DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRE CENTRO DE ARTE Y … · y el mundo vegetal es la fuente de una obra de ... ha convertido su taller parisino, en el que se ... suntuosos colores primarios

DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRECENTRO DE ARTE Y NATURALEZA

ABIERTOS TODO EL AÑO WWW.DOMAINE-CHAUMONT.FR T. 33 (0) 254 209 922

TEMPORADA DE ARTE 2017

EXPOSICIONESE INSTALACIONESDE ARTE CONTEMPORÁNEO

ABRIL-NOVIEMBRE DE 2017

ARTES PLÁSTICAS

SHEILA HICKSSAM SZAFRANEL ANATSUIURSULA VON RYDINGSVARDSTÉPHANE GUIRANSARA FAVRIAUKARINE BONNEVALMARIE DENISANDREA WOLFENSBERGERMÂKHI XENAKISREBECCA LOUISE-LAW

FOTOGRAFÍA Y VÍDEO

MIGUEL CHEVALIERDAVIDE QUAYOLASTÉPHANE GUIRAN

ÍNDICE

INTRODUCCIÓN

I. ARTES PLÁSTICAS

Encargo especial de la Región Centro-Valle del Loira Sheila Hicks

Exposiciones y encargos anualesSam SzafranEl AnatsuiUrsula von RydingsvardStéphane GuiranSara FavriauKarine BonnevalMarie DenisAndrea WolfensbergerMâkhi XenakisRebecca Louise-Law

II. FOTOGRAFÍA Y VÍDEOMiguel ChevalierDavide QuayolaStéphane Guiran

III. VER TAMBIÉN EN CHAUMONT-SUR-LOIRE EN 2017

IV. EL DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRE 1. Una misión plural2. Un ambicioso proyecto cultural 3. Los actores del Dominio4. Obras e instalaciones 2008 - 20165. Agenda 2017

V. INFORMACIONES PRÁCTICAS

VI. SELECCIÓN DE VISUALES DISPONIBLES PARA LA PRENSA

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DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRECENTRO DE ARTE Y NATURALEZA9ª TEMPORADA DE ARTE DE CHAUMONT-SUR-LOIRE

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En la 9ª temporada de arte de Chaumont-sur-Loire que, como todos los años, celebra el vínculo entre arte, naturaleza y patrimonio, estarán presentes 13 nuevos artistas. En primer lugar Sheila Hicks, norteamericana que lleva mucho tiempo instalada en Francia, ha difundido los suntuosos colores de una instalación monumental, en las paredes de la Galería del Henil, en el marco de un gran encargo financiado par la Región Centro-Valle del Loira.Otro evento de 2017: una exposición de un artista poco común e inclasificable, Sam Szafran, cuya pasión por la naturaleza y el mundo vegetal es la fuente de una obra de una excepcional fuerza poética. Sus fabulosas arborescencias verdes pueden admirarse en las Galerías Altas del Castillo.2017 también verá el retorno del gran artista ghanés El Anatsui, que realizará para el verano una obra inspirada en las gabarras del Loira.El escultor Stéphane Guiran ha sublimado el Picadero de las Caballerizas con una espectacular instalación de flores de cuarzo translúcidas, titulada “Le Nid des Murmures”.Por su parte, Sara Favriau ha montado sus cabañas con la delicadeza de una tela de araña y sus columnas esculpidas en el Granero de las Abejas, mientras que Marie Denis y Karine Bonneval han sembrado sus delicadas plantas de azúcar, herbarios y otras preciosas “paciencias” en los apartamentos privados del Castillo y en el Establo de asnos.Ursula von Rydingsvard ha colocado su monumental escultura “Anastasia” en el Parque Histórico. Andrea Wolfensberger ha tomado posesión de la Galería Alta del Establo de asnos con sus esculturas de cartón, mientras que Mâkhi Xenakis expone delicadas corolas en la galería del Patio de los Jardineros.

Por último, en consonancia con el tema 2017 del Festival Internacional de Jardines, relacionado con el “poder de las flores”, dos creadores, virtuosos de la herramienta digital, nos hacen descubrir universos fantásticos: Miguel Chevalier, en el Parque Histórico, con su obra “In out-Paradis artificiels” y Davide Quayola, en la Galería baja del Henil, con fascinantes “jardins d’été”, procedentes de una estancia en Chaumont-sur-Loire. En cuanto a la artista británica Rebecca Louise-Law, ha esparcido, bajo el tejadillo de las Caballerizas, miles de flores naturales que se añaden a las flores de vidrio o de azúcar y a las flores virtuales del año 2017, dando así un perfume de Edén a esta nueva temporada de arte.

Chantal Colleu-DumondComisaria de la 9a temporada de arte

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I. ARTES PLÁSTICASENCARGO ESPECIAL DE LA REGIÓN CENTRO-VALLE DEL LOIRA A SHEILA HICKS


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PROCEDIMIENTO DE LA ARTISTA

En un castillo, que alberga una importante colección de tapicerías antiguas, obras y jardines mundialmente reconocidos, y después de las “fleurs fantômes” de Gabriel Orozco inspiradas en los papeles pintados de las habitaciones de los Invitados de la Princesa de Broglie y las vidrieras de Sarkis, lo más natural era invitar a una artista que ha encumbrado un arte que recurre a todas las potencialidades que ofrecen las bellezas de la naturaleza.

Sheila Hicks utiliza con un fantástico virtuosismo el hilo, las fibras y sus colores, como un pintor usa sus pigmentos.

Para ella, cada creación es un viaje, una exploración que inicia con los maravillosos volúmenes coloreados y los cordajes monumentales en un amplio abanico de fibras naturales y sintéticas, que la acompañan permanentemente y con los que inventa sus universos infinitamente poéticos.

Instalaciones monumentales o delicados collages y tejidos de lana o de lino que forman parte de la misma ciencia del color de esta artista inmensa, que conoce profundamente todas las prácticas relacionadas con el hilo que pudo descubrir en los lugares más insólitos, en sus innumerables viajes de descubrimiento.

SHEILA HICKS

“GLOSSOLALIA”GALERÍA DEL HENIL


PROGRAMA 2017ARTES PLÁSTICAS

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Sheila Hicks à Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

Double page :“Glossolalia”,

installation de Sheila Hicks pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

REFERENCIAS BIOGRÁFICAS

En 1964, Sheila Hicks decidió instalarse en París para vivir y fundar su taller. Nació en Nebraska en 1934, fue alumna de Josef Albers y George Kubler en la Yale School of Art and Architecture y gracias a los conocimientos adquiridos en sus viajes a América del Sur y a una estancia de cinco años en México, ha convertido su taller parisino, en el que se instaló, en el centro, siempre activo, de una obra abierta donde hilos y tejidos dan forma a un “lenguaje internacional” táctil, sensible e inmediato. Para ella, la creación es un proceso en movimiento, que se alimenta de encuentros y diálogos que la marcan, de culturas y de las técnicas estudiadas, de las arquitecturas aplicadas en sus instalaciones.Desde los años 1960, Sheila Hicks elabora una obra que encuentra su punto de equilibrio en la intersección de las artes aplicadas y del arte contemporáneo. En 2016, participó especialmente en la 20ª Bienal de




Sydney, en el Glasgow International Festival y en Weaving & We-2nd Triennial of Fiber Art de Hangzhou. El mismo año, el Joslyn Art Museum de Omaha (Nebraska) le dedicó una retrospectiva titulada Sheila Hicks: Material Voices. En Francia, expuso en 2014 en el Palais de Tokyo (París) y en el Consortium (Dijon). Fuera de Francia expuso en la 30ª Bienal de São Paulo en 2012, en la Bienal de Whitney (Nueva York) en 2014 y en la Hayward Gallery (Londres) en 2015.

Será la invitada de la Bienal de Venecia en 2017 y del Centre Pompidou en 2018.

Double page :“Glossolalia”,


HACER DE UNA LÍNEA UNA OBRA

“Para mí, Chaumont-sur-Loire es un lugar aparte, como un refugio, un espacio donde tengo una gran libertad de creación.

La galería del Henil es un espacio totalmente fuera de lo común, cuya arquitectura me inspiró inmediatamente. En seguida se me ocurrió la idea de utilizar los abrevaderos de este establo donde se alimentaba a los terneros en la época de la Princesa de Broglie, como receptáculo de las bolas de pigmentos naturales acumuladas, ellas también alimento y base de las obras instaladas en las paredes y en el espacio.

Los “satélites” enganchados a las paredes son como constelaciones de un jardín interestelar e interplanetario.El hormigón gris de esta galería, antiguo y patinado por el tiempo, permite un diálogo fecundo con los colores infinitos de las fibras.

En este Dominio, donde la naturaleza desempeña un importante papel, utilizo por primera vez elementos naturales, como las ramas, las ramitas, los haces de leña que se entremezclan con las cuerdas y los pigmentos. He querido unir la naturaleza con las fibras y los hilos que son lo propio de mi trabajo.Estos elementos se asocian a un panel central tejido a mano, en Guatemala, como un rico paisaje formado por suntuosos colores primarios y a esta colada amarilla y oro, como una cascada celeste, que nos aporta paz.

La obra se titula “GLOSSOLALIA”, ‘glossolalie’, que es la expresión de una lengua misteriosa e incomprensible, como los signos que corren por los muros de la galería: sánscrito, estenografía... cada uno debe reconocer estos lenguajes reales o inventados, que quizá sean el lenguaje de los ángeles.


Si se encuentran algunos elementos habituales de mi vocabulario, lo que he creado en Chaumont-sur-Loire es único.Lo que siempre me ha inspirado es el rechazo de la repetición, el deseo de no volver a hacer lo que ya he creado. Deseo estar en la invención continua, y crear algo que no existe.

Una de las claves de esta sed de renovación permanente debe encontrarse en los universos contradictorios de mi infancia: el del “general store” que tenía mi abuelo materno en la ciudad, donde me enfrentaba al dilema constante de tener que elegir entre la multitud de objetos, y el de la granja de mi abuela paterna Ida, más sobria, donde había que inventarlo todo con nada, constantemente. Estas influencias opuestas son una de las claves de mi obsesión perpetua por la creación.

Me gusta crear colores que no existen en la naturaleza. Invento permanente nuevos descubrimientos. Así, estos satélites coloreados instalados en los muros proponen impactos y sorpresas.

Para mí, todos los colores pueden ir juntos. Esto depende de la cantidad de diferentes capas de materia, de la cantidad de luz y de la densidad de las sombras de las rayas de color, de los hilos de seda o de lino entrelazados, tensados, que confieren su presencia a las obras.

Del color nace una energía, una fuerza espiritual, un sentimiento de paz.

Sin duda los colores generan emociones puras y hablan directamente a las almas.” Sheila Hicks



Page de droite :“Glossolalia”,


ARTES PLÁSTICAS


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PROYECTO ARTÍSTICO

Sam Szafran es un artista atípico, un pintor totalmente libre e inclasificable, fuera de normas, fuera de las corrientes. Con una sensibilidad y una cultura excepcionales, ha sabido transformar los múltiples sufrimientos de una vida difícil en una obra de una fuerza y de una virtuosidad completamente singulares.

En cerca de 2.000 obras, se cuentan 800 acuarelas y 1.200 pasteles de una increíble riqueza cromática, creados con una destreza prodigiosa por este artista que declara “disponer de material para dibujar durante 400 años”.“Sus dibujos son pretextos para un juego abstracto de un perfecto dominio que anima lo inanimado y que da… la potencia de la vida a lo inerte”. Jean Clair

Tres temas principales recorren su obra de manera obsesiva: los talleres, las escaleras y las plantas.

Sus follajes y arborescencias fantásticas se mostrarán en Chaumont-sur-Loire con motivo de una exposición que reúne muchas obras maestras del artista, procedentes de colecciones privadas.Con sus junglas inextricables de filodendros, sus cascadas impresionantes de hojas finamente talladas de monsteras, Sam Szafran reinventa la naturaleza, concentrada en extraordinarios jardines colgantes. La exuberancia a la

SAM SZAFRAN

“ARBORESCENCES”GALERÍAS ALTAS DEL CASTILLO

© Didier Gicquel

vez vertiginosa y misteriosa de estos paisajes interiores contiene una increíble potencia poética.

“Siempre hay una sensación de desequilibrio en lo que hago.”“Tengo una perspectiva que se acerca más a la perspectiva árabe, basada en el óvalo del ojo, que en la perspectiva geométrica tradicional, que se caracteriza por una línea de horizonte y puntos de fuga”.“Destaca otra cosa, otro ambiente, otro sistema, otra forma de ver. Es una invención que recomienza de forma perpetua.”“Necesito caos, mi taller es un caos entre las pilas de libros, los pasteles por todas partes y los objetos amontonados. Para crear algo necesito partir del caos”. Sam Szafran


Sam SZAFRAN, Sans titre, 2016. Aquarelle sur carton, 200 x 300 cm. Galerie Claude Bernard© GCB /Jean-Louis Losi, Paris

ADAGP, Paris


1934, Nace el 19 de noviembre en París. Primogénito de emigrantes judíos-polacos, pasa los primeros años de su infancia en el barrio des Halles en París.1940-1944, Durante la guerra, Sam Szafran escapa a la Redada del Velódromo de Invierno y, al principio, se esconde en la casa de unos campesinos en Loiret. Hecho prisionero en Drancy, es liberado por los norteamericanos y se refugia en Lot en la casa de unos Republicanos españoles. 1944, Enviado por la Cruz Roja a Winterthur en Suiza, su padre y gran parte de su familia mueren en los campos nazis.1947, Parte con su madre y su hermana a Melburne (Australia) a casa de su tío.1951, Regresa a Francia, sigue clases de dibujo en París y lleva una vida de artista especialmente difícil y precaria.1953-1958, Academia de la Grand Chaumière en el taller de Henri Goetz. Conoce a Jean Ipousteguy, Orlando Pelayo, Jacques Delahaye, Nicolas de Staël, Jean-Paul Riopelle, Joan Mitchell, Yves Klein, Jean Tinguely y a muchos otros; varios talleres improvisados.Descubrimiento de los collages de Kurt Schwitters y de las materiologías y texturologías de Dubuffet, Hantaï y Réquichot.1958-1965, Período de las Coles. El regalo de una caja de pasteles marca un giro importante en su obra; el pastel pasa a ser su herramienta predilecta.1961, Encuentro determinante con Alberto Giacometti.1963, Matrimonio con Lilette Keller.1964, Nacimiento de su hijo Sébastien; Szafran entra en la galería Claude Bernard.1965, Encuentro con Jacques Kerchache, que organiza la primera exposición individual del artista.1969-1970, Período de los Talleres.1970, “Fusains”, exposición en la Galería Claude Bernard, París.1972, “Pastels”, exposición en la Galería Claude Bernard, París. Período de las Imprentas. Durante un tiempo, se une a Arrabal, Roland Topor y al grupo Pánico.

1974, Se muda a Malakoff, en donde sigue viviendo en la actualidad. Premiers Escaliers. Exposición en la Galería Artel, Ginebra.1977-1978, Primeras acuarelas que desarrolla en torno al tema de los Talleres, Invernaderos y Escaleras.1980, “Pastels”, exposición en la galería Claude Bernard, París.1987, “Aquarelles”, exposición en la galería Claude Bernard, París.Hacia 1987, Comienza a combinar el pastel y la acuarela, lo seco y lo mojado, en torno al tema de los invernaderos, las escaleras y las ciudades.1988-1989, Exposición individual en la Caja Iberia, Zaragoza.1992, Exposición individual en la Galería Vallois, París.1993, Gran Premio de las Artes de la Ciudad de París.1999-2000, “Cinquante ans de Peinture”, Retrospectiva en la Fundación Pierre Gianadda en Martigny, Suiza, Comienzo de los grandes Paisajes urbanos.2000-2001, Retrospectiva en el museo de la Vida romántica, París.2004-2005, Trabaja con el ceramista Juan Gardy Artigas para el Pavillon Szafran, exposición Le Pavillon Szafran en la Fundación Gianadda, Martigny.2008, Exposición Galería Hopkins-Custot, Pabellón de las Artes y del Dibujo, Jardín de las Tullerías, París.2010, Retrospectiva en el Museo Max Ernst de Brühl, cerca de Colonia, Alemania.2011, Premio Piero Crommelynck.2013, Retrospectiva en la Fundación Gianadda, Martigny, en donde muestra por primera vez sus formatos muy grandes. Comendador de la orden de las Artes y las Letras.

Sam Szafran está representado por la Galería Claude Bernard.




Sam SZAFRAN, Sans titre (Lilette dans les feuillages), 2005. Aquarelle et pastel sur papier, 41 x 31,5 cm. Collection privée

© GCB /Jean-Louis Losi, ParisADAGP, Paris

Sam SZAFRAN, Feuillage, 1989. Aquarelle, 150 x 100 cm. Collection privée© GCB /Jean-Louis Losi, ParisADAGP, Paris

PROYECTO ARTÍSTICO

Mundialmente respetado y reconocido, a fortiori desde que recibió el León de Oro de la Bienal de Venecia en 2015 por la totalidad de su obra, El Anatsui es conocido por sus esculturas de madera y sus ensamblajes complejos de materiales reciclados. A finales de los años 1970, dio prioridad a la utilización de cascos de botellas de vidrio y de fragmentos de cerámicas (serie Pots cassés, 1976-1982). Dos décadas después, realizó sus primeras piezas de “tejidos” a partir de “materiales pobres”.

Las instalaciones murales monumentales de El Anatsui (Sasa (Abrigo), 2004, Col. MNAM-CCI, Centre Pompidou), así como sus esculturas en el suelo (Tiled flower garden, 2012; AG + BA, 2014) están formadas por “materiales de desecho”: cápsulas de botellas de aluminio, latas de bebidas machacadas y aplastadas e incluso chapas cortadas. El artista ensambla cuidadosamente estos materiales y los une entre sí con alambres de cobre. En primer lugar, las piezas se componen en el suelo y después se fijan a la pared. Sus formas flexibles e irregulares evocan drapeados, tapices y trajes (Man’s Cloth, Woman’s Cloth, 2002). Las obras, de colores vivos y tornasolados, se inspiran en las grandes telas kente, piezas con motivos simbólicos vestidas por los jefes de Ghana.

Como si fueran telones o tapices preciosos, sus colgaduras metálicas han engalanado muchas fachadas prestigiosas, del Palazzo Fortuny en la 52ª Bienal de Venecia (Fresh and Fading Memories, 2007), a la Alte Nationalgalerie de Berlín (Ozone Layer and Yam Mounds, 2010), pasando por el Palais Galliera, en París (Broken Bridge, 2012), la Royal Academy de Londres (TSIATSIA – searching for connection, 2013), etc. Cubrió la High Line, antigua vía férrea aérea de Nueva York, convertida en un parque colgante, con una “pared” de metal y espejos (Broken Bridge II, 2012-2013).

El Anatsui se inspira en las tradiciones africanas de reciclaje y de utilización para otros fines de objetos manufacturados usados. Ha sabido erigir la recuperación en eje del proceso creativo. Sus obras cuestionan el comercio mundial, la destrucción y la transformación de los materiales, símbolos de los eventos acaecidos en el continente africano.

“El arte surge según las situaciones particulares, y creo que los artistas sólo pueden beneficiarse de lo que su entorno les proporciona”.“Art grows out of each particular situation and I believe that artists are better off working with whatever their environnment throws up”. (El Anatsui: Gawu: [Oriel Mostyn Gallery, Llandudno, 22 November 2003 - 7 January 2004] / [forew. by Martin Barlow; texts by Sylvester Okwunodu Ogbechie and Atta Kwami; interview with El Anatsui by Gerard Houghton], Llandudno: Oriel Mostyn Gallery, 2003).

En Chaumont-sur-Loire, El Anatsui fue invitado a intervenir en 2015 en la Galería del Henil donde creó una obra excepcional “XiXe” presentada hasta febrero de 2017. En 2016, en el Parque Histórico, realizó una obra “Ugwu”“, que significa “colina”, siguiendo la tónica de las esculturas de madera que le gusta crear, inspirándose esta vez en el entorno que rodea el Dominio.

En 2017, se inspira en las gabarras del Loira, barcos tradicionales de fondo plano, que utiliza para crear una nueva obra vinculada al Pediluvio del Patio de la Granja.

El Anatsui à Chaumont-sur-Loire, 2015© Eric Sander

EL ANATSUI

PEDILUVIO DEL PATIO DE LA GRANJA




© Eric Sander


El Anatsui nació en Anyako (Ghana) en 1944. Vive y trabaja en Nsukka (Nigeria). Diplomado por el Colegio de Arte de la Universidad de Ciencia y Tecnología de Kumasi en Ghana (1969), completó su formación clásica con el aprendizaje de las antiguas técnicas de la cultura ashanti: grabado, cerámica, alfarería, etc. En los años 1970, se unió al grupo de artistas nigerianos Nsukka, asociado a la Universidad de Nigeria. Fue profesor en la Universidad de Nigeria de 1975 a 2011.

En 1990, fue uno de los cinco artistas seleccionados para representar a África en la 44ª Bienal de Venecia.

Ha expuesto sus obras en todo el mundo: Mnuchin Gallery, Nueva York (2014); Jack Shainman Gallery, Nueva York (2014); Royal Academy of Arts, Londres (2013); Akron Art Museum, Akron, Ohio, Estados Unidos (2012) (exposición itinerante (2012-2015): Gravity and grace: Monumental Works by El Anatsui; Brooklyn Museum, Nueva York; Des Moines Art Center, Iowa; Bass Museum of Art, Miami; Museum of Contemporary Art San Diego, California); Sterling and Francine Clark Art Institute (The Clark), Williamstown (2011); National Museum of Ethnology, Osaka, Japón (2010); Royal Ontario Museum, Toronto (2010) (exposición itinerante (2010-2012): El Anatsui: When I Last Wrote To You About Africa); National Museum of Ethnology, Osaka, Japón (2010) (Exposición itinerante (2010-2011): A fateful Journey: Africa in the Works of El Anatsui); Rice University Art Gallery, Houston (2010); Jack Shainman Gallery, Nueva York (2013, 2010, 2008); Metropolitan Museum of Art, Nueva York (2008); National Museum for African Art, Smithsonian Institute, Washington; 52ª Bienal de Venecia (2007); Biennale of African Art, Senegal (2006); Hayward Gallery, Londres (2005); Museum Kunst Palast, Düsseldorf, Alemania (2004) (exposición itinerante (2004-2007): Afrika Remix; Centre Pompidou, París; Mori Art Museum, Tokio; Moderna Museet, Estocolmo); Bienal de Gwangju, Corea del Sur (2004); National Museum of African Art, Smithsonian Institute, Washington (2000-2001); Centre

de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB, 2001); 8ª Trienal de Escultura de Osaka, Japón (1995); 44ª Bienal de Venecia (1990), etc.

En 2013, ganó el prestigioso Charles Wollaston Award por su obra TSIATSIA (searching for connection, 2013). Esta gigantesca colgadura tornasolada, creada a partir de materiales reciclados, adornó la fachada de la Burlington House en la exposición de verano de 2013 de la Royal Academy of Arts de Londres (Royal Academy’s 245th

Summer Exhibition).En 2014, El Anatsui fue ascendido al grado de Académico honorario en la Royal Academy of Arts de Londres.

En 2015, recibió el León de Oro de la Bienal de Venecia por el conjunto de su obra.

Sus obras están presentes en las colecciones públicas: African Studies Gallery, University of Nigeria, Nsukka; MNAM-CCI, Centre Pompidou, París; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; The Museum of Modern Art, Nueva York; Los Angeles County Museum of Art, California; Indianapolis Museum of Art, Indianápolis; The National Museum of African Art, Smithsonian Institute, Washington DC; Royal Ontario Museum, Toronto; Missoni, Milán; Musée Ariana, Ginebra; The British Museum, Londres; Clarks International Art Collection, Somerset; Guggenheim Abu Dhabi, Abu Dabi; Osaka Foundation of Culture, Osaka; Setagaya Art Museum, Tokio, etc.

El Anatsui está representado por: Jack Shainman Gallery, Nueva York; October Gallery, Londres e Inception Gallery, París



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URSULA VON RYDINGSVARD

“ANASTAZIA”PARQUE HISTÓRICO

PROYECTO ARTÍSTICO

Las esculturas macizas de Ursula von Rydingsvard revelan la huella de la mano humana y se asemejan a cuencos de madera, herramientas y muros que parecen hacer eco al patrimonio familiar de la artista en la Polonia preindustrial antes de la Segunda Guerra Mundial. La artista pasó su infancia en campos nazis y en los campos de refugiados de posguerra, y sus primeros recuerdos dolorosos inspiran su trabajo con una gran potencia emocional. Ursula von Rydingsvard construye altas estructuras de cedro, creando una red compleja de vigas individuales, moldeada por cortes afilados y poéticos pegados juntos para formar superficies sensuales, puzzle-like... Ursula von Rydingsvard ha recibido muchos premios, entre los cuales un premio Joan Mitchell (1997), un Oscar de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras (1994) y becas de la Fundación John Simon Guggenheim (1983) y del National Endowment for the Arts (1979, 1986). Recibió el premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (1992, 2000). Ha expuesto en el Madison Square Park, Nueva York (2006) en el Museo Neuberger, Universidad Estatal de Nueva York (2002) y en el Storm King Art Center (1992). Ursula von Rydingsvard vive y trabaja en Nueva York.




Ursula von Rydingsvard nació en 1942 en Deensen, Alemania. Obtuvo un BA y un MA de la Universidad de Miami, Coral Gables (1965), un MFA de la Universidad de Columbia (1975) y un doctorado honorífico del Maryland Institute College of Art, Baltimore (1991).Famosa escultora, la artista trabaja en Brooklyn, Nueva York desde hace 30 años. Después de obtener su título de la Universidad de Columbia en 1975, comenzó a trabajar con un material privilegiado: el cedro.Ursula von Rydingsvard es conocida sobre todo por esculturas a gran escala, a menudo monumentales, realizadas con vigas de cedro que corta y ensambla, recubriéndolas de grafito en polvo. Utiliza deliberadamente planchas de cedro trituradas de diferentes longitudes.


“Estas formas abstractas como firmas se refieren a cosas en el mundo real, revelando la marca de la mano humana invocando formas y fuerzas naturales. Incluyen típicamente vasos simples y cuencos. Muchas sugieren herramientas u otros artefactos como palas, cucharas y cercados o hacen alusión a las viviendas primitivas, a las formaciones geológicas, al paisaje o al cuerpo”.

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installation d’Ursula von Rydinsgvard pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander


Stéphane Guiran nació en 1968 en Francia, en Var. Vive y trabaja en Eygalières y Barcelona. Después de recibir una formación en la Escuela Superior de Ciencias Económicas y Comerciales, en 2001 abandonó el mundo del grafismo para dedicarse a la escultura.De 2002 a 2011, realizó principalmente obras a partir de líneas de acero, en la continuidad de sus primeros años en torno al grafismo. En 2004, se capacitó en la fundición durante un año de residencia en Barcelona que le abrió las puertas de la escultura monumental. En este período, su trabajo depurado sobre la línea evoca una escritura imaginaria que se despliega en el espacio, frecuentemente inspirada en la caligrafía y los haikus japoneses.En 2011, se incorporó a la galería Alice Pauli y comenzó a explorar otros medios de expresión: en primer lugar la fotografía, en torno a los reflejos en la serie de las “Symétries”. Después exploró el vidrio y el cristal, que rápidamente ocuparon una parte preponderante en su obra. El cristal le condujo a formas más orgánicas, ampliamente inspiradas por su íntimo vínculo con la naturaleza. Recorrió el cristal bajo diferentes expresiones contemporáneas, como material reciclado a través de su trabajo sobre el vidrio pulverizado, como píxel o elemento de dibujo, o en diálogos con los cristales procedentes de la naturaleza y otras piedras cristalinas.La naturaleza y la abstracción viven en su trabajo como las dos caras del mismo espejo. Sus últimas creaciones enlazan su trabajo de escultura con el de la imagen, a través de instalaciones que pueden mezclar el cristal y el vídeo, en las que pretende implicar al espectador en las emociones que le suscitan los cristales.

STÉPHANE GUIRAN

“LE NID DES MURMURES”PICADERO DE LAS CABALLERIZAS

PROYECTO ARTÍSTICO

Stéphane Guiran ha concebido una instalación extraordinaria de flores de cuarzo para el Picadero de las caballerizas de Chaumont-sur-Loire, acumulación suave e infinitamente poética en concordancia con la arquitectura del Picadero.

“Imaginé un nido hecho con geodas encontradas en el Atlas marroquí. Flores de piedras cosechadas manualmente por el Hombre. Como poemas recogidos en la tierra. De estas geodas quebradas florece una dulce pureza. La del cuarzo, este guardián de los susurros. Se confiere al cuarzo blanco esta magia de dar eco a los pensamientos y emociones. De cantar las palabras silenciosas escondidas en nosotros mismos.Una creación sonora compuesta a partir de susurros de niños ilumina este viaje poético.El Picadero de las Caballerizas del Dominio de Chaumont-sur-Loire vibra con una arquitectura singular. Anclada. Irradia la base terrestre de este antiguo horno en el que se cristalizaba la materia. Aérea.

Respira la ligereza de una catedral acompasada por estas ventanas abiertas a los vientos y a los pájaros.Reunidas en este estuche entre tierra y cielo, las cuatro mil geodas de cuarzo se convierten en un inmenso amplificador de susurros. Un potenciador de silencio. Que cada visitante se atreva a depositar sus sueños. Sus deseos. Sus fantasías secretas. Y estos silencios levantarán

el vuelo, por las ventanas abiertas, con el soplo del viento. Hasta los oídos del Mundo. Hasta el tarareo de las estrellas, que los convertirán en Constelaciones. Tejiendo una carta cantada hecha de capullos de sí mismo. De sueños listos para eclosionar. Para construir un mundo en el que la poesía guíe a los seres hacia el despertar que duerme en ellos”. Stéphane Guiran




Double page :“Le Nid des Murmures”,

installation de Stéphane Guiran pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

Stéphane Guiran à Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

PROYECTO ARTÍSTICO

Sara Favriau esculpe la madera con una energía y una imaginación excepcionales, trabajando el material hasta concebir formas con la delicadeza de una tela de araña que juegan con el espacio del Granero de las Abejas, como sus asombrosas “colonnes grignotées”.

Sara Favriau se entrega a la idea de la prolongación, creando puentes entre la forma y el contenido. Hace suyas las técnicas clásicas de trabajo y las prolonga con los códigos actuales: el moldeado transforma los blísteres en bajorrelieves antropomórficos, la escultura de listones mecanizados dibuja la trama de las cabañas, la marquetería de las capas de la madera contrachapada genera el motivo de una celosía de madera. “Esta puerta abierta es lo que hace que la obra exista, liberándola de toda descripción, dudando entre forma y sentido”.

Recientemente, la artista comenzó un trabajo escultórico a partir de listones de madera utilizados en el sector de la construcción. Los corta, esculpe y ensambla para crear aldeas de cabañas de diferentes dimensiones, de la móvil a la vivienda. Da una nueva funcionalidad a estos trozos de madera, una segunda vida. Esculpidos, estos vulgares listones son a la vez más sólidos (porque los corta en el sentido de la fibra) y más frágiles (ya que son más finos). “Ennoblezco la función de “armazón” mediante procedimientos y gestos sencillos. El objeto se vuelve híbrido, entre estructura y adorno, y ofrece una nueva fase de lectura, más allá del proceso de fabricación”.


Sara Favriau nació en 1983, vive y trabaja en París. Explora las prácticas antiguas y actuales. En forma de palimpsesto, las técnicas clásicas se mezclan con las contemporáneas. Su búsqueda es una tentativa de reflexión poética sobre los mecanismos de la Historia. Trabaja a partir de materiales recogidos generalmente en el sector de la industria y desvía la función original del producto, liberándolo de su camino tradicional para hacerle seguir uno más sencillo. De esta síntesis, nace la posibilidad de una historia. Sara Favriau se tituló en la Escuela Superior Nacional de Bellas artes de París (taller Giuseppe Penone) en 2007, después de residir en la Villa Médicis en 2005. En 2014,

SARA FAVRIAU

“OU, PROLOGUE POUR UNE CHIMÈRE”GRANERO DE LAS ABEJAS

obtuvo el Premio a la mejor instalación YIA Art Fair#04 y, en 2015, fue galardonada con el Premio Descubrimiento de Los amigos del Palais de Tokyo. El mismo año, la Galería Maubert le dedicó su primera exposición individual, “La houle se déroulant au fracas de la coque (…), je sabrais l’écume” (El oleaje golpeaba el casco con estruendo (…), yo cortaba la espuma). De febrero a mayo de 2016, Sara Favriau realizó una exposición individual en el Palais de Tokyo: “La redite en somme, ne s’amuse pas de sa répétition singulière” (En resumen, el reiteiración no se divierte con su repetición singular).




Sara Favriau à Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

Double page :“où, prologue pour une chimère”,

installation de Sara Favriau pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

KARINE BONNEVAL

“SACCHARUMANIA”CASTILLO

PROYECTO ARTÍSTICO

Son flores de azúcar, frágiles y poéticas esculturas de este material inesperado, con aspecto de mármol tallado, que Karine Bonneval dispone en vitrinas instaladas en los apartamentos históricos del Castillo.

“Desde hace varios años, Karine Bonneval concentra su búsqueda en las relaciones paradójicas que mantenemos con los seres vivos a través de las nociones de territorio, exotismo, exploración, hibridación y materias primas, cuestiona nuestra relación con la naturaleza, que el hombre ha domesticado sin comprender siempre que él es parte integrante de todo lo que domina. Con la escultura, el vídeo y la instalación, intenta poner de manifiesto esta alteridad necesaria entre el ser humano y los demás seres vivos, especialmente vegetales. Con poesía, pero también con malicia, asociando lo natural y lo artificial, lo artesanal y lo industrial, plantea la cuestión de la adaptación, del diálogo con un medio constituido por nuestros interlocutores privilegiados”. Gunther Ludwig, 2015

La caña de azúcar es el vegetal más cultivado en el mundo.“¿De dónde viene lo que comemos? El hombre ve la naturaleza como una curiosidad. La acosa, juega con ella, la utiliza como una despensa. Desde hace millones de años, el hombre descifra su medio, lo que puede aportarle.

A menudo, tiene miedo y quiere dominarlo. Contragolpe garantizado.El azúcar es nuestro placer y una de las peores lacras de la humanidad. A los humanos les gusta el azúcar. Lo buscan frenéticamente desde la prehistoria. Alejandro, conquistador de Grecia, trajo la caña de azúcar de la India y la aclimató en el Mediterráneo antes de que los colonos la cultivaran en las Antillas. Estos últimos, con la complicidad de los jefes africanos, instauraron la peor de


Nació en 1970 en La Rochelle, vive en la región Centro-Valle del Loira.

Expositions personnelles (sélection)2015Dendromité, ESAD Orléans, Francia2012Bonpland et Acclimatation, projection et rencontre à l’Alliance française en association avec le MAMBA, Buenos Aires, ArgentinaMoteurs !, exposition à la borne du pays où le ciel est toujours bleu, La Châtre, FranciaJe cherche des parfums nouveaux, des fleurs plus larges, des plaisirs inéprouvés, la Maréchalerie énsa-v, Versailles, FranciaHybrides véhicules, Galerie MET de la Châtre, París, Francia2010Dans un jardin, musée des Beaux-Arts, Rouen, FranciaProjection d’Acclimatation, Faculté d’Arts plastiques, Lille, Francia

Expositions collectives (sélection)2016La force de l’empathie, Watou kunstenfestival, BélgicaBack to the trees, forêt de Chaux, FranciaFantômes et apparitions, Château du Rivau, Lémeré, FranciaMicroscopie du Banc, Micro Onde, Vélizy-Villacoublay, Francia2015Jardins d’hiver, La Graineterie Centre d’Art, Houilles, FranciaChimères, Château du Rivau, Léméré, FranciaTriennale de Vendôme, FranciaJardiniers terrestres, jardiniers célestes, biennale d’art contemporain de Melle, FranciaGlocauAir, open studios, Berlin, Alemania2014Les habits de château, Château de Maisons, Maisons-Laffitte, FranciaMarc Plas invite, Galerie the window, Paris, FranciaA posteriori, ensa-v, Versailles, FranciaLe secret, Château du Rivau, Léméré, Francia2013Design culinaire à 4 mains, avec Carole Belenus, MAC/VAL, Vitry-sur-Seine, FranciaPasse-moi le sel ! , 15ème parcours contemporain, Fontenay le Comte, FranciaDés-tresse et délacé treize, Maison des tresses et lacets, Parc Naturel Régional du Pilat, Francia




las esclavitudes. Napoleón hundió el comercio triangular que tanto enriqueció a Nantes y Burdeos animando a Delessert a desarrollar la remolacha azucarera. Pero la herida de la esclavitud todavía tardó medio siglo en cerrarse. Actualmente comemos demasiado azúcar y la diabetes es una de las enfermedades más temibles de la humanidad. Hay que desconfiar del azúcar”. Gilles Fumey, geógrafo de la alimentación, 2013, acerca de Makarka y de las indumentarias de exploradores.

La caña de azúcar ilustra los complejos vínculos que mantenemos con las plantas.Saccharum officinarum es una planta de la que no se conoce con certeza su origen geográfico. Difundida por el hombre y cruzada con otras especies de caña de azúcar, ya no existe en estado silvestre. Son las primeras plantas cultivadas a nivel mundial.“El oro blanco”, antiguamente producido gracias a la esclavitud y origen de guerras, actualmente es un producto básico, barato en todo el mundo. Pero su blancura y su cristalización en forma de lentejuela conservan la ambigüedad de nuestra historia común.

Karine Bonneval à Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

Double page :“Saccharumania”,

installation de Karine Bonneval pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

MARIE DENIS

“HERBIER DE CURIOSITÉS”ESTABLO DE ASNOS

PROYECTO ARTÍSTICO

Muy creativa y profundamente vinculada a la naturaleza, Marie Denis propone en Chaumont-sur-Loire un poético cuarto de maravillas vegetales, jugando con sutileza con la arquitectura del Establo de asnos y del Patio de la Granja.

La naturaleza es la “sustancia nutricia” de Marie Denis que recurre a múltiples técnicas de creación: los trenzados, los ensamblajes y las esculturas que transforman el vegetal no tienen secretos para esta artista: palmeras, ramajes y follajes diversos que reinventa y sublima con una gran delicadeza.

Marie Denis colecciona con pasión objetos inéditos y diversos, mezclando con sutileza lo natural y lo artificial y recurre a asociaciones libres de imágenes y de pensamientos en torno a la idea de naturaleza, con herbarios fantásticos o “paciencias”. Los reciclajes, los ensamblajes, las interrelaciones y las reinterpretaciones de diferentes objetos no tienen secretos para esta artista.

Marie Denis dialoga permanentemente con las formas de la naturaleza. Desgrana sus herbarios y sus “esculturas de curiosidades” en un diálogo reivindicado con el patrimonio. Le gusta volver sin cesar sobre su trabajo, por los formatos que hace evolucionar y por las cinceladuras de los materiales.


Marie Denis nació en 1972 en Bourg-Saint-Andéol, en Ardèche. Vive en París y trabaja en todo el mundo. Después de estudiar Bellas artes en Lyon, fue pensionista en la Villa Médicis en 1999. Su obra es escultórica, y “los reinos” de la naturaleza son su hilo de Ariadna.Sus esculturas, objetos y fotografías se complacen en apartarse de las reglas y los conocimientos para poetizarlos. Marie Denis está representada por la Galería Alberta Pane.

Últimas exposiciones individuales2016L’Herbier Noir, Galerie Alberta Pane, París, FranciaPâques et salon rouge, Galerie Kamila Régent, Saignon, Francia2015Secret Garden, Bruselas, BélgicaL’Installation éphémère, Galerie Kamila Régent, Saignon, Francia2014Patrimoine culturel, patrimoine naturel, Journées européennes du patrimoine, Hôtel du ministre, Quai d’Orsay, París, Francia 2013Un Jardin, Plot Hr, Rouen, Francia Lucy, Galerie Alberta Pane, París, FranciaYIA Art Fair (Young International Artists), Galerie Alberta Pane, Lille, FranciaLa Forêt de l’art contemporain, œuvre spécifique pour site, Forêt des Landes de Gascogne, Francia

Últimas exposiciones colectivas2016 Paysages sublimés, Centre d’art contemporain Chanot, Clamart, FranciaEntrare nell’ opera, Galleria Massimodeluca, Mestre, Italia Xème Biennale de Gonnesse, FranciaFlower Power, Galerie de multiples, París, Francia2015Choices Collectors Week-end, Palais des Études des Beaux-Arts, París, Francia

Jardins d’hiver, La Graineterie, Houilles, FranciaSLACK ! Deux-Caps Art Festival, Artists installations 16 km de balades insolites, 36 km de côte, FranciaContresens-Dissidence–Tolérance, une sélection d’œuvres des Abattoirs – Frac Midi-Pyrénées, FranciaRésidence duo/Atelier-Refuge Marie Denis & Nathalie Prally, Ardèche, FranciaStudio à l’invitation de Kamila Régent - nappe brodée in progress - “caresses”COOP CLUB continue! Coopérative proposée par M. Mercier pour le salon MAD à la Maison Rouge, Francia




Marie Denis à Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

Double page :“Herbier de Curiosités”,

installation de Marie Denis pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

PROYECTO ARTÍSTICO

“Andrea Wolfensberger recurre a varios modos de expresión: la pintura, el dibujo, el vídeo, la escultura y las instalaciones. Esta artista suiza también trabaja desde hace varios años con las tecnologías digitales para realizar sus vídeos, así como para elaborar el proceso de creación de sus obras. Su estética procede menos de una búsqueda y de una captación formales, que se nutren de la materia y la forma, que de un cuestionamiento constante y de una búsqueda de las posibilidades de sentir la esencia de la realidad y de la percepción en el espacio y el tiempo. La obra presentada en el Establo de asnos, realizada con cartón ondulado, se presenta como una escultura en movimiento, que recurre al desplazamiento del visitante. Está acompañada por una multitud de obras de madera de menor tamaño. Estos estudios o variaciones parecen ser terrenos con relieves trabajados


Nació en 1961 en Zúrich, vive y trabaja en Zúrich y en Waldenburg (Basilea-Cantón).Es encargada de cursos en diferentes Escuelas superiores de Suiza y Alemania, en particular en la Escuela superior de artes de Berna.Ha obtenido becas de la Confederación Suiza, el Cantón de Zúrich y las Ciudades de Ginebra y Zúrich para Talleres en Roma (Istituto Svizzero), así como en París (Cité des Arts).Está representada por la Galería Gisèle Linder, Basilea (representada en la feria ART Bâle y artgeneve) y la Galería Bob Gysin, Zúrich (representada en artgeneve).

Exposiciones individuales (selección)2016 L’écume des jours, Galerie Bob Gysin, Zúrich, Suiza2015 Wade in the water, Orbital Garden, Bern, Suiza2014 Falten, Galerie Gisèle Linder, Basilea, Suiza (con Luzia Hürzeler)2012 Waveform, Galerie Bob Gysin, Zúrich, Suiza...dein Wille geschähe..., reformierte Kirche, Zúrich-Witikon, Suiza 2011 ...then listen again..., Kunstmuseum Solothurn, Solothurn, Suiza2009 Galerie Gisèle Linder, Basilea, SuizaGalerie Bob Gysin, Zúrich, Suiza2007 Galerie Bob Gysin, Zúrich, Suizakunst@stpeterundpaul, Bern, Suiza (con Kathrin Stengele)2006 Installation über der Kempt, Illnau-Effretikon, Suiza2003 Sculpture at Schönthal, Kloster Schönthal, Langenbruck, Suiza

ANDREA WOLFENSBERGER

“0/1. ZWISCHEN NULL UND EINS”GALERÍA ALTA DEL ESTABLO DE ASNOS

o entallados, que recuerdan los proyectos topográficos.¿De dónde vienen estas variaciones? ¿A qué corresponden? Varios títulos de las obras de Andrea Wolfensberger presentes en el Establo de asnos llevan la indicación “0/1”. Su mayor pieza de cartón ondulada se titula “0/1. zwischen null und eins”. Este título menciona un punto de partida,




Denkspuren I, Institut für Neurobiochemie der Universität Witten/Herdecke, AlemaniaGalerie Bob Gysin, Zúrich, SuizaTweaklab, Basilea, SuizaAufführung von Hitzewelle, anlässlich von Three Voices (Morton Feldman), Gare du Nord, Basilea, Suiza; Kunsthaus Zug, Kirche St. Marien, Winsen, Alemania; Theaterraum Oldenbourg, Alemania (con Marianne Schuppe y Peter Vittali)

calma, un estado silencioso, un principio que lleva en sí mismo el infinito, pero también una salida, o incluso una vuelta al punto de salida. Fuerza visual, difusa, incisa que se levanta y se despliega. Fuerza que procede del dominio de lo invisible, hecho visible por la artista.” Extractos de un texto de Esther Maria Jungo

Double page :“0/1. zwischen null und eins”,

installation d’Andrea Wolfensberger pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

Andrea Wolfensberger à Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

PROYECTO ARTÍSTICO

“Así atraviesan una oscuridad ilimitada...” advertía Baudelaire en su poema “Les Aveugles” (1857). ¿Somos nosotros estos infinitos ciegos delante de los pasteles de Mâkhi Xenakis? Allí donde, sobre la hoja en blanco, por medio de un paciente trabajo con la goma, ilimitado es el blando y lechoso negro que se extiende en formas palpables y desconocidas. Allí donde, sobre la hoja de calco, de repente cubierta hasta la saciedad, ilimitado es el rosa carnal y modulado que eclosiona en formas suaves e indefinidas. Los pasteles de Xenakis son cuerpos y lugares, son susurros táctiles y órganos de vida que cubren la abertura del vacío, el blanco ciego donde se ha refugiado lo ausente, donde se ha escondido el silencio, donde se ha agazapado el caos. Estos pasteles profusos, seriales, son trampas voluptuosas de la mirada y de nuestra duda, jardines de las delicias de nuestro deseo inquieto, donde la lágrima mineral se adapta a la cáscara vegetal, donde la pulpa animal se aparea con la lengua floral, donde los alvéolos marinos nos llaman hacia el abismo original, el del nacimiento de sí mismo, el del nacimiento del mundo. Nuestra mirada se absorbe y se expande en contacto

MÂKHI XENAKIS

GALERÍA DEL PATIO DE LOS JARDINEROS


Nació en París donde vive y trabaja. Sus obras figuran en colecciones públicas como el Centre Pompidou, la manufactura de Sèvres, la manufactura de Gobelins, el FNAC o el FMAC de la ciudad de Paris. Sus libros se publican en las ediciones Actes Sud. Su trabajo se ha expuesto particularmente en el MAMCS de Estrasburgo, en el Orlando Museum of Art, en el Musée de la chasse et de la nature, en la Maison Rouge, en el Centre Pompidou, en el Musée Zadkine, en el Musée des Beaux Arts de Besançon, de Brest y de Nancy, así como a la Chapelle de la Pitié Salpêtrière.Dibuja y pinta desde la infancia. Después de cursar un bachillerato científico, estudió arquitectura con Paul Virilio y creó decorados y trajes para el teatro, en particular con Claude Regy.En 1987, gracias a una Beca Villa Médicis internacional, se instaló en Nueva York donde se dedicó a pintar hasta 1989. Allí tuvo un encuentro decisivo con Louise Bourgeois. De regreso a París, expuso regularmente su trabajo de dibujos. En 1998 publicó “Louise Bourgeois, l’aveugle guidant l’aveugle”. En este libro, en busca de los lugares de infancia de Louise, nos desvela poco a poco los vínculos secretos que se establecen entre ellos y la obra de Louise Bourgeois y nos sumerge en la complejidad y los misterios del proceso de creación. Paralelamente, realiza sus primeras esculturas que expone en 1999 en París y Genevilliers, acompañadas por el libro “Parfois seule”.

En 2004, invitada a exponer esculturas en la Salpêtrière, descubre en los archivos de la Asistencia Pública el infierno carcelario vivido por miles de mujeres desde Luis XIV y publica “Les folles d’enfer de la Salpêtrière”. Paralelamente presenta un conjunto de 260 esculturas en la capilla.

En 2015, publica “Iannis Xenakis, un père bouleversant” y nos sumerge esta vez en el proceso de creación de la obra de su padre a partir de sus archivos musicales y arquitectónicos. En la segunda parte, intenta comprender cómo ella misma se forjó frente a este padre tan especial. En 2017, se publica

un nuevo libro más íntimo sobre su relación con Louise Bourgeois en las ediciones Actes Sud. La diversidad y los vínculos existentes en su trabajo de esculturas y dibujos, impulsados a la vez por la necesidad de crear vida pero manteniendo una parte de inquietud, adquieren hoy un sentido más evidente a la luz de sus numerosos libros.

con la consistencia sensual del pastel, en su impulso y sus retractaciones, en su densidad inextinguible y sus tensiones en movimiento, hasta llegar al lugar vibrante de una luz que atenúa los miedos. Allí, en un lugar del dibujo pastel, el blanco se desnuda como una tromba de vida recuperada, como un desfiladero de luz, óculo abismal, abierto, en el corazón del torbellino de sombras y de eclosiones efímeras. Estos pasteles son refugios de vida… Marjorie Micucci. “Escribo, dibujo y esculpo de manera regular y autónoma. Estos tres modos de expresión se me han hecho indispensables. Lo que no puede expresarse en un ámbito puede repentinamente expresarse en otro. Ya no hay momentos de vacío o de silencio. Muchos temas se cruzan y se responden. Cuando comienzo un dibujo o una escultura, espero ese momento mágico en el que, de repente, aparecerá algo nuevo y vivo, unido a nuestra animalidad, a nuestra universalidad. Entonces tengo la sensación deliciosa e insensata de crear vida y de alejar un poco la muerte. El trabajo está realmente terminado cuando encuentro esta emoción en quien lo mira. Para esta invitación a

Chaumont, quise crear una nueva correspondencia entre las esculturas azuladas que nos reciben en el patio por nuevos pasteles azules y violetas que nos llevan hacia los “abismos” rosas y negros.” Mâkhi Xenakis

© Willem Schalekamp




Double page :Pastels © M. Xenakis

PROYECTO ARTÍSTICO

Rebecca Louise-Law es conocida por su transformación de espacios en universos coloreados y poéticos, gracias a la técnica de suspensión de cientos e incluso miles de flores.Cada escultura de Rebecca Louise-Law sublima la belleza del cambio natural. Las obras evolucionan como la naturaleza sigue su curso y proponen un concepto alternativo de la belleza abrazando la preservación y el deterioro.Rebecca Louise-Law trabaja con la flora fresca o seca y permite que la obra evolucione naturalmente. Sus instalaciones están diseñadas para durar indefinidamente con cada elemento integrado individualmente y son el testigo del cambio de forma y de color con el paso del tiempo.

REBECCA LOUISE-LAW

“LE JARDIN PRÉSERVÉ”TEJADILLO DE LAS CABALLERIZAS


Artista instalada en Londres y formada en Bellas Artes en la Universidad de Newcastle, en Inglaterra, Rebecca Louise-Law trabaja con materiales naturales desde hace 17 años, práctica que implica una exploración constante de las relaciones entre la naturaleza y el Hombre. Su obra incluye aspectos filosóficos y espirituales: cada flor se ha seleccionado por una razón muy específica. El alambre de cobre con el que están fijadas las flores se ha convertido en su marca de fábrica. Los colores se eligen cuidadosamente y se organizan en consecuencia. La artista ha expuesto sus instalaciones en lugares muy variados: galerías, iglesias, etc. En el proyecto The Flower Garden Display’d, instaló en total 4.600 flores colgadas de las bóvedas de una iglesia.

“Me gusta capturar y apreciar hermosos objetos naturales pequeños para crear una obra de arte que pueda observarse sin la presión del tiempo. Lo que me motiva es preservar, apreciar, elogiar y compartir la belleza de la Tierra con el mundo”. Rebecca Louise-Law

“La fuerza de las instalaciones de Rebecca reside en su transmutación perpetua. Las flores vivas se mueven de una forma exquisita a través de las etapas naturales del deterioro, se marchitan, se decoloran y se secan. Llevando a los visitantes por este camino del deterioro, Rebecca prolonga el límite que se percibe de la belleza de las flores y las impregna de un valor artístico que las convierte en algo más que meros objetos decorativos”. Amanda Krampf, directora de la Galería Chandran

© Malcolm Crowthers




Double page :“Le jardin préservé”, installation de Rebecca Louise-Law pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

II. FOTOGRAFÍA Y VÍDEO


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PROYECTO ARTÍSTICO

La obra presentada por Miguel Chevalier es una instalación inmersiva y multisensorial.Se invita a los visitantes a penetrar en una cúpula y abandonar por un instante la realidad física de la experiencia cotidiana. En el interior se encuentra una segunda cúpula más pequeña. Dos pasillos circulares, fronteras entre lo real y lo virtual, permiten el acceso. En el centro de la segunda cúpula, el visitante se sumerge en un espacio virtual y multisensorial. Proyectada en las paredes a 360°, la instalación digital “Trans-Natures” capta, en primer lugar, el sentido de la vista. Después de “Sur-Natures” y “Fractal Flowers”, “Trans-Natures” presenta una nueva generación de plantas y de flores artificiales desmesuradas.La música compuesta especialmente por Jacopo Baboni Schilingi acompaña el misterio de su aparición. Unos veinte asientos “fatboy” permiten que los visitantes se sienten para disfrutar de esta experiencia de inmersión única. Para magnificar el espacio, un suelo negro muy brillante crea el efecto de un espejo de agua circular que refleja el conjunto de esta proyección. Unos espejos de 2 m de altura con una inclinación de 30° permiten reflejar la proyección en todo el contorno de la cúpula.“Trans-Natures” explora con poesía la cuestión del vínculo entre naturaleza y artificio. Siguiendo un procedimiento iniciado a finales de los años 90, esta creación se apoya


PROGRAMA 2017FOTOGRAFÍA Y VÍDEO

MIGUEL CHEVALIER

“IN - OUT / PARADIS ARTIFICIELS 2017”PARQUE HISTÓRICO


Nació en 1959 en México. Vive y trabaja en París.

Desde 1978, Miguel Chevalier utiliza la informática como forma de expresión en el campo de las artes plásticas. Se impuso internacionalmente como uno de los pioneros del arte virtual y de las técnicas digitales.Su obra, experimental y multidisciplinaria, tiene su origen en la historia del arte de la que reformula sus datos esenciales. Su trabajo aborda la cuestión de la inmaterialidad en el arte, así como las lógicas inducidas por el ordenador, como la hibridación, la generatividad, la interactividad y la puesta en red. Desarrolla diferentes temáticas, como la relación entre naturaleza y artificio, la observación de los flujos y de las redes que organizan nuestras sociedades contemporáneas, lo imaginario de la arquitectura y de las ciudades virtuales y la transposición de motivos procedentes del arte islámico en el mundo digital. Las imágenes que nos presentan cuestionan perpetuamente nuestra relación en el mundo.Miguel Chevalier realiza numerosas exposiciones en museos, centros de arte y galerías en todo el mundo. También realiza proyectos en espacios públicos y arquitectónicos.

Miguel Chevalier à Chaumont-sur-Loire, 2014© Eric Sander

en la observación del reino vegetal y su transposición imaginaria al universo digital. Esta naturaleza artificial, cuyas formas recuerdan la vegetación del sotobosque, mezcla diferentes especies de árboles, arbustos, ramitas y follajes. Su desarrollo y sus formas se inspiran en las arborescencias y los sistemas de organización de datos que utilizan el principio de raíces, troncos y ramas. Esta naturaleza con formas unas veces realistas y otras abstractas, se genera hasta el infinito gracias a un software inédito creado por Claude Micheli. Las plantas nacen aleatoriamente, se desarrollan y mueren de acuerdo a diferentes “códigos morfogenéticos”. El jardín


se renueva y se transforma permanentemente. Las formas vegetales fluidas despliegan sus curvas en el espacio, mientras que las arborescencias de ramas aceradas crecen sin tregua y, a veces, parecen salir de la pantalla. La obra juega con el sentido de los límites espaciales del visitante. En inmersión en esta esfericidad envolvente, su visión de lo lejano y de lo cercano está reconfigurada, abierta al infinito. El aislamiento de la cúpula interior por un pasillo circular permite la inmersión total del visitante en este paraíso artificial. La arquitectura semiesférica y el dispositivo de espejos que oculta la visión de las esquinas alejan los límites del espacio virtual. El cuerpo del visitante está dentro de una lluvia de vegetales que se mueven y se desvanecen. Algunos se vuelven gigantescos en su caída libre, otros se borran pasando como nubes de polinización floral, y otros desaparecen a lo lejos como fuegos artificiales. El visitante ve cómo caen los jardines colgantes de la obra. Sus flores inmortales son fugitivas y se escapan en la lejanía. Las plantas de luz que se acercan al visitante parecen caídas del cielo. Los follajes, las flores espinosas y las arborescencias en despliegue giran y se entrelazan en un misterioso ballet vegetal que se desvanece. La ligereza de su danza traza los contornos de un jardín que, como un microcosmos, parece resumir la evanescencia de la belleza y de la vida.

Double page :“In-out : paradis artificiels 2017”,

installation de Miguel Chevalier pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

PROYECTO ARTÍSTICO

En agosto de 2016, Davide Quayola pasó unos diez días en Chaumont-sur-Loire que le permitieron filmar y grabar la magia de los macizos de dalias, salvias y delphiniums del Parque Histórico y de los Prados de Goualoup.De esta estancia ha nacido un trabajo titulado “Jardins d’été” que nos sumerge en un fascinante universo “impresionista” a través de las tecnologías digitales.

Denominada así en referencia a la primera serie de impresiones de paisajes realizada en Holanda en el siglo XVII, “Pleasant Places” es una serie de cuadros digitales que explora el límite entre la representación y la abstracción.Davide Quayola utiliza los paisajes como punto de partida y pretexto para crear un espectáculo y un movimiento profundos. Desviando el análisis de imagen y los algoritmos de manipulación, reinterpreta la imagen fotográfica y propone modos de visión y de síntesis alternativos. Paisajes familiares, grabados en muy alta definición, se presentan con una importancia particular prestada a los detalles y a las formas antropomórficas de los árboles. Después, con la ayuda de un software específico, reduce el aspecto detallado de los follajes a una masa en dos dimensiones que tiende a la abstracción. Al enturbiar el contorno de los árboles y las flores, la naturaleza se vuelve densa y prácticamente impenetrable. La composición

DAVIDE QUAYOLA

“JARDINS D’ÉTÉ”GALERÍA BAJA DEL HENIL


Reconocido por sus instalaciones vídeo enigmáticas, Quayola realiza espacios híbridos con sus esculturas y cuadros animados. Mezclando las performances audiovisuales, el dibujo, la fotografía y la utilización de softwares, explora la delgada frontera entre lo real y lo artificial.

Gracias a encargos especiales de instituciones públicas, ha podido acceder de forma excepcional al arte y a la arquitectura de varias iglesias, teatros y museos de Europa, como Notre-Dame y el Vaticano. En su trabajo, transforma obras maestras y colecciones en lienzos en estado bruto. Quayola sostiene la exploración en forma de vídeo en un diálogo sobre los archivos, el collage, la propiedad intelectual y la apreciación de un objeto. En el marco del Google Art Project, que ofrece un acceso sin precedentes a la superficie de los cuadros, Quayola interpreta el tiempo que pasamos contemplando el arte como un artefacto plástico que se puede esculpir y colgar. Cuando contemplamos un cuadro es cuando aparece su lógica, como si caváramos bajo la imagen para sacarla a la luz.

Las primeras exposiciones individuales de Quayola tuvieron lugar en la bitforms gallery, en mayo de 2012, en Nueva York, y en la Young Projects Gallery, en marzo de 2012, en Los Ángeles. Sus obras también se han expuesto en el marco de la 54ª Bienal de Venecia, el Italian Cultural Institute, en Londres, y en exposiciones en el Victoria & Albert Museum, en Londres; el British Film Institute, en Londres; la Gaîté Lirique, en París; el Palais de Tokyo, en París; la Trienal, en Milán; la Park Ave Armory, en Nueva York; el Palais des beaux-arts, en Lille; el Museo nacional de arte de Cataluña, en Barcelona; el Museo de arte de Seúl; el UCCA, en Pekín; el Grand Théâtre, en Burdeos; la iglesia Saint-Eustache, en París; el Centro Cultural Recoleta, en Buenos Aires; el Museu da Imagem e do Som, en São Paulo, así como en el marco de festivales como Sonar, en Barcelona; STRP, en Eindoven; Cimatics, en Bruselas; Onedotzero, en Londres;

resultante permanece, de manera sugestiva, en suspenso entre representación y abstracción, entre la profundidad del paisaje natural y la superficie de la pantalla.Para contrastar con esta imagen, se suceden representaciones gráficas brutas de los colores y del movimiento, en cierto orden, para recordarnos lo que se oculta realmente bajo la superficie. “Pleasant Places” rinde homenaje a las tradiciones modernas del arte occidental, que parte de los paisajes para derivar hacia la abstracción, y reduce la complejidad del mundo a una síntesis alternativa.

Elektra, en Montreal; y en el Festival internacional del cortometraje de Clermont-Ferrand, entre otros.

Quayola participa regularmente en proyectos musicales. Ha trabajado con compositores, orquestas y músicos, como el Ensemble InterContemporain, Vanessa Wagner, Mira Calix, Plaid, Matthias Kispert y la Orquesta nacional de Burdeos-Aquitania.

En 2005, obtuvo un grado de artes en la universidad de artes de Londres.En 2013, recibió un Golden Nica en el Premio Ars Electronica, en Linz.

Davide Quayola à Chaumont-sur-Loire, 2016© Eric Sander




Double page :“Jardins d’été”,

installation audiovisuelle de Quayola pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017© Éric Sander

PROYECTO ARTÍSTICO

“La serie de “Réflexions oniriques” me vuelve a sumergir en la abstracción. Me evade de la realidad y me permite aventurarme en paisajes sonoros con aromas tornasolados. Búsquedas imaginarias en donde la naturaleza se libera de la forma. Por el prisma del agua aparecen rostros desconocidos. Bosques sin árboles y árboles sin bosque. Cielos sin aire con nubes plisadas. Universos en movimiento donde subsiste la presencia elocuente del vegetal, la luz y el aire. Unidos en un ballet que elogia una poesía de lo efímero.Paseo solitario por tierras vírgenes. Recojo algunas imágenes en los bosques del Monte Lozère. Miradas sobre un río íntimo por donde fluye la vida insumisa. Agua a veces estancada, ofreciéndome espejos que dialogan con las cimas cercanas. Algunas veces ebrio, titubeante con los chorros risueños, vertiendo sus tesoros límpidos sobre las espumas discretas y ligeras de la dulce canción de Verlaine. Los elementos me bañan con su presencia. Capto sus reflejos en el instante. Evanescentes mosaicos de luces. Silencio alegre.El cielo rebosa de vida cuando se zambulle en el agua. Se baña como un niño revoltoso. Se arruga. Corre hasta quedarse sin aliento. Languidece. Se escapa entre dos nubes. Resurge sobre la quemadura del sol y se abre profundo sobre los abismos que lo reflejan, murmurándonos que el agua y el cielo seguirán siendo siempre los intérpretes de la coreografía más aérea. La del tiempo que pasa.” Stéphane Guiran

STÉPHANE GUIRAN

“RÉFLEXIONS ONIRIQUES”GALERÍA LARGA DE LAS CABALLERIZAS


Stéphane Guiran nació en 1968 en Francia, en Var. Vive y trabaja en Eygalières y Barcelona. Después de recibir una formación en la Escuela Superior de Ciencias Económicas y Comerciales, en 2001 abandonó el mundo del grafismo para dedicarse a la escultura.De 2002 a 2011, realizó principalmente obras a partir de líneas de acero, en la continuidad de sus primeros años en torno al grafismo. En 2004, se capacitó en la fundición durante un año de residencia en Barcelona que le abrió las puertas de la escultura monumental. En este período, su trabajo depurado sobre la línea evoca una escritura imaginaria que se despliega en el espacio, frecuentemente inspirada en la caligrafía y los haikus japoneses.En 2011, se incorporó a la galería Alice Pauli y comenzó a explorar otros medios de expresión: en primer lugar la fotografía, en torno a los reflejos en la serie de las “Symétries”. Después exploró el vidrio y el cristal, que rápidamente ocuparon una parte preponderante en su obra. El cristal le condujo a formas más orgánicas, ampliamente inspiradas por su íntimo vínculo con la naturaleza. Recorrió el cristal bajo diferentes expresiones contemporáneas, como material reciclado a través de su trabajo sobre el vidrio pulverizado, como píxel o elemento de dibujo, o en diálogos con los cristales procedentes de la naturaleza y otras piedras cristalinas.La naturaleza y la abstracción viven en su trabajo como las dos caras del mismo espejo. Sus últimas creaciones enlazan su trabajo de escultura con el de la imagen, a través de instalaciones que pueden mezclar el cristal y el vídeo, en las que pretende implicar al espectador en las emociones que le suscitan los cristales.

Mont Lozère IV© S. Guiran

Mont Lozère II© S. Guiran




DOMAINE DE CHAUMONT-SUR-LOIRECENTRE D’ARTS ET DE NATURE

III. VER TAMBIÉN EN CHAUMONT-SUR-LOIRE EN 2017



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ANDY GOLDSWORTHYInstalación en el Parque HistóricoInscrito bajo la influencia del Land Art, Andy Goldsworthy elabora, desde los años 70, obras sutiles impregnadas de los elementos de la naturaleza, en completa armonía con los lugares en los que crea. Jugando con el tocón de un plátano talado, pero del que brotarán algunas ramas rebeldes, el artista ha creado para Chaumont-sur-Loire, un túmulo inédito donde las piedras y los vegetales se entrelazarán abrazándose, año tras año.

EL ANATSUIUgwu, Parque HistóricoEs una colina extraordinaria hecha de troncos de madera, materiales de recuperación, diferentes placas de impresión y con colores tornasolados, lo que el gran artista ghanés, León de Oro 2015 de la Bienal de Venecia por el conjunto de su obra, ha creado en el centro del Parque Histórico.

GIUSEPPE PENONETrattenere 8 anni di crescita, 2004-2012, Parque HistóricoYa presente en 2012 en Chaumont-sur-Loire con una escultura espectacular “Idea di Pietra” y un jardín perenne titulado “Arbre-chemin 2012” concebido en un bosquecillo, el artista italiano ha imaginado una nueva obra de bronce, en la misma línea que este laberinto poético ya creado en el Parque Histórico.

YAMOULien infini, Prés du GoualoupLa obra creada por Yamou en Chaumont-sur-Loire elogia la unidad de la naturaleza y subraya el hecho de que “todos los elementos de un proceso metabólico son útiles para otro proceso”. La materia de la estructura, alquitrán y clavos metálicos, retoma un trabajo que el artista lleva varios años desarrollando “sobre la coexistencia y la interacción entre materia viva-fértil, plantas, fotosíntesis y una materia estéril, alquitrán, metal, etc. Esta coexistencia pone de manifiesto el principio de un mundo en continuidad donde la vida sólo es una parte de un Todo infinito”.

MATHIEU LEHANNEURPetite Loire, Patio de las CaballerizasInvitado a concebir un “gesto vegetal” original, el gran diseñador Mathieu Lehanneur ha creado “Petite Loire” para las caballerizas, espectacular obra de mármol verde inspirada en el río y los árboles de Chaumont-sur-Loire.

GABRIEL OROZCOFleurs fantômes, Apartamentos principescos del CastilloFascinado por los antiguos papeles pintados que adornaban las paredes de los apartamentos de los invitados del Príncipe y la Princesa de Broglie, el gran artista mexicano Gabriel Orozco se ha impregnado durante mucho tiempo del palimpsesto de las tapicerías que subsistían en estas antiguas paredes. Las Flores fantasma que presenta en Chaumont-sur-Loire reavi-van la memoria en suspenso, los fragmentos invisibles de vi-das apagadas, la densidad del recuerdo de momentos desa-parecidos, que el visitante sentía confusamente, sin distinguir el origen de su emoción y que revelan sus lienzos.

installation d’Andy Goldsworthy à Chaumont-sur-Loire, 2016© Eric Sander


PROGRAMA 2017INSTALACIÓNES PERMANENTES

CORNELIA KONRADSPassage y Intérieur en passant, Parque HistóricoCornelia Konrads realiza instalaciones in situ permanentes o efímeras. Independientemente de los materiales utilizados, (madera, piedra, vegetales, etc.) -casi siempre recogidos in situ-, sus construcciones parecen disolverse, dislocarse ante nuestros ojos. Las obras silenciosas y poéticas de Cornelia Konrads atraen de forma duradera la mirada, revolucionan las certezas. Desde hace muchos años, la artista multiplica por el mundo estos espacios de transición y cuestionamiento.

CHRISTIAN LAPIELa constellation du fleuve 2015, Parque Histórico Figuras sombrías e intemporales, extrañas y protectoras a la vez, las esculturas de Christian Lapie captan inexorablemente la mirada por la presencia extraordinaria y universal que desprenden.

HENRIQUE OLIVEIRAMomento fecundo, Granero de las AbejasA la vez pintor y escultor, autor de obras de una excepcional fuerza plástica y visual, Henrique Oliveira utiliza un material pobre muy extendido en Brasil: el contrachapado o la madera de vallas de obra. Henrique Oliveira ha elegido uno de los grandes graneros para instalar una obra híbrida, casi viva, que parece brotar literalmente de los muros de piedra. Ha concebido una impresionante espiral que se enrolla en las estructuras y en las escaleras del edificio, como una inmensa serpiente o una raíz enterrada durante décadas en la piedra y que de pronto, comenzara a crecer sin control. La obra se debate entre el animal y el vegetal. El artista ve una referencia a la serpiente del Principito que engulle a un elefante. Pero, al igual que para Gaston Bachelard (“La Poétique de l’Espace”), el granero es para él el lugar del inconsciente y de fuerzas oscuras y desconocidas. Nadie sabe dónde comienza la obra y dónde termina, y cuándo este reptil o esta raíz gigante dejará de crecer inexorablemente.

NIKOLAY POLISSKYLes racines de la Loire, Parque Histórico Pintor de formación, el artista ruso Nikolay Polissky interviene en el paisaje con extrañas construcciones. Su trabajo consiste en la fabricación de formas arquitectónicas espectaculares y siempre ecológicas. La sombra proyectada de grandes cedros centenarios fascinó a Nikolay Polissky en el Parque histórico de Chaumont-sur-Loire. Grandes siluetas vegetales cubiertas de miles de cepas de vid han acudido misteriosamente para “poseer” el lugar y generar nuevas leyendas.

VINCENT BARRÉChaos, Parque HistóricoEn el Parque Histórico, en el borde de la ladera, se encuentra una escultura del artista de fundición de hierro, de 6 elementos, que permite ver el paisaje en transparencia, siempre cambiante, siempre fragmentado y encuadrado por los anillos cuando nos desplazamos o descansamos entre los bloques.

Trattenere 8 anni di crescita, 2004-2012installation de Giuseppe Penone à Chaumont-sur-Loire, 2016© DR


CHRIS DRURYCarbon pool, Parque de GoualoupEl artista británico Chris Drury realiza instalaciones que, incluso antes de ser obras, son construcciones que responden a técnicas ancestrales, ancladas en lo más profundo de las culturas y del imaginario. Sus instalaciones surgen de un procedimiento esencialmente intuitivo.Lo que el artista ha concebido es una poderosa espiral que parece aspirar magnéticamente algunos secretos del Parque de Goualoup, en un sabio diálogo con grandes cedros de la época de la princesa de Broglie.

BETTY BUILe presse-citron, Parque de Goualoup Inspirándose en el arte de los jardines y la tipología de las habitaciones de vegetación características de los jardines franceses clásicos, Betty Bui introduce un material, el boj, una organización espacial centrífuga, más bien cerrada sobre sí misma, y una dimensión privada e incluso íntima del espacio público. Por su circulación y su función mobiliaria, el “presse-citron” se convierte en una obra para vivir y en un espacio de encuentro.

SARKISAilleurs, ici, CastilloSarkis ha creado este recorrido de luz como un camino iniciático y mental a través del cual el visitante construye su propia historia. Ha situado sus obras de vidrio delante de las ventanas del ala sur del Castillo. Estas vidrieras, que desvelan imágenes de vida y muerte, amor y arquitectura, fijan en el instante historias pasadas y visