Á l’attention des établissements du premier et second degré · 2016. 7. 6. · Á l’attention des établissements du premier et second degré et des structures d’accueil

Á l’attention des établissements du premier et second degré

et des structures d’accueil d’enfants et de jeunes (crèches, IME, centres de jour…)

JEUNES SPECTATEURS - Saison 2016-2017

Voici le programme des représentations en journée 2016-2017.

Ces représentations sont accessibles au tarif de 3 € ou 5 €, selon les spectacles.

Vous trouverez le formulaire de réservation pour ces représentations à la fin de ce document, et

sur notre site www.theatredurance.fr, en téléchargement.

Merci de bien vouloir nous le retourner au plus tard le 30 septembre.

NOUVEAUTE

Les représentations en journée concernent désormais uniquement les enfants de 3 à 12 ans

(maternelle à la 5ème), à l’exception du spectacle Ulysse nuit gravement à la santé .

Les jeunes de 13 ans à 18 ans (4ème au Lycée) seront accueillis lors de représentations en

soirée.

Ceci afin de

- proposer aux adolescents, collégiens et lycéens, une expérience de spectateurs à part entière

- élargir l’offre de spectacles et permettre la mise en place de parcours

- favoriser une qualité d’écoute pour tous

Vous trouverez l’ensemble des représentations en soirée sur notre site web

www.theatredurance.fr. Notre brochure de saison est également disponible en téléchargement.

Nous pouvons également vous accompagner dans le choix de vos spectacles.

Les adolescents bénéficieront du tarif jeune de 8 € à 15 €, les places des accompagnateurs étant

offertes (dans la limite de 2 places pour 20 élèves).

Si vous souhaitez voir plusieurs spectacles, vous pouvez opter, à partir de 4 spectacles, pour

l’abonnement jeune, le prix des places étant plus avantageux, soit de 5 € à 12 €.

Veillez à prendre contact avec nous au plus tôt et dès maintenant afin de faire une pré-

réservation. Celle-ci devra être confirmée au plus tard le 30 septembre. Dans le cas contraire,

votre réservation sera annulée.

AUTOUR DU SPECTACLE

Les échanges avec les artistes à l'issue de la repr ésentation sont organisés sur demande.

Pour ce faire, contactez-nous.

Le Service Relations avec les publics

Jeunes spectateurs

Parce que nous croyons que le Théâtre permet d’aiguiser la curiosité des jeunes, d’éveiller leurs

émotions et leur imaginaire, de leur apprendre à former un jugement et à l’exprimer, de les aider à

comprendre le monde dont ils seront un jour les acteurs, autant d’objectifs que nous avons en

commun, nous souhaitons construire cette démarche avec vous.

C’est pourquoi nous poursuivons saison après saison le travail nécessaire pour vous aider à

préparer les représentations auxquelles vous assisterez et à prolonger la réflexion des élèves

autour des spectacles. Benoît Faure, professeur de lettres, vient cette année renforcer l’équipe des

Relations avec les publics pour vous accompagner et échanger avec vous sur les différents

moyens d’intégrer ce moment dans votre projet pédagogique, notamment dans le cadre du

Parcours d’Education Artistique et Culturel inscrit dans les programmes. En faisant entrer en

résonance la représentation et votre enseignement dans différentes disciplines, l’élève pourra

construire sa formation de spectateur.

Des fiches détaillant des éléments d’approche, des idées de prolongements thématiques ou de

pistes de travail vous sont proposées pour chaque spectacle. Au fil de la saison, de nouveaux

documents seront disponibles sur notre site web pour vous aider à réinvestir dans vos classes les

spectacles vus avec vos élèves.

Assister à une représentation peut être une expérience nouvelle pour un certain nombre d’entre

eux. Aussi il nous semble important de préparer leur venue en leur donnant des codes qui peuvent

paraître évidents à des spectateurs avertis mais qui ne vont pas de soi pour tous les élèves. Ainsi,

vous trouverez dans la page suivante un tableau récapitulant les rituels et les différentes attitudes

à adopter au théâtre, pour les aider à devenir spectateur.

Afin d’assurer les meilleures conditions d’écoute et de réception du spectacle, nous remercions les

professeurs et les chefs d’établissement, les accompagnateurs et responsables de structures, de

prévoir une arrivée au Théâtre une demi-heure avant le spectacle.

Contact réservations

Service Relations avec les publics 04 92 64 27 34

[email protected]

Contact Service éducatif

Benoît Faure Service éducatif

[email protected]

Aller au théâtre, c’est participer à un rituel

qui s’apprend

On s’informe et on réserve auparavant

On peut réserver le jour même s’il reste des places, mais aussi des mois à l’avance !

Arriver à l’avance (15 minutes avant l’heure du spectacle suffisent) permet en plus de faire le vide, de s’imprégner du lieu, du spectacle (par exemple, en lisant le programme de salle)…

Le jour du spectacle, on arrive à l’avance (oui, franchir les portes du théâtre à l’heure de début du spectacle est considéré comme

un retard), sous peine de se voir refuser l'accès à la salle !

Pendant le spectacle on profite pleinement, en respectant l’écoute des autres spectateurs et le travail des artistes en

représentation.

Après la représentation, on peut échanger avec les artistes et les spectateurs sur nos impressions et nos idées.

Dans un théâtre, on peut voir…

des pièces de théâtre avec des comédiens qui jouent et disent un texte

du théâtre de marionnettes ou d’objets avec des comédiens-manipulateurs

de la danse

du cirque sans animaux / avec des jongleurs, ou des acrobates, ou des clowns… et parfois tout à la fois !

des concerts de jazz, de musique classique, contemporaine, de blues, de slam, etc

des contes avec un conteur qui raconte une histoire et peut être accompagné de

musiciens

et beaucoup d’autres choses encore !

L’auteur

Son travail commence par un grand blanc.

Il donne la parole aux uns et aux autres.

Son outil de travail est l’ordinateur, ou le stylo.

Le metteur en scène

S’il faisait de la musique, ce serait le chef d’orchestre.

Il a son mot à dire sur tous les éléments du spectacle.

Il dirige les comédiens sur scène.

Le comédien

On peut le prendre « en poursuite », mais pas avec les gendarmes.

Sur la scène, il a une peur panique du « trou ».

C’est lui qui nous raconte l’histoire.

Le costumier

Il a une représentation pour lui, juste avant la générale.

Il fignole son travail sous toutes les coutures.

C’est lui qui habille les comédiens.

L’éclairagiste

C’est l’as de la poursuite.

Quand il règle la douche, il n’en met pas partout.

Il fait aussi bien le noir que le plein feu.

Le technicien son

Il déclenche le tonnerre, mais pas le tonnerre d’applaudissements.

Malgré son talent, il ne peut rien pour le comédien victime d’une extinction de voix.

C’est un homme qui travaille le casque sur les oreilles.

Représentations en journée

mar 15 nov à 14:00

5 €

Musique & slam

ULYSSE

Le Cri de l'armoire

NUIT

GRAVEMENT

1 h 10 A LA

SANTE

4° - Lycée

mar 13 & jeu 15 déc à 10:00 & 14:00,

ven 16 déc à 10:00

3 € Théâtre d’objets

Le pOissOn sOluble

MOTTES 50 mn

CP – CE

mer 04 jan à 10:00, jeu 05 & ven 06 jan

à 10:00, 14:00 & 16:30

3 € Théâtre d’objets TJP – CDN

d’Alsace Strasbourg

WAX 40 mn

PS – CP

mar 07, jeu 09 & ven 10 mars à 10:00 & 14:00

mer 08 mars à 10:00

3 € Théâtre,

marionnette et objets

Tourneboulé LES

ENFANTS

1 h 05 C'EST MOI

CE – CM

jeu 23 & ven 24 mars à 14:00

5 €

Danse & arts visuels

CHOTTO DESH

Akram Khan

Company

50 mn

CM – 5°

jeu 06 & ven 07 avr à 14:00

5 € Dessin, théâtre

d’objets & musique

STEREOPTIK DARK

CIRCUS 55 mn

CE – CM

mer 03 mai à 10:00

3 € Théâtre

SOUS L’ARMURE

Les passeurs

1 h

CM – 5°

ULYSSE NUIT GRAVEMENT Á LA SANTÉ

Le Cri de l’armoire – M. Tillet et M. Castagné

Ulysse, qui a traversé la Méditerranée et les âges, est-il

vraiment celui que l’on imagine ?

Si l’on qualifie d’héroïque un acte qui a pour résultat de sauver

la vie d’autrui, que dire de cet homme qui ne ramènera aucun

de ses compagnons vivants ?

Et que penser de cette vie d’aventures loin de son amour

Pénélope, à succomber sans grande résistance aux charmes

des Sirènes, de Calypso ou de Circé ?

Quel bel héros vraiment que celui-ci, qui fait rêver les

aventuriers et s’endormir les enfants sages…

Marien Tillet et Mathias Castagné tentent de défaire un à un les

fils de la légende dans ce concert épique, en mode slam et

guitare, qui vous propose une autre lecture de L'Odyssée.

Avec détachement et drôlerie, ils vont triturer Ulysse "le rusé" -

dont les choix mènent souvent à des massacres peu glorieux -

pour savoir ce qu’il a à dire pour sa défense.

Et offrir à Pénélope, l’amoureuse patiente et fidèle, une autre

voie. Comme une bouffée d’air pur, celle de l’émancipation.

Production Le Cri de l’Armoire slam/récit : Marien Tillet guitare : Mathias Castagné son et lumières : Alban Guillemot

Thèmes : réécriture d’un mythe, notion d’exil, décalage

entre la perception de soi et le regard des autres,

construire son identité, notamment féminine

Activités en lien : Réflexion autour de la quête de soi,

de la construction de son identité face aux autres, de la

place assignée à la femme.

Écriture, réécriture, mise en voix.

Musique & Slam

4° - Lycée

5 €

1h10

Séance scolaire

mer 15 nov à 14 :00

QUELQUES MOTS DE MARIEN TILLET…

SUR LE SPECTACLE

J’ai voulu tenter un défi impossible : raconter

l’Odyssée en 60 minutes. Je suis plutôt

branché sur la mythologie irlandaise, mais les

héros n’évoquent rien à personne, alors que

la mythologie grecque ça résonne. Les gens

pensent qu’ils ne connaissent pas ou qu’ils

ont oublié, mais quand tu racontes un épisode

ça leur revient : Ulysse attaché à son mât au

milieu des sirènes, l’astuce de « Personne »

avec le Cyclope. J’avais envie de travailler sur

une épopée, Ulysse s’est imposé.

SUR LE DISPOSITIF SCÉNIQUE

Dès le départ, on voulait s’installer dans une

logique de concert, qu’il y ait de la musique

tout le temps. Le défi pour Mathias était de

trouver une identité musicale qui donne une

cohésion à l’ensemble du spectacle, malgré

les variétés de styles.

La forme concert est donc entièrement

assumée : micro à main, guitares, câbles,

pédales à effet, etc.

SUR LE TRAVAIL DE CRÉATION

Je suis parti de mes souvenirs. Mathias jouait,

et sa musique convoquait ma mémoire d’un

épisode. On se lançait dans de longues

improvisations et les évènements marquants

de L’Odyssée se sont assemblés, à partir

d’une mémoire collective et personnelle à la

fois. Ce sont les péripéties dont la plupart des

gens se souviennent qui ont émergé... On

travaillait sur ces souvenirs bruts car on

voulait donner à entendre des choses qui

résonnent auprès du public.

C’est seulement dans un second temps que je

me suis replongé dans la matière.

Les séquences verbales sont venues dans

l’improvisation, dans une énergie musicale,

une pulsation, un rythme. Sans aller jusqu’à

parler de transe, on était dans des

improvisations assez longues, la musique

tournait, tournait, et le principe était de se

risquer à égrener des mots en jouant avec le

cycle musical, tout en travaillant parfois à la

rime, au nombre de syllabes.

SUR LE TITRE DU SPECTACLE

En retraversant L’Odyssée, on s’est rendu compte que tout le

monde meurt autour d’Ulysse : ses compagnons et les

prétendants qu’il massacre sans pitié. C’est un héros qui ne

sauve personne. Notre première idée c’était « Ulysse tue »,

comme sur les paquets de cigarettes, mais c’était un peu

violent, alors on a pensé à la formule de prévention « Ulysse

nuit gravement à la santé », très sarcastique, et qui faisait

sourire les gens. C’est donc une allusion à la légèreté et

l’inconséquence avec laquelle il met en danger les siens.

SUR LES PERSONNAGES

C’est peut-être un déboulonnage d’idole par rapport à certaines

représentations standardisées d’Ulysse et de la mythologie, qui

véhiculent un héros lisse et bon qui fait le bien autour de lui, à

travers des histoires édifiantes. Ça donne des livres et des

dessins animés affligeants, dans l’esprit Disney. Mais par

rapport au héros de la mythologie grecque, on n’invente rien.

Ulysse, c’est l’homme aux mille ruses, celui qui pense, qui

réfléchit, qui trouve des astuces géniales. En même temps, il

commet des erreurs effarantes, il se plante souvent.

On a aussi essayé de s’éloigner du fardeau judéo-chrétien qui

enferme Pénélope dans une position sacralisée de femme pure

qui ne fait qu’attendre, une Pénélope sage et soumise pendant

vingt ans, alors qu’elle a des dizaines de prétendants dans sa

maison, qui n’aurait jamais cédé à son désir…

Pour nous, rien ne permet d’imaginer que chez les Grecs, la

sexualité féminine n’était pas célébrée, au même titre que celle

des hommes. Ça nous permet de parler du plaisir féminin,

assez peu abordé dans nos cultures du spectacle.

SUR LA NOTION DE « JEUNE PUBLIC »

Ce spectacle n'a pas été pensé pour les ados et si ça avait été

le cas nous l'aurions écrit différemment. Il se trouve néanmoins

qu'il fonctionne très bien avec eux de par la musicalité et les

termes abordés. Et il me semble que la sexualité que nous

évoquons est un sujet essentiel dont nous devons nous

emparer pour ne pas le laisser vacant. Pour susciter le débat.

Ensuite le fait qu’Ulysse fasse preuve d'un héroïsme douteux

est un moyen d'interroger la question de l'égoïsme

impressionnant et de l'auto-centrisme qui fait loi aujourd'hui, où

on nous montre quotidiennement que la fin justifie les moyens.

Pour revenir à votre question de comment je vois le "jeune

public", je dirais ceci : c'est un public auprès de qui il est encore

possible de faire quelque chose, chez qui les convictions sont

encore à façonner. C'est pour ça que j'aime m'adresser aux

ados parce qu’il me semble que tout se joue à cet âge-là et que

c'est le moment de voir des actes artistiques.

MOTTES

Le pOissOn sOluble

Les marionnettistes sont des magiciens ; ils ont le pouvoir de

donner la vie aux choses inanimées. Avouez, vous aussi quand

vous étiez petits vous donniez un visage aux cailloux ou des

jambes à un morceau de bois. Mais ce qui est fascinant, c’est

que les marionnettistes n’ont pas perdu ce pouvoir en devenant

adultes…

Avec Mottes, François Salon et Sébastien Dehaye donnent vie

à trois mottes de terre. Trois mottes qui n’ont pas forcément

envie de se laisser faire, d’ailleurs. D’un mouvement de main,

une pression du doigt, un pincement entre pouce et index, —

gestes précis appris auprès de la céramiste Nina Rius — les

formes apparaissent et disparaissent, paysages ou

personnages, qui racontent une histoire. Celle de la terre.

Chaque bloc d’argile est tour à tour modelé, taillé, sculpté, mais

aussi écrasé, foulé, battu dans un dialogue à quatre mains

entre les deux artisans clowns et la matière. Car ici, tout se joue

avec les doigts. En silence, la terre parle. Dans une ambiance

d’atelier, rythmée par les sonorités de Fabio Ezechiele Sforzini

et le jeu burlesque des deux comédiens, la terre exprime sa joie

d’être si belle mais dit aussi sa rage d’être ainsi malmenée par

les hommes.

Écriture collective de Nina Rius, Sébastien Dehaye, François Salon et Fabio Ezechiele Sforzini / comédiens : François Salon et Sébastien Dehaye / accompagnement artistique et compositions originales : Fabio Ezechiele Sforzini / céramiste associée : Nina Rius scénographe : Delphine Lancelle / régie et Architecture sonore : Jacques Rossello / régie son : David Auvergne

Thèmes : créatures imaginaires qui prennent vie,

masques, empreintes de l’Homme sur la nature (sa

destruction et/ou son devenir), raconter sans mots

Activités en lien : travail interdisciplinaire. Projet autour

de l’empreinte humaine et la protection de la nature.

Création autour de matériaux malléables ou d’objets

récupérés et assemblés en lien avec les sensations en

lien (ou pas) avec des sentiments.

Théâtre d’objets

CP – CE

3 €

50 mn

Séances scolaires

mar 13 & jeu 15 déc

à 10:00 & 14:00,

ven 16 déc à 10:00

QUELQUES MOTS DE FRANÇOIS SALON…

SUR LE SPECTACLE

Mottes est un spectacle de matière, nous

manipulons de l'argile en direct pour modeler

des personnages que nous animons.

Nous utilisons la plasticité de l'argile, sa

fragilité aussi.


Nous sommes dans un atelier, avec des

planches, des caisses en bois.

Tout se monte et se démonte pour faire

évoluer la scénographie.

SUR LE TRAVAIL DE CRÉATION

François Salon et Sébastien Dehaye se sont

retrouvés autour du clown pour travailler sur

une relation de duo burlesque.

Puis ils ont travaillé pendant un an avec Nina

Rius, céramiste, à appréhender le rapport

entre marionnette et argile.

Fabio Ezechiel Sforzini a développé le travail

corporel indispensable à un spectacle sans

parole. Il a également composé la plupart des

musiques.

Jacques Rossello a réalisé la bande sonore

du spectacle.

SUR LA THÉMATIQUE

Le thème principal est notre rapport à la Terre, qu'il soit

physique ou plus abstrait et l'empreinte que l'on peut laisser

dans la terre et sur la Terre.


Mottes, comme des mottes de terre dans les champs.

Tourner à la motte est aussi une technique de tournage des

potiers dont nous nous sommes inspirés dès le début.

SUR LES PERSONNAGES

L'un est strict, anguleux, à la limite de la maniaquerie.

L'autre est grand, tourne et retourne.

Mais surtout ces deux personnages se retrouvent pour partager

une passion : modeler leurs imaginaires à coup d'argile.


Nous nous adressons indifféremment aux enfants et aux

adultes.

Mottes est un spectacle tout public à partir de 5 ans. Il y a

néanmoins plusieurs niveaux de lecture du spectacle.

Ce spectacle est visuel, poétique et laisse au spectateur la

place à l'imaginaire.

WAX

TJP – Centre Dramatique National d’Alsace

Strasbourg

Justine Macadoux nous accueille dans son atelier où elle

s’affaire avec des gestes bien précis. Réchauffer de la cire pour

la rendre malléable, la couler dans des moules, attendre qu’elle

durcisse puis disposer les formes ainsi réalisées — qui

pourraient ressembler à des petits êtres tous semblables —

dans un espace bien agencé.

L’atelier de Justine est une fabrique organisée et ordonnée, qui

pourrait lui donner toute la satisfaction de son pouvoir sur la

matière. Si ce n’est que parfois, la matière a sa volonté propre.

Alors Justine, d’abord saisie par la contrariété de celui qui perd

le contrôle, va vite se laisser griser par le vent du changement

et le plaisir de l’inattendu.

Wax — cire en anglais — est une ode au vivant, dans sa

diversité, ses évolutions, ses erreurs et ses infinies variations,

où finalement rien n’est déterminé.

Conception : Renaud Herbin jeu : Justine Macadoux espace & matière : Mathias Baudry son : Morgan Daguenet / lumière : Fanny Brushi collaboration artistique : Alice Laloy, Anne Ayçoberry et Christophe Le Blay / technique : Thomas Fehr et Christian Rachner

Thèmes : construire son identité face au regard des

autres, trouver sa place, sortir du moule, voir la richesse

dans la différence, accepter et intégrer l’Autre

Activités en lien : Réflexion autour des thématiques de

la différence et sur l’identité. Activités langagières autour

des tailles, des couleurs, des matières, des textures et

des sensations, activités de création autour de matériaux

malléables, sculptures à partir d’objets récupérés et

assemblés.

Théâtre d’objets

PS – CP

3 €

40 mn

Séances scolaires

mer 04 janvier à 10:00,

jeu 05 & ven 06 janvier

à 10:00, 14:00 & 16:30

QUELQUES MOTS DE RENAUD HERBIN…

SUR LE SPECTACLE

J’ai voulu avec ce spectacle partir d’une

matière unique, la cire.

Parce qu’elle est meuble et abstraite, elle

peut devenir le support de multiples récits

et situations de jeu. Et c’est bien là l’enjeu

de Wax pour moi : créer du théâtre (très

concret) avec (presque) rien !


L’espace est celui nécessaire pour mettre

en scène cette matière dans ses différents

états.

Nous commencerons le spectacle

probablement par sa forme liquide : une

sorte de dalle coulée à même le sol qui

rapidement se mettra debout à la verticale.

Justine viendra y prélever les éléments de

son récit.

SUR LE TRAVAIL AVEC

JUSTINE MACADOUX

Nous prenons beaucoup de temps pour

« faire connaissance » avec la cire.

Justine improvise sur des registres de jeu

très différents, des gestes posés de

manipulation de la matière à des éclats

d’humeur déclenchés par les situations que

je lui propose.

SUR LA CIRE ET LES THÈMES ABORDÉS

La cire est tendre et elle se forme et se déforme.

Nous cherchons comment utiliser cette matière comme

métaphore de ce à quoi chaque individu est confronté

quand il se frotte au monde social : ressembler aux autres

ou pas, entrer dans le moule ou en sortir…

Mais plus que simplement figurer ce thème avec des

personnages de cire, j’aimerais vraiment que Justine fasse

l’expérience « malgré elle » de sortir des conventions

attendues…


WAAAAX c’est un cri ou le son de l’étonnement.

Il me plait car il peut traverser toutes les intentions.

SUR LES PERSONNAGES

Il y aura Justine, apparemment seule… mais la cire peupler

rapidement l’espace…


Je pense Wax comme une pièce « tout public » car je

souhaite que ce spectacle puisse concerner aussi bien les

adultes que les enfants.

A partir de 3 ans, car l’enfant dès cet âge est capable

d’apprécier le jeu distancié, de saisir différents niveaux de

lecture, d’éprouver le plaisir de la théâtralité.

LES ENFANTS C’EST MOI

Compagnie Tourneboulé

Une jeune femme vient de donner la vie. Dépassée par cet

amour maternel devenu trop grand, elle se laisse déborder par

ses désirs de bien faire et finit par plonger dans ses propres

contradictions. Pas si facile d’être mère finalement…

Submergée par le souvenir de sa propre enfance, elle déclare

sans rire : Les enfants c’est moi ! Á la fois touchante et drôle,

elle explore à tâtons et à reculons le temps de l’enfance comme

on irait à la découverte d’un monde au singulier, celui que l’on

croit quitter lorsque l’on devient « grand ». Après Ooorigines, Le

bruit des os qui craquent et Comment moi je ?, Marie

Levavasseur, auteure et metteure en scène de la compagnie

Tourneboulé, poursuit son exploration de la relation adulte-

enfant. Avec humour et décalage, elle nous en offre une lecture

singulière et tout à fait réjouissante : celle d’un espace incertain

où l’on se souvient que l’enfant et l’adulte sont, finalement, une

seule et même personne.

Mise en scène et écriture : Marie Levavasseur conseils dramaturgiques : Mariette Navarro assistanat à la mise en scène : Fanny Chevallier collaboration artistique : Gaëlle Moquay jeu : Amélie Roman / musique et jeu : Nicolas Poisson marionnettes : Julien Aillet création lumière : Hervé Gary / costumes : Mélanie Loisy régie générale : Sylvain Liagre et Martin Hénnart scénographe : Gaëlle Bouilly

Thèmes : construire son identité, s’affirmer, être soi-

même face aux autres, se souvenir, découvrir le regard

de l’adulte sur l’enfant…

Activités en lien : écriture de carnets enfant / parent

Théâtre,

marionnette et

objets

CE – CM

3 €

1h05

Séances scolaires

mar 07, jeu 09 & ven 10

mars à 10:00 & 14:00

mer 08 mars à 10:00

QUELQUES MOTS DE MARIE LEVAVASSEUR…

SUR LE SPECTACLE

Ce spectacle va interroger je crois notre relation à

l’enfance autour de l’image symbolique de la mère.

Comment se construire sur ses blessures

d’enfance ? C’était déjà un des thèmes centraaux

de Comment moi je ? On le retrouve ici d’un autre

point de vue. Je crois qu’on retombe souvent sur

les mêmes obsessions en tant qu’auteur !

Pour raconter cette histoire qui part de ce lien

charnel et maternel qui relie une mère à son enfant,

j’ai choisi de partir du clown d’Amélie Roman. Pour

pouvoir raconter ce parcours de manière drôle et

sensible d’abord, mais aussi pour trouver une

distance, une manière décalée et poétique de

poser la narration.

J’aimerais en contre point développer le regard de

son enfant et celui d’autres enfants en

général…pour permettre de décentrer le propos,

aider à prendre du recul car l’histoire n’est pas si

légère au fond. Même s’il y a beaucoup d’amour, je

raconte aussi avec Les enfants c’est moi, nos

manquements, nos maladresses et nos démissions

en tant qu’adultes... ainsi que peut-être notre

incapacité de continuer à grandir.

Les enfants ont souvent une autre analyse de la

situation quand on prend le temps de les écouter et

de leur expliquer. Le problème, c’est que ce sont

des éponges et qu’ils filtrent et intègrent beaucoup

de nos peurs et nos angoisses d’adulte…


Je l’imagine au départ assez simple mais il y a une

vraie ingéniosité à trouver dans le dispositif, car il

s’agit quasiment d’un « seul en scène ».

Comme souvent dans mon travail, j’aime montrer

les ficelles tout en gardant l’effet magique du

théâtre, surtout avec le travail de marionnettes qui

deviennent complètement vivantes et finissent par

avoir le même statut que les comédiens au plateau.

Il faut toujours qu’ « on y croit ».

C’est ce que j’avais adoré dans le spectacle Nuit

polaire des Anges au plafond par exemple.

J’ai envie que le plateau soit l’espace de tous les

possibles pour Amélie, entre conte et réalité, qu’il

raconte un peu le monde intérieur de ce

personnage complètement fantasque. On ne doit

jamais se poser la question de « où elle est ? ». Si

elle décide qu’elle est sur la lune ou au fond de la

forêt, on y sera avec elle.

SUR LE TRAVAIL AVEC AMELIE ROMAN

L’écriture se fait par aller-retour entre le plateau et le

travail d’écriture à la table. Je suis arrivée avec des

thèmes d’improvisations, des situations, une envie de

personnage, et petit à petit, la trame se dessine, se

ressere.

SUR LES THÈMES ABORDÉS

L’abandon, la parentalité, le fait de grandir par soi et non

pour faire plaisir, …et notre capacité d’autodérision en tant

qu’adulte même si ce n’est pas un thème central.


Il m’est venu comme souvent de manière intuitive assez

en amont. Comme une évidence pour exprimer ce que je

voulais raconter.

Peut-être pour dire que l’enfance est pour chacun de nous

le socle de notre construction, le terreau où nous allons

pouvoir planter profond nos racines ?

Souvent je comprends encore mieux le sens de mes titres

après coup !

SUR LES PERSONNAGES

Il y en a un central, c’est celui de la mère. Volontairement

je n’ai pas voulu lui donner de prénom ni de nom.

C’est la figure de la Mère et du « parent » au sens large.

Ensuite il y a son enfant qui vient de naître et pour qui elle

déborde d’amour, ses copains d’avant, sa grand-mère,

une voix du ciel un peu mystique, d’autres enfants qu’elle

croise sur son chemin, les enfants modèles qui ne le sont

pas vraiment, les enfants qui se sont construits tout

seuls…

Et puis Amélie ne sera pas seule, il y aura quand même

une présence masculine pour l’accompagner : Nicolas

Poisson, musicien et bidouilleur sonore, un témoin-copain

bienveillant de la situation qui dans l’histoire adore les

enfants, ça tombe bien !


Tout le parcours de la compagnie s’inscrit dans des

spectacles accessibles « à tous » avec une attention

particulière portée aux enfants et aux plus jeunes.

La compagnie se définit comme « jeune et tout

public »…un pied de nez pour essayer de sortir des cases

dans lesquelles on essaie de nous enfermer si souvent.

Même si le terme « jeune public « correspond à la réalité

d’un « secteur », je trouve ce terme beaucoup trop

réducteur et clivant !!!

CHOTTO DESH

Akram Khan Company

Khan, personnage à deux visages, va de rêves en souvenirs,

parcourant des lieux qui le mèneront de la Grande- Bretagne

jusqu'au Bangladesh.

Dans le tourbillon de ses songes, il danse et entraîne son corps

dans un ballet ancestral fait de gestes purs empruntés au

Kathak, la danse traditionnelle de l’Inde du nord. Se jouant de

l’espace et du temps, il accélère le mouvement, emporté dans

une frénésie contemporaine entre danses urbaines et

chorégraphies kung-fu. Dans le tourbillon de ses pensées, il

médite, et son esprit voyage en invoquant au plus profond de

sa mémoire une galerie impressionnante d’animaux sauvages.

Chotto Desh (petite patrie) est l’adaptation pour un public

familial de DESH, succès mondial d’Akram Khan.

Dans cette fable moderne, où la danse se marie aux arts

visuels, le chorégraphe londonien d’origine bangladaise nous

conte une histoire magique, poignante et palpitante, qui célèbre

la résilience de l’esprit humain face au monde moderne.

Direction artistique et chorégraphie : Akram Khan mise en scène et adaptation : Sue Buckmaster (Theatre-Rites) composition musicale : Jocelyn Pook / conception lumière : Guy Hoare histoires imaginées par : Karthika Nair et Akram Khan écrites par : Karthika Naïr, Sue Buckmaster et Akram Khan Le conte de la Grand-mère dans Chotto Desh est tiré du livre Le Tigre de Miel (de Karthika Naïr, illustré par Joëlle Jolivet) assistant chorégraphe : Jose Agudo / interprètes (en alternance) : Dennis Alamanos ou Nicolas Ricchini / Production : Claire Cunningham pour AKCT conception visuelle : Tim Yip / animation visuelle conçue par : Yeast Culture conception costumes : Kimie Nakano / conception sonore et Ingénieur vidéo : Alex Stein / Ingénieur son : Steve Parr / adaptation et réalisation costumes : Martina Trottmann / Production technique : Sander Loonen (Arp Theatre) / régisseur plateau : Dean Sudron / séquence de la tête peinte imaginée par : Damien Jalet et Akram Khan / paroles de Bleeding Soles écrites par : Leesa Gazi chanteurs : Melanie Pappenheim, Sohini Alam, Jocelyn Pook (voix/alto/piano), Tanja Tzarovska, Jeremy Schonfield

Thèmes : conte, histoire personnelle, rêve,

autobiographie imaginaire

Activités en lien : se raconter à travers ses rêves et ses

souvenirs, écriture d’autobiographie imaginaire en

utilisant les arts plastiques, l’expression corporelle, les

sons et la musique

Danse & arts

visuels

CM – 5°

5 €

50 mn

Séances scolaires

jeu 23 & ven 24 mars

à 14:00

Quelques mots de Sue Buckmaster

Sur le spectacle

Chotto Desh est un spectacle très pertinent

à une époque où les jeunes gens font

l’expérience d’une pression accrue liée à

une société multiculturelle. Le spectacle va

conduire les enfants à réfléchir à leur propre

histoire et peut-être à concevoir leur propre

autobiographie, faite de vérité et de beauté.

Ce fut un privilège et un plaisir de mettre en

scène cette nouvelle création.

Quelques mots de Nicolas Ricchini

Sur le travail d’adaptation

Nous avons avant tout travaillé sur la matière chorégraphique de

DESH, et ensuite nous avons tout retravaillé avec une nouvelle

dramaturgie, avec l’aide de Sue Buckmaster. Elle a vraiment mis

toute son énergie dans une dramaturgie complètement nouvelle à

destination de publics jeunes. Dans DESH, il y a beaucoup de

références politiques que les adultes peuvent identifier et qui

auraient été très difficiles de comprendre pour des enfants.

Nous avons vraiment eu la liberté d’utiliser notre propre langage

aussi, car pour prendre part au spectacle, il faut se l’approprier.

Quelques mots d’Akram Khan

Sur sa première inspiration

Thriller de Michael Jackson a été la première pièce que j’ai vue au

théâtre : il y avait une histoire, de la danse et de la musique.

C’était une découverte : jusque là ma mère disait que seules les

formes artistiques indiennes classiques contenaient les trois.

Donc Michael Jackson a été une grande source d’inspiration pour

moi.

Sur la création jeune public

Je voulais faire une pièce pour les enfants mais je ne voulais pas

le faire moi-même car je n’en ai pas l’expérience. En 2011, quand

j’ai créé DESH, je n’étais pas encore père mais je pensais aux

enfants. Je me demandais s’il ne serait pas beau d’en avoir une

version pour les enfants. Mais cela nécessite un talent et une

écriture très spécifique. Sue est la première qui m’est venue à

l’esprit, c’est quelqu’un en qui j’avais entièrement confiance pour

utiliser DESH comme source d’inspiration. DESH est une chenille.

Et ce que Sue a fait, de manière incroyable, est qu’elle l’a

littéralement dépouillé et qu’elle a laissé le cocon exister là où il

était, et c’est devenu un papillon. Il fallait qu’il y ait une

transformation, c’est une adaptation mais c’est aussi un nouveau

spectacle. Mes parents étaient plus enthousiasmés par Chotto

Desh que par DESH, parce qu’il y a quelque chose de nouveau à

découvrir, une perspective différente.

Sur l’apprentissage de la danse

Je veux que les enfants se sentent à l’aise

avec leur corps. Je n’avais pas de voix

jusqu’à l’âge de 12 ans. J’étais un enfant

silencieux, je parlais anglais à l’école mais

j’étais lent, ma mère refusait de parler

anglais avec moi et j’apprenais le Bengali à

la maison. Les quatre premières années, je

parlais seulement Bengali donc mon anglais

était mauvais, j’avais un problème de

confiance dans mon identité et dans ce que

je ressentais. Puis j’ai gagné une

compétition de danse avec une

chorégraphie de Michael Jackson et j’ai

réalisé que les gens m’écoutaient alors que

je ne parlais pas avec ma bouche mais

avec mon corps.

Je bégayais quand j’étais petit. C’est

tellement important de s’exprimer par son

corps pour tous les enfants, parce que la

première chose qu’ils apprennent ce sont

les sons, pas les gestes. Ils imitent. Alors

quand je danse comme un idiot autour de

ma fille, elle commence à danser aussi et

elle prend confiance. Cela développe un

sens du dialogue autre qu’un langage parlé.

C’est crucial pour les enfants d’avoir les

deux. La danse est outil d’expression de

soi-même et de communication avec les

autres.

DARK CIRCUS

STEREOPTIK

« Venez nombreux, devenez malheureux ! »

La voix fatiguée d’un lugubre Monsieur Loyal résonne sur les

façades des immeubles en noir et blanc : le Dark Circus s’est

installé en ville. Les spectateurs se pressent sous ce sinistre

chapiteau et, au fil des numéros, assistent à un terrible

désenchantement. Car rien ne va plus vraiment au pays des

enfants de la balle. Jusqu’au moment où…

Imaginée par Pef, auteur et illustrateur de nombreux livres pour

enfants, cette curieuse histoire se fabrique sous nos yeux

émerveillés par Romain Bermond et Jean-Baptiste Maillet,

plasticiens et musiciens. Ces deux complices inventent une

histoire où tout se bricole à vue sur le plateau, convoquant

musique acoustique et électronique, théâtre d’ombre, d’objet et

de marionnette, cinéma muet et dessin animé. Le plaisir à voir

ainsi leur univers se créer devant nous et en direct est un

voyage au coeur de nos émotions d’enfants lovées au plus

profond de nos mémoires, celles qui gardent intacte notre

capacité d’émerveillement.

Créé et interprété par Romain Bermond et Jean-Baptiste Maillet D’après une histoire originale de Pef Regard extérieur Frédéric Maurin Régie générale Arnaud Viala en alternance avec Frank Jamond Création Festival d’Avignon 2015 En coréalisation avec le Centre Culturel René-Char, Digne-les-Bains

Thèmes : voir la richesse dans la différence, accepter et

intégrer l’Autre

Activités en lien : Travail interdisciplinaire, comme une

captation filmée de la lecture d’une histoire inventée avec

des illustrations en train de se faire

Intertextualité : en prolongement du Festival du livre Jeunesse sur ce thème en 2016, voir le site internet de l’association Croq’livres (http://croqlivres.blogspot.fr/)

Dessin,

théâtre d’objets

& musique

CE – CM

5 €

55 mn

Séances scolaires

Jeu 06 & ven 07/04

à 14:00

QUELQUES MOTS DE JEAN-BAPTISTE MAILLET ET ROMAIN BE RMOND …

SUR LES INSTRUMENTS

Guitare, batterie électronique, et

une mini batterie acoustique,

Harmonica, deux synthétiseurs.

Ces instruments sont parfois

joués en même temps, à la façon

d'un homme-orchestre. Parfois la

musique est préenregistrée, plus

orchestrale, comme une

musique de film. Le style musical

est plutôt Funk/Soul.

SUR LE DESSIN

Fusain, feutres, encre de chine,

peinture, craies, sable.

La plupart des dessins sont

réalisés en direct sur scène. Ils

ont été conçus pour susciter un

sentiment de découverte.

Trois courts dessins animés ont

été réalisés au préalable,

nécessitant environ 1 000

dessins. C'est du feutre sur des

feuilles de papier calque.

Un décor déroulant a été réalisé

au marqueur sur une toile cirée.

Ce décor fait 30 cm de large sur

15 m de long. Il est actionné par

une manivelle, et donne sur

scène la sensation d'un travelling

sur un paysage.

SUR LES MARIONNETTES

Les marionnettes sont réalisées

en carton (en 2D). Elles sont

ensuite peintes, soit en noire,

soit en couleur. Certaines ont un

petit mécanisme, permettant de

les faire bouger, afin de leur

donner plus de vie. Le

présentateur du cirque par

exemple bouge sa mâchoire

lorsqu'il parle.

Une jambe et un bras ont été

réalisés en porcelaine (en 3D),

car c'est une matière blanche qui

réfléchit particulièrement la

lumière.


Tout se fait à vue. Le spectacle repose précisément sur le fait de nous voir le

construire. Nous fabriquons en amont les décors, composons la musique,

mettons en scène et inventons l’évolution de l’histoire. Ensuite, devant le

public, nous re-fabriquons cet ensemble et nous l’animons. Rien n’est figé à

l’avance. Le public nous voit de part et d’autre de l’écran produire en direct

l’image et le son. Nous ne nous cachons pas, mais nous n’incarnons aucune

figure. Nous sommes vraiment en train de faire ce que nous savons faire, à

savoir dessiner et jouer de la musique. Quand des acteurs jouent, leurs

actions sont des extensions de leurs corps. Nous sommes, au contraire, les

extensions des marionnettes et des dessins. Notre existence sur la scène

dépend d’eux, nous nous déplaçons, nous agissons en fonction de leurs

besoins. Nous n’avons pas conscience de l’éventuelle beauté ou de la

signification de nos mouvements ; s’ils plaisent ou suscitent l’intérêt du

spectateur, nous ne sommes pourtant concentrés que sur des questions

pratiques, de réglages, de changements de caméras, de rythmes et de sons.

C’est souvent la façon de créer les images qui est surprenante. Le contraste

entre ce qu’on nous voit faire et ce qui paraît à l’écran est le centre de notre

démarche. Même si l’image produite est saisissante, elle n’aurait aucun

intérêt pour nous si elle n’était pas conjointe à sa fabrication à vue. Le

résultat importe, évidemment, mais c’est le procédé pour y parvenir qui est

spectaculaire.

SUR LE TRAVAIL AVEC PEF

Dark Circus est un spectacle particulier dans notre parcours parce qu’il est le

premier basé sur un texte et qu’il devait au départ être une petite forme,

d’environ vingt minutes. Mais dans le travail, des trouvailles se sont

accumulées et nous ont finalement menés à une grande forme et à un long

travail, intégrant même pour la première fois un dessin animé.

Pour les spectacles précédents, nous partions d’une histoire plus vague qui

se modifiait selon les techniques que nous découvrions. C’était par les

procédés utilisés ou les dessins apparus que s’inventait le spectacle et se

précisaient les thèmes. Pef nous a livré un très beau texte, avec une histoire

claire et définie mais sans indications scéniques précises. Nous avions carte

blanche à partir de cette trame. C’était à nous de trouver comment les

actions qu’il y décrit se déroulent concrètement sur la scène.


Ce qui nous intéresse, c’est le domaine merveilleux et la circulation d’une

émotion qui efface la limite entre les spectateurs et nous, qui nous placent

ensemble. C’est pourquoi nous ne voulons pas aborder la peur, les armes,

l’inquiétude… tous les thèmes qui nous entourent et qui sont

systématiquement convoqués. Ce n’est pas ce que nous voulons partager

avec notre public.

Nous proposons un moment poétique, sans revendication. Il nous tient à

cœur de ménager une évasion du monde réel, de proposer autre chose que

ce que l’on peut voir lorsqu’on allume la télévision, et même d’en prendre le

contrepied, non pour le modifier mais justement pour s’en extraire.

SOUS L’ARMURE

Compagnie Les Passeurs

« Christine, tu iras au couvent ! Thibault, tu iras à la guerre ! ».

Une affirmation qui tranche au couperet l’avenir de deux jeunes

gens, une sœur et un frère soumis à la loi de leur condition,

celle d’être une fille et un garçon.

Dans un décor et des costumes faits de carton, Lucile Jourdan

met en scène l’implicite de cette histoire écrite par Catherine

Anne. Si l’ennemi s’annonce aux portes du château, si

Monseigneur enrôle les hommes et impose à son fils de

prendre les armes malgré lui, ce n’est pas cette bataille qui va

se jouer. Dans son refus d’obéir aux ordres de son père, c’est à

l’ordre établi que Christine s’oppose. Sous l’armure de son

frère, elle va partir à la guerre, rapide, vive et courageuse. Sous

les atours de sa sœur, Thibault livrera une autre bataille, rusé et

audacieux. Car il en faut, de la bravoure, pour combattre les

idées reçues.

de Catherine Anne Texte publié aux éditions L’école des loisirs

Mise en scène : Lucile Jourdan jeu : Gilles Najean, Cécile Bouillot, Stéphanie Rongeot, Nicolas Fine, Gentiane Pierre scénographie : Aude Vanhoutte / éclairage : Joëlle Dangeard création musicale : Patrick Najean / costumes : Anne Dumont accessoire-Image : Isabelle Fournier / assistant mise en scène : Alain Fillit Production : Alain Fillit et Caroline Pellerin

Thèmes : relation filles / garçons, vision genrée (des

métiers, des activités, des comportements sociaux,…),

égalité filles/garçons, construction de l’identité (en

fonction des normes sociales, familiales,…)

Activités en lien : Travail interdisciplinaire sur les

représentations filles/ garçons (et le rôle joué par

l’éducation et les médias).

Théâtre

CM – 5°

3 €

1h

Séance scolaire

mer 03 mai à 10:00

QUELQUES MOTS DE LUCILE JOURDAN…


Avec la scénographe Aude Vanhoutte,

nous avons souhaité un dispositif frontal.

La fiction se construit à vue, la musique

est directe, ce qui élargit l’espace

scénique et la puissance de l'ici et

maintenant de l'acte théâtral.

Nous sommes parties de l’idée d’un mur,

représentant tous ces préjugés, tous ces

codes donnés, tous ces rôles imposés

avec et contre lesquels nous devons nous

battre. Nous avons fait le choix d’un

matériau léger, donnant ainsi la sensation

d’un jeu d’enfant, pouvant être

déconstruit.

Pour les costumes, nous avons travaillé

sur la notion de « sous l’armure » : c’est

une protection, un vêtement, un code

pour rallier un groupe... Nous nous

sommes attachées à la « façade » que

nous donnons à la fois pour nous

protéger et être en société. Que se

passe-t-il quand nous décidons de casser

cette façade, de montrer ce qu’il y a en

dessous ? Le costume est donc très

symbolique et amène presque un jeu de

marionnettes.

SUR LE TRAVAIL AVEC LES INTERPRÈTES

Mon premier objectif est de créer une

atmosphère de travail propice à

l’invention. On essaie plusieurs schémas

de jeu pour chaque scène, les comédiens

explorent des pistes pour construire le

comportement global de leur personnage,

la discussion reste un vecteur important

du processus de création.

Le langage des répétitions est comme la

vie : il se sert de mots, de silences,

d’émotions, de la clarté et du chaos. Mon

rôle de metteure en scène est de déceler

chez le comédien l’instant où il s’ouvre à

une impulsion profonde et créatrice,

dépassant l’imitation d’une forme déjà

vue ou trop visitée. La qualité du dialogue

est donc essentielle, je l’imagine comme

une danse entre le comédien et le

metteur en scène.


Il y a dans cette histoire de nombreuses thématiques ouvertes. J’ai

mon propre fil directeur, mais j’ai souhaité que chaque interprète

fasse son choix afin de défendre sa vision du monde.

La relation parent-enfant me questionne. Aujourd’hui, nous sommes

encore sur des schémas archaïques et ce n’est pas anodin si

Catherine Anne a choisi de raconter cette histoire au Moyen-Age.

Mais à l’aube de l’année 2017, nous pouvons peut-être formuler les

questions différemment... Dans ce texte, il y a une vision nouvelle,

qui cherche à faire entendre et la position du parent et celle de

l’enfant, et qui tend à montrer qu’un dialogue est possible.

Il y a aussi le rapport homme-femme, que l’on découvre très bien

dans le couple des châtelains, où la « mère et l’épouse » peine à

trouver sa voix, cachée derrière son armure.

Et puis toute la question autour des représentations garçon-fille. Le

personnage de Thibault est en cela très touchant, car la première

réaction des jeunes et même des adultes est de penser qu’il a peur

de tout et qu’il est lâche. Or finalement, pas du tout : il doit juste

mettre en marche le pourquoi et le comment je me bats. Dès l’instant

où il sait, sans être un super-héros, il accomplit un acte fabuleux.


Sous l’armure, un titre qui excite la curiosité. Il y a quelque chose de

caché, un mystère à découvrir.

Aller sous les mots, se mettre en recherche, aller déboulonner

chaque pièce qui constitue l’armure pour comprendre comment elle a

été construite. Sentir la force de la main qui l’a forgée, la chaleur qui

fusionne les pièces entre elle. Chaque morceau de cette armure est

à lui seul un paysage ouvert sur le questionnement.

SUR LA NOTION DE JEUNE PUBLIC

La réflexion sur la création jeune public demande une grande rigueur,

une précision de pensée, j’ai appris cela dans mon parcours de

comédienne. Mais paradoxalement c’est l’endroit où je me sens la

plus libre pour créer. Le répertoire théâtral jeunesse a aujourd’hui

une force incroyable, je suis émerveillée par certaines écritures si

vives, enjouées. Les questions y sont posées sans détours, précises

et émouvantes.

L’énergie qui s’en dégage me donne l’envie d’être dans l’innovation.

Cette sensation de liberté vient aussi des questions, des réactions et

des propositions que l’on fait naître ensemble avec les élèves lors

des ateliers scolaires et des relations nouvelles qui se créent avec

mon travail lors de ces rencontres.

Lorsque j’interviens auprès des élèves ou des jeunes, je ne sais

absolument pas ce que je cherche, c’est seulement à partir de ce

qu’ils sont, ce qu’ils donnent à ce moment là, leur instinct, un geste

qui échappe, un silence qui surprend, un regard pertinent, que je

comprends. Ce sont ces signes-là qui me permettent de les guider.

Formulaire de réservation Expliquez-nous votre projet pour que nous puissions vous guider au mieux dans la

programmation (si nous devons réorienter votre choix) :

Indiquez-nous si nous devons prévoir un accueil spécifique (fauteuil roulant, béquilles,

handicap, etc) :

Inscription Renvoyez-nous ce formulaire complété. Utilisez un formulaire par classe et par enseignant / par gr oupe et par référent Attention, ce formulaire ne confirme pas votre commande (ne pas joindre de règlement) Confirmation de réservation Après réception et examen des possibilités d’accueil de votre classe/groupe, nous vous enverrons une confirmation de la séance retenue sous la forme d’un bon de commande qui devra nous être retourné signé pour valider votre inscription et confirmer votre venue au spectacle Ces représentations sont accessibles au tarif de 3 € ou 5 € par enfant + un accompagnateur gratuit pour 12 élèves pour les collèges et lycées pour 8 élèves pour les maternelles et primaires Règlement La facture sera établie sur la base du bon de commande et vous sera adressée un mois avant la représentation. Elle devra être réglée à votre convenance par chèque ou virement bancaire au plus tard le jour du spectacle ou par mandat administratif au plus tard 30 jours après la représentation

Contact

Service Relations avec les publics 04 92 64 27 34

[email protected]

Formulaire de réservation à renvoyer à

Théâtre Durance Les Lauzières

04160 Château-Arnoux / Saint-Auban

� avant le 30 septembre 2016

NB : Ce formulaire ne sera valide que si l’ensemble des champs sont renseignés Nom de la structure :

Prénom et nom du chef d’établissement / responsable :

Vos prénom et nom :

Classe : Tranche d’âge :

Adresse de la structure :

Code Postal : Ville :

Adresse de facturation (si différente) :

Code Postal : Ville :

Téléphone de la structure :

Courriel de la structure :

Si vous faites bus commun avec une autre classe, merci de nous indiquer

le nom de l’enseignant avec lequel vous souhaitez partager la séance :

Pour vous contacter en cas de besoin :

Courriel :

Téléphone mobile :

Formulaire de réservation Nombre de spectacle(s) que vous souhaitez voir dans votre parcours : . . . . . . . . .

Nous vous inscrirons sur l'une des séances du spectacle choisi en fonction des places disponibles. Merci de nous signaler les séances sur lesquelles il vous sera IMPOSSIBLE de vous rendre :

Spectacle choisi (numérotez par ordre de priorité)

Compagnie Genre Durée Nombre d'élèves

Nombre d'adultes

Nombre total

Date de séance IMPOSSIBLE pour vous

PS-CP 3 € WAX

TJP Centre Dramatique National

d’Alsace Strasbourg Théâtre d'objets 40 mn

mer 04/01 à 10:00

jeu 05/01 à 10:00

jeu 05/01 à 14:00

jeu 05/01 à 16:30

ven 06/01 à 10:00

ven 06/01 à 14:00

ven 06/01 à 16:30

CP-CE 3 € MOTTES

Le pOissOn sOluble Théâtre d'objets 50 mn

mar 13/12 à 10:00

mar 13/12 à 14:00

jeu 15/12 à 10:00

jeu 15/12 à 14:00

ven 16/12 à 10:00

CE-CM

3 € LES ENFANTS C'EST

MOI Tourneboulé

Théâtre, marionnette

et objets 1 h 05

mar 07/03 à 10:00

mar 07/03 à 14:00

mer 08/03 à 10:00

jeu 09/03 à 10:00

jeu 09/03 à 14:00

ven 10/03 à 10:00

ven 10/03 à 14:00

5 € DARK CIRCUS

STEREOPTIK Dessin, théâtre d’objets

& musique 55 mn

jeu 06/04 à 14:00

ven 07/04 à 14:00

CM-5ème 5 € CHOTTO DESH

Akram Khan Company Danse & arts visuels 50 mn

jeu 23/03 à 14:00

ven 24/03 à 14:00

3 € SOUS L'ARMURE

Les Passeurs Théâtre 1 h

mer 03/05 à 10:00

4°–Lycée 5 € ULYSSE NUIT

GRAVEMENT A LA SANTE

Le Cri de l'Armoire Musique & slam 1 h 10

mar 15/11 à 14:00

Certifie avoir pris connaissance des modalités de réservation Signature du Chef d’Etablissement / Responsable :

Documents

Á l’attention des établissements du premier et second degré · 2016. 7. 6. · Á l’attention des établissements du premier et second degré et des structures d’accueil