KAISERIN-AUGUSTA-ALLEE 101, D-10553 BERLIN, TEL 49-30 … · KAISERIN-AUGUSTA-ALLEE 101, D-10553 BERLIN, TEL 49-30-80403607 George Condo malt psychologisch komplexe Porträts, die

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KAISERIN-AUGUSTA-ALLEE 101, D-10553 BERLIN, TEL 49-30-80 40 36 07

Für seine Installation Terminus versetzt der britische Künstler Darren Almond

14 Bushaltestellen aus der sozialistischen Zeit der polnischen Stadt Oswiecim

in einen Ausstellungsraum in Berlin und aktiviert damit ein Spannungsfeld

zwischen dem Konzentrationslager Auschwitz, dem alltäglichen Leben in

Oswiecim und unserem Umgang mit geschichtlicher Nähe und Distanz. „Was

hier an Realität aus Oswiecim/Auschwitz vor Augen geführt wird (die Bus-

haltestellen) ist nur ein Aufenthalt auf einer hypothetischen Reise zum ‚

eigentlichen‘ Ort (dem Lager). In diesem Warteraum wird die Richtung des

nächsten Schritts angezeigt und gleichzeitig die Befriedigung des Wunsches

nach Authentizität in Zweifel gezogen“, schreibt Julian Heynen in seiner

Analyse von Terminus. Mark Godfrey (Abstraction and the Holocaust) erörtert

Entstehung und Zusammenhang der Arbeit im Gespräch mit Almond, wäh-

rend Charity Scribner (Requiem for Communism) ihre persönlichen Erfah-

rungen aus Polen einbringt. Eine umfangreiche fotografische Dokumentation

fängt die unterschiedlichen Aspekte dieser Installation ein und verdichtet sie

in Bildessays.

DARREN ALMOND: TERMINUSHerausgegeben von Kathleen Madden, mit Texten

von Julian Heynen, Charity Scribner und einem

Gespräch zwischen Mark Godfrey und Darren Almond

Hardcover, 19 x 28 cm

156 Seiten, 67 Farbabbildungen

Text in Englisch und Polnisch

ISBN 978-3-935567-43-5

50,00 Euro / CHF 79.00



George Condo malt psychologisch komplexe Porträts, die sowohl das äußere

Erscheinungsbild als auch die innere Verfassung seiner Charaktere bloßlegen.

Seine Figuren sind Archetypen aus dem echten Leben, die er nach seiner

Erinnerung und mit Fantasie modelliert. Eine große Anzahl so erfundener

Charaktere gruppiert sich in dieser Serie um eine Hauptfigur mit dem Namen

Jean Louis, dessen multiple Persönlichkeiten einen Fahrer, einen Butler,

verschiedene Dienstmädchen, einen Koch und die komplette Verwandtschaft

einschließen. Daneben begegnen wir Batman und einem Playboy Bunny,

Uncle Joe und dem Truck Driver, alle sind sie „Bruchstücke einer Menschheit,

die gegen das Aussterben kämpft“, wie George Condo im Gespräch mit

Ralph Rugoff sagt. George Condo: Existential Portraits zeigt Gemälde,

Zeichnungen und Skulpturen von Anfang 2005 bis Mai 2006. Die Charaktere

wandeln sich beim Durchblättern des Buchs, verraten in ihren Variationen

Condos konzeptionellen Umgang mit Hoch- und Trivialkunst, lassen aber

hinter ihrer insistierenden Konzentriertheit ein kleines Stück menschlichen

Wahnsinns vermuten.

GEORGE CONDO: EXISTENTIAL PORTRAITSMit einem Interview von Ralph Rugoff

Hardcover mit Schutzumschlag, 27 x 31,5 cm


Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-34-3

50,00 Euro / CHF 79.00



Fire Beats ist Markus Drapers eigene Auswahl zentraler Werke seit 2003:

Gemälde, Collagen, Installationen und Videoarbeiten, die um die Themen

Behausungen und gefährdete Idyllen kreisen. „Ich begreife Häuser als

Stellvertreter für ein Menschenbild“, erläutert Draper. Die Wand wird zur

sensiblen Haut, und „die Haut ist die Projektionsfläche, an der innere

Zustände nach außen sichtbar werden.“ Ulrich Bischoff beschreibt dieses

Spiel mit den verschiedenen Ebenen: „So sind Drapers Bildfindungen immer

auch Überlagerungen, hinter denen ‚die Realität‘ wie bei einem Feuerwerk

aufscheint, aber dann doch verborgen bleibt.“ Das Buch erscheint anlässlich

der Verleihung des Kunstpreises Energie 2006 an Markus Draper.

