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Don Quichotte Richard StrausRichard StrausRichard StrausRichard Strausssss

« Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, et son écuyer Sancho Pança»,

Gravure de Gustave Doré (1832-1883), pour illustrer l’œuvre de Cervantès Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Julien Masmondet direction musicale

Cyrille Tricoire violoncelle Sylvère Santin écriture du texte et récitant

Orchestre national de Montpellier Languedoc-Roussillon

Concerts scolairesConcerts scolairesConcerts scolairesConcerts scolaires :::: Jeudi 15 et vendredi 16 mai 2014 9h30, 10h30, 14h30 et 15h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai 2014 9h30, 10h30, 14h30 et 15h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai 2014 9h30, 10h30, 14h30 et 15h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai 2014 9h30, 10h30, 14h30 et 15h30

Concert en familleConcert en familleConcert en familleConcert en famille ::::

Samedi 17 mai 2014 17hSamedi 17 mai 2014 17hSamedi 17 mai 2014 17hSamedi 17 mai 2014 17h Opéra Berlioz / Le CorumOpéra Berlioz / Le CorumOpéra Berlioz / Le CorumOpéra Berlioz / Le Corum

Cahier pédagogiqueCahier pédagogiqueCahier pédagogiqueCahier pédagogique Saison 2013-2014 Service Jeune Public et Actions Culturelles - 04 67 600 281 - www.opera-orchestre-montpellier.fr

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SommaireSommaireSommaireSommaire Aller au concert, être spectateur p.3 Le Corum et la Salle Berlioz p.4 Don Quichotte de Cervantès p.5 Richard Strauss p.6 Strauss en 6 dates p.7 Strauss en 6 œuvres p.7 Présentation de l’œuvre p.7 Orchestration p.8 Qu’est-ce qu’une forme thème et variations ? p.8 Qu’est-ce qu’un poème symphonique ? p.8 Pour aller plus loin, les caractéristiques du genre p.9 Les concerts des 15 et 16 mai, répartition des variations p.10 Structure de l’œuvre, repères et clés d’écoute p.12 Le mythe à travers les arts p.21 Les grands illustrateurs de Don Quichotte p.22 Illustrations p.23 Biographies p.25

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Aller au concert, être spectateurAller au concert, être spectateurAller au concert, être spectateurAller au concert, être spectateur

L’enfance est un temps d’expériences esthétiques, sinon particulièrement riches, du moins particulièrement

marquantes, et ce au sens le plus fort du terme, c’est-à-dire en tant qu’elles orienteront largement notre vie

esthétique d’adulte.

Jean-Marie Schaeffer

Le spectacle éveille la sensibilité. Il s’adresse à l’intimité d’un enfant qui trouve ici matière à émerveillement et à

découverte, toutes sensations qui gouvernent cette période de la vie.

Cyrille Planson dans «Accompagner l’enfant dans sa découverte du spectacle» Pour un enfant, voir un spectacle en compagnie de dizaines d’autres enfants, rire ou frémir aux mêmes moments

est une expérience sociale irremplaçable.

Yves Lavandier

Aller à un concert est une expérience inoubliable. La musique détient un grand pouvoir sur les émotions humaines. Lorsqu’un orchestre joue devant nous, c’est une expérience sensible, avant tout. Le moment du concert ou de la représentation est un temps unique, singulier et éphémère, le spectateur y joue un rôle très important. En effet, sans spectateurs, point de spectacle. Les musiciens, acteurs ou chanteurs ont besoin d’un public réceptif pour interpréter pleinement leur rôle. Devenir spectateur est un apprentissage, celui de certains codes qui ont pour objectif premier de profiter pleinement du concert, du spectacle. Assister à un concert permet un vrai développement humain et social. Ecouter et voir un orchestre, éveille des sensations uniques, nourrit l’imagination… Préparer tel spectacle ou tel spectacle vise des enjeux pédagogiques. Préparer à voir un spectacle vise un enjeu artistique. Il est indispensable de développer l'attitude à être spectateur. L'école doit aider l'enfant à acquérir une posture de spectateur. Lieux et espaces de l'illusion et de la convention, la découverte des arts vivants par les enfants nécessite préparation et doit s’accompagner d'un travail ultérieur. Il importe dans un même temps de nourrir l’idée que le spectacle est une fête.le spectacle est une fête.le spectacle est une fête.le spectacle est une fête. Il importe donc de préparer les élèves à ce qu’est un concert, un orchestre plutôt que de travailler de manière exhaustive sur l’œuvre. Il s’agit d’éveiller curiosité et désir, d’expliquer que les spectateurs ont un rôle primordial à jouer au moment de la représentation. Créer un horizon d’attente, faire vivre une pédagogie de la curiosité, faire de la sortie culturelle une fête, un moment particulier hors du pur cadre quotidien Plusieurs axes peuvent être abordés :

- La description du lieu, sa spécificité et son organisation (l'espace scénique, l'espace des spectateurs...)

- Les rituels (l'installation en silence, le "noir" avant le début de la représentation, la non-interférence entre l'espace scénique et l'espace du public) et les interdits (d'intervenir, d'échanger avec les voisins...)

- Le caractère éphémère et fragile du concert qui n’existe qu’à la condition d’un partage entre la salle et la scène, les artistes et le public, les spectateurs entre eux.

- Il importe ainsi de donner quelques clés d’écoute en amont, de mener un travail de découverte des instruments afin de préparer les enfants à une écoute concentrée

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- Favoriser l’appropriation collective de la sortie au concert (lecture des plaquettes de saison, temps de la réservation, l’affiche)

Le Corum et la saLe Corum et la saLe Corum et la saLe Corum et la salle Berliozlle Berliozlle Berliozlle Berlioz Situé au tout premier rang des Palais des Congrès de France, le Corum qui s’étend sur 6000m², est aussi un Opéra renommé pour ses qualités acoustiques et son Orchestre National. Il unit deux mondes en un même lieu : les manifestations professionnelles de 50 à 2000 personnes et la musique de facture classique ou contemporaine. La Salle Berlioz contient 2 010 places assises, et est dotée d'une scène de 20 mètres d'ouverture.

© http://www.montpellier-events.com/Le-Corum/Presentation Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

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Don QuichotteDon QuichotteDon QuichotteDon Quichotte de Cervantèsde Cervantèsde Cervantèsde Cervantès L’ingénieux Hidalgo Don Quichotte de la Manche (titre original en espagnol El Ingenioso Hidalgo Don

Quijote de la Mancha) est un roman écrit par Miguel de Cervantès et publié à Madrid en deux volumes : le premier en 1605 et le second en 1615. Ce roman retrace les voyages et les aventures de Don Quichotte et Sancho Panza. Don Quichotte est un Hidalgo (gentilhomme de la noblesse) obsédé par la chevalerie et Sancho Panza, un paysan obsédé par la nourriture, est son écuyer. Le premier est un chevalier errant et illuminé qui part combattre le mal à travers l’Espagne sur son cheval : Rossinante. Le second, tout en se remplissant la panse, sait que son maître est fou mais décide de l’aider à protéger les opprimés et à retrouver sa Dulcinée. Auberges-châteaux, paysannes-princesses, moulins-tyrans, amour-envoûtement, galériens, inquisition : le roman ne manque pas de péripéties, mais Don Quichotte reste fidèle à lui-même et ne cède pas. Sauf à la fin, où vaincu, il rentre chez lui, malgré les suppliques de Sancho Panza. Il abandonne ses lectures chevaleresques, retrouve la raison et meurt entouré et aimé des siens. A la fois un roman médiéval, de chevalerie, et un roman de l’époque moderne alors naissante, le livre est une parodie des mœurs médiévales et de l’idéal chevaleresque et une critique des structures sociales d’une société espagnole rigide et vécue comme absurde . Don Quichotte est un jalon important de l’histoire littéraire, et les interprétations qu’on en donne sont multiples, pur comique, satire sociale, analyse politique. Don Quichotte est considéré par certains comme le premier roman moderne, en rupture avec la tradition médiévale. Les nombreux personnages du roman délivrent une étude sociologique de l’Espagne du siècle d’or. Perçu comme un roman comique à sa première publication il est rangé de nos jours dans les classiques littéraires. Accueilli avec succès dès sa première parution, Don Quichotte est considéré comme un chef d’œuvre et c’est un des livres les plus lus au monde. Le personnage est à l’origine de l’archétype du Don Quichotte, rêveur idéaliste et irraisonné, justicier autoproclamé. http://www.lezardsdelascene.com/Files/Other/Dossier%20pedagogique%20Dona%20Quichotte%20bon.

pdf http://dp.mariottini.free.fr/weekend/madrid/photos/2-don-quichotte-resume.htm

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Richard StraussRichard StraussRichard StraussRichard Strauss Compositeur et chef d’orchestre allemand (Munich 1864 Compositeur et chef d’orchestre allemand (Munich 1864 Compositeur et chef d’orchestre allemand (Munich 1864 Compositeur et chef d’orchestre allemand (Munich 1864 –––– GarmischGarmischGarmischGarmisch----Partenkirchen 1949)Partenkirchen 1949)Partenkirchen 1949)Partenkirchen 1949)

Richard Strauss est le maître du poème symphonique, se démarquant ainsi de Mahler et Bruckner restés fidèles à des formes symphoniques plus traditionnelles. Sa musique est largement empreinte d’une expressivité romantique poussée à l’extrême, tandis que ses orchestrations repoussent encore les limites des effectifs classiques. La sensualité de sa ligne mélodique contraste avec l’agressivité de ses harmonies dissonantes. Musicien précoce, il compose sa première symphonie à 17 ans, et commence à diriger à 20 ans. Sa carrière brillante de chef d’orchestre le mène sur deux fronts : le répertoire symphonique et l’opéra. Il en est de même pour la composition. Avec le musicien poète Alexander Ritter, il découvre la « musique du futur » : celle de Liszt Liszt Liszt Liszt , BerliozBerliozBerliozBerlioz et WagnerWagnerWagnerWagner. Dans la continuité de Liszt et Berlioz, il développe le genre du poème symphoniquepoème symphoniquepoème symphoniquepoème symphonique, qui s’articule non sur une forme en plusieurs mouvements, mais sur une idée, une histoire, des personnages, voire un texte. De Wagner, il reprend le principe des leitmotivsleitmotivsleitmotivsleitmotivs, ces motifs musicaux qui

symbolisent les personnages ou les idées tout au long de l’œuvre. Il conçoit d’ailleurs des brochures destinées à guider les auditeurs lors des concerts. Dans ses opéras, il aborde des thèmes qui choquent le public : l’inceste dans Salomé, le matricide dans Elektra. A partir de 1933, Strauss s’efforce d’éviter le conflit direct avec HitlerHitlerHitlerHitler en acceptant certaines missions officielles. Mais sa collaboration avec l’écrivain juif autrichien Stefan ZweigZweigZweigZweig et les origines juives de sa belle-fille lui valent la disgrâce politique auprès des nazis.

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Strauss en 6 datesStrauss en 6 datesStrauss en 6 datesStrauss en 6 dates • 1894189418941894 : succède à Hans von Bülow à la tête de la Philharmonie de Berlin • 1896189618961896 : nommé premier chef de l’Opéra de la Cour de Munich • 1919191919191919 : nommé premier chef de l’Opéra d’Etat de Vienne • 1933193319331933 : accepte de présider le Reichsmusikkammer, l’institut nazi de contrôle de la musique • 1936193619361936 : accepte d’écrire l’hymne des Jeux Olympiques de Berlin • 1948194819481948 : blanchi de toute collaboration avec les nazis

Strauss en 6 œuvresStrauss en 6 œuvresStrauss en 6 œuvresStrauss en 6 œuvres • 1889188918891889 : Don Juan, poème symphonique • 1896189618961896 : Ainsi parlait Zarathoustra, poème symphonique • 1905190519051905 : Salomé, opéra • 1909190919091909 : Elektra, opéra • 1911191119111911 : Le Chevalier à la rose, opéra • 1948194819481948 : Les quatre derniers lieder, pour voix et orchestre

http://www.francemusique.fr/personne/richard-strauss-0 Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Présentation de l’œuvre Présentation de l’œuvre Présentation de l’œuvre Présentation de l’œuvre C’est en 1897 que Richard Strauss compose Don Quichotte, poème symphonique avec violoncelle principal. S’inspirant du célèbre livre de Cervantès Don Quichotte de la Manche publié en deux volumes en 1605 et 1615, Richard Strauss nous invite à voir avec les oreilles… Il nous raconte en musique les aventures de ce Chevalier à la Triste Figure, âme simple, candide et généreuse et de son écuyer Sancho Pança. Don Quichotte veut imposer à un monde devenu laid son idéal d’amour, d’honneur, de justice et de paix… Il se lance à corps perdu dans l’univers poétique que son imagination installe dans la réalité. C’est l’occasion d’entendre l’Orchestre national Montpellier au grand complet dans une luxuriante composition orchestrale, certainement la plus accomplie de son auteur, avec présentation de l’œuvre et des instruments.

Cyrille Tricoire

Cette oeuvre porte le sous-titre Variations fantastiques sur un thème de caractère chevaleresque. Composée d’une introduction, de dix variations et d’un finale, il s’agit d’un poème symphonique dans lequel les deux personnages principaux sont Don Quichotte et Sancho Pança, incarnés respectivement par le violoncelle est l’alto. Enfin, ce projet est une invitation pour les enfants « à regarder l’histoire avec leurs oreilles »…

Cyrille Tricoire

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OrchestrationOrchestrationOrchestrationOrchestration 3 flûtes 2 hautbois 1 cor anglais 2 clarinettes 1 clarinette basse 3 bassons 1 contrebasson 6 cors 3 trompettes 3 trombones 1 tuba ténor en si bémol 1 tuba basse Timbales Grande batterie 2 harpes Cordes (violons, altos, violoncelles, contrebasses)

Qu’estQu’estQu’estQu’est----ce qu’une forme tce qu’une forme tce qu’une forme tce qu’une forme thème et variationshème et variationshème et variationshème et variations ???? En musique, la variation est un procédé d’écriture des plus anciens et des plus élémentaires. Il consiste à présenter un thème, un motif, pour ensuite y apporter, comme son nom l’indique, des variations, c’est-à-dire des modifications mélodiques, rythmiques ou harmoniques. La variation d’un motif est à la base du canon, de la fugue, du développement de la forme-sonate, etc. A l’époque classique, la structure Thème et variations devient une pièce musicale à part entière. Le thème initial peut devenir méconnaissable suite à ses variations.

http://musicologica.fial.ucl.ac.be/Anal_mus/class_2_variations/variation.htm Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Qu’estQu’estQu’estQu’est----ce qu’un poème symphoniquece qu’un poème symphoniquece qu’un poème symphoniquece qu’un poème symphonique ???? Le poème symphonique est un genre de composition musicale pour orchestre seul, généralement en un seul mouvement, inspiré directement et explicitement par un thèmethèmethèmethème, un personnagepersonnagepersonnagepersonnage, une légendelégendelégendelégende, un poèmepoèmepoèmepoème, et très souvent par un textetextetextetexte.

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Pour aller plus loin, lPour aller plus loin, lPour aller plus loin, lPour aller plus loin, leseseses caractéristiques du genrecaractéristiques du genrecaractéristiques du genrecaractéristiques du genre Ce genre est apparu dans le milieu du XIXe siècle, et il dérive de plusieurs genres déjà existants comme l'« ouverture de concert » (les Hébrides de Mendelssohn, 1829-1832), la « symphonie à programme » (Symphonie pastorale, de Beethoven, 1808 ; Symphonie fantastique, de Berlioz, 1830) et aussi la musique de ballet ou d'opéra. On peut considérer que les initiateurs de ce genre furent Berlioz et Liszt : le premier, implicitement, par ses symphonies à programme et ses ouvertures ; le second, explicitement, en définissant le genre, et en l'illustrant par une longue série de treize œuvres. On parle en allemand de symphonische Dichtung ou de Tondichtung (« poésie en sons »), et les grands auteurs du genre furent, outre Liszt et Berlioz, Richard Strauss, Smetana, Dvořák, Sibelius et les compositeurs russes. Genre traditionnellement ramassé de proportions, le poème symphonique peutle poème symphonique peutle poème symphonique peutle poème symphonique peut s'amplifier en une s'amplifier en une s'amplifier en une s'amplifier en une grande «grande «grande «grande « symphonie à programmesymphonie à programmesymphonie à programmesymphonie à programme » en plusieurs mouvements» en plusieurs mouvements» en plusieurs mouvements» en plusieurs mouvements, comme les Dante-Symphonie et Faust-Symphonie, de Liszt, ou bien donner lieu à des « cycles » regroupant plusieurs poèmes symphoniques distincts et brefs autour d'un thème central (cycle patriotique de Smetana, héroïque de Richard Strauss, romain de Respighi, etc.). La forme musicale du poème symphonique, en principe assujettie à la narration dont elle s'inspire, reprend souvent des moules formels traditionnels qui correspondent à un trajet dramatique particulier : la forme sonate à deux thèmes, ABA', exprime en elle-même, musicalement, le concept d'exposition (d'un point de départ), de départ, et de retour ; la forme thème et variations (dans le Don Quichotte de Strauss, par exemple) est tout indiquée pour servir à illustrer les aventures d'un personnage qui persiste dans son choix initial ; la ballade de Goethe qui inspira à Paul Dukas son Apprenti sorcier lui suggéra aussi la forme légère et répétitive d'un scherzo libre, et la gaieté picaresque et populaire des malices de Till l'Espiègle est idéalement traduite dans la plus universelle des formes, le rondo (Till Eulenspiegel, de Richard Strauss). D'autres poèmes symphoniques adoptent la forme rhapsodique d'une succession de tableaux reliés entre eux par des motifs conducteurs, des « leitmotive ». En effet, la mise au point du leitmotiv par Berlioz, Liszt, Wagner, n'est pas étrangère à l'essor du genre, puisque cette « trouvaille » du leitmotiv consiste à personnaliser un motif (plus court, ouvert, mobile et malléable qu'un thème complet) pour l'investir d'un rôle à la fois formel et symbolique : le genre du poème symphonique est en ce sens caractéristique d'une époque où l'on a cherché à faire « penser » la musique, à lui faire véhiculer des idées et des messages. Ainsi beaucoup de poèmes symphoniques sont architecturés autour de leitmotive très caractéristiques (Ein Heldenleben, « Une vie de héros », de Richard Strauss, en comporte au moins 70) plutôt qu'autour de thèmes fermés se concluant par une cadence. L'écriture de ces poèmes, souvent dégagée des moules traditionnels, en devient souvent plus mobile, souple, discursive, inattendue, fantasmagorique, pulvérisée. Le style « pointilliste » (pour l'époque) des tableaux symphoniques de Debussy et des premières pièces pour orchestre de Schönberg et Webern découle plus du poème symphonique romantique que des grandes symphonies postromantiques aux amples arches. Autre caractéristique du poème symphonique romantique, inscrite dans son appellation même : malgré l'exception de « poèmes symphoniques » pour instruments solistes (version originale pour piano des Tableaux d'une exposition, de Moussorgski), il s'affirme surtout avec le développement du grand orchestre de Berlioz à Wagner. Un orchestre démonstratif, dramatique, pictural, pittoresque,Un orchestre démonstratif, dramatique, pictural, pittoresque,Un orchestre démonstratif, dramatique, pictural, pittoresque,Un orchestre démonstratif, dramatique, pictural, pittoresque, où les pupitres se où les pupitres se où les pupitres se où les pupitres se divisentdivisentdivisentdivisent et se mélangent entre euxet se mélangent entre euxet se mélangent entre euxet se mélangent entre eux, quittant leur « plan de table » traditionnel pour former toutes sortes

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de figures et d'associations. Aux instruments solistes est souvent donné un rôle symbolique ou Aux instruments solistes est souvent donné un rôle symbolique ou Aux instruments solistes est souvent donné un rôle symbolique ou Aux instruments solistes est souvent donné un rôle symbolique ou évocateur.évocateur.évocateur.évocateur. En quelque sorte, le poème symphonique prolonge dans la salle de concert, sous une forme condensée et comme « chiffrée » (non explicitée par un texte chanté), l'opéra, ses images et ses évocations, pour un public féru de musique théâtrale et narrative. Il témoigne aussi d'une nouvelle espèce de compositeurs qui se veulent artistes complets, écrivent, pensent, se réclament de la « grande littérature », et non des services de librettistes professionnels plus soucieux d'efficacité que de « poésie ». Souvent, le compositeur de poèmes symphoniques, en connivencle compositeur de poèmes symphoniques, en connivencle compositeur de poèmes symphoniques, en connivencle compositeur de poèmes symphoniques, en connivence e e e culturelle avec un public de concert, lui propose en dioramas musicaux spectaculaires les «culturelle avec un public de concert, lui propose en dioramas musicaux spectaculaires les «culturelle avec un public de concert, lui propose en dioramas musicaux spectaculaires les «culturelle avec un public de concert, lui propose en dioramas musicaux spectaculaires les « grands grands grands grands thèmesthèmesthèmesthèmes », les «», les «», les «», les « grands auteursgrands auteursgrands auteursgrands auteurs » et les «» et les «» et les «» et les « grands mythesgrands mythesgrands mythesgrands mythes » qui l'intéressent. Et souvent, comme on le » qui l'intéressent. Et souvent, comme on le » qui l'intéressent. Et souvent, comme on le » qui l'intéressent. Et souvent, comme on le verra, ces thèmes sont ceux qui agitaient la société dverra, ces thèmes sont ceux qui agitaient la société dverra, ces thèmes sont ceux qui agitaient la société dverra, ces thèmes sont ceux qui agitaient la société de l'époquee l'époquee l'époquee l'époque : l'identité nationale, la révolution, : l'identité nationale, la révolution, : l'identité nationale, la révolution, : l'identité nationale, la révolution, etc. etc. etc. etc.

http://www.larousse.fr/encyclopedie/musdico/po%C3%A8me_symphonique/169620 Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

Les concerts des 15 et 16 mai, répartition des variationsLes concerts des 15 et 16 mai, répartition des variationsLes concerts des 15 et 16 mai, répartition des variationsLes concerts des 15 et 16 mai, répartition des variations

Jeudi 15 eJeudi 15 eJeudi 15 eJeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 9t vendredi 16 mai, concerts à 9t vendredi 16 mai, concerts à 9t vendredi 16 mai, concerts à 9h30h30h30h30 Introduction : Introduction : Introduction : Introduction : « Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerie ; il décide de partir lui-même en campagne » Thème :Thème :Thème :Thème : « Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, et son écuyer Sancho Pança» Variation 1 :Variation 1 :Variation 1 :Variation 1 : « Sortie à cheval de l’étrange couple sous la bannière de la belle Dulcinée del Toboso, et aventure avec les moulins à vent » Variation 2 :Variation 2 :Variation 2 :Variation 2 : « Combat victorieux contre les armées de l’empereur Alifanfaron (combat contre le troupeau de moutons) » Finale :Finale :Finale :Finale : « Revenu à la sagesse, Don Quichotte vit ses derniers jours dans la contemplation ; sa mort »

Jeudi 15 eJeudi 15 eJeudi 15 eJeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 10t vendredi 16 mai, concerts à 10t vendredi 16 mai, concerts à 10t vendredi 16 mai, concerts à 10h30h30h30h30 Introduction :Introduction :Introduction :Introduction : « Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerie ; il décide de partir lui-même en campagne » Thème Thème Thème Thème : « Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, et son écuyer Sancho Pança» Variation 3Variation 3Variation 3Variation 3 : « Dialogue entre le Chevalier et son écuyer : revendications, questions et proverbes de Sancho ; conseils, apaisements et promesses de Don Quichotte» VariatVariatVariatVariation 4 : ion 4 : ion 4 : ion 4 : « Mésaventure avec une procession de pénitents » Variation 5 :Variation 5 :Variation 5 :Variation 5 : « Veillée d’armes de Don Quichotte ; doux épanchements à la pensée de la lointaine Dulcinée » Finale : Finale : Finale : Finale : « Revenu à la sagesse, Don Quichotte vit ses derniers jours dans la contemplation ; sa mort »

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Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 14h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 14h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 14h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 14h30 Introduction :Introduction :Introduction :Introduction : « Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerie ; il décide de partir lui-même en campagne » Thème :Thème :Thème :Thème : « Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, et son écuyer Sancho Pança» Variation 6 :Variation 6 :Variation 6 :Variation 6 : « Rencontre avec une paysanne que Sancho décrit à son maître comme une métamorphose de Dulcinée » Variation 7 :Variation 7 :Variation 7 :Variation 7 : « Chevauchée dans les airs » Variation 8 Variation 8 Variation 8 Variation 8 : « Malheureuse traversée sur la barque enchantée (rythme de barcarolle)» Variation 9 :Variation 9 :Variation 9 :Variation 9 : « Combat contre de prétendus magiciens, deux moines bénédictins montés sur leurs mules » Finale :Finale :Finale :Finale : « Revenu à la sagesse, Don Quichotte vit ses derniers jours dans la contemplation ; sa mort »

Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 15h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 15h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 15h30Jeudi 15 et vendredi 16 mai, concerts à 15h30 Introduction :Introduction :Introduction :Introduction : « Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerie ; il décide de partir lui-même en campagne » Thème :Thème :Thème :Thème : « Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, et son écuyer Sancho Pança» Variation 1 :Variation 1 :Variation 1 :Variation 1 : « Sortie à cheval de l’étrange couple sous la bannière de la belle Dulcinée del Toboso, et aventure avec les moulins à vent » Variation 2 :Variation 2 :Variation 2 :Variation 2 : « Combat victorieux contre les armées de l’empereur Alifanfaron (combat contre le troupeau de moutons) » Variation 10 :Variation 10 :Variation 10 :Variation 10 : « Grand combat singulier contre le Chevalier de la Blanche Lune. Don Quichotte, terrassé, fait son adieu aux armes, décidant de devenir berger et de rentrer chez lui Finale :Finale :Finale :Finale : « Revenu à la sagesse, Don Quichotte vit ses derniers jours dans la contemplation ; sa mort »

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Structure de l’œuvreStructure de l’œuvreStructure de l’œuvreStructure de l’œuvre, repères, repères, repères, repères et clés d’écouteet clés d’écouteet clés d’écouteet clés d’écoute PrésentationPrésentationPrésentationPrésentation de larges extraits de Don Quichotte de Richard Strauss (version avec extraits de larges extraits de Don Quichotte de Richard Strauss (version avec extraits de larges extraits de Don Quichotte de Richard Strauss (version avec extraits de larges extraits de Don Quichotte de Richard Strauss (version avec extraits joués par les instruments avantjoués par les instruments avantjoués par les instruments avantjoués par les instruments avant exécutionexécutionexécutionexécution intégrale de la variation commentée)intégrale de la variation commentée)intégrale de la variation commentée)intégrale de la variation commentée) Richard Strauss a composé cette œuvre en 1897 en s’inspirant du célèbre livre de Cervantès Don Quichotte

de la Manche. Le titre complet de l’œuvre est “Introduction, Thème avec variations et finale. Variations fantastiques sur un thème de caractère chevaleresque.” Au travers de ce titre on comprend tout de suite que Richard Strauss nous invite à voir avec les oreilles. Le poème symphonique s’organise autour d’une authentique forme à variations, éminemment propice au déploiement de mille virtuosités orchestrales et à l’approfondissement du caractère et du comportement des héros. Au premier plan, le Chevalier à la Triste Figure est essentiellement incarné par le jeu du violoncelle solo. En retrait, mais vivement dessiné, son écuyer Sancho Panca peut principalement s’identifier à l’alto. Les deux personnages ne peuvent exister indépendamment l’un de l’autre : le caractère de leur relation, basée sur la nécessité, évolue et débouche sur l’amitié. INTRODUCTION “Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerieINTRODUCTION “Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerieINTRODUCTION “Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerieINTRODUCTION “Don Quichotte perd la raison en lisant des romans de chevalerie ; il ; il ; il ; il décidedécidedécidedécide de partir de partir de partir de partir luiluiluilui----mêmemêmemêmemême en campagne”.en campagne”.en campagne”.en campagne”. L’introduction est une sorte de préliminaire à la narration épique dans laquelle Strauss esquisse un portrait de son héros. Le thème1 de Don Quichotte y est exposé des mesures 1 à 5 en ré Majeur par le hautbois. Le choix de l’instrument et de la tonalité nous donnent très vite l’esprit de l’œuvre : la légèreté. Don Quichotte est un jeu, une plaisanterie musicale. L’univers de l’œuvre est celui de la fantaisie et du burlesque, de l’humour froid tempéré d’une grave sentimentalité.

1 Thème : Phrase musicale importante et fondamentale dans une œuvre musicale.

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Vient ensuite un motif “grazioso”2 exposé des mesures 5 à 13 par les violons. Ce dernier présente la particularité de contenir une inflexion harmonique3 soudaine vers la bémol majeur. Cette dualité tonale4 évoque peut-être symboliquement la schizophrénie dont est victime Don Quichotte. Celle-là même qui lui avait fait croire qu’il était chevalier. Le caractère du héros repose donc sur une dualité provenant de sa folie.

Suit un dernier motif rattaché au héros des mesures 14 à 18 qui clôt cette section consacrée à Don Quichotte. Ce double trait descendant5 de clarinette par glissements harmoniques6 suggère l’étrange déraison du personnage. Après ce préambule, différents motifs7 se succèdent. Ils reflètent les “évènements” dont la lecture enflamme l’imagination du Chevalier, puis provoque son délire. La première image créée par la folie de Don Quichotte est celle de Dulcinée, la bien-aimée imaginaire. En effet, à l’instar de chaque chevalier, Don Quichotte recherche l’amour. Strauss utilise pour la première fois le principe de la variation harmonique8 pour faire apparaître Dulcinée, folie amoureuse du héros. Le thème musical qui la représente est une douce mélodie énoncée par un hautbois langoureux sur des arpèges9 de harpe.

2 Graziozo : De l’italien grazioso (« gracieux »).

3 Inflexion harmonique : mouvement vers une autre couleur tonale. Tonalité : Gamme de base utilisée pour écrire un morceau de musique. Elle est définie par une note principale appelée « tonique ». 4 Dualité tonale : Passage fondé sur deux tonalités différentes (voir Note de bas de page n°3) 5 Trait descendant : passage ou phrase musicale particulièrement virtuose allant de l’aigu vers le grave. 6 Glissement harmonique : glissement vers une autre couleur tonale. 7 Un motif est une phrase musicale ou un fragment complet qui se répète de façon régulière et continue au sein d'une œuvre.

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Elle est tout d’abord énoncée dans une première variation de caractère noté “très calme” et par un changement de tonalité10. Ce principe, appliqué à toute l’œuvre, permet de traduire musicalement les humeurs du héros face aux nouvelles situations qui se présentent à lui.

Soudain, un appel de cuivres donne à Don Quichotte le signal du combat. Il mènera cette bataille contre quelques géants pour prendre la défense de l’élue de son cœur. Dans les romans de chevalerie traditionnels, amour et devoir entrent en conflit. Après la victoire de Don Quichotte, on revient au tempo précédent tandis que les cors diminuendo11 suggèrent de nouvelles rêveries. Jusqu’au terme de cette introduction, les motifs s’entrecroisent encore, se combinent en une texture polyphonique12 toujours plus dense, dans une sorte d’irréalité proche du cauchemar. La fin de l’introduction est marquée par un point d’orgue13 de deux trompettes et des trombones. C’est le signal qui indique la fin de la lecture de Don Quichotte : il décide de passer lui-même à l’action.

10 Arpège : série de notes émises successivement et qui formeraient un accord si elles étaient jouées simultanément. 11 Diminuendo (ou decreshendo) : En diminuant le volume sonore. 12 La polyphonie est l’art d’écrire de la musique à plusieurs voix différentes. Elle s’oppose à la monodie et à l’homophonie. 13 Un point d’orgue signifie une suspension passagère –d’une durée indéterminée- en musique. Voici son signe : .

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THEMETHEMETHEMETHEME “Don Quichotte, le Chevalier à“Don Quichotte, le Chevalier à“Don Quichotte, le Chevalier à“Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, et son la Triste Figure, et son la Triste Figure, et son la Triste Figure, et son écuyerécuyerécuyerécuyer Sancho PancSancho PancSancho PancSancho Panc a” a” a” a” Le violoncelle solo entre dans un tempo modéré. Don Quichotte, le Chevalier à la Triste Figure, âme simple, candide et généreuse, veut imposer à un monde devenu laid son idéal d'amour, d'honneur, de justice et de paix. Il se lance à corps perdu dans l'univers poétique de son imagination, ne pouvant s'empêcher d'accorder aux êtres et aux choses une confiance qui résiste aux moqueries et aux coups.

Voici un extrait de la version complète. Vous pourrez constater que dans cette présentation de Don Quichotte, le violoncelle solo cède très vite la place au premier violon, ou à un groupe de cordes solistes. Nous entendrons plus tard que l’alto solo représentant Sancho Panca cède aussi la place à la clarinette basse et au tuba. Aucun instrument ne peut donc prétendre à l’exclusivité du discours. Cela marque la volonté du compositeur d’assurer une continuité symphonique. Cela fait donc de Don Quichotte un véritable poème orchestral et pas une œuvre concertante14 pour violoncelle et orchestre. Cette œuvre a été écrite au départ pour les 1ers solistes d’orchestres qui jouaient l’œuvre au sein de l’orchestre. Cela pose des problèmes d’équilibre entre le violoncelle et l’orchestre. Le pauvre soliste noyé dans la masse orchestrale15 a souvent beaucoup de mal à se faire entendre. La solution pour ce problème acoustique fut donc de mettre en avant le musicien sur un podium. Pourtant, sur un plan formel il ne s’agit pas d’une œuvre concertante. Aussi, lorsque le soliste joue les parties orchestrales, il est impossible de l’entendre. Cette précision est très importante pour que les spectateurs ne soient pas frustrés de ne pas tout le temps percevoir le son du musicien sur le podium !

14 Une œuvre concertante comporte des oppositions de masses sonores (entre un instrument soliste et l’orchestre par exemple). 15 On signifie par « masse orchestrale » la quantité importante des instruments de l’orchestre.

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Vient ensuite la présentation de Sancho Panca par lʼalto solo. Sancho Panca, bonhomme de partout, incarne le bon sens commun qui ne s'embarrasse pas de chimères ; s'il montre beaucoup de naïveté dans ses espérances, il n'en garde pas moins les pieds sur terre et s'efforce de remédier aux désastres nés des exploits de son maitre. L’alto solo entre dans un débit précipité de doubles croches16 simulant les bavardages grossiers de l’écuyer. Puis, viennent les revendications, les questions et les proverbes. Les rôles sont donc à présent distribués pour la tragi-comédie qui va se jouer en dix épisodes ou variations. La première variation s’intitule “Sortie à cheval de l’étrange couple sous la bannière de la belle Dulcinée del Toboso, et aventure avec les moulins à vent“. Cette dernière débute par une combinaison des thèmes de Don Quichotte et de Sancho. Le mode de jeu du violoncelliste est marqué, voire grossier, pour rappeler la combinaison avec le thème de Sancho.

Par contre, lorsque les violons jouent une mélodie qui évoque une pensée émue à Dulcinée, le jeu du violoncelliste devient plus aérien, galant.

16 La double croche est une note à deux crochets qui vaut, pour la durée, la moitié de la croche.

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.... puis arrive le moment du premier combat livré pitoyablement contre les moulins à vent. La gamme montante en accelerando17 sonne la charge de Don Quichotte contre les moulins, lance en avant.

..... la chute brutale du héros de son cheval est décrite par un immense glissando18 et l’arrivée sur un fa grave ponctué par un violent coup de timbale. ....Don Quichotte se relève pourtant, lentement, difficilement avec une pensée douloureuse pour Dulcinée. Puis, il se prépare à un nouvel exploit.

17 Accelerando : en s’accélérant 18 Le glissando désigne un glissement continu d'une note à une autre ou le passage d'une note à l'autre par un groupe de notes. Auditivement on peut le reconnaître à son effet de sirène.

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Suivent différents épisodes : le combat victorieux contre les armées de lʼEmpereur Alifanfaron (qui est plus exactement le combat contre un troupeau de moutons), le dialogue entre le Chevalier et son écuyer et la mésaventure avec une procession de pénitents. Nous retrouvons alors la veillée d’armes de Don Quichotte et les doux épanchements à la pensée de sa Dulcinée. C’est un moment de repos nocturne sous forme de grand “recitando”19 confié au violoncelle. C’est un moment d’intense poésie, dénué d’action.

