

vis du projet expressif

Virtuose

Registre moteur

Enrichir le répertoire moteur en cherchant

la variété et l’originalité

Entrer en relation avec ses partenaires par

différents points de contact, des jeux de

contrepoids et des porters.

- Coordonner ses actions avec celles des

autres à travers l’utilisation de procédés de

composition : unisson, arrêts sur image,

contrastes, transposition

LE SPECTATEUR Repérer les éléments constituant la

prestation pour argumenter son avis

Le processus de création Inducteurs Exploration Composition Répétition Présentation

Le reproduire Variés et élargis (photo,

thématique, texte)

Variée (intégration,

déformation,

illustration…)

Choisir parmi différents

possibles Guidée

Aller vers la présentation

seul en scène

NIVEAU 2


1. A L’ESPACE CORPOREL est cette la bulle entourant directement le corps qui nous permet de construire et de conduire nos formes

corporelles ; cet espace proche devient un lieu de relation quand un autre danseur l’investi soit partiellement (être près d’autrui) soit

totalement

1. B LA RELATION est un système de communication entre danseurs qui leur permet d’échanger, d’améliorer ou du mieux conduire le

projet du chorégraphe : ces relations sont multiformes (être en relation dans l’espace – duo/duo par exemple- relation dans le temps-

réaliser une forme en cascade.) Nous choisirons aujourd’hui la relation proche.

Ces deux paramètres favorisent l’écoute, l’amélioration de la prise en compte des autres, la décentration et le développement des

prises d’informations kinesthésiques. Ainsi le projet mené devient plus partagé et les formes s’enrichissent.

L’idée étant de travailler autour d’un thème valorisant l’écoute et l’énergie (la fluidité)

2. L’ESPACE SYMBOLIQUE

Organisé par des lignes de FORCE

• Le cercle: symbolise l’union

• La diagonale exprime le devenir ou la passé (en fonction du sens)

• La perpendiculaire est un discours entier, symbolise l’affrontement

• La parallèle retranche le danseur du public, évoque l’indifférence

• Le zigzag inscrit l’incertitude, l’hésitation

• La spirale évoque l’angoisse….

3. LA SYMBOLIQUE DES PROCEDES DE COMPOSITION

- L’unisson: évoque l’union et la force du groupe

- Le canon: permet l’écho

- Le question/réponse: la dualité, la mise en évidence de la singularité, la réponse

- Le contre point: l’isolation, la mise en évidence d'un propos

- La répétition: accentue un propos, facilite la lecture du spectateur

- Le lâcher rattrapé: le détachement et le retour

3 exemples sont proposés

- A partir de l’exploration de verbes d’action

- A partir d’un module appris

- A partir de photos

Exemple 1 : forme exploratoire -

EXEMPLE 1

SITUATION 1 : S’échauffer en entrant en relation avec ses partenaires


Entrer

progressivement

en relation avec

ses

partenaires : à

distance et par

le contact

Inducteur : consignes / RELATIONS à distance et en contact

Organisation : répartition dans tout l’espace disponible

EXPLORER (l’enseignant guide) :

Par 2, marcher sur la musique et répondre aux différentes consignes.

RELATION à DISTANCE : MARCHER

- Côte à côte

- L’un derrière l’autre

- Vers l’arrière

- A mi-hauteur

Changer régulièrement la personne devant

- Se déplacer au sol

- Jouer sur la vitesse (marcher vite/lentement)

- Jouer sur le regard (au ciel, derrière, changer d’épaule)

- « Faire pareil »

RELATION en CONTACT : MARCHER

- Quand la musique s’arrête, celui qui est derrière entre en contact avec celui qui est devant par un

contact simple

- Idem : s’appuyer sur celui qui est devant

- Lâcher de plus en plus de poids

- S’appuyer avec une partie du corps différente à chaque fois

- Celui qui reçoit doit aussi changer de position (donner le nombre de contact avec le sol 2/4/5/3)

Jouer sur des supports musicaux variés qui influencent le

type de contact et la qualité des points de contact.

Possibilité de changer de partenaire pour explorer

davantage les possibles OU de conserver le même

partenaire pour développer une plus grande confiance entre

les élèves

INTERVENTIONS :

Le contact peut se faire avec des parties du corps que les élèves

n'ont pas l'habitude d'utiliser

Nous devons apprendre à placer et à retenir ou lâcher le poids en

fonction de l'attitude du partenaire

Sortir de la structure par une partie du corps (moteur du

mouvement)


Partir de 3 structures (2 partenaires en contacts) et les lier entre

elles

BILAN : A une même consigne, plusieurs réponses possibles l’important c’est l’engagement dans l’action Critères de réalisation : Etre attentif aux consignes et précis dans les réponses proposées

SITUATION 2 : Se rencontrer dans une bulle imaginaire


Investir l’espace

proche de son

partenaire en jouant

sur différents types

de contact

ETAPE 1 : Jouer sur la nature du contact

Inducteur : Consignes / nature des CONTACTS

Organisation : Par 2 en quinconce, en face à face, espacés d’environ 3 mètres (espace de la bulle).

. A est déjà dans la bulle

. B entre dans la bulle

Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes (cf. Fiche consignes) pour :

. Entrer dans la bulle

. Former la posture en contact

. Sortir de la bulle

ETAPE 2 : Jouer sur les poids du corps pour aller jusqu’aux contres-poids

et aux porters

Inducteur : Consignes

Organisation : Par 2 en quinconce, en face à face, espacés d’environ 3 mètres (espace de la bulle). . A est déjà dans la bulle ou non

. B entre dans la bulle

Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes (cf. fiche consignes) pour :

. Entrer dans la bulle

. Agir en contrepoids ou porter

. Sortir de la bulle

ETAPE 3 : Créer un duo sur le thème « rencontre dans une bulle

imaginaire »

Inducteur : l’exploration du duo

Organisation : Par 2

Explorer Composer : . Choisir 5 formules parmi celles proposées (cf. les 2 fiches consignes)

. Organiser, agencer les formules choisies

. Installer un jeu de question/réponse (procédé de composition) en changeant les rôles A/B

Répéter : ce duo

Présenter : à la classe, 2 duos ensemble

MATERIAUX CREES : 1 duo comprenant des jeux de relations en contact.

INTERVENTIONS :

Insister sur la partie du corps responsable de l'entrée et de la

sortie dans la bulle

Considérer le corps de l'autre comme un matériau sur lequel la

partenaire peut se poser, rebondir, lâcher, être porté...

Jouer sur les différents registres de relation pour créer une

communication entre danseurs


Si le contact pose problème, privilégier des contacts spécifiques

(DOS/DOS, côté du corps contre dos...)

Prendre comme inducteur des photos privilégiant les contacts (voir

liste)

Mettre en scène l’entrée et la sortie de la bulle

ETAPE 1 : Nature des contacts

● A est dans la bulle (position neutre)

● B vient à la rencontre de A puis repart

COMMENT Y ALLER INTERACTION COMMENT REVENIR EN MARCHANT Le regarder par

dessus

EN RECULANT

EN S’ETIRANT Point de

contact

EN TOURNANT

EN COURANT S’imbriquer EN QUADRUPEDIE

EN RAMPANT Se cacher

tout près

EN CATIMINI

● Changer les rôles

● A propose différentes positions

EN TOURNANT Point

de contact

EN S’ETIRANT

PAR UNE PARTIE

DU CORPS

S’appuyer

AU SOL

EN QUADRUPEDIE

S’imbriquer EN MARCHANT

EN GLISSANT Le regarder par

dessous

EN RECULANT

ETAPE 2 : JEUX / POIDS DU

CORPS



COMMENT Y ALLER INTERACTION COMMENT REVENIR EN PASSANT

AU SOL

Entrer en contact puis pousser

l’autre en dehors de la bulle

sans perdre le point de contact

EN

MARCHANT

EN S’ETIRANT

Se déverser puis A

accompagne B au sol

EN

ARRIERE, AU

SOL

EN

TOURNANT

Soulever A et le reposer

(tout ou une partie du corps)

EN

GLISSANT



LIBRE Contre-poids

LIBRE

LIBRE

Porter A ou faire

glisser A en dehors

de la bulle

LIBRE

A ET B

EN COURANT

Se repousser

A ET B

EN COURANT

ETAPE 3 : CREER UN DUO

« Rencontre dans une bulle imaginaire »

Explorer Composer :

● CHOISIR 5 FORMULES PARMI CELLES PROPOSEES

(cf. les 2 fiches consignes)

● ORGANISER, AGENCER LES FORMULES CHOISIES

● INSTALLER UN JEU DE QUESTIONS/REPONSES EN

CHANGEANT LES ROLES A/B

● S’ENGAGER EN CONTINU

REPETER : CE DUO

ETAPE 4 : CREER UN QUATUOR

« Rencontre dans une bulle imaginaire »

Explorer Composer :

● SE MONTRER LES DUOS ET S’APPRENDRE UNE

PARTIE DE CES DUOS POUR COMMENCER

SEPAREMENT, CONTINUER A L’UNISSON ET

TERMINER ENSEMBLE.

● SELECTIONNER / TRIER / ORGANISER /

AGENCER LES DUOS POUR GARDER LES

PROPOSITIONS LES + PERTINENTES


ETAPE 5 : PROCEDES DE

COMPOSITION

Explorer Composer :

● Enrichir le duo en intégrant 3 procédés de composition :

- Arrêt(s) sur image

- Contraste (lent/rapide – continu/saccadé)

- Transposition (dans l’espace)



Spectateurs : repérer les procédés utilisés

- Exemple 2 : module appris

EXEMPLE 2

SITUATION 1 : S’échauffer en entrant en relation avec ses partenaires

Inducteur : La reproduction d'un module jouant sur les moteurs du mouvement et

l’enchaînement des actions Organisation : Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant

A. REPRODUIRE (l’enseignant guide) :

- reproduire le module présenté par l'enseignant

- le module comprend différents relais moteurs

- pour un niveau 1, il est plus facile pour les élèves de retenir le module si les gestes sont associés à

une histoire

- les actions sont associés à des verbes d'action ce qui donne une intention au mouvement et une

plus grande compréhension des coordinations

- insister sur les moteurs du mouvement

Critères de réalisation : Etre précis sur les relais moteurs et sur les coordinations logiques du corps (

moteur du mouvement)


- Jouer sur des supports musicaux variés qui

induisent plus des rythmiques ou des ambiances (commencer

sur une pulsation lente au départ)

- Jouer sur la vitesse d’exécution (rapide / moyen /

lent)

- Varier les trajets (directs, indirects)

INTERVENTIONS :


Pour un niveau 2, les trajets, les formes et les coordinations

deviennent plus complexes. Nous jouons sur les mêmes paramètres

que le niveau 1(appuis et trajets) mais de manière plus difficile. Par

exemple, les appuis sont plus instables et les trajets plus tortueux.


Si les élèves n'adhérent pas, proposez leur de construire leur propre

module à partir de photos qu'ils vont devoir lier entre elles.


Entrer progressivement en relation avec ses

partenaires : à distance et par le contact

Inducteur : le module

Organisation : élève seul au départ puis groupe de 2

REPRODUIRE (l’enseignant guide) :

Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant.

Ils reproduisent avec exactitude le module

Après cette phase d'échauffement et de reproduction, introduire

la consigne suivante : par 2, trouver 4 points de contacts différents

en réalisant le module à 2 (possibilité de trouver des éléments de

liaison pour faciliter les contacts) et donc de ne pas toujours

danser à l'unisson)

Pour faire évoluer la RELATION en CONTACT

Idem : s’appuyer sur celui qui est devant

Lâcher de plus en plus de poids

S’appuyer avec une partie du corps différente à

chaque fois

- Celui qui reçoit doit aussi changer de position (donner le nombre de

contact avec le sol 2/4/5/3)

- Jouer sur des supports musicaux

variés qui influencent le type de contact et la

qualité des points de contact.

- Possibilité de changer de partenaire

pour explorer davantage les possibles OU de

conserver le même partenaire pour développer

une plus grande confiance entre les élèves

INTERVENTIONS :

Le contact peut se faire avec des parties du corps que

les élèves n'ont pas l'habitude d'utiliser

Nous devons apprendre à placer et à retenir ou lâcher

le poids en fonction de l'attitude du partenaire

Sortir de la structure par une partie du corps (moteur

du mouvement)

La situation ne marche pas : idem que le niveau 1 ;

laisser la possibilité aux élèves de construire leur

module à partir de photos.

BILAN : A une même consigne, plusieurs réponses possibles l’important

c’est l’engagement dans l’action Critères de réalisation : Etre attentif aux consignes et précis

dans les réponses proposées

SITUATION 2 : Entrer en contact à partir du module


EVOLUTIONS

Investir l’espace proche de son partenaire en

jouant sur différents types de contact

ETAPE 1 : Jouer sur la nature du contact

Inducteur : Consignes / nature des CONTACTS


.

Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes

(cf. Fiche consignes) pour :

A partir du module, illustrer les consignes

contacts donnés par l'enseignant (possibilité de

trouver des éléments de liaison pour faciliter le

contact, l'unisson est obligatoirement cassé)

Si l'exercice est trop complexe, donner à un

des 2 partenaires, la consigne suivante: réaliser les

actions : passer dessous, dessus, s'enrouler, tourner

autour, passer dedans, se coller...) pendant que mon

partenaire danse

ETAPE 2 : Jouer sur les poids du corps pour aller

jusqu’aux contres-poids et aux porters

Inducteur : Consignes


Explorer (l’enseignant guide) : L’enseignant donne des consignes sur

les jeux et poids du corps (cf. Fiche)

.

ETAPE 3 : Créer un duo sur le thème «accroche/

décroche »

Inducteur : l’exploration du duo


Explorer Composer : - Choisir 6 formules parmi celles proposées (cf. les

2 fiches consignes)

- Organiser, agencer les formules choisies

- Installer un jeu de question/réponse (procédé de composition) en changeant les

rôles A/B

Répéter : ce duo



INTERVENTIONS :

Insister sur la partie du corps responsable de

l'entrée et de la sortie dans la bulle

Considérer le corps de l'autre comme un

matériau sur lequel la partenaire peut se poser,

rebondir, lâcher le poids, être porté...

Jouer sur les différents registres de relation

pour créer une communication entre danseurs


Si le contact pose problème, privilégier des

contacts spécifiques (DOS/DOS, côté du corps

contre dos...)

Prendre comme inducteur des vidéos ou photos

privilégiant les contacts (voir liste)

EXEMPLE 3 : entrer en contact à partir des photos

EXEMPLE 3

SITUATION 1 : Entrer en contact à partir des photos


Investir l’espace

proche de son

partenaire en jouant

sur différents types

de contact

ETAPE 1 : Reproduire les photos

Inducteur : Les photos

Organisation : Sélectionner 4 photos parmi les 7 et les reproduire

ETAPE 2 : Lier les photos entre elles

Organisation : Lier les 3 photos entre elles en respectant l’ordre suivant :

Une entrée en trajet indirect :

Tourner autour

Photo 1

Liaison en passant dessous

Photo 2

Liaison en passant dessus

Photo 3

Liaison en passant dedans

Photo 4

S’enrouler

Sortie de scène idem que l’entrée.

Répéter : ce duo



INTERVENTIONS :


Si le contact pose problème, privilégier des contacts spécifiques

(DOS/DOS, côté du corps contre dos...)

Ne pas hésiter à adapter la photo en fonction du niveau des élèves

(changer le contact, rajouter un appui, déconstruire la forme…)

Les faire travailler à 3 pour plus de facilité


Deux notions de temps peuvent être distinguées selon l’organisation temporelle :

La structuration métrique basée sur la régularité de la pulsation et qui s’apparente à la structuration de la musique. Ses

différents éléments sont considérés internes ou externes selon que la structuration temporelle émane du mouvement du

danseur, sans accompagnement, ou qu’elle soit sous jacente à un accompagnement sonore.

La structuration non métrique basée sur la durée qui contrairement à la pulsation (valeur absolue) a une valeur relative. Les

éléments qui la constituent sont identifiés en terme de vitesse.

La structuration métrique

Elle est basée sur la régularité de la pulsation et s’apparente à la structuration musicale.

Elle peut être :

- interne : la structuration temporelle émane du mouvement du danseur sans

accompagnement sonore extérieur ;

- externe : la structuration temporelle correspond dans un premier temps à la

perception d’éléments sonores et à leur traduction en mouvement.

Qu’elle soit interne ou externe les éléments qui la constituent sont les suivants :

- La pulsation : élément fondamental de la structuration métrique du temps, elle

correspond à un battement régulier, continu et uniforme.

- L’accent : il ponctue la phrase musicale ou corporelle. Il se greffe à une pulsation

ou à une valeur de temps qui devient accentuée. Par sa répétition et sa périodicité

il permet de structurer la mesure.

- La mesure : elle est fortement liée à l’accent. C’est un regroupement d’un certain

nombre de pulsations autour d’un accent principal revenant à intervalle régulier

(mesure à 2,3,4,5, temps et plus) .

- Le rythme : il se structure sur la pulsation, les accents et la mesure. Le rythme

joue sur l’organisation et la modification de ces éléments.

La structuration non métrique

Elle est liée à la notion de durée.

Les éléments qui la constituent sont identifiés en terme de vitesse :

- vite : le mouvement est exécuté rapidement avec diminution de la durée du

mouvement.

- Lent : le mouvement est ralenti avec augmentation de la durée du mouvement.

- Accéléré : augmentation progressive et contrôlée de la vitesse d’exécution.

- Décéléré : diminution progressive et contrôlée de la vitesse d’exécution.

Pour parvenir à une danse qui trouve sa propre musicalité, nous passons par le étapes suivantes :

PRISE DE CONSCIENCE DE SES PROPRES RYTHMES

INTERNES (cardiaque – respiratoire – rythme déplacement).

JEU SUR LE PLACEMENT D’ACCENTS dans le

mouvement : saut – changement de direction – mouvement

d’un segment – changement d’énergie – arrêts.

JEU SUR LA DUREE DU MOUVEMENT et ses

contrastes :

→ vite – lent ;

→ accéléré – décéléré

PRODUCTION DES ELEMENTS SONORES avec le corps par

des frappers – sauts – sautillés – course – sons…

Pour parvenir à une danse qui entretient une relation dialoguée ou contrastée avec la musique, nous passons par les étapes suivantes :

RECONNAITRE ET RERODUIRE LA PULSATION

DE LA MUSIQUE par le mouvement :

→ jouer sur des intervalles de durée différentes, sur

différentes pulsations ;

→ conserver la régularité de la pulsation dans des

déplacements.

RECONNAITRE ET JOUER SUR LES ACCENTS DE

LA MUSIQUE dans le mouvement :

→ reproduire les accents par un saut, un changement de

direction, un arrêt… ;

→ décalage de l’accent musical et de l’accent corporel.

RECONNAITRE ET REPRODUIRE LA STRUCTURE

MUSICALE dans le mouvement.

EXEMPLE : La danse reproduit dans sa construction les

moments de couplets et de refrains de la musique.

TRADUIRE PAR LE MOUVEMENT (formes – dynamismes

- relation aux autres), les paroles et le climat de la musique.

TRADUIRE PAR LE MOUVEMENT, LA VITESSE de la

musique :

→ faire lent quand la musique est lente ;

→ faire vite quand la musique est rapide.

ETABLIR UN RAPPORT CONTRASTE entre le

mouvement est la musique :

→ faire lent quand la musique est rapide ;

→ faire vite quand la musique est lente.


Danser sur

une

structure

métrique et

apprendre à

se repérer

dans le

temps

ETAPE 1 : Jouer sur la structuration métrique

Inducteur : les verbes d’action et la structuration métrique

Organisation : Tous en dispersion dans la salle, musique « A Beautiful Mine »

Explorer (l’enseignant guide) : Se déplacer en développant un système d’écoute lié

aux mondes sonores

Réaliser les actions suivantes : marcher (en changeant de direction tous les X temps),

courir, s’immobiliser, descendre au sol, sauter sur différents temps dans une

structuration métrique.

Se déplacer sur des trajectoires directes ou indirectes

ETAPE 2 : Créer un duo ou trio à partir des verbes d’action : « marcher,

courir, sauter, s’immobiliser, descendre au sol »

Organisation :

Explorer Composer : Créer et composer un module sur 3 fois 8 temps organisée autour

des verbes « MARCHER, COURIR, S’IMMOBILISER, SAUTER, CHUTER » à partir de la

musique « A beautiful mine » Exemple de contraintes :

Dans chaque chorégraphie, les étudiants doivent utiliser la structuration métrique

- « Marcher » est une action qui permet de rentrer sur scène par exemple, ou bien elle se fait à

l’unisson ou en cascade pour donner une sensation.

- Chaque danseur entre sur scène avec une direction et un trajet différent.

« Courir » se réalise à l’unisson

Chaque action doit avoir une direction bien marquée et identifiable par le spectateur : marcher

en avant sur une diagonale ; courir en trajet curviligne, s’immobiliser de joie ou de

terreur…l’intention sert le mouvement et le guide dans sa dynamique de construction

L’espace d’évolution est vivant, orienté, investi de façon consciente.

Fixer, stabiliser une proposition

Répéter : ce duo ou trio


INTERVENTIONS :

Les interventions vont essentiellement se réaliser sur le système

d’écoute de l’élève pour qu’il puisse identifier la pulsation de la

musique.

Par ailleurs, les élèves doivent détourner les verbes d’action. Par

exemple, marcher peut de se réaliser de X façons : sur demi-pointe,

en flexion, vers l’arrière, avec un tour…

Les verbes d’action deviennent plus complexes : glisser, tourner,

dégouliner, exploser, se tordre, s’enrouler…


-Garder le même principe de fonctionnement à la seule différence

que l’on repart d’un module. Les différentes actions se réalisent sur

différents temps.

-Proposer une autre musique qui motive plus les élèves

Lorsque les élèves créent leurs duos, il faut leur laisser du temps de

création pour qu’ils puissent réaliser la transformation suivante :

Passer d’une danse appliquée, concentrée en rythme avec la musique

à une danse vivante et précise dans le temps


Découvrir et

intégrer les

différentes

possibilités

de jeu avec

la musique

pour entrer

dans un

univers

sonore

ETAPE 1 : Découvrir le jeu avec la musique

Inducteur : le module

Organisation : à partir d’un module appris, les élèves vont réaliser les consignes

d’exploration suivantes :

Explorer (l’enseignant guide) :

1. réaliser le module en jouant sur l'énergie pour produire un accent corporel (

changement de direction , changement d’intensité, saut) traduisant l'accent

musical (musique : « L’Hiver » des « Les 4 saisons de Vivaldi », musique hip

hop)

2. traduire corporellement la vitesse de la musique (musique : « Kika » de

Ezekiel, musique rigolote, musique jazz, « Get free » de Major laser )

3. établir un rapport contrasté avec la musique (même musique que l’étape

précédente)

4. danser en silence

Critères de réussite : les effets provoqués

1. Percevoir un changement d'énergie lors de la traduction de l'accent

2. La vitesse des mouvements correspond à la vitesse de la musique

3. Les mouvements ne correspondent pas à la vitesse de la musique et créent un

sentiment de malaise, d’interrogation

ETAPE 2 : Créer un duo ou trio en modulant la structuration métrique et

non métrique pour argumenter un propos chorégraphique

Inducteur : le travail précédent

Organisation : mêmes groupes

Explorer Composer : Dans ce travail de création, les étudiants sont libres au niveau des choix dans les relations et

de l'espace. Ils doivent illustrer le thème suivant : « Pas vu/ Pas pris » sur la musique : « A

beautiful mine »

Les seules contraintes sont :

Critères de réussite :

Les étudiants créent sans suivre systématiquement la musique.

Le jeu avec la musique sert l'interprétation.

Répéter : ce duo ou trio


Illustrer un thème par une chorégraphie

7h45 trafic perturbé

Idées fortes Paramètres du mouvement Choix chorégraphiques

Foule et Stress

Vitesse

Personnes différentes

Bousculade

Chacun dans sa bulle

Corps Corps différents symbolisant

plusieurs personnes

Espace scénique Plusieurs orientations Trajets qui se croisent et

indirects Utilisation de plusieurs niveaux

Temps Différentes vitesses sans se baser sur la pulsation de la

musique

Espace corporel Travail sur le contact dû au croisement des personnes

Relations Travail en duo sur le contact Possibilité du contrepoint pour mettre en évidence l’isolation

d’une personne Cascade pour faire l’écho d’une

bousculade Etat de corps Energies différentes en fonction

de la personne symbolisée

Regard Regard lointain qui se croisent sans se voir

FICHE D'OBSERVATION

(La fiche sur l'espace est aussi à utiliser pour le niveau 2)

N1 N2 N3 CONTACTS - Contacts privilégiant les mains

- Formes quotidiennes - Face à face

- Contacts variés - Formes originales utilisant différents

niveaux - Orientations diverses

- Parties du corps différentes pour les contacts

- Jeux sur le contrepoids et les portés

- Contacts complexes et sur différents appuis

- Jeux sur les déséquilibres, rattrapés et portés

- Les contacts créent des images fortes et renforcent l'interprétation

- Les contacts font partie intégrante du mouvement

RELATIONS - L'unisson est mal maîtrisé - Les élèves se cherchent du

regard

- L'unisson est maîtrisé - Relations variées et riches (utilisation de la répétition, cascade, question/réponse,

canon)

- Relations maîtrisées précises dans le temps et dans l'espace

- Utilisation du contre-point et du lâcher/rattrapé

- Les relations renforcent l'interprétation JEU AVEC LA

MUSIQUE - Aucune prise en

compte de la musique

- Elèves concentrés qui dansent sur la pulsation de la musique

- Traduisent parfois les accents de la musique

- Les élèves jouent sur les accents - Traduisent la vitesse de la musique - Dansent parfois en contraste avec la

musique Donner deux éléments

d'observation aux observateurs

Ex :

- Contact

- Orientations

Fiche évaluation niveau 2

CAPACITES

REFERENCE

Niveau non acquis

En cours d’acquisition Acquis

CHOREGRAPHE

Sur 8 points

HORS SU JET (0 à 2)

Pas d’intention.

Pas de scénario, mais des

séquences juxtaposées.

Gestuelle stéréotypée.

PERTINENT MAIS BANAL (2 à 5,5)

Intention et choix

pertinents et permanents

mais le traitement du

thème reste banal, dans

les choix de formes et

procédés.

SURPRENANT (6 à 8)

Le traitement du thème est

original et développé selon des

formes corporelles originales

des procédés de composition

variés et enrichis.

DANSEUR

Sur 10 points

IMPRECIS QUI SUBIT (0 à 3)

Réalisation monocorde et

étriquée.

Nombreux gestes

parasites et déséquilibres.

APPLIQUE ET PRUDENT

(3,5 à 7)

Trajets moteurs clairs et

appuis précis mais dans

un registre corporel

simple.

Est à l’écoute de ses

partenaires dans des

relations simples.

IMPLIQUE,VIVANT (7,5 à 10)

Nuance ses propositions et

prend des risques et explore le

détail du mouvement et/ou la

difficulté technique (équilibres,

amplitude des sauts, sort de

l’axe)

SPECTATEUR

sur 2 points

DISTRAIT ET IRRESPECTUEUX (0 à

0,25)

Bavarde, rit.

Aucune mise en relation

entre la prestation et les

critères.

RESPECTUEUX ET PARTIEL (0,5 à 1)

Se concentre .

Met en relation les choix

les plus visibles avec le

thème, en oublie d’autres.

EXPLICATIF (1,5 à 2)

Concentré et attentif en

permanence.

Est exhaustif dans sa lecture et

détaille les mises en relation

avec le propos.

NIVEAU 4

1. Les connaissances indispensables au niveau 4

A. Energie : C’est la force et l’intensité appliquées au mouvement (quantité et Qualité) : on parlera d’énergie saccadée, fluide, mécanique, percutante,

explosive … Elle colore le mouvement et se trouve très caractéristique de la danse contemporaine dans la mesure où elle permet de donner du sens, inscrit

par sa spécificité un message, dynamise et joue sur l’interprétation des danseurs

L’énergie est source de vitalité. Elle est ce qui colore le mouvement et renvoie au principe de qualité

o Le poids caractérise la quantité d’énergie utilisées : fort( grande tension musculaire), léger ( faible tension musculaire)

o L’espace et le temps caractérisent la libération d’énergie : soudain (temps court, direct), maintenu (temps long, trajet

indirect)

- MOYENS

Jouer avec le poids Faire sentir à l’élève les notions de contraction et de relâchement Prendre conscience des étirements musculaires : durée, localisation, chemin d’étirement. Connaître les contrastes quant aux qualités du mouvement comme: dur / mou, fluide/saccadé, lourd/léger, tonique/relâché, doux/brusque...

- EN TERME DE PRATIQUE Utiliser des verbes d’actions variés, faisant appel à des mouvements contrastés et utilisant les paramètres du mouvement (poids = quantité d’énergie, temps = la libération d’énergie, espace =trajet) : tapoter : léger (Energie), soudain, rapide (Temps), direct (Espace) frapper : fort (En), soudain, rapide (T), direct (Es)glisser : léger (En), maintenu, soutenu (T), direct (Es) effleurer : léger (En), soudain, rapide (T), indirect, courbe (Es) fouetter : fort (En), soudain, rapide (T), indirect, courbe (Es) presser : fort (En), maintenu, soutenu (T), direct (Es) tordre : fort (En), maintenu, soutenu (T), indirect, courbe (Es) gifler : léger (En), soutenu, rapide (T), indirect, courbe (Es) flotter : léger (En), soutenu, rapide (T), indirect, courbe (Es)

B. Interprétation : C’est un jeu de rôle, investir le mouvement en lui donnant une qualité

Ce qui différencie la Danse des autres techniques corporelles se situe au niveau des motivations « intérieures » du geste ; en effet, il faut certes exécuter des

formes mais pour qu’elles fassent sens chez le spectateur, elles doivent être « interpréter, jouer ».

Danser, c’est donc gérer dans le même temps, engagement moteur et engagement émotionnel :

- au plan moteur, il faut réaliser, exécuter de façon exacte et précise les formes

- au plan émotionnel, il faut jouer de façon juste le personnage, l’idée, le sentiment, l’état, la sensation, c’est – à – dire transmettre de manière

subjective le message contenu dans le propos

- Le danseur

C’est l’interface entre le chorégraphe et le spectateur

Etre danseur interprète c’est : - Jouer juste un personnage ou une idée

- Pouvoir transmettre personnellement un propos au moyen d’une communication de nature émotionnelle

- Produire de l’émotion tout en contrôlant son émotion face à lui

Etre danseur exécutant c’est : - Réaliser des formes de corps et les combiner

- Entrer en relation corporelle avec l’autre

SITUATION 1 :Adapter un module à un thème

Utiliser son

répertoire

moteur à des

fins

expressives

Inducteur : La reproduction d'un module jouant sur les coordinations

complexes et les états de corps

Organisation : Les élèves sont en quinconce derrière l'enseignant

A. Etape 1 : REPRODUIRE (l’enseignant guide) :

reproduire le module présenté par l'enseignant

pour un niveau 4, nous insistons sur les moteurs du mouvement, l’amplitude des

mouvements, la mobilité du buste et de l’axe vertical, la gestion du poids du corps et

de l’équilibre/déséquilibre

Critères de réalisation : l’élève utilise différentes régulations toniques pour réaliser

son module


B. Etape 2 : ADAPTER le module à un thème

Déconstruire le module pour adapter le tonus, la respiration, l’espace et le temps des formes corporelles et

le regard au thème. L’élève tire au sort un thème parmi : Divinité, Gourmandise, « Qui es-tu ? », Animalité,

« Pas vu, Pas pris ». Ce travail peut se réaliser sans musique ou laisser le choix aux élèves de choisir la

musique parmi 3.

Critères de réussite : le spectateur devine le thème et peut argumenter son avis en se

basant sur l’énergie, le regard et l’expression du visage

INTERVENTIONS :


Pour un niveau 4, les trajets et les formes sont complexes (appuis

divers, régulation tonique différenciée, gestions du poids du corps)

Lorsque vous apprenez un module, il faut savoir faire des temps

d'arrêt pour éclairer l’élève sur l’enchaînement des actions et les

coordinations


Si les élèves n'adhérent pas, proposez leur de construire leur propre

module à partir de vidéos dont ils vont extraire les formes

corporelles qu'ils vont devoir lier entre elles en jouant sur la

complexité des coordinations

SITUATION 2 :Découvrir les différentes intensités du geste


Explorer différentes actions (à partir d’un objet)

pour découvrir la régulation du tonus pour ensuite

l’intégrer dans une chorégraphie collective

ETAPE 1 : Découvrir l’intensité du mouvement

Inducteur : Les objets

Organisation : Les élèves sont répartis par groupes de 3 chaque

groupe travaillant. Répartition libre dans l’espace scénique délimité

Explorer (travail par 3) :

L e travail d’exploration peut se réaliser de plusieurs façons (au choix): les

contraintes sont à amener progressivement durant le cycle et différents

objets sont travaillés dans des leçons différentes. Il est possible de

travailler uniquement sur un seul type de contraintes durant une leçon.

Les contraintes corporelles : trouver 6 mouvements où la seule

contrainte est de garder un pied dans une chaussure toujours collé

au sol. Ce pied peut se déplacer mais reste toujours collé au sol. Les

autres parties du corps sont libres

Le ballon, le sac plastique, le pull : trouver six mouvements utilisant

6 parties du corps différentes pour manipuler l’objet

Composer : Sélectionner la formule la plus originale

L'enchaîner sans temps d’arrêt

Répéter : le trio

MATERIAUX CREES : 1 trio.

Elève passif (timidité) : s’approcher, l’encourager en

l’aidant à verbaliser les différents possibles pour

chaque verbe d’action

Elèves discutant : les séparer dans l’espace et leur

demander de montrer les solutions trouvées pour

prendre conscience rapidement du travail à fournir

Le travail peut se réaliser en individuel.

INTERVENTIONS :

1. EXPLORATION

Pour obtenir des réponses variées et originales, il est

possible d'intervenir sur les appuis, les niveaux sur les

moteurs du mouvement, sur la vitesse d'exécution et

sur la force dans le mouvement. On peut également

partir d'une attitude originale proposée par

l'enseignant

2. COMPOSITION

Identifier avec les élèves les différentes tonicités

possibles grâce à la manipulation de l’objet.

3. REPETITION

Lorsque les élèves se lassent de répéter, il est

important de faire intervenir le spectateur ; ce dernier

doit identifier si les danseurs utilisent différentes

régulations toniques

ETAPE 2 : Réaliser la chorégraphie sans l’objet

et identifier l’énergie

Inducteur : les réponses précédentes des élèves avec les objets

Organisation : Par 2 (même groupe que précédemment)

Composer : Retrouver la chorégraphie sans utiliser l’objet (

possibilité de l’associer à un thème)

Répéter : répéter en identifiant les trajets moteurs précis, une

amplitude dans le mouvement, la contraction musculaire

Présenter : à la classe. Le spectateur réalise un « retour poétique ».

Cela permet de comprendre comment est interprétée l’intensité du

mouvement par le spectateur et de mettre en évidence l’effet émotionnel du

mouvement sur le spectateur. Critères de réussite : les énergies sont identifiables et

créent un effet sur le spectateur

MATERIAUX CREES : 1 duo avec des énergies identifiables dans le

mouvement

COMPOSITION : les élèves vont avoir tendance dans

cette phase de recomposition à oublier l’intensité et la

tonicité du mouvement. Il est important d’intervenir

pour permettre aux élèves d’identifier un trajet moteur

précis, une amplitude dans le mouvement, la contraction

musculaire. Il est possible de donner à nouveau l’objet à

l’élève pour identifier à nouveau l’énergie à mettre dans

le mouvement.

SITUATION 3 : La vidéo pour identifier l’énergie


EVOLUTIONS

Identifier

l’effet de

l’énergie sur

l’expressivité

du danseur

ETAPE 1 : Utiliser la vidéo pour identifier les états de corps et s’en servir

comme inducteur

Inducteur : Séquence vidéo

Organisation : par groupe de 4

- Explorer :

Plusieurs étapes : 1/ Se laisser imprégner par l’œuvre : faire verbaliser les élèves sur les émotions ressenties

2/ Donner une description générale de l’œuvre : possibilité de présenter de façon globale l’œuvre (titre,

chorégraphe, contexte de la pièce)

3/ Identifier dans la vidéo les différents paramètres concernant le corps : mobilité des segments, formes

corporelles, les déplacements,

4/ Identifier dans la vidéo les différents paramètres concernant le mise en scène:

le TEMPS : identifier les vitesses, les accents et les arrêts sur images

l’ESPACE : identifier les trajets, les volumes , les niveaux

les PROCEDES DE COMPOSITION

5/Identifier les éléments concernant l’interprétation

L’ENERGIE : état de corps, rythmicité, phrasé

le TONUS MUSCULAIRE : les contractions musculaires utilisées

Le REGARD : le placement du regard

L’EXPRESSION du REGARD et du VISAGE : Quelle émotion est transmise par le visage du danseur ?

6/ Donner les IMAGES FORTES (Temps forts et marquants de la pièce) et expliquer l’effet sur le public

Composer : Choisir un thème parmi : « Terrain vague » et « Sacrifice »

Sélectionner pour chaque thème l’idée prioritaire mise en évidence et choisie dans le groupe. Faire des choix sur

les paramètres énoncés précédemment. Les marquer sur un papier. Construire une chorégraphie de 45’’ à 1’

Répéter : ce quatuor


● Jouer sur le rapprochement ou l’éloignement

des thèmes des chorégraphies présentées. Plus

les élèves sont compétents dans l’analyse vidéo,

plus les chorégraphies présentées peuvent avoir

un thème proche. Il s’agit d’identifier les

subtilités de chaque chorégraphe.

INTERVENTIONS :

1 EXPLORATION/COMPOSITION

La difficulté réside dans les choix réalisés par me

groupe. Il faut les aider soit en étant la personne

qui prend la décision, soit en faisant émerger la

réponse qui va le plus surprendre le spectateur.

2 REPETITION

Durant cette phase, l'enseignant devra intervenir

pour permettre aux élèves de clarifier leur propos

en ajustant leur mouvements à leurs choix.

ETAPE 2 : Remédiation Chaque groupe a la responsabilité d’observer particulièrement un autre groupe à partir d’une fiche, afin

d’améliorer et d’enrichir la prestation du groupe. Chaque élève, dans chaque groupe, observe un seul critère et met

en relation un paramètre avec un symbole.

Présenter à nouveau sa composition pour identifier l’évolution de la prestation après remédiation.

● Support musical choisi par les élèves pour

créer un univers chorégraphique et mettre en

évidence leur thème

● l’enseignant doit veiller au bon déroulement de

la phase de remédiation. Certains élèves peuvent

être vexés des suggestions de leurs camarades.

LA PLACE DE L’ENSEIGNANT AU LYCEE

Aider les élèves à mener à bien LEUR projet

Faire explorer des éléments variés pour enrichir le

répertoire de formes, de procédés…

Individualiser les inducteurs vis-à-vis du projet

Faire évoluer les formes et leur maîtrise par rapport

au vécu des élèves

Etre force de proposition en cas de doute

FICHE D'OBSERVATION INTERPRETATION

N1 N2 N3

REGARD Regard hasardeux Cherchent ses partenaires

Regard projeté, cherche ses partenaires sur des relations complexes

Regard projeté, participe aux relations, renforce l'interprétation

ENERGIE Utilisation unique du fluide et du saccadé

Énergie modulée mais pas toujours en rapport avec le thème

Énergie identifiée, renforce le propos chorégraphique

COORDINATION Simple détournement des gestes quotidiens

Coordinations variables mais pas toujours en rapport avec le thème

Coordinations complexes créant des images fortes

VITESSE D'EXECUTION

Vitesse uniforme Variée mais reste sur une utilisation du lent/vite

La vitesse est modulée et au servie de l'interprétation

Lexique

Création : C’est à la fois un processus (être en création, c’est-à-dire chercher, innover, inventer en structurant de novelles formes corporelles) et un produit

(l’œuvre finie).

Créativité : Aptitude intellectuelle et opératoire faisant appel à l’imagination et permettant de trouver des solutions inédites.

Composition : Etape durant laquelle il faut organiser les éléments découverts dans la phase de création dans le but de construire « l’œuvre » ; La raison prend le

relais de l’intuition.

Cette étape est la dernière en danse. Elle consiste à faire des choix : de tout le matériel émergeant de l’improvisation que va-t-on utiliser, valoriser, exploiter ?

Composer une chorégraphie demande de choisir, trier le plus percutant, le plus original …

Improvisation : Moment où l’on propose des solutions sur le champ. C’est en improvisant que l’on collecte plusieurs formes : l’improvisation peut se faire seul ou en

groupe ; ce travail d’improvisation est le premier stade d’une formation à la chorégraphie ; à la fois sollicitation de l’imagination, développement de l’intuition et de

la spontanéité, entrainement à la créativité et stockage d’expérience.

Interprétation : C’est un jeu de rôle, investir le mouvement en lui donnant une qualité

Ce qui différencie la Danse des autres techniques corporelles se situe au niveau des motivations « intérieures » du geste ; en effet, il faut certes exécuter des

formes mais pour qu’elles fassent sens chez le spectateur, elles doivent être « interpréter, jouer ».

Danser, c’est donc gérer dans le même temps, engagement moteur et engagement émotionnel :

- au plan moteur, il faut réaliser, exécuter de façon exacte et précise les formes

- au plan émotionnel, il faut jouer de façon juste le personnage, l’idée, le sentiment, l’état, la sensation, c’est – à – dire transmettre de manière

subjective le message contenu dans le propos.

Espace scénique : Espace délimité par le lieu dans lequel se produit la danse : ce peut-être un théâtre, une rue, une piscine, un mu d’escalade ;

Cet espace possède des dimensions et des caractéristiques particulières ; on y trouve :

des directions

des niveaux

des orientations du corps par rapport au public

des trajectoires

des lieux de force …

Espace corporel : Espace délimité par l’allongement de mes segments : on parle d’une bulle entourant le corps qui structure cet espace personnel.

Temps : On entend par temps la structure rythmique soit du mouvement, soit du support sonore sur lequel il s’applique ; il existe donc des structures métriques

(la pulsation et le rythme sont reconnaissables) et des structures non métriques ( le tempo est variable, nous parlerons plus de vitesse de mouvement en terme de

« vite « ou « lent ».)

Energie : C’est la force et l’intensité appliquées au mouvement (quantité et Qualité) : on parlera d’énergie saccadée, fluide, mécanique, percutante, explosive …

Elle colore le mouvement et se trouve très caractéristique de la danse contemporaine dans la mesure où elle permet de donner du sens, inscrit par sa spécificité

un message, dynamise et joue sur l’interprétation des danseurs.

Module : C’est une suite de formes qui constitue une structure dansée.

Enchainement : idem que module.

Production chorégraphique : Œuvre finalisée, on peut aussi parle de composition chorégraphique

Séquence : Moment dansée appartenant à une structure plus large

Procédé de composition : Outil du chorégraphe pour organiser sa mise en scène : question /réponse, contre point, polyphonie, auto-reverse, accumulation (voir

Karin Waener : outillage chorégraphique).

DOCUMENTS :

-Thèmes

-Discothèque

- Ressources INTERNET

Thèmes niveau 1/2

Thèmes niveau 2/3/4

Les thèmes de niveau 1 doivent faire rentrer les élèves dans un univers

simple et facile d'accès. Par ailleurs, ils doivent représenter des « impulsions

motrices ». En d'autres termes, ils doivent permettre la création de formes

corporelles.

- labyrinthe

- soulèvement

- élastique

- ressort

- étirement

- vertige

- pas vu/pas pris

- balle rebondissante

- gestes sportifs déformés

- aimant

- boule de neige

Les thèmes de niveau 2 engagent les élèves dans un univers chorégraphique

plus riche. Des choix vont être réalisés au niveau de l'espace et des relations.

Certains de ces thèmes, en fonction du niveau et de l’imagination de vos

élèves, peuvent être envisagés en niveau 1.

- « Oups, attention la marche »

- « Où sont passées mes clés »

- « Stress, pète pas les plombs »

- « Macadam, Macadam »

- « Je t’aime, moi non plus »

- « Jeux de mains… jeux de vilains »

- « La pause s’impose »

- « Pieds et poings liés »

- « Trafic perturbé »

- « 8h45, je vais rater l’avion »

- « Bol d’air »

- « Ca colle, ça glisse, ça gratte »

Autres thèmes possibles :

VOLUME RISQUE NAUFRAGE CONTACT

VERTIGE EQUILIBRE

REGARD DETOUR HANDICAP DELIRE

MECANIQUE AIMANT

MINUSCULE DOUCEUR D’ARTIFICE EXPLOSION

VIBRATION FELIN

PROLONGEMENT RESPIRATION JUNGLE POINT FIXE

TENTATION AIR

EVASION RAIDEUR COMBAT ATTITUDE

CAUCHEMAR SPIRALE APPUIS AFFRONTEMENT

USINE PRUDENCE ATTIRANCE RESISTANCE

ALTERNANCE LIMITES CHUTE SONS CREES

OSCILLATION OBSESSION MECANIQUE REBONDS

URGENCE TRAVERSEE RUE GLISSE

CIRCULATION METAMORPHOSE FOLIE MOU

COLLANT RUPTURE LEIT-MOTIV

Ressources Internet :

Culture Chorégraphique :

-Numeridanses : http://www.numeridanse.tv/fr

-Culture Box: http://culturebox.francetvinfo.fr/

Outils pédagogiques et didactiques :

- http://www.passeursdedanse.fr/

http://www.numeridanse.tv/fr

http://culturebox.francetvinfo.fr/

DISCOTHEQUE

Trip hop, hip hop, techno

- Fingathing (The main event)

- Air (Talkie Walkie, 10000 HZ Legend)

- Archive (Londinium)

- Wax Tailor (Hope & Sorrow, Tales of the forgotten melodie)

- Justice

- Masive attack

- Mando Ranks

- Beasty boys

- Costes étage 3 (mixé par S. Pompignac)

- Wiseguys

- Asian Dub fondation

- Electronicat

Musique classique

- Philip Glass (Glassworks, Masterworks, Concerto pour violons)

- Mozart (K626 Requiem)

- Beethoven (Symphonie No. 7)

- Prokoviev (Roméo et Juliette)

- Brahms (Requiem)

- Pergolese & Vivaldi (Stabat Mater)

- Michael Nyman (The essential Michael Nyman Band)

Musique de film

- Armand Amar

- Bruno Coulais (Les rivières Pourpres, Belphegor)

- Craig Armstrong (the bone collector)

- Emilie Simon (La marche de l’empereur)

- Erwann Kermovant & Axelle Renoir (36 quai des Orfèvres)

- Goran Bregovic (Le temps des gitans)

- Hans Zimmer (La ligne rouge, Gladiateur)

- In the mood for love

- James Horner (Apocalypto)

- John Powell (La mémoire dans la peau)

Musique de danse

- Kafig (Corps et graphique, Terrain vague, Tricoté)

- Ez3kiel

- Les yeux noirs (Balamouk)

- Plaid (Rest proof clockwork)

- Rekid (Made in menorca)

- Plastikman

- Lisa Gerrard

- Craig Armstrong (As if to nothing, the space between us)

- Mig (Yamatna, Dhikrayat)

- Claire Diterzi (Boucle)

- Gotan Project (Lunatico, Vuelvo al sur)

- Mirwaïs

- Barbatuques

- Troublemakers

Rock

- Radiohead (Kid A, Amnesiac, Hail to the thief)

- Charlotte Gainsbourg

- Feist

- Nine Inch Nails (The fragile, With teeth,)

- Muse

Documents

L'approche didactique et pédagogique dans la danse · VERS LA COMPÉTENCE ARTISTIQUE Les spectacles contemporains associent des formes variées d’expression artistique (danse,