MARKUS DRAPER: FIRE BEATSMit einem Text von Ulrich Bischoff und einem Gespräch

zwischen Sven Drühl und Markus Draper

Klappenbroschur, 24 x 30 cm


Text in Deutsch und Englisch

ISBN 978-3-935567-39-8

15,00 Euro / CHF 26.00



Der Bildhauer Bogomir Ecker beschäftigt sich in seinem Werk mit den

Phänomenen der Technik und Kommunikation als den prägenden Impulsen

unserer Gesellschaft. Einfache, an industrielle Körper erinnernde Formen,

Maschinenteile und verfremdete Alltagsgegenstände treffen in seinen Arbei-

ten auf Formen der Natur wie Eis oder Meteoriten, schwarze Löcher,

Membranen. Im scheinbar Fassbaren der rational enträtselten Wirklichkeit

wird das Enigmatische sichtbar, die Dingmagie. Für das Künstlerbuch

Man ist nie allein vernetzt Ecker seine Installationen und Skulpturen aus

25 Jahren. Eine ausführliche Chronologie fügt Werkbeschreibungen, Zitate

und persönliche Dokumente zusammen. Das Buch sammelt Material und

macht die Kontinuität des Begreifens sichtbar, es ist es ein Arsenal aus

Medien, Maschinen und anderen Gerätschaften – und darüber hinaus die

erste umfassende Werkmonografie Eckers. Uwe M. Schneede beleuchtet in

seinem Essay Eingriffe und Versuchsanordnungen in drei Werkgruppen;

Hubertus Gaßner erklärt, ausgehend von den Prototypen, wie Ecker naturwis-

senschaftliche Betrachtungsweisen aufnimmt, um zu einem eigenen Bild der

Welt zu kommen, und Claudia Banz analysiert das immer wiederkehrende

Motiv des inneren und äußeren Ohrs.

BOGOMIR ECKER: MAN IST NIE ALLEIN Mit Texten von Claudia Banz, Hubertus Gaßner und

Uwe M. Schneede

Hardcover mit Schutzumschlag, 23 x 32 cm,

246 Seiten, 222 Farb- und 138 s/w-Abbildungen


ISBN 978-3-935567-33-6

40,00 Euro / CHF 63.00



Die Werke der in Beirut geborenen Künstlerin Mona Hatoum, die heute in

London und Berlin lebt, nehmen sehr konkrete Themen auf: Viele ihrer

Arbeiten beschäftigen sich mit Zuständen in den Krisengebieten der Welt,

andere zeigen, wie fremd uns vertraute Dinge werden können. Kirsty Bell

schreibt in ihrem Essay: „Hatoums Kunst wendet sich an den Körper als

Schnittpunkt der Erfahrung von Maßstab, Material, Ort und Schmerz. Sie

kann durchaus im Licht der persönlichen Geschichte der Künstlerin gelesen

werden, der radikalen Entfremdung und Unsicherheit, die das Leben im

Exil mit sich bringt. Zugleich greift sie die Themen Erinnerung, Heimat,

Bewegung, Position und Raum auf, die jeder am eigenen Körper erlebt.“

Ob sie nun mit Stacheldraht oder Sandsäcken arbeitet oder Küchenreiben

zu mannshohen Skulpturen vergrößert, stets gelingt es Hatoum, aus einer

bekannten Form etwas anderes, etwas Unheimliches zu machen. Unhomely

folgt einer Ausstellung, die Hatoum 2008 in der temporären Ausstellungs-

halle der Galerie Max Hetzler realisierte. Hier finden sich die zentralen

Themen der Künstlerin wie in einem Parcours begehbar, wobei die Werke

einander gegenseitig vertiefen. In ihrem reich illustrierten Essay spürt

Kirsty Bell diesen Themen nach, ausgehend von den ausgestellten neusten

Arbeiten unternimmt sie eine Vermessung des Werks der Künstlerin.

MONA HATOUM: UNHOMELYMit einem Text von Kirsty Bell




ISBN 978-3-935567-46-6

35,00 Euro / CHF 55.50



Für die Ausstellung Vous êtes chez moi! / Sie sind bei mir! verwandelt Eric

Hattan 2005 den Ausstellungsraum im FRAC Alsace in Sélestat in eine

Geisterstadt. Kisten aus dem Kunstlager der Sammlung werden mit und ohne

Inhalt zum Baumaterial einer menschenleeren Siedlung. Niemand ist mehr

da, nur die Videoarbeiten des Künstlers zeigen in diesem Parcours Spuren

menschlichen Lebens – Vogelscheuchen, eine Plastiktüte im Wind, ein

verlassenes Schaf. „Hattans Topografie umfasst Rand- und Übergangszonen:

Abbruchhäuser, Brachen, Ruinen, verlassene und sich selbst überlassene

Gegenstände, die Reste der Welt“, schreiben Maja Naef und Ralph Ubl.

Niemand ist mehr da setzt die Ausstellung fort und erweitert sie auf die Welt

außerhalb des Raums. Hattan schweift durch vergessene Orte und stellt

Nachbarschaftsbeziehungen her, zwischen Innen und Außen, Verborgenem

und Manifestem, Kiste und Kunst. In seinem Videofilm wendet er den

topografischen Blick auch auf die Ausstellung selbst an. Das Buch wird

dadurch wie die Kisten in der Ausstellung zu einem Behältnis, der Film zu

einem Teil der Installation, der Raum ein flüchtiger, verlassener Ort, eine

Geisterstadt mit Kunstrelikten. Die Menschen sind weiter gezogen.

ERIC HATTAN: NIEMAND IST MEHR DA /VOUS ÊTES CHEZ MOIMit einem Text von Maja Naef und Ralph Ubl

Hardcover mit Schutzumschlag und einer DVD, 14,5 x 18 cm

128 Seiten, 91 s/w-Abbildungen

Text in Deutsch, Englisch und Französisch

DVD: 15 Minuten, Farbe, Ton

ISBN 978-3-935567-32-9

45,00 Euro / CHF 71.00



Boy and Dwarf, ein Junge und ein Zwerg: auf den ersten Blick lässt sich in den

Collagen von Arturo Herrera nichts dergleichen erkennen. Dann aber finden

sich sprechende Details in der reichen Textur: der Blasebalg eines Akkor-

deons, die Mütze eines Zwergs. Sind diese Bilder gegenständlich oder abstrakt?

Herrera sagt: „Die Herausforderung ist, wie kann ein Bild, das so wieder-

erkennbar ist wie ein Zwerg, eine andere Bedeutung bekommen, eine, die ich

ihm auferlege? Kann ich etwas so Eindeutiges mehrdeutig machen?“ Er kann:

Die Uneindeutigkeit der Bilder verlangsamt den Blick und das sich wieder-

holende Motiv gibt den Blick frei auf die Virtuosität von Herreras Umgang

mit der Abstraktion. Die komplette Serie von 75 großformatigen Collagen

basiert auf zwei Comic-Figuren aus einem Malbuch für Kinder, die vergrößert

aufs Papier gebracht sind und jeweils einzeln die letzte Ebene einer kom-

plexen Collage aus Papierschnipseln, Farbspritzern und Zeitungspapier bilden,

in der die Konturen mit dem Hintergrund verschmelzen, bis sie in der

lebendigen Abstraktion der Oberfläche kaum sichtbar sind. Der Bildraum

verschwimmt und doch trifft der Blick bald wieder auf einen Jungen oder

einen Zwerg. Das Spiel mit der Projektion kann beginnen.

ARTURO HERRERA: BOY AND DWARFMit einem Text von Graham Bader

Hardcover, 23 x 30,5 cm


Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-38-1

45,00 Euro / CHF 71.00



Berlin 1994–2003, eine Dokumentation aller Ausstellungen der Galerie

Max Hetzler in Berlin, macht auf anschauliche und lebendige Art deutlich,

warum Hetzler zu den international renommierten Galeristen zählt. 1994

kam er in die Stadt und hat seit dieser Zeit in gut 100 Ausstellungen Künstler

wie Darren Almond, Rineke Dijkstra, Günther Förg, Ellen Gallagher,

Georg Herold, Martin Kippenberger, Jeff Koons, Vera Lutter, Sarah Morris,

Albert Oehlen, Yves Oppenheim, Thomas Struth und Christopher Wool

in anspruchsvollen, sich am internationalen Diskurs über Kunst beteiligenden

Ausstellungen gezeigt. Reich bebildert mit Installationsaufnahmen und

Abbildungen von Exponaten bildet dieses Buch chronologisch alle Ausstel-

lungen ab und entwickelt aus der Fülle der starken Künstlerpositionen eine

inspirierende Kraft. Alle gezeigten Künstler beweisen dabei auf beinahe

extreme Weise Zeitgenossenschaft, in dem Sinne, dass sie sich in ihrem Werk

den je aktuellen Standards der uferlosen Bilderflut unserer Zeit stellen und

deren Strategien in ihren Werken reflektieren. In der Konsequenz dieser

Haltung entstand eine Vielzahl von programmatischen Gemeinschaftsausstel-

lungen und von Künstlern kuratierten Themenausstellungen.

GALERIE MAX HETZLER: BERLIN 1994–2003Herausgegeben von Thomas Groetz



Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-16-9

30,00 Euro / CHF 48.60



Mit Licht gefangen im Bauch des Wales schafft Rebecca Horn 2002 erstmals

eine Arbeit, in der Gedichttexte als skulpturales Element in eine ihrer Raum-

installationen eingebunden sind und nimmt Musik als Instrument ihrer

Gestaltungskraft auf. Aus Wörtern und Sätzen, projiziert auf eine spiegelnde

schwarze Wasserfläche, in die ein goldener Griffel schreibt, entstehen neue

Lichtzeichen, die sich in kreisenden Bewegungen über die dunklen Wände,

die Decke und den Fußboden tasten. In einer kongenialen Zusammenarbeit

gab der neuseeländische Komponist Hayden Chisholm diesem Bildraum

einen Klang und vertonte die poetische Erzählung von dem Urereignis, das

im Zentrum der Installation steht: der Geburt des Wortes, das sich seinen

Weg durch den Kosmos bahnt. Bei Spiriti di Madreperla (2002) und Moon

Mirror (2003) setzten die beiden Künstler diese Kooperation fort. Diese

Veröffentlichung enthält zwei CDs mit der Musik zu den drei Installationen,

die Gedichte Horns und einen Kommentar des Komponisten. Farbabbil-

dungen zeigen die Werke und die musikalische Aufführung im Rahmen der

Ausstellungen. Eine Einführung von Doris von Drathen beschreibt die

Klangräume, die beide Künstler gemeinsam öffnen.

REBECCA HORN /HAYDEN CHISHOLM:MUSIC FOR REBECCA HORN’SINSTALLATIONS

Hardcover mit 2 Audio-CDs, 21 x 30 cm



ISBN 978-3-935567-26-8

45,00 Euro / CHF 74.50



Johannes Kahrs schafft gefährliche Bilder. Der Künstler ergreift Besitz von

Bildern, die er findet, und verdichtet sie malend, zeichnend, in Videofilmen

und Installationen zu einer Konfrontation mit den visuellen Eindrücken,

die uns durch den Kopf rauschen. Das provoziert schmerzhafte Dissonanzen

und unser Gleichmut wird gestört. Die Publikation Down ’n out zeigt seine

zeichnerischen Verarbeitungen – das Motiv Man Asleep aus Murnaus Nosferatu,

das Kahrs überdimensioniert und bedrohlich am Rande einer europäischen

Großstadt montiert hat; der zur Ikone erstarrte Willy Brandt als Teil einer

raumbezogenen Installation; Ulrike Meinhof in aggressiver Pose, ein Bild, das

zahlreiche Diskussionen über Kahrs’ Arbeitsweise ausgelöst hat. „Jedes der

Bilder ist durch und durch von Bezügen auf mögliche Ursprünge und

Verweise unterwandert … und angesichts ihrer unberechenbaren und fragmen-

tarischen Natur zeigt er uns etwas Einzigartiges, durch dessen Erzählweise

uns die Tatsache bewusst wird, dass alle Bilder, die wir sehen, unausweichlich

durch Bilder gefiltert werden, und dass es uns überlassen bleibt zu leben.“

(João Fernandes)

JOHANNES KAHRS: DOWN ’N OUTMit einem Text von João Fernandes

Klappenbroschur, 24 x 30 cm

48 Seiten, 36 Sw-Abbildungen


ISBN 978-3-935567-13-8

20,00 Euro / CHF 33.90



In Jeff Koons’ neuen Gemälden ist der Vergrößerungsmodus eingeschaltet:

Hochgezoomte Pinselschnörkel und eine überdimensionierte Skizze nach

Gustave Courbets Ursprung der Welt überblenden verpixelte, in vergrößertem

Druckraster aufgelöste Aktfotografien. Es dominiert das Vergnügen an Farbe,

die gespreizten Schenkel der „Nacktesten der Nackten“ lenken den Blick

und im Hintergrund verschwimmen Rasterflächen der Pop Art zu Landschaf-

ten, aus denen, mit etwas mehr Abstand betrachtet, riesige Pin-ups werden.

Ein Wechselspiel zwischen Kunst, Vergnügen und Sex, das seine Energie

auch aus der medialen Spannung zwischen Fotografie, Malerei und digitaler

Technik bezieht. Jeff Koons beutet in diesen Bildern, die nur Hingabe zu-

lassen, die visuelle Rhetorik der Mediengesellschaft bravourös aus: „Meine

Arbeit wird jede nur mögliche Chance der Kommunikation nutzen. Sie

wird alle möglichen Tricks anwenden und alles tun – wirklich alles –, um

zu kommunizieren und den Betrachter für sich zu gewinnen.“

Die vorliegende bibliophile Ausgabe präsentiert fünf dieser neuen Bilder

auf hochwertig gedruckten Farbtafeln. Zusätzlich zeigen Detail- und In-

stallationsansichten, wie sich die Wahrnehmung durch Distanz und Nähe

im Raum verändert. In der Einleitung wirft Anette Hüsch, Kuratorin

der großen Celebration-Ausstellung 2008 in der Berliner Nationalgalerie,

einen Blick auf das sinnliche Universum von Jeff Koons. Gudrun Inboden

fächert in ihrem Essay die Ebenen der Koons’schen Montage auf und

weist auf die konsequent humanistische Haltung im Gesamtwerk dieses

großartigen Künstlers hin.

JEFF KOONSMit Texten von Anette Hüsch und Gudrun Inboden

Hardcover mit Schutzumschlag, 29,7 x 31 cm


Texte in Deutsch und Englisch

ISBN 978-3-935567-49-7

35,00 Euro / CHF 55.50



Die ungemein dichten Gemälde und Aquarelle des Berliner Malers Uwe

Kowski (geb. 1963 in Leipzig) bewegen sich auf einem schmalen Grat zwi -

schen Abstraktion und Gegenständlichkeit: feingliedrige, komplexe Kompo -

sitionen, in deren Farbschichtungen sich Wörter verstecken können sowie

zahlreiche Verweise auf die Kunstgeschichte von den Impressionisten bis zu

Jasper Johns. Herausgeber Nils Ohlsen von der Kunsthalle Emden: „Kowski

versteht Malerei als Option der Veränderung und Mehrdeutigkeit. Er malt

nicht, um Dinge festzuhalten oder eindeutige Aussagen zu machen, sondern

um dem Betrachter die Möglichkeit der permanenten Veränderung, der

potenziellen Verwandlung und spielerischen Doppeldeutigkeit vor Augen zu

führen.“ Mit dem vorliegenden Band erscheint zum ersten Mal eine um -

fassende Werkauswahl, die in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler aus

den Arbeiten der letzten acht Jahre zusammengestellt wurde; eine gute

Gelegenheit, in dieses ungemein vielschichtige Werk einzutauchen, das so

viele Gegensätze zu vereinen versteht: Statement und Frage, Form und

Auflösung, Ordnung und Chaos. Ulf Küster bringt es in seinem Text auf

den Punkt: „Wer etwas über Möglichkeiten und Nicht-Möglichkeiten von

Malerei, Zeichnung und Schrift erfahren will, sollte sich die Bilder Uwe

Kowskis genau ansehen.“

UWE KOWSKI: GEMÄLDE UNDAQUARELLE 2000–2008Herausgegeben von Nils Ohlsen. Mit Texten von

Ulf Küster und Nils Ohlsen

Hardcover mit Schutzumschlag, 30 x 32 cm



ISBN 978-3-935567-47-3

32,00 Euro / CHF 51.50



Dies ist die erste umfassende Monografie über das Werk des jungen brasilia-

nischen Künstlers Marepe, der in der Provinz Bahia im Nordosten

Brasiliens in Santo Antônio de Jesus lebt und arbeitet. Der Kosmos dieses

Ortes – Marepes Geburtsstadt – bildet den Nährboden für seine Kunst.

Seine Geschichte, der Alltag und die Kreativität, die beim täglichen Überleben

hilft, stehen im Zentrum dieser Arbeiten, die weltweit auf Biennalen und

in Museen wie der Tate Modern oder dem Centre Pompidou gezeigt werden.

„Marepes Welt ist ziemlich einzigartig, und seine Kunstwerke sind mehr

als nur Objekte, die Vorstellungen oder Konzepte verkörpern, vielmehr

sprechen sie vom Leben des Künstlers, sie verdichten seine Erfahrungen und

Träume. Marepe interpretiert seine Umwelt in vielschichtigen, poetischen

und häufig sehr schönen Arbeiten, die sich tiefgründig mit wichtigen, ja

existenziellen Fragen unseres Lebens beschäftigen“, schreibt Jens Hoffmann

in seinem Essay. Die Bedeutungsverschiebungen von aufgereihten Wasser-

filtern oder nachgebauten Marktständen im Kunstkontext analysiert Adriano

Pedrosa. Statements, Notizen und Poesie des Künstlers machen den

Hintergrund seiner Werke begreifbar.

MAREPEMit Texten von Jens Hoffmann, Adriano Pedrosa

und Marepe

Hardcover mit Schutzumschlag, 20 x 25,5 cm


Text in Portugiesisch und Englisch

ISBN 978-3-935567-40-4

50,00 Euro / CHF 79.00



Martin Mosebach schreibt seine Bücher mit der Hand. Zwischen 1995 und

1997 entstehen 172 eng beschriebene Seiten für einen Roman unter dem

Arbeitstitel Das Lamm, der 2000 als Eine lange Nacht im Aufbau-Verlag,

Berlin, erscheint. Die Schrift ist winzig, für den Leser nur mühsam zu entzif-

fern. Als Rebecca Horn dieses Manuskript sieht, ist sie von dessen Ästhetik

und künstlerischer Kraft begeistert. Sie beschließt, aus diesem objet trouvé ein

Kunstwerk zu machen. 2002 inszeniert und fotografiert sie dafür die Ge-

schichte der langen Nacht an den Originalschauplätzen in Frankfurt am Main.

Es entstehen 24 Fotomalereien: Fotografien, die durch ihre besondere Technik

der Mehrfachbelichtung die Protagonisten der Geschichte mit den Orten der

Handlung verschmelzen lassen. Anschließend von Horn übermalt, werden

daraus Bilder, die reale Welten mit der Welt der Gedanken verbinden, diese

beobachten und kommentieren. Das Künstlerbuch Das Lamm bringt es nun

zusammen: Auf 200 Seiten sind Mosebachs Manuskripte als Faksimile wieder-

gegeben. Horns Fotomalereien, hochwertig gedruckt auf Kunstdruckpapier,

liegen lose im Buch. Sie sind eingebettet in das Gedankengebäude des Autors

und lassen ein großes neues Gemälde entstehen.

MARTIN MOSEBACH /REBECCA HORN: DAS LAMM

Softcover mit Schutzumschlag im Mappenschuber, 21,4 x 31,2 cm

200 Seiten und 24 Farbabbildungen auf eingelegten Einzelblättern

350 Exemplare, nummeriert und signiert

ISBN 978-3-935567-30-5

240,00 Euro / CHF 399.00

Collector’s Edition: 24 Exemplare mit je einem Originalabzug

von Rebecca Horn (Nr. 4–27), zu beziehen über

www.holzwarth-publications.de



Der brasilianische Künstler Ernesto Neto (geb. 1964 in Rio de Janeiro)

präsentiert hier ein organisches Gesamtkonzept. Der Titel From Sebastian

to Olivia verdeutlicht das Thema einer verdichteten Raumwelt: Ausgehend

von der Erfahrung, dass zwei Menschen einen Raum miteinander teilen

und durch nichts anderes als dessen Architektur von einander getrennt sind

und sich so weder begegnen noch miteinander kommunizieren können,

schuf Neto diese komplexe Installation in der Galerie Max Hetzler. Struk-

turell illustriert sie Isolation und Einsamkeit der männlichen wie der weib-

lichen Sphäre, indiziert jedoch gleichzeitig die Möglichkeit eines Kontaktes.

„Ich bin Skulptur und denke als Skulptur“, sagt Neto und beschreibt damit

seine Auffassung, dass auch Skulptur ein lebender Organismus ist, der

jegliche Grenzen überschreitet. Diese Verwischung der Grenzen zeigt der

Künstler neben diffusen Licht- und Duftkomponenten, mit vier begehbaren

Treppen, einem Aussichtsplateau, einer Schaukel, Hockern, Sitzobjekten

und Skulpturen, sowie vier Gewürzzeichnungen und einer farbigen Wand-

skulptur. In der als organische Membranwelt gestalteten Ausstellungshalle

verbinden sie die verschiedenen Raum- und Sinnebenen.

ERNESTO NETO: FROM SEBASTIAN TO OLIVIAMit einem Text von Sebastian Preuß



Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-45-3

45,00 Euro / CHF 71.00



Ein Gemälde von 2008 auf der einen Seite der Wand, eines von 1991 auf

der anderen: In einer großräumigen Installation zeigt Albert Oehlen im

Dezember 2008 in Berlin neue Bilder, auf denen er Fragmente spanischer

Werbeplakate collagiert und übermalt hat, Rücken an Rücken mit Bildern

von 1991. Der eine Blick geht auf das gerade Geschaffene, der von der

Gegenseite zurück auf eine Zeit, als der „postungegenständliche“ Maler sich

im vierten Jahr mit Abstraktion beschäftigte, „ein besonders gutes Jahr“,

wie er heute selbst sagt.

Eine Gegenüberstellung ohne direkte Konfrontation. Einerseits geht die

bunte Welt der Werbung in künstlerischer Form auf, anderseits verschwin-

den vermeintliche Gegenstände unter der Abstraktion. Ein Konzept,

das für Oehlen beim Malen seiner neuen Bilder jedoch nicht im Vorder-

grund stand: „Ich wollte Emotionen! Ich musste mir irgendwann einge-

stehen, dass mein Denken in Bezug auf Kunst ziemlich nüchtern ist.

Ich analysiere vor mir selbst sehr genau, was ich tue ... Gleichzeitig wollte

ich immer Popkunst machen, große, farbige Sachen, die einen unmittel-

bar ansprechen.“

Das Buch führt die Konzeption der Ausstellung auf seinen Seiten fort und

zeigt im Blick-Wechsel über die Jahre hinweg die Konsequenz der persön-

lichen malerischen Handschrift und die künstlerische Neugier Oehlens,

der mit immer neuen Herangehensweisen sich selbst, den Betrachter und

das Medium Malerei herausfordert.

ALBERT OEHLEN: 1991 2008Mit einem Interview von Max Dax

Hardcover, 28,5 x 29,5 cm



ISBN 978-3-935567-48-0

35,00 Euro / CHF 55.50



Albert Oehlen veröffentlicht in diesem Künstlerbuch zwei Werkgruppen, die

zwischen 1997 und 2000 entstanden sind: graue Gemälde und am Computer

geschaffenen Plakate. Inhaltsangabe stellt sich der Frage nach dem Inhalt von

Oehlens Arbeit. Das Buch mischt die „abstrakten“ Bilder und „konkreten“

Ink-Jet-Plots in loser Reihenfolge. In ihnen sind Bildmuster des Alltäglichen

verdichtet. Formengebung und künstlerische Technik sind Mittel. Als ob eine

Skulptur aus einem Block herausgehauen wird, bohren sie nach demselben

Kern. Oehlen arbeitet an dem „Bild, das man sieht und nicht analysiert,

sondern einfach wahrnimmt“. Seine Bilder suchen keinen Halt bei festen Bot-

schaften und nehmen ihre Interpretation nicht vorweg. Das Bild legitimiert

sich nicht, übt keine Kontrolle über seinen Betrachter aus. Es wird autonom,

bietet einen offenen Dialog an. Im Augenblick der Begegnung schlägt der

Blitz des Sehens ein. Albert Oehlen gilt heute als einer der spannendsten Maler

in Deutschland und übt in seiner Generation einen Einfluss aus, wie es

Georg Baselitz, Gerhard Richter und Sigmar Polke auf die ihrige taten.

ALBERT OEHLEN: INHALTSANGABEMit einem Text von Albert Oehlen

Französische Klappenbroschur im Schuber, 29,5 x 31,5 cm


Text in Deutsch, Englisch und Spanisch

ISBN 978-3-00-006392-3

50,00 Euro / CHF 79.00



Spiegelbilder sind ein zentraler Werkkomplex von Albert Oehlen, in dem der

Maler in den achtziger Jahren den Bildraum und räumliche Effekte unter-

sucht. Darstellungen von Spiegeln, hat es schon immer gegeben, Oehlen aber

nimmt mit dem ihm eigenen Hintersinn reale Spiegel in die Gemälde auf und

bricht damit deren ikonografische Bedeutung. Er bringt den Betrachter ins

Bild, um ihn gleichzeitig auf sich zurückzuwerfen. Der reale Raum vor dem

Bild wird mit dem Bildraum collagiert. Oehlen ist ein international aner-

kannter Protagonist des Mediums Malerei. Beruhend auf einer fortgesetzten

Hinterfragung des Genres hat er das Tafelbild neu definiert. Seine „postun-

gegenständliche“ Malerei wird zum Medium der Kritik erklärt, und klas-

sischer Bildbegriff und bürgerliche Wertvorstellungen werden verschmitzt aus

den Angeln gehoben. Dieses Buch, das erstmals die Spiegelbilder Oehlens in

den Mittelpunkt der Betrachtung stellt, knüpft zeitlich und inhaltlich an das

vergriffene Buch Albert Oehlen: Gemälde Paintings 1980–1982 an und zeigt,

ebenso wie die anderen Bücher über die Kunst der achtziger Jahre, die in

Zusammenarbeit mit der Galerie Max Hetzler entstanden sind, dass die Kunst-

produktion dieser Zeit unverändert aktuell ist.

ALBERT OEHLEN: SPIEGELBILDER /MIRROR PAINTINGSHerausgegeben von Katja Hesch




ISBN 978-3-935567-31-2

35,00 Euro / CHF 55.50



In diesem Katalog werden in großformatigen, hervorragend gedruckten

Bildtafeln acht Gemälde einer Werkgruppe gezeigt, die 1996 auf La Palma

entstanden und die vor der Ausstellung in Luckenwalde nur ein einziges Mal,

nämlich 1997 in der Kunsthalle Basel zu sehen waren, ein Muss für die

Oehlen-Kunstbibliothek. „Wenn Oehlen einer Reihe von acht monumental-

formatigen Rhythmusbatterien Bildtitel wie Mitleid, Mönch und Nonne,

Geist und Zeit, morgen – fraglich, (im) Tränensack, Grünspan, Sternenabfall

und Bluesmissbrauch gibt, möglicherweise in einem weltenstürmerischen

Anfall von romantischem Enthusiasmus, dann flammt hinter dieser Ent-

scheidung unzweifelhaft Ironie auf: möge sich der akademische Bilderdeuter

doch endlich im Labyrinth seiner eigenen hilflosen Erklärversuche ver-

heddern. Am Malerhand konservierende, dschungelhaft undurchdringliche

Geste – ein Stein, über den die stoische Interpretation stolpern sollte.“

(Christoph Tannert)

CHRISTOPH TANNERT: ALBERT OEHLEN, LUCKENWALDE

Broschur, geklammert, 24 x 30 cm

24 Seiten, 8 eingeklebte Farbtafeln

Text in Deutsch

ISBN 978-3-935567-00-8

20,00 Euro / CHF 33.90



1993 und 1994 waren harte Jahre für Richard Phillips. Es waren auch kreative

Jahre, in dieser Zeit entstanden die mehr als dreißig in diesem Portfolio

gesammelten Zeichnungen. Während die Miete acht Monate lang unbezahlt

blieb, saß Phillips bei defekter Heizung in seiner bitterkalten Küche und

beschwor ein Bild nach dem anderen herauf: ein Obdachloser wird von einem

Strolch bei lebendigem Leib verbrannt; eine verstörte Blondine kuschelt mit

einem weißen Kaninchen in der Überzeugung, es wäre ihre Schwester; eine

monumentale Götterstatue in den Tempelruinen von Angkor Wat hat das

Gesicht von Alice Cooper – gleich zwei Götter auf einmal! Phillips benutzte

Motive aus alten Zeitungen, aber ein Blick hinter die fleckige Oberfläche der

Bilder zeigt, dass sie in seiner zerrissenen Seele entstanden sind. Jede dieser

Zeichnungen ist ein eigenständiges Werk, sie waren nicht als Studien gedacht.

„Ursprünglich sollten sie bloß Unterhaltung sein“, verrät Phillips der Autorin

Linda Yablonsky, „aber dann fühlte ich mich getrieben, immer weiter und

weiter zu gehen.“ Letztendlich gaben diese Zeichnungen Phillips die Freiheit,

mit der Malerei zu beginnen. Was sie uns geben ist Kraft, um im Dunkeln

noch die Hoffnung zu sehen.

RICHARD PHILLIPS: EARLY WORKS ON PAPERMit einem Text von Linda Yablonsky



Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-37-4

35,00 Euro / CHF 55.50



Der amerikanische Künstler Josh Smith (geb. 1976) setzt sich in seinem

Werk mit Authentizität und Autorenschaft auseinander. In seinen Gemälden,

Künstlerbüchern und Installationen kreist er um zentrale Mythen der

modernen Malerei und verbindet collagenhaft Subjektives mit äußeren

Lebenswelten. Bekannt wurde er mit seinen „Name Paintings“, in denen der

Allerweltsname Josh Smith in immer neuen Variationen als Bildmotiv

fungiert, Bild und Signatur in einem. In der Publikation Abstraction zeigt er –

wie in der gleichnamigen Ausstellung bei Luhring Augustine in New York –

seine „Abstract Paintings“ neben den „Palette Paintings“. Zwei Konzepte,

zwei Themen, zwei Bände: Archetypen von abstrakten, expressiven Gemälden

mit leichten Kompositionen in lebendigen Farben auf der einen Seite, Lein-

wände, auf denen Smith seine Pinsel ausdrückt, mit der zurückgenommenen

Ästhetik einfacher Formen auf der anderen. Beide Bücher zeigen, wie aus

einem agressiv-ironischen Ansatz eine ernsthafte Reflexion wird, wie aus dem

Vor-Bild ohne Pathos, Künstlergenie und Überhöhung des Einzelbildes

abstrakte Kunst entstehen kann. Um diese Fragestellungen geht es auch im

Interview mit Sophie Aschauer im Textheft, das neben Installationsaufnah-

men der Ausstellung die Ankündigungsbilder – „Announcement Paintings“ –

für Abstraction zeigt.

JOSH SMITH: ABSTRACTIONMit einer Einleitung von Josh Smith und einem

Interview mit dem Künstler von Sophie Aschauer

Zwei Broschur-Bände und ein Textheft im Schuber, 27,5 x 34 cm

128, 120 und 32 Seiten, 142 Farbabbildungen

Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-44-2

48,00 Euro / CHF 76.00



Laminated Souls ist eine poetische Installation, mit der der brasilianische

Künstler Tunga einer imaginären Labor-Ästhetik nachgeht, ein hypnotisches

Experiment, das sich aus ineinandergreifenden Elementen aus dem Voka-

bular des Künstlers zusammensetzt. 2006 installierte Tunga das erstmals zwei

Jahre zuvor gezeigte Werk im Botanischen Garten in Rio de Janeiro und

nutzte dort seine Arbeit wie ein Bühnenbild für eine Performance mit großer

Besetzung – zwei Wissenschaftler, Fliegen, Frösche, Lampen und viele Dar-

steller, die einen Entdeckungsprozess in Gang brachten, mit dem Tunga die

Bedeutungsebenen seiner Arbeit freilegte. 2007 dann entwickelte er einige der

Motive und Requisiten für eine Einzelausstellung bei Luhring Augustine

weiter, während er Laminated Souls in einer beeindruckenden Ausstellung im

P.S.1 einer zweiten zentralen Installation dieser Jahre gegenüberstellte:

At the Light of Both Worlds. „Kunst ist für mich ein Mittel, Theorien zu erfor-

schen, die die Realität mit einer guten Dosis Poesie behandeln“, sagt Tunga,

und dieses Buch wird von seiner fantasievollen aber präzisen Bildsprache

bestimmt, es setzt die Erforschung neben das Ergebnis und dringt so in das

Herz dieses Werkkomplexes vor.

TUNGA: LAMINATED SOULSMit einem Text von Marie-Laure Bernadac und einem

Gespräch zwischen Beverly Adams und Tunga

Hardcover mit Schutzumschlag und einem Poster, 22 x 28 cm


Text in Englisch

ISBN 978-3-935567-41-1

50,00 Euro / CHF 79.00



Christopher Wool macht zwischen 1994 und 1995 in Downtown New York

eine Serie von Schwarzweißfotos, die er East Broadway Breakdown nennt,

nach einer Straße in der Lower East Side, wo er lebt und arbeitet. Die Bilder

sind nachts mit einer Kleinbildkamera aufgenommen und zeigen die Stra-

ßen des Quartiers, heruntergekommene Geschäftsfronten und baufällige

Treppen, die zu anonymen Räumen führen. Oft lassen sich die im Kontrast

extremen Bilder nur schwer entziffern; statt klarer Zusammenhänge zeigen sie

zufällige Formen, die aus verzerrten Kamerawinkeln auftauchen. „Eine Serie

von Bildern in kaum zu unterscheidenden Grautönen lässt den Betrachter

in der nächtlichen Welt versinken. Ihr Realismus basiert auf der Subjektivität,

welche sich in Kontext auflöst, und nicht auf der hypothetischen Wahrheit

der Abbildung. Man könnte in Wools Bildern und Fotos streunende Hunde,

Neurosen oder Bauschutt sehen: Flecken, Tropfen und Malfehler oder Fehler

organischer Natur. Mit dieser bewussten Assimilierung an als minderwertig

angesehenen Formen schafft Wool die Dekonstruktion, die wir in den

Fotos sehen, und sie ermöglicht ihm einen einzigartigen Blick: bodennah.“

(Anne Pontégnie)

CHRISTOPHER WOOL: EAST BROADWAY BREAKDOWN

Softcover mit Schutzumschlag, 21,6 x 28 cm

328 Seiten, 160 s/w-Abbildungen

ISBN 978-3-935567-11-4

45,00 Euro / CHF 71.00

Collector’s Edition: 160 Exemplare mit je einem Schwarzweißabzug von

Christopher Wool in einer Box. Abzug: 10,2 x 15 cm, verso,

signiert und datiert, nummeriert und gestempelt, zu beziehen über

www.holzwarth-publications.de,

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KAISERIN-AUGUSTA-ALLEE 101, D-10553 BERLIN, TEL 49-30 … · KAISERIN-AUGUSTA-ALLEE 101, D-10553 BERLIN, TEL 49-30-80403607 George Condo malt psychologisch komplexe Porträts, die