Après la rencontre avec une paysanne que Sancho décrit à son maitre comme une métamorphose de Dulcinée, nous retrouvons nos deux héros dans la “Chevauchée dans les airs”. Il s’agit du très célèbre voyage dans les airs pendant lequel Don Quichotte et Sancho Panca, les yeux bandés, enfourchent Clavilenno, le cheval de bois, pour poursuivre le malfaisant Géant. C’est une étonnante variation dans laquelle Strauss utilise beaucoup d’effets sonores : traits chromatiques20 de flutes, immenses glissandos des harpes, gammes21 en rafales des cordes, sifflements de la machine a vent. Ces effets donnent la sensation à l’auditeur d’une course folle dans les airs. Mais à la fin de cette variation une longue pédale22 des contrebasses en tremolo23 sur ré nous signifie que l’étrange équipage n’a pas quitté terre.

19 Soutenu par un accompagnement réduit qui lui laisse de la place, le chant du violoncelle se rapproche ici de la voix parlée. 20 Chromatismes : mouvement – vers le grave ou vers l'aigu – de notes séparées par un demi-ton (ex : do do# ré) 21 Note pédale : note fondamentale répétée de nombreuses fois

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Après d’autres épisodes, “la Malheureuse traversée sur la barque enchantée”, “le combat contre de prétendus magiciens, deux moines bénédictins montés sur leurs mules”, le dernier combat de Don Quichotte, le “Grand Combat singulier contre le Chevalier de la Blanche Lune”, Don Quichotte est terrassé. Il fait son adieu aux armes et décide de devenir berger et de rentrer chez lui. Revenu à la sagesse, notre héros vit ses derniers jours dans la contemplation, sa mort. Idéaliste déçu, Don Quichotte médite dans son village sur ses aventures....

....Puis on retrouve à nouveau des motifs évoquant l'héroïsme.... ....Don Quichotte se laisse aller à l’effusion amoureuse à la pensée de la Dulcinée. Le violoncelle chante encore son thème dans toute sa plénitude....

23 Trémolo : effet qui consiste à faire varier périodiquement l'intensité de la note autour d'une valeur moyenne en conservant la hauteur de départ. Donne l’impression auditivement de jouer très vite deux notes très rapproché.

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Mais c’est la mort qui attend Don Quichotte. Le violoncelle enchaine une phrase poignante qui subsiste seulement par lambeaux. Elle s’achève par un trait descendant, morendo24, dans la nuance pianissimo25. Don Quichotte a rendu l’âme en renonçant.... ... Sa défaite face au faux chevalier Samson Carrasco, le chevalier à la Blanche-Lune, le force à retourner à la réalité afin de s’y réfugier, sans espoir de retour ; et c’est ce renoncement qui le mène à la mort. En effet, son existence en tant que chevalier reposait uniquement sur la quête d’aventures. Sans cela, sa disparition devient inéluctable et irrémédiable. Cette défaite nous conduit au constat suivant : la réforme d’une société par un être unique relève de l’utopie, et cela qu’elle qu’en soit sa valeur et ses qualités.

Cyrille Tricoire, Montpellier 2013

Synthèse de différentes lectures dont le livre de Mathieu Schneider "Destins croisés : du rapport entre musique et littérature dans les œuvres

24 Morendo : En diminuant le son jusqu'à son extinction complète. 25 Piano signifie « doucement», pianissimo « tout doucement ». L’ajout de lettres « p » indique des degrés douceur de plus en plus élevé (voir Symphonie n°6 de Tchaïkovski).

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Le mythe à travers les artsLe mythe à travers les artsLe mythe à travers les artsLe mythe à travers les arts A la différence des deux grands mythes de l’Europe moderne que sont Faust et Don Juan, Don Quichotte, dénué de pouvoirs magiques et de séduction érotique, respectueux des traditions périmées, inefficace dans ses entreprises, représente la solitude de l’individu dans son impuissance à changer le monde par ses seules aspirations. Si la portée universelle d’un tel mythe a donné naissance en littérature à une production gigantesque, elle n’a pas non plus manqué d’inspirer illustrateurs, peintres et dessinateurs, et également plus d’une centaine de compositeurs, dont la manière d’appréhender le roman de Cervantès a évolué au cours du temps, de la fin du XVIIe siècle à nos jours. D’abord séduits par le tempérament burlesque et dérisoire du « Chevalier errant » (Boismortier, Paisiello, Salieri), les compositeurs finiront par en avoir une approche plus grave, qui évoluera vers une recherche plus approfondie des valeurs psychologiques et symboliques du personnage (Strauss, Massenet, Ibert). Ils iront même jusqu’à l’assimiler, au XXe siècle, à la vision moderne du tragique, dépassant en cela l’âme hispanique originelle de l’œuvre, ainsi que le champ de son esthétique pure (Guridi, Espla, Ullmann).

[…] La portée universelle d’un tel mythe a donné naissance à une littérature originale ou critique gigantesque – réécriture de l’œuvre, fictions romanesques, poésie, essais en tout genre - sur laquelle il serait impossible de s’étendre ici. Rien qu’au XXe siècle, la vitalité du thème a donné le jour à plus de soixante-dix pièces de théâtre et , au cinéma, à une vingtaine de films dont, assez curieusement, la postérité n’a retenu que trois productions : celle de Georges Melies en 1908, celle, inachevée, d’Orson Welles en 1957 et celle de G.W. Pabst en 1933. Dans cette dernière version en particulier, la scène des romans brûlés revêtit, à l’époque, une signification symbolique particulière face à l’idéologie d’un régime qui préparait l’autodafé d’une littérature considérée comme dégénérée. Les versions de Kozinstev avec Nicolaï Tcherkassov, celle de Monicelli avec Vittorio Gassman, celle de Hiller avec Peter O’Toole ou encore celle de Gutierrez Aragon avec Fernando Rey ont été complètement oubliées. Et ce n’est pas la récente réalisation de Terry Gillian, The man who killed Don Quixote, avec Jean Rochefort, déjà sinistrée après quelques jours de tournage, qui se révèlera la version moderne tant attendue. […] En musique on arrive à recenser plus d’une centaine d’adaptations du roman de Cervantès. […] Il est impossible de passer sous silence l’adaptation des aventures du héros cervantin que nous devons à Jacques Brel et Albert Marre pour la mise en scène (1967), à partir d’une comédie musicale de Dale Wasserman et Mitch Leigh, L’homme de la Mancha vaut surtout par l’engagement du célèbre chanteur. En effet, celui-ci, esprit libre, comme l’était Cervantès dans une Espagne torturée par l’Inquisition, croyait à « l’inaccessible étoile » (apologie du rêve qui clôt l’œuvre), et ses chansons combattent – comme s’il s’agissait de moulins à vent – toute la bêtise, la bassesse et la méchanceté du monde. «Tout le monde est Don Quichotte, je crois, tout le monde a ce côté-là, je souhaite... j'en suis certain !

Tout le monde à un certain nombre de rêves…» confie Jacques Brel dans une interview « Tout le monde est

Don Quichotte ». Du 7 décembre 1968 au 17 mai 1969, il jouera 150 fois la comédie musicale L’homme de

la Mancha, au Théâtre des Champs-Elysées à Paris. Il perdra 10kg en jouant le rôle de Don Quichotte pour lequel il était incroyable ; et, fatigué, il demandera l’arrêt des représentations.

Don Quichotte en musique ou l’utopie source de créativité, par Guy Denimal Tous droits réservés, diffusion gratuite à usage pédagogique

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Les grands illustrateurs de Don Quichotte Les grands illustrateurs de Don Quichotte Les grands illustrateurs de Don Quichotte Les grands illustrateurs de Don Quichotte Comme on pouvait le prévoir, du point de vue iconographique, les éditions illustrées de ce chef d’œuvre sont légion. Citons, entre autres, la première recensée, due en 1662 à Juan Monmarte, celle de John Philips en 1687, celle de Charles Antoine Coypel en 1744, avec vingt-cinq cartons. N’oublions pas les dessins de Ntoire et Fragonard, de Falkema (1744) ou Navarro et Vanderbank (1788). On trouve même une représentation stylisée de l’ingénieux hidalgo dans une ancienne édition japonaise.

Le XIXe siècle verra les illustrations d’Achille Deveria, Georges Cruikshank, Tony Johannot, Célestin Nanteuil , Isidore Grandville, Horace Vernet et surtout Gustave Doré (117 planches et 253 vignettes), suivi au XXe siècle par Daniel Vierge, Berthold Mahn, Gus Bofa, Walter Crane, Léon Gischia, Rey Vila, Albert Decaris et Gérard Garouste. Ce qui est intéressant chez Garouste, c’est la représentation des hallucinations et chimères de don Quichotte au moyen d’images fantastiques, qu’il faut décrypter. Ainsi l’auberge que l’hidalgo prend pour un château est ici doublement représentée (pour marquer l’illusion et la réalité) par deux tours tête-bêche sorties d’un échiquier. Citons aussi les compositions de Goya (1780) et, au XIXe siècle de :

- Miranda (à Madrid) - Louis Boulanger - Charle Leslie - Henri Pille - Jean-Baptiste Corot - Eugène Delacroix - Richard Bonington - Alexandre Decamps (à Chantilly) - Adolf Schrödter - Honoré Daumier (1867) à qui l’on doit une trentaine de peintures et une quarantaine

d’aquarelles et de dessins (aux musées de Zurich et Berlin). -

Au XXe siècle, on évoquera les œuvres de Pedro Flores, auteur des décors du ballet de Serge Lifar, Le Chevalier errant, sur une musique de Jacques Ibert (1950), et les dessins de

- José Pico - Segrelles - André Marchand - Edward Burra - Pablo Picasso - Emilio Grau-Sala - Jean Carzou - André Dignimont - Jean Cocteau - Salvador Dali - Bernard Buffet (1945) - Dubout.

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IllustrationsIllustrationsIllustrationsIllustrations

Don Quichotte, Daumier Don Quichotte, Picasso

Don Quichotte, Dali Don Quichotte, Doré

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Don Quichotte, cheval et pique, Circa 1990, Lithographie originale, signée au crayon, de Bernard Buffet

Don Quichotte et les moulins, Damien Marpaud

L'homme de la Mancha, Jacques Brel

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BiographiesBiographiesBiographiesBiographies

Julien MasmondetJulien MasmondetJulien MasmondetJulien Masmondet

Alors qu’il termine cette saison son cycle de trois ans comme assistant de Paavo Järvi à l’Orchestre de Paris qu’il a régulièrement eu l’occasion de diriger à la Salle Pleyel ou en tournée, Julien Masmondet a de nombreux projets pour les saisons à venir. Il est invité à diriger l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, de Bordeaux-Aquitaine, de Lille, de Montpellier Languedoc-Roussillon, l’Orchestre de l’Opéra de Rouen, de Toulon. Il est également engagé en 2015 par l’Opéra Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon pour une production de la Clémence de Titus de Mozart. Julien Masmondet a par ailleurs dirigé l’Orchestre Symphonique National d’Estonie à Talinn, l’Orchestre National de Lyon, l’Orchestre de l’Opéra

de Rouen dans des concerts symphoniques et une production lyrique, l’Orchestre de Pau Pays de Béarn, l’Orchestre Symphonique de Bienne, l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg, l’Orchestre de l’Opéra de Massy dans du répertoire lyrique. Son travail à l’Orchestre de Paris lui a permis de travailler, outre Paavo Järvi, qui est un de ses plus actifs soutiens, auprès de chefs comme Hubert Blomstedt, Christoph von Dohnanyi, Yutaka Sado, David Zinman, Bertrand de Billy et de solistes comme Emmanuel Ax, Nikolai Znajder, Tabea Zimmermann, Valeriy Sokolov, Jorge Luis Prats, Henri Demarquette, ou Vincent Le Texier et Sara Mingardo pour le lyrique. L’Orchestre de Paris lui avait aussi confié la baguette pour le festival Radio Classique à l’Olympia en juin 2012. Depuis 2005, il est directeur artistique du Festival Musiques au Pays de Pierre Loti qu’il a fondé en Charente-Maritime. Sa programmation associant musique et littérature et consacrée à la redécouverte d’œuvres et de compositeurs français rarement joués, tels que Ropartz, Koechlin, Caplet, Pierné, Hahn et Messager, a distingué ce festival comme l’un des plus originaux dans le paysage culturel français. Pour mener ce projet artistique, Julien Masmondet collabore avec des comédiens prestigieux comme Marie-Christine Barrault, Dominique Blanc et Didier Sandre et accompagne de nombreux solistes de renom. Les projets d’échanges et d’ouverture à l’international verront la création du Festival à Istanbul en 2014. Julien accorde une importance particulière au partage et à l’aspect pédagogique de son métier ; c’est ainsi qu’il dirige de nombreux projets pour le jeune public et s’emploie à transmettre la musique au plus grand nombre à travers des concerts en prison, et au bénéfice de publics défavorisés. Depuis 2009, il est également professeur assistant de direction d’orchestre à l’École Normale de Musique de Paris – Alfred Cortot aux côtés de Dominique Rouits. Né à Paris en 1977, Julien Masmondet a étudié la composition et la direction d’orchestre à l’École Normale de Musique de Paris – Alfred Cortot où il a obtenu en 2002 le diplôme supérieur de direction d’orchestre dans la classe de Dominique Rouits. Il se perfectionne ensuite auprès de Yoel Levi en Israël et à la Royal Academy of Music avec Benjamin Zander lors des London Master Classes.

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Cyrille TricoireCyrille TricoireCyrille TricoireCyrille Tricoire

Débutant sa formation musicale avec Erwan Fauré, puis formé au CNSM de Paris où il obtient deux premiers prix et après un cycle de perfectionnement avec Philippe Muller, Cyrille Tricoire part aux Etats-Unis suivre l’enseignement de Janòs Starker à Bloomington grâce à une bourse d'étude Fulbright. Très tôt attiré par l’orchestre, Cyrille Tricoire intègre d’abord l’Ensemble Orchestral de Paris avec Armin Jordan puis, en 1993, il est nommé violoncelle solo supersoliste de l’Orchestre national Montpellier. Chef d’attaque apprécié, il est depuis invité par les grandes formations européennes (Orchestre National de France, Orchestre de la Fondation Gulbenkian de Lisbonne,...). Il est aussi musicien invité de l’Orchestre de Chambre d’Europe. Son large répertoire concertant est marqué du sceau de la curiosité. Il joue et enregistre le Concerto n° 2 pour

violoncelle et orchestre de Philippe Hersant qui a obtenu les plus hautes distinctions de la critique musicale, la

Symphonie pour violoncelle et orchestre de Benjamin Britten, le Concerto pour violoncelle de James MacMillan en création

française sous la direction du compositeur, mais aussi les œuvres de Richard Strauss (Don Quichotte), Haydn, Schumann,... Chambriste reconnu, Cyrille Tricoire se produit régulièrement en diverses formations de chambre avec ses collègues de l’orchestre. Il joue pour le concert inaugural de la série de musique de chambre Amadeus avec Maria João Pirès et Augustin Dumay et partage ensuite la scène avec des artistes de renommée internationale, Anner Bylsma, Michel Portal, Janòs Starker… Il se produit en duo au Festival de Radio France et de Montpellier LR avec Jean Dekyndt organiste. Soucieux de transmettre, Cyrille Tricoire enseigne le violoncelle pendant dix ans au Conservatoire à Rayonnement Régional de Montpellier et édite et enregistre chez Boosey et Hawkes deux volumes des duos pédagogiques d’Offenbach. Cyrille Tricoire joue un très beau violoncelle italien de Giuseppe Baldantoni fait à Ancône en 1869, et un archet de Benoît Rolland.

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Sylvère SantinSylvère SantinSylvère SantinSylvère Santin Né en 1986, Sylvère Santin entre au conservatoire de musique d’Avignon à l’âge de 6 ans. Il y suit un cursus complet en trombone auprès d’André Canard, de contrebasse avec Frédéric Béthune, et de chant lyrique avec Pierre Guiral. Il y obtient son DEM de conservatoire en Formation Musicale. C’est par le biais de la musique qu’il accède à la scène et y prend goût en suivant les cours d’art lyrique de Valérie Marestin où il participe à divers projets d’opéras et d’opérettes à l’Opéra Théâtre d’Avignon (Didon et

Enée, Les mousquetaires au Couvent…) Il se dirige alors vers le théâtre et intègre une formation pré-professionnelle aux métiers du théâtre à l’Université de Provence de 2006 à 2009. Il y obtient un DEUST Théâtre. En parallèle il continue ses études de chant au conservatoire de musique d’Aix-en-Provence en suivant les cours de Laure Florentin. Il intègre la formation de « La Compagnie d’Entrainement » dirigée par Alain

Simon et travaille avec Jean-Pierre Ryngaert, Jean-Marie Broucaret, la compagnie de danse Preljocaj ou encore Rodrigo Garcia, et participe à divers projets mêlant musique et théâtre entre Aix-en-Provence et Marseille. De 2009 à 2012, il intègre la classe professionnelle de l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier, dirigée par Ariel Garcia Valdès. Il travaille avec différents metteurs en scène et comédiens, tel que Yves Ferri, Christine Gagnieux, Lukas Hemleb, Claude Degliame, Bruno Geslin, Olivier Werner, Gilbert Rouvière, Marion Guererro, Robyn Orlin, Cyril Teste, Evelyne Didi, André Wilms … En janvier 2011 il joue pour Georges Lavaudant dans « État Civil », une création autour de l’œuvre d’Antonio Lobo Antunes à la MC93 de Bobigny. En juin 2012 il joue pour Richard Mitou dans Les Numéros – Cabaret une création autour des textes d’Hanokh Levin au Printemps des Comédiens à Montpellier et au Festival de Figeac. Dans la saison 2012-2013 il joue pour Véronique Bellegarde sur un texte de Grégoire Solotareff Isabelle et la Bête mis en musique par Sansévérino. A partir de novembre 2013, il jouera dans Tambours dans la nuit de Brecht mis en scène par Dag Janneret et créé à Sortie Ouest à Béziers.

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L’orchestre National de Montpellier LanguedocL’orchestre National de Montpellier LanguedocL’orchestre National de Montpellier LanguedocL’orchestre National de Montpellier Languedoc----RoussillonRoussillonRoussillonRoussillon

En trente ans de carrière, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a connu un essor spectaculaire, qui en fait aujourd’hui l’une des formations les plus dynamiques du paysage musical français. Contrairement à la plupart des orchestres de région créés sous le ministère d’André Malraux par Marcel Landowski, l’Orchestre de Montpellier n’est pas né d’une structure préexistante. Lorsqu’en 1979, Georges Frêche, maire de Montpellier, fonde l’orchestre, il s’agit de relever un défi : initier le mouvement nouveau d’une véritable politique artistique et musicale à Montpellier. La création de l’Orchestre a représenté un formidable espoir de renaissance. Très vite, le tout nouveau Conseil Régional et le Conseil Général de l’Hérault ont pris conscience de sa nécessaire existence. Sous l’impulsion de son fondateur, l’Orchestre s’est développé et a adapté son répertoire à ses effectifs croissants : entre les trente musiciens de la formation initiale et ses quatre-vingt-quatorze musiciens aujourd’hui, l’orchestre a pu progressivement assumer avec bonheur l’ensemble du répertoire symphonique du XVIIIe siècle à l’époque contemporaine.

Ce développement força l’admiration et grâce à la reconnaissance de l’Etat en 1985, il devient Orchestre de Région. C’est en 1990 que René Koering, alors directeur du Festival de Radio France et Montpellier, prend la direction générale de l’Orchestre Philharmonique de Montpellier. Se développe alors à Montpellier une structure originale et particulièrement dynamique : René Koering, responsable de la programmation artistique et de la gestion de la formation, dote parallèlement l’orchestre d’un directeur musical. Les apparitions de l’orchestre vont connaître dès lors un retentissement nouveau, et asseoir sa réputation à l’échelle régionale, nationale, et aujourd’hui internationale. En 1989, l’orchestre Philharmonique de Montpellier s’installe au Corum inauguré en novembre. Il y trouve l’année suivante une salle de répétition, la salle Beracasa ; un lieu de concert prestigieux, l’Opéra Berlioz ; et une salle parfaitement adaptée à la musique de chambre, la salle Pasteur. Une installation remarquable que bien des orchestres peuvent envier à Montpellier. Attentif à ne jamais négliger les grandes œuvres du répertoire, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon mène toutefois une véritable politique de création et de sensibilisation à la musique

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du XXe siècle. Des compositeurs tels que Maderna, Adams, Cage, Pärt, Penderecki, Korngold, Henze, Ligeti, Dusapin ou Xenakis font partie désormais de la vie musicale montpelliéraine. Par ailleurs, depuis 2000, l’Orchestre accueille des compositeurs contemporains en résidence : Jean-Louis Agobet (2000-2001), Jean-Jacques Di Tucci (2002), Marco Antonio Pérez-Ramirez (2002- 2006), Richard Dubugnon (2006-2008), Philippe Schoeller en 2008. Le prestige de l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon, qui en fait aujourd’hui est l’un des meilleurs de l’hexagone, se laisse mesurer aux grands noms qu’il ne cesse de rencontrer. L’Orchestre depuis quelques années développe une carrière internationale, invité au cours des saisons musicales de Milan, Barcelone, Athènes, Beyrouth, Budapest, Bratislava ou Prague. Outre sa participation active au Festival de Radio France et Montpellier, l’Orchestre se produit dans de nombreux festivals français. Régulièrement invité sur les grandes scènes parisiennes, il s’est produit à la salle Pleyel, en septembre 2008, dans une version concert d’Aida, sous la baguette d’Alain Altinoglu. Il donne 3 représentations de Die Zauberflöte en octobre 2009, sur la scène du Châtelet, et en 2011 Aida au Stade de France. Depuis 1999, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon a soin de graver son histoire, grâce à une discographie proposant plus d’une quarantaine d’enregistrements publics, lors de la saison ou à l’occasion du Festival de Radio France et Montpellier. Ainsi, il a pu créer sa propre ligne de disques en coproduction avec Actes Sud, et travailler en partenariat avec les Editions Naïve. Depuis 2002, l’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon est sous contrat avec Universal Music France, et développe sous le label Accor, trois collections : Opéra, Symphonique, Musique de chambre. Consacrés à des œuvres à découvrir ou redécouvrir, ces enregistrements sont souvent devenus des disques de référence. L’Orchestre national Montpellier Languedoc-Roussillon entretient une collaboration étroite avec Deutsche Grammophon. En janvier 2012, dirigé par Riccardo Muti, il a soulevé l’enthousiasme du public montpelliérain avec le Requiem de Verdi.