INTERIORS PAR

Coleman Lemieux & Compagnie

Une coproduction du CNA

GUIDE PÉDAGOGIQUE

Centre national des Arts, Danse Saison 2008–2009

Cathy Levy

Productrice, Programmation de la Danse

Coleman Lemieux & Compagnie, Laurence Siegel, consultant en éducation à DanceWorks, et Renata Soutter, coordonnatrice des activités de rayonnement au CNA, ont participé à la rédaction du présent guide

pédagogique pour le Département de la danse du Centre national des Arts, octobre 2008.

Le présent document est réservé uniquement à des usages éducatifs.

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INTERIORS - GUIDE PÉDAGOGIQUE

TABLE DES MATIÈRES

Le Centre national des Arts ……………………………………… 2

La Danse au CNA ……………………………………………... 3

L’étiquette dans un salle de spectacle…………………….…. 4

Interiors – Équipe artistique et synopsis .……………………. 5

Que doit-on attendre du spectacle?……………………………….. 6

À propos de la compagnie …………………………………….. 9

Les directeurs artistiques …………………….………………. 10

Au sujet des danseurs …………………………………….. 11

Entrevue avec Laurence Lemieux …………………….. 13

Appréciation de la danse contemporaine …………………….. 15

Comment regarder un spectacle ……….………….… 16

Activités avant et après le spectacle ……………….……. 17

Bibliographie/Ressources Internet …………………..… 22

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Le Centre national des Arts du Canada

Inauguré officiellement le 2 juin 1969, le Centre national des Arts est l'une des grandes institutions créées par le gouvernement fédéral à l'initiative du premier ministre Lester B. Pearson pour souligner le centenaire de la Confédération. Le motif de l'hexagone a servi d’élément architectural de base pour la construction du CNA, centre par excellence des arts de la scène au Canada.

Situé au cœur de la capitale nationale, en face de la place de la Confédération et à deux pas de la colline du Parlement, le Centre national des Arts compte parmi les plus grands complexes des arts de la scène au Canada. Le CNA est le seul centre multidisciplinaire bilingue des arts de la scène en Amérique du Nord et il dispose d'une des plus grandes scènes du continent. Beaucoup considèrent cet immeuble conçu par Fred Lebensold (Arcop Design), l'un des plus grands architectes de salles de spectacle

d'Amérique du Nord, comme un des fleurons de l'architecture du XXe siècle. Un programme visant à exposer des œuvres d'art visuel à l'intérieur de l'immeuble a permis de réunir une des plus remarquables collections permanentes d'art contemporain canadien et international au pays. Cette collection compte quelques commandes spéciales telles que Hommage à RFK (murale) de l'artiste contemporain canadien de renommée mondiale William Ronald, Les Trois Grâces d’Ossip Zadkine et une grande sculpture de bronze indépendante et sans titre de Charles Daudelin. En 1997, le CNA a accroché sur ses murs, grâce à la collaboration de la Banque d’œuvres d’art du Conseil des Arts du Canada, plus de 130 œuvres d'art contemporain canadien. Le Canada dispose de quatre espaces scéniques ayant chacun leurs propres caractéristiques. Le spectacle Interiors sera présenté au Studio, une salle de 300 places. Aujourd'hui, le CNA travaille avec d'innombrables artistes du Canada et du monde entier, des plus prometteurs aux plus célèbres, et s'associe à maintes organisations artistiques de partout au pays. Le Centre est également l'hôte du Festival Danse Canada. Le CNA se veut être un chef de file et un innovateur dans chacune des disciplines artistiques qu'il embrasse – musique classique, théâtre français, théâtre anglais, danse, variétés et programmation régionale. Il est aux avant-postes en matière de programmation jeunesse et d'activités éducatives, soutenant de nombreux programmes pour artistes en herbe et émergents et pour jeune public, et produisant des outils et du matériel pédagogique pour les enseignants.

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La DANSE au CNA

Bienvenue aux enseignants et aux élèves! Bienvenue aux amateurs les plus avertis ainsi qu'aux néophytes. La danse est magique : elle peut vous toucher aussi profondément que la plus belle chanson ou l’histoire la plus émouvante. Essentiellement non verbale, elle procède d'un langage universel qui permet d'aborder des thèmes simples ou complexes, enrichissant notre expérience et notre existence. La danse peut-être distrayante, mais aussi captivante, poignante, parfois même troublante.

Je suis devenue productrice de la Danse au CNA en 2000 et depuis que j’occupe ces fonctions, j'ai eu la chance extraordinaire d'inviter des chorégraphes du monde entier à prendre part à la saison de danse du Centre national des Arts et de présenter un large éventail de styles chorégraphiques et d'idées. Une façon pour le CNA de s'engager vis-à-vis des artistes de la danse est de prendre part à des coproductions qui consistent à contribuer financièrement au processus de création et d'élaboration d'une œuvre et de renforcer ainsi notre partenariat. Pendant la saison en cours, nous verrons les résultats d'un certain nombre de coproductions, y compris celle de Coleman Lemieux & Compagnie.

Une de nos nombreuses priorités vise à mettre la danse à la portée des jeunes auditoires et à encourager l'éducation et le rayonnement dans les milieux scolaires. Ce sera la deuxième année que nous produirons des spectacles de danse destinés au public scolaire qui seront également présentés dans le cadre du programme courant. Le Projet de commandes de danse jeunesse qui est en place depuis quatre ans nous a révélé que les auditoires scolaires avaient des goûts esthétiques très raffinés et que la plupart des œuvres destinées au public adulte convenaient très bien aux élèves des niveaux intermédiaires et secondaires. Désormais, j'en tiens compte lorsque j'établis la programmation de ma saison de danse. Les commentaires émanant des enseignants et de notre groupe consultatif des jeunes sur la danse, recueillis dans le cadre de la phase de commandes de danse jeunesse, se sont avérés extrêmement précieux pour nous aider à modifier notre programmation en ce sens.

En plus des trois matinées scolaires que nous présentons cette année, plusieurs autres spectacles de notre saison régulière pourraient être d’excellents divertissements et présenter un intérêt éducatif pour vos élèves. Nous vous suggérons d'envisager de revenir avec votre classe pour assister à un spectacle en soirée, ou d'en faire une sortie familiale. Consultez la page de la Danse sur le site www.nac-cna.ca afin de vérifier les spectacles que nous recommandons pour les jeunes et les familles.

Unique au monde, la Danse à Ottawa.

LA PRODUCTRICE DE LA DANSE AU CENTRE NATIONAL DES ARTS,

CATHY LEVY

http://www.nac-cna.ca/

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L'étiquette dans une salle de spectacle

Lien avec les programmes scolaires : ce spectacle nécessite un comportement auquel on est en droit de s'attendre de la part d'élèves de 9e année

Nous demandons aux enseignants de nous aider à faire en sorte que la représentation soit agréable pour tous. Vous êtes responsables du comportement des élèves que vous accompagnez à une représentation au Centre national des Arts. C'est à vous, l’enseignant(e), de faire en sorte que les élèves se comportent de manière respectueuse et attentive, tant à l'endroit des artistes sur scène que du personnel du CNA. Voici quelques lignes directrices qui vous aideront à expliquer à l'avance à vos élèves le comportement à adopter dans une salle de spectacle.

Les artistes puisent leur énergie dans l'interaction qui s'établit entre eux et le

public : pour que la magie du spectacle puisse opérer sur scène, le public doit être attentif, calme et respectueux.

Les artistes voient et entendent tout ce que vous faites, tout comme vous voyez et entendez tout ce qu'ils font. Par conséquent :

Il faut s'abstenir de grignoter, boire, ou mâcher de la gomme pendant le spectacle.

Il est enrichissant de discuter du spectacle, de dire ce qui vous a plu ou déplu -- mais faites-le après la représentation, lorsque vous aurez quitté la salle, pas pendant le spectacle.

Installez-vous bien confortablement dans votre fauteuil, mais ne quittez pas votre place une fois le spectacle a commencé, car vous devenez alors une source de distraction pour les artistes sur scène.

Avant d'entrer dans la salle, n'oubliez pas d'éteindre votre téléphone cellulaire, téléavertisseur ou tout autre appareil qui risque d'émettre un son.

Les appareils photo et caméras vidéo sont strictement interdits à l'intérieur de la salle de spectacle.

Les danseurs sont ravis d'entendre vos applaudissements, mais attendez la fin

de l'œuvre pour les applaudir. Certains chorégraphes choisissent de créer des spectacles de danse en plusieurs sections. Vers la fin d'une œuvre, on peut avoir l'impression que c'est terminé, mais ce n'est pas toujours le cas. Si vous ne savez pas quand applaudir, observez les interprètes sur scène – vous saurez que l'œuvre est terminée lorsque que les lumières s'éteignent, puis que les projecteurs se rallument et que les danseurs reviennent sur scène en courant pour saluer.

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N'oubliez pas que les comédiens, les danseurs et les musiciens ne sont pas les seuls artisans d'un spectacle : les administrateurs, le personnel de scène et les techniciens ont eux aussi travaillé très fort à sa réalisation. Chacun peut avoir une opinion différente de ce qu'il a vu sur scène, mais sachez que la critique constructive est toujours plus enrichissante que les commentaires purement négatifs.

Les arts de la scène nous donnent la chance de découvrir d'autres points de vue, d'apprendre des choses nouvelles sur nous-mêmes et sur les autres. Et chaque spectateur ressent à sa façon ce qui se déroule devant lui : il faut savoir respecter cette démarche d'exploration tant chez soi que chez les autres.

Interiors ~ Équipe artistique et synopsis

Équipe artistique : Chorégraphie : Laurence Lemieux Danseurs : Laurence Lemieux, Bill Coleman, Jimmy Coleman, Juliette Coleman Musique : Sonate en si bémol de Franz Schubert Artiste son/média : John Oswald Conception des décors et costumes : Yannik Larrivée Conception des éclairages : Marc Parent Synopsis : Interiors explore la notion de symétrie que présente une famille – la mère et le père, la petite fille et le garçon – selon un fil narratif qui suit l'évolution des enfants à l'aube d'un changement. Laurence Lemieux a choisi une structure assez simple et, dans la première section, les différents membres de la famille se présentent un par un. La deuxième partie d'Interiors est un duo pour Laurence Lemieux et Bill Coleman, tandis que la troisième section est dansée par leurs enfants, Jimmy, 11 ans, et Juliette, 8 ans. Tout au long de l'œuvre, les interprètes dansent tour à tour seuls ou ensemble et s'associent de façon récurrente avec un autre partenaire – la mère et la fille, le père et le fils, le mari et la femme. Cette élégance structurale dénote une complexité sous-jacente, entraîne des projections en arrière et en avant dans le temps, ce qui nous amène à nous demander à qui appartiennent les souvenirs évoqués. Les membres de la famille sont des archétypes liés par des élans d'amour et de responsabilité. Leur langage commun est la danse. Pour eux, il est aussi naturel de danser que pour d’autres de marcher. Ils évoluent dans un monde qui est à la fois le temps présent et un monde nostalgique fait des souvenirs familiaux. Interiors chante un mystérieux refrain aux accents génétiques – il est rare de voir une famille de quatre danseurs se produire ensemble – et, en observant les Coleman-Lemieux, on découvre, au-delà de la ressemblance, un monde de formes dynamiques, un ADN commun, des messages et des codes; la courbure d'un pied, la proportion identique des os, l'ajustement exact de la forme et l'intérieur des articulations. Lorsqu'ils bougent, les enfants exécutent en écho des calligraphies précises, épousant les traces laissées par leurs parents.

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Tout au long du spectacle, au milieu d'un apparent désordre domestique, les membres de la famille suivent chacun leur propre chemin, d'un bout à l'autre de la scène. À la fin de la première section, le solo de Laurence s'enroule en spirale autour d'un point central; le plancher rouge rappelle le carré central d'une courtepointe, le foyer, le cœur palpitant de la famille. Dans Interiors, la frontière entre la réalité et l'art est mouvante. « … Je ne peux pas véritablement développer le vocabulaire, car, avec les enfants, je suis plus limitée, fait remarquer Lemieux – tout réside plutôt dans la façon dont ils exécutent certains gestes et dans leur personnalité. » Ainsi, on prend conscience de la dextérité de la fillette de huit ans, de l'agilité incisive du garçon de onze ans – la présence physique des enfants est vive et légère; et dans l'ensemble de l'œuvre, les métaphores éclosent et s'épanouissent, résonnantes et poignantes. Les images et le mouvement donnent une impression de flux; l'écriture, les sons enregistrés et les souvenirs, les corps penchés, les balancements, l'histoire de la famille, la façon dont les choses sont comprises. Lorsque Jimmy et Bill dansent ensemble, le mouvement est réel; ils jouent et se soutiennent, leurs interactions révélant la gravité et l'attitude protectrice du père, et la prise de conscience, le balancement affectueux du fils. Selon la chorégraphe, l'attitude consciente et vigilante de l'adulte, imperceptible par les enfants, sert à mettre en lumière le monde des enfants, à le faire paraître plus radieux, par contraste. Tandis que son père danse, Jimmy écrit et, plus tard, il forme avec le papier un chemin sur lequel marchent ses parents. Leur danse passe des « rouages internes du mariage » à des mouvements personnels, aux expressions de délibération, d'accommodement des deux partenaires, à la nécessité intérieure et à la tendresse au cœur de leurs solitudes enlacées. La poignante musique pour piano de Schubert infuse dans la danse des émotions aux teintes sépia – une musique d'une autre époque qui imprègne un présent en pleine mutation. À la fin, les enfants jouent, libérés et en toute sécurité dans leur maison, suspendus dans un monde flottant au milieu d’un univers de possibilités. Interiors nous révèle un monde fantômatique et décalé dans lequel les enfants jouent, protégés dans le secret de la nuit, éternellement jeunes, mais à l'aube d'un changement imminent. La chorégraphe se demande, l'air songeur, si elle n'a pas créé Interiors pour souligner l'importance et la qualité de ce beau moment vécu au sein de sa famille, car « nous savons, dit-elle, que les enfants vont grandir et changer, et que cette partie de notre vie disparaîtra à jamais ».

QUE DOIT-ON ATTENDRE DU SPECTACLE?

Que verront les élèves lorsqu'ils

assisteront à la matinée scolaire? Le spectacle se situe dans une pièce, quelque part dans un espace théâtral limité. L'action se déroule un dimanche soir vers 19 heures, en hiver. Sur la scène, on voit un groupe de personnes qui restent toujours présentes.

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Le spectacle Interiors se divise en trois sections. Au cours de la première, on fait connaissance avec les membres de la famille. La deuxième section propose essentiellement un duo entre les parents. Et dans la troisième, les parents s'allongent sur le sol et dorment, tandis que les deux enfants jouent autour d’eux et finissent aussi par se reposer. Lemieux se retrouve beaucoup dans la deuxième section qui évoque ce qu'elle appelle « le côté un peu mécanique de la vie de couple ».

Qu'allez-vous entendre? Des extraits de la superbe Sonate pour piano en si bémol de Franz Schubert, comme si le son semblait venir de chez les voisins.

De quoi traite le spectacle et quelle en est l'inspiration? Un événement très triste est à l'origine de cette pièce. Laurence a un très bon ami dont la sœur a été tuée dans un accident de voiture avec son mari. Ils avaient des enfants qui sont maintenant privés de leurs parents. Lorsqu'elle a appris cette nouvelle, Laurence a pris conscience de sa propre mortalité; elle a compris combien la vie était précieuse; elle a été saisie par la beauté extraordinaire de la famille. Elle avait toujours voulu créer une œuvre sur sa propre famille ou sur la famille en général et cet événement tragique en a été le déclencheur. Interiors explore les relations familiales, le monde merveilleux de l'enfance et ce qu'il reste aux parents en dehors de leurs enfants. Ce n'est pas une œuvre triste ou gaie, mais une œuvre qui permet au public d'examiner une famille de l'extérieur et d'être le témoin privilégié de son intimité. Les enfants seront toujours les enfants. C'est une pièce sur l'enfance. Le compositeur Christopher Butterfield, l'ami en question, avait donné à Laurence, quelques mois avant l'accident de sa sœur Joy, un CD sur lequel était gravée la Sonate D. 960 de Schubert, lui disant que c'était sa musique préférée. Lorsqu’elle écouta cette musique, plusieurs images lui vinrent à l'esprit : Jimmy dansant, habillé en soldat; Bill debout contre le mur droit de la scène avec un bouquet de fleurs dans les mains; et Juliette en robe blanche qui sautait et tourbillonnait, comme si elle était une ballerine. Ensuite, elle eut l'impression de faire irruption dans ce monde qu'elle regardait de l'extérieur, le monde merveilleux de cette famille. Pensant à sa propre famille qui lui est très chère, Laurence a fait le commentaire suivant : « Ma famille, je dois l'admettre, est assez parfaite. Bill et moi avons deux enfants qui sont intelligents et beaux et que nous adorons. Bien sûr, comme toutes les familles, nous avons nos problèmes, mais j'estime que notre famille est un véritable petit miracle à sa manière. Je voulais photographier cette famille, en faire le portrait. C'est pour cette raison également que j'ai dédié ce spectacle à Christopher, en mémoire de sa sœur Joy. Lorsque j'ai commencé mon travail de chorégraphie, j’ai imaginé Joy jetant un dernier regard sur sa vie, sur sa famille. Voilà pourquoi l'œuvre commence lorsque j'entre en scène, redonnant vie en quelque sorte à un espace qui

Photo: John Lauener

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semblait endormi depuis quelque temps. À partir de ce moment-là, on fait connaissance avec les différents personnages en commençant avec moi, puis Bill, Jimmy et enfin Juliette. »

Comment s’est déroulée la création des mouvements et de la

chorégraphie? Laurence a chorégraphié la plupart des mouvements en studio, directement sur Bill. Pour son fils Jimmy, elle a utilisé le même processus que pour Bill, composant la chorégraphie sur lui et lui faisant ensuite apprendre les pas. Pour ses propres mouvements, elle a travaillé en studio, improvisant devant une caméra et utilisant par la suite les images enregistrées pour réapprendre les mouvements qui lui semblaient les plus appropriés, soumettant ses mouvements à divers ajustements et corrections, avant de réviser les différentes sections pour l'assemblage final. Avec sa fille Juliette, le processus a été différent. Bien qu'elle soit la plus jeune de la famille, c'est elle qui s'affirmait le plus lorsqu'elle travaillait dans le studio de répétition. « Elle a tendance à expliquer comment elle entrevoit le mouvement, raconte Laurence, comme si elle voulait se l'approprier et après cela, il n'y a aucun problème. »

Combien de temps a-t-il fallu pour créer cette chorégraphie? Pendant

combien de temps pourra-t-on la présenter? Cela faisait longtemps que Laurence attendait le bon moment pour créer une pièce avec ses enfants. Le moment venu, lorsqu’elle a jugé que ses enfants avaient l'âge idéal pour relever le défi, elle a passé six mois en studio pour créer l'œuvre. Interiors a été présenté en première à Toronto, en octobre 2007, puis en tournée à Peterborough. Aujourd'hui, la pièce est remontée pour le CNA, moyennant quelques petits changements, étant donné que Jimmy et Juliette ont grandi et qu'ils veulent danser plus. Après Ottawa, la compagnie se produira à Baie Comeau, puis Orillia. La compagnie espère présenter Interiors en tournée pendant une autre année environ, mais elle a bien conscience qu’avec le temps, la pièce ne sera peut-être plus aussi pertinente sur le plan artistique et que les enfants ne voudront peut-être plus danser cette œuvre quand ils auront grandi.

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À PROPOS DE LA COMPAGNIE

Coleman Lemieux & Compagnie (CLC), est un organisme de danse professionnel établi à Toronto et Montréal, dirigé par Bill Coleman et Laurence Lemieux, qui produit, présente et diffuse des spectacles à l’échelle locale, nationale et internationale. La compagnie est devenue une des forces les plus dynamiques du milieu artistique canadien, grâce à son ambitieuse vision artistique et aux réalisations de ses fondateurs. Coleman et Lemieux ont été salués pour leurs réalisations à titre de grands chorégraphes canadiens et producteurs d'événements artistiques communautaires, mais également comme éternels étudiants de la forme, continuant à danser avec d'autres artistes et d'autres compagnies. En plus de 25 ans de carrière, Bill Coleman a créé une cinquantaine d'œuvres qui ont été présentées dans le monde entier. En 2002, il a reçu le prix Jacqueline-Lemieux remis par le Conseil des Arts du Canada aux plus méritants des candidats aux subventions du Programme des professionnels de la danse. En plus d'interpréter ses propres œuvres, il a dansé pour le Dublin City Ballet, Bill T. Jones/Arnie Zane & Co., le Toronto Dance Theatre, Tere O’Connor, William Douglas, la Fondation Jean-Pierre Perreault et comme artiste invité pour la Martha Graham Dance Company. Laurence Lemieux a présenté sa première chorégraphie en 1983 et a depuis ajouté plus de 25 œuvres à son répertoire. Considérée comme une des grandes danseuses du Canada – elle a dansé entre autres avec le Toronto Dance Theatre, William Douglas, la Fondation Jean Pierre Perreault – elle a reçu un prix Dora Mavor Moore pour l'excellence de son interprétation (1998). Fondée en 2000, la CLC redéfinit le mode de fonctionnement des compagnies de danse et des organismes artistiques. Son engagement à l'égard de l'excellence artistique et de l'action communautaire, soutenu par une structure administrative financièrement dynamique, a fait de la CLC une des compagnies de danse les plus prospères du Canada. La compagnie travaille à une gamme variée de projets répartis en quatre secteurs principaux qui traduisent tous une volonté d'excellence artistique et une expression communautaire animée par la compassion – qualités qui sont au cœur même de la ligne de conduite et que s’est donnée la CLC : Des productions originales conçues par les directeurs artistiques Coleman

et Lemieux Reprise des chefs-d'œuvre des grands chorégraphes du XXe siècle Collaborations avec des artistes à l'avant-garde dans leur domaine Événements communautaires « sortant des sentiers battus »

Mariés en 1995, Bill et Laurence ont créé Coleman Lemieux & Compagnie en 2000. Ils considèrent les activités artistiques de leur compagnie comme une porte ouverte sur des univers qui leur seraient sinon inaccessibles, un instrument qui leur permet d'intervenir dans différents secteurs de la société, de tracer de nouveaux chemins, de nouer de nouvelles amitiés, d'interagir avec des personnes jeunes et moins jeunes, des

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professionnels et des non professionnels dans un dialogue permanent sur la vie, la créativité et les nombreuses occasions de célébration.

LES DIRECTEURS ARTISTIQUES

LAURENCE LEMIEUX

Née à Québec, Laurence Lemieux a reçu sa formation à l'École des Grands Ballets Canadiens à Montréal et à l'École du Toronto Dance Theatre. En 1986, elle est devenue membre du Toronto Dance Theatre et a dansé dans des œuvres de David Earle, Peter Randazzo, Patricia Beatty et Christopher House. Au cours de son séjour au Toronto Dance Theatre (1986-1994), tout en enseignant dans le cadre du programme professionnel de l'école, Laurence Lemieux a chorégraphié et présenté ses propres œuvres. Le lancinant solo minimaliste intitulé Crosswalk qu'elle a présenté au Festival Danse Canada en 1994, représentait bien ce qui deviendra par la suite sa signature

chorégraphique : une douce et nostalgique exploration de la mémoire. En 1997, elle a chorégraphié Hiver Dernier pour le Toronto Dance Theatre et a interprété une création collective dans le cadre d’un laboratoire chorégraphique animé par Peter Boneham pour la compagnie Dancemakers de Toronto. Laurence a dansé également pour James Kudelka, Margie Gillis, Tere O’Connor, William Douglas, Benoit Lachambre, Bill Coleman et Jean-Pierre Perreault. En 1998, elle a interprété Cryptoversa, un solo signé par Christopher House, à l'édition 1998 du spectacle-bénéfice Dancers for Life, pour lequel elle a remporté un prix Dora Mavor Moore pour l'excellence de son interprétation. En janvier 2001 elle a créé Over Lockerbie, un solo commandé par le danseur/chorégraphe Michael Trent, dont la première a été donnée au Artworld Theatre à Toronto, tandis que sa chorégraphie intitulée Novembre été présentée à New York en septembre 2001. Sa plus récente création Varenka, Varenka! a été présenté en première à Montréal en janvier 2003.

BILL COLEMAN

Bill Coleman est né à Berwick (Nouvelle-Écosse), en 1961. Il a étudié à l’École de danse-théâtre Doreen Bird de Londres et a amorcé sa carrière professionnelle, en 1979, auprès de sir Anton Dolin, au Dublin City Ballet. Depuis, il a créé plus de cinquante œuvres et dansé entre autres avec les compagnies Bill T. Jones/Arnie Zane & Co., Tere O’Connor Dance, Wiesbaden Ballet, Toronto Dance Theatre, Martha Graham Dance Company et William Douglas Danse, ainsi qu'avec les danseurs Laurence Lemieux et Jean-Pierre Perreault notamment.

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En 1988, à New York, M. Coleman a reçu le First Light Award de la Jerome Foundation pour Baryshnikov, The Other Story. Bill Coleman a également créé des œuvres pour le Toronto Dance Theatre, Dancemakers et le Canadian Children’s Dance Theatre, et il collabore régulièrement à la création d’événements de théâtre uniques en leur genre avec divers groupes et communautés, dont celle des Ojibwas de Heron Bay, l’International Trade Club of Toronto, le Pedahbun Lodge Residential Addiction Treatment Centre et diverses écoles. Sa plus récente création, Convoy PQ. 17, qui a été présentée en première mondiale à Saint-Pétersbourg le 31 août 2001, a fait l’objet d’un documentaire russe intitulé Letter to a friend. Les œuvres de M. Coleman ont été présentées en Écosse, en Italie, à Singapour, en Russie et partout aux États-Unis et au Canada. Bill Coleman est cofondateur des compagnies Bill Coleman & His North American Experience, avec le compositeur John Oswald; Heartland Events, avec Michael Caplan; et Coleman Lemieux & Compagnie, avec Laurence Lemieux, son épouse. En 2002, Bill Coleman remporte le prix Jacqueline-Lemieux du Conseil des Arts du Canada soulignant sa remarquable contribution à la danse au Canada. Le comité de sélection avait déclaré à cette occasion : « La présence de Bill Coleman se fait sentir à l’échelle pancanadienne et internationale. Son sens créateur vient du plus profond de son âme. C’est un visionnaire, un humanitaire dont l’œuvre fait preuve d’une originalité à toute épreuve ainsi que d’une immense vision. L’ampleur, la portée et l’influence de son œuvre en danse ont profondément marqué la scène canadienne de la danse. »

AU SUJET DES DANSEURS

Laurence et Bill ont deux enfants, Jimmy et Juliette, qui dansent dans le spectacle. Jimmy Coleman, 12 ans, suit actuellement les cours du programme professionnel de l'École du Ballet national, et Juliette Coleman, 9 ans, a reçu une formation en ballet et en gymnastique. Elle est inscrite dans une école parallèle et prend des cours de danse le soir. En 2004, les deux enfants ont dansé dans le spectacle Casse-noisette des Grands Ballets Canadiens et se sont produits à Jacob's Pillow (le plus ancien festival de danse des États-Unis) dans la reconstitution d'une pièce de Ted Shawn, le fondateur du festival.

Bill, Laurence, Jimmy et Juliette Coleman Photo : David Rasmus

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Entrevue avec Laurence Lemieux

Interiors est une chorégraphie unique en son genre créée par Laurence Lemieux et interprétée par Laurence, son mari Bill Coleman et leurs enfants Jimmy et Juliette. Voici une brève entrevue réalisée par Lucy Rupert au cours de laquelle Laurence Lemieux nous ouvre la porte sur l'intérieur de sa famille, sa maison, son cœur. Qu'est-ce qu'il est important de retenir après avoir vu Interiors? Ce sont quatre personnes qui partagent sur scène un espace commun, une vie commune. Puisque tout le monde danse dans votre famille, comment encouragez-vous l'individualité? Nous sommes tous pas mal différents et nous dansons différemment. Interiors nous permet d'exprimer ensemble nos propres individualités. Pourquoi avez-vous décidé de travailler avec vos enfants? Pour moi, c'était une évidence, parce qu'ils sont des danseurs de talent et je voulais profiter de ce moment avant qu'ils grandissent. C'est plus compliqué de travailler avec ses propres enfants, car ils sont la chair de notre chair, ce qui rend plus complexe les relations entre le chorégraphe et le danseur. Par ailleurs, le rapport que l'on a avec ses propres enfants va beaucoup plus loin qu'une relation professionnelle. Je communique avec eux de la même façon que je le ferais avec d'autres danseurs, mais je dois me montrer plus patiente, parce que leur rythme est très différent. Pour vous, qu'est-ce qu'une « famille contemporaine »?

Photo: Paul-Antoine Taillefer

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Je pense que notre famille est capable de s'adapter aux changements et que sa structure ne doit pas être trop rigide. Avec votre famille, vous vivez dans un lieu magnifique où vous avez votre maison d'habitation et un studio -- que souhaitez-vous que vos enfants retiennent de cet environnement où vous vivez et travaillez? Ils aiment être entourés de danseurs… Pour eux, c'est un milieu naturel. Mais je pense qu'ils apprendront l'importance de l'engagement personnel. Que lisez-vous en ce moment? Je ne lis rien - je suis plongée dans des demandes de subvention. Mais le dernier livre que j'ai lu était Summer in Baden-Baden de Leonid Tsypkin. (Les artistes de la danse rédigent beaucoup de demandes de subventions pour obtenir les fonds nécessaires à leurs projets artistiques. Selon la taille et la portée des subventions, il faut de 20 à 60 heures pour rédiger de tels dossiers. C'est généralement l'équivalent d'un devoir de 20 ou 30 pages et de 4 ou 5 pages de prévisions financières (des MATHS!). Les artistes de la danse doivent en moyenne en rédiger une ou deux chaque mois.) Quel est votre ville préférée? Saint-Pétersbourg, en Russie. J'y suis allée plusieurs fois et j'ai l'impression que j'aimerais bien y vivre. C'est une ville qui est riche sur le plan historique, mais qui est triste en même temps. C'est là-bas que vivent les meilleurs danseurs de la planète. Quel est votre mode de transport préféré? Le train. J'adore le rythme du train. Qu’espérez-vous transmettre aux jeunes danseurs et à tous les élèves qui verront cette œuvre? Je voudrais leur dire qu'ils peuvent être eux-mêmes lorsqu'ils dansent sur scène, quel que soit leur âge. Qu'ils peuvent exprimer leurs émotions par le mouvement. Selon vous, qu'est-ce qui est universel dans la danse? La danse est un moyen de communication par la gestuelle et le mouvement. Étant donné qu'elle n’a recours à aucune langue, l'expression vient de plus loin à l'intérieur de soi et la communication se fait de manière plus directe. Compilé par Laurence Siegel, consultant en éducation à DanceWorks.

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Appréciation de la danse contemporaine

Le meilleur moyen d'apprécier la danse contemporaine est de n'avoir aucune attente et de ne pas essayer de se faire un jugement. Abordez-la comme une aventure personnelle. Laissez-vous emporter par la combinaison du mouvement, des gestes, des costumes et de la musique. L'aventure commence dès que vous prenez place dans la salle. Au cours d'un même spectacle de danse, vous pourrez être amené(e) à découvrir de nombreux « paysages » différents, tout comme lorsque vous voyagez. Et souvenez-vous que l'auditoire est une partie essentielle du spectacle. Sans vous, les spectateurs, le spectacle n'aurait jamais existé. Assister à un spectacle sur scène, ce n'est pas la même chose que regarder un film. L'expérience n'est pas la même. Un spectacle de danse contemporaine ne raconte pas nécessairement une histoire. Certaines chorégraphies servent à mettre en valeur les formes et les corps en mouvement dans l'espace – il faut les aborder de la même manière qu'une sculpture abstraite dans une galerie d'art, ou comme la musique. En tant que spectateur, vous aurez peut-être l’impression de ne rien comprendre à ce qui se passe devant vous. Et vous n'êtes pas seul(e) dans ce cas. Afin d'éviter de s'énerver ou d’être gênés de ne pas comprendre, beaucoup de gens se ferment complètement à la danse. Ils passent malheureusement à côté d'une expérience qui peut s’avérer fascinante, inspirante, créative et enrichissante. La danse peut vous aider à découvrir de nouvelles facettes de vous-même et du monde qui vous entoure. La solution consiste à ne pas vous forcer à trouver « le sens » du spectacle qui se déroule devant vous. Il n'y a pas d'interprétation bonne ou mauvaise. Si vous avez une attitude réceptive, le spectacle de danse vous apportera quelque chose, même s’il ne correspond pas à vos goûts. En fin de compte, c’est assez simple d’apprécier un spectacle de danse contemporaine : il suffit d’être ouvert aux nouvelles expériences et de se laisser guider par son intuition et ses émotions. Soyez réceptif (ive) à ce que vous voyez sur scène. Abandonnez-vous aux différentes émotions, images mentales et impressions que la danse provoque en vous. La clé est de ne pas vous imposer de contraintes. Au contraire, vous pouvez vraiment vous détendre. Il n’y a pas de bonnes ni de mauvaises interprétations.

Il faut danser d’abord et penser ensuite. C’est l’ordre naturel des choses. ~Samuel Beckett

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Comment regarder un spectacle

Liens avec le programme scolaire : Appréciation et critique – 9e, 10e, 11e année : Définir des critères et analyser la danse Histoire et culture – 9e, 10e, 11e, 12e année : Observer et décrire la danse

Toutes les personnes qui regardent un spectacle peuvent avoir des interprétations très différentes de ce qu'elles ont vu et ressenti. Toutes ces interprétations sont valables. Il ne faut pas chercher à appréhender mentalement la danse contemporaine. Plutôt que d'essayer de comprendre intellectuellement ce qui passe sur scène, détendez-vous, respirez profondément et ouvrez votre corps et votre esprit à la danse. Ne vous efforcez pas de trouver un « message ». Parfois, un spectacle de danse peut vous laisser une impression floue, un peu comme une peinture abstraite ou une improvisation de jazz. Pendant le spectacle, observez :

Le mouvement du danseur et les émotions qu’il exprime

L'utilisation que les danseurs font de l'espace

Vos propres impressions en réaction au spectacle -- enthousiasme, inquiétude, curiosité, contrariété, étonnement, tristesse

La combinaison des enchaînements et formes sur scène

La relation entre le mouvement, le son, le décor et les costumes

Questions suggérées :

Qu'est-ce que je ressens en regardant cette danse?

Est-ce que je reconnais certains gestes ou symboles utilisés par les danseurs?

La danse me rappelle-t-elle certains moments ou événements de ma propre vie?

Quelles sont les pensées, les idées ou les images qui me viennent à l'esprit?

Quel est le sens que je peux tirer de cette expérience? Souvenez-vous que pour comprendre la danse contemporaine, il n'y a aucune règle à suivre.

Danser, c’est découvrir, sans cesse découvrir. ~Martha Graham

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Activité avant le spectacle : Portrait de famille

Liens avec le programme scolaire : Création – mouvements élémentaires de danse, 9e, 10e année : Explorer le mouvement dans le cadre d'une improvisation structurée, observer et faire la démonstration de modèles de mouvements d'improvisation, combinaisons et danses de groupe, créer des séquences de danse à l'aide des éléments étudiés, Création – composition, présentation et interprétation, 9e - 11e année : composition de danse explorant un thème, composition pour petit groupe, collaboration et leadership

Matières : Danse, théâtre Matériel requis : Un grand espace dans un studio Thème : Personnage, tableau, utilisation de l’espace Ce travail consiste à présenter une famille à l'auditoire. En groupe, créez une famille ou représentez une de vos propres familles. Préparez une série d'entrées en scène afin de constituer un tableau offrant un portrait de famille. L'entrée des différents personnages doit se faire de telle manière que l'on perçoit clairement le mouvement, la personalité et la place des membres de la famille. Chaque membre manifeste son individualité par rapport au groupe en explorant des gestes et un vocabulaire de danse qui expriment les traits dominants de cette personne. Terminez avec un nouveau tableau dans un endroit différent de l’espace. Essayez d’exécuter le même mouvement près et loin des autres. Ressentez-vous une impression différente? Quand ressentez-vous votre individualité et quand avez-vous l'impression de faire partie d'un ensemble?

Activité avant ou après le spectacle : Généalogie de la danse

Liens avec le programme scolaire : Analyse – exploration et recherche, 9e - 11e année : Consulter la bibliothèque et utiliser un ordinateur pour explorer la danse Théorie – Esthétique, histoire et culture, 9e - 12e année : décrire les apports personnels des artistes canadiens de la danse, reconnaître les différentes formes de danse caractéristiques de certaines époques, décrire les caractéristiques historiques, structurales et stylistiques Matières : Histoire, français ou anglais et danse Matériel requis : Crayons, papier, accès à Internet et/ou à une bibliothèque Thème : Faire une recherche sur notre histoire de la danse

Laurence Lemieux et Bill Coleman ont reçu une formation riche et variée en danse. Ils ont étudié de nombreux styles et formes de danse, mettant toutefois l'accent sur le ballet et la danse moderne. Après avoir terminé leurs études, ils se sont chacun produits individuellement, interprétant des chorégraphies réglées par quelques-uns des artistes les plus influents du passé et de notre époque, entre autres Bill T Jones,

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William Douglas, Jean-Pierre Perreault, la Martha Graham Dance Company et James Kudelka. Leur propre inspiration chorégraphique a été influencée par les gens avec qui ils ont étudié et dansé. Ils ont avec ces prédécesseurs une sorte de parenté. On peut donc dire qu'ils appartiennent à une « famille » canadienne de danseurs contemporains. Ils ont fait un apport important à la danse au Canada et ils continueront à influencer cette discipline artistique au cours des années à venir en inspirant et en formant de jeunes danseurs. Activité :

1. Choisissez un grand artiste canadien du ballet ou de la danse contemporaine (par exemple Jean-Pierre Perreault, Karen Kain, Edouard Lock, Celia Franca, Margie Gillis, Anik Bissonnette, David Earle, Jeanne Renaud, Crystal Pite, Louise Lecavalier, pour n'en nommer que quelques-uns. Des centaines d'artistes canadiens de la danse ont exercé une grande influence sur les arts et la société. Cette liste ne fait qu'effleurer la surface. Poursuivre les recherches sur le site www.artsvivants.ca.)

2. Retracez les liens qui les relient aux professeurs avec lesquels ils ont été formés, aux chorégraphes dont ils ont dansé les œuvres et aux danseurs qu'ils ont engagés pour danser dans leurs propres créations.

3. Explorez tous les liens et les relations créatives qu'ils ont eus avec des artistes de la danse et que vous avez découverts au cours de vos recherches. Mettez en lumière les similitudes que l'on peut constater dans leur pratique artistique (esthétique, formation, opinions politiques, ville natale etc.). Vous créez les connexions et vous les justifiez.

4. Créez une généalogie de la danse pour Laurence Lemieux (différente de l'exemple présenté ci-dessous) ou Bill Coleman (différente de l'exemple ci-dessous). OU

5. Créez une généalogie de la danse pour votre artiste de la danse préféré (à l'échelle locale ou canadienne). OU

6. Créez votre propre généalogie de la danse. Exemples de généalogies élémentaires de la danse : Martha Graham (1894-1991)___ Merce Cunningham (1919 - ) ___William Douglas (1953-1996) ___Bill Coleman (1961 - ) Marie Rambert (1888 – 1982) ____ Celia Franca (1921-2007) _____ James Kudelka (1955- ) ___ Laurence Lemieux (1964- )

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Pour approfondir l'expérience éducative, consultez le Projet de généalogie de la danse canadienne de Dance Collection Danse http://www.dcd.ca/exhibitions/cdftpwelcome.html

C'est dans la danse et dans la musique que se trouve la véritable expression d'un peuple. Les corps ne mentent jamais. ~Agnes de Mille

http://www.dcd.ca/exhibitions/cdftpwelcome.html

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Activité après le spectacle : Créer une généalogie de la danse

Liens avec le programme scolaire : Création - composition, 9e - 11e année : Composer une danse à partir de divers stimuli; utiliser des sons, comme stimuli pour l'improvisation Présentation et interprétation : présenter et interpréter dans différentes formes de groupe, faire preuve de collaboration et de leadership dans l'interprétation et la création des compositions, d'une capacité à préparer et exploiter la mémoire des mouvements Matières : Français (ou anglais) et danse Matériel requis : Un grand espace pour se déplacer, crayons, papier Thème : Créer (composer) une chorégraphie Demandez à vos élèves de créer, en utilisant les compétences linguistiques appropriées (français ou anglais), leur propre « fiche de renseignements » afin d'établir un questionnaire plus détaillé. Ce questionnaire servira à créer le profil d'un autre élève en notant ses goûts personnels (par exemple, ses vêtements préférés, le type de musique qu'il aime écouter, les matières scolaires qu'il préfère) et les traits de sa personnalité (par exemple, son type de personnalité et les caractéristiques qui le distinguent). Exemple de fiche de renseignements : Nom : Âge : Lieu de naissance : J’habite à (nom de la ville) : Nom de l'école : Année : Influences : Caractéristiques particulières : Type de musique préférée : Passe-temps favori : La chose qui me paraît la plus importante dans la vie : Spectacles préférés : Demandez à vos élèves d'utiliser le questionnaire pour interroger leurs camarades de classe. Ensuite, classez les questionnaires remplis en différentes « familles » et répartissez les différents élèves dans telle ou telle famille, selon les éléments qu’ils ont en commun : par exemple, les amateurs de musique, les passionnés de lecture, les rêveurs, les aventuriers…

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Répartissez les élèves en équipes (familles) et demandez-leur d'étudier et d'improviser des mouvements qui leur semblent caractéristiques de cette famille. Ensuite, ils devront classer les mouvements en séquences et choisir une musique appropriée pour décrire leur famille. Après avoir défini les séquences de mouvements, ce sera le moment de faire quelques essais en ajoutant des mots ou des phrases prélevés dans les réponses au questionnaire. Cette activité risque de perturber les séquences de mouvements et de nécessiter un espace scénique différent. Demandez aux élèves de faire des expériences avec les rythmes, les enchaînements et les répétitions de mots afin de créer une ligne rythmique et mélodique assortie à la musique qu'ils ont choisie. Enfin, demandez-leur d'ajouter des éléments visuels et de choisir des accessoires ou des objets significatifs ou représentatifs de leur famille. Dans la troisième partie de cette activité, les élèves inventent des solos à l'intérieur de la pièce globale qu'ils ont créée. Chaque membre de l'équipe/famille exécute un mouvement qui décrit sa personnalité; les autres membres de l'équipe répètent le mouvement, soit à l'identique, soit en y ajoutant leur marque personnelle.

Activité après le spectacle : Variation sur une scène

Liens avec le programme scolaire : Création – composition, présentation et interprétation, 9e - 11e année : Composition de danse explorant un thème, composition pour petit groupe, collaboration et leadership Matières : Danse, théâtre Matériel requis : Un grand espace dans un studio Thème : Personnage, tableau, rythme dramatique En groupes de trois ou quatre, choisissez une scène ou un moment de la danse que vous avez aimé ou que vous avez trouvé émouvant. Recréez la scène en ajoutant trois tableaux aux points qui vous paraissent importants dans la narration. Analysez avec les membres du groupe les relations entre les personnages, leurs sentiments et leurs réactions face aux autres personnages. Arrêtez-vous à chaque tableau en posant les questions suivantes : Que s'est-il produit auparavant pour vous amener à cette situation? Que va-t-il éventuellement se produire par la suite?

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Bibliographie/Ressources Internet Coleman Lemieux et Compagnie : www.colemanlemieux.com Centre national des Arts : www.nac-cna.ca Dance Collection Danse : www.dcd.ca/exhibitions/colemanlemieux/clhome.html SITES WEB D’INITIATION À LA DANSE ET AUX ARTS : Artsvivants, le site éducatif du CNA sur les arts de la scène www.artsvivants.ca Council of Drama and Dance in Education (Ontario) www.code.on.ca Pulse www.pulse.ca Kennedy Centre (États-Unis) www.artsedge.kennedy-center.org Association canadienne pour la santé, l'éducation physique, le loisir et la danse www.cahperd.ca National Dance Education Organization (États-Unis) www.ndeo.org PUBLICATIONS EN LIGNE SUR LA DANSE Canada Dance Collection Danse www.dcd.ca Dfdanse (cybermagazine en français) www.dfdanse.com The Dance Current www.thedancecurrent.com Dance International Magazine www.danceinternational.org International www.arte-tv.com/fr/art-musique/danse/260244.html Textes sur la danse et l’appréciation de l’art abstrait : www.blueceilingdancer.blogspot.com

http://www.colemanlemieux.com/http://www.nac-cna.ca/http://www.dcd.ca/exhibitions/colemanlemieux/clhome.htmlhttp://www.artsvivants.ca/http://www.code.on.ca/http://www.pulse.ca/http://www.cahperd.ca/http://www.dcd.ca/http://www.dfdanse.com/http://www.thedancecurrent.com/http://www.danceinternational.org/http://arte-tv.com/fr/art-musique/danse/260244.htmlhttp://blueceilingdancer.blogspot.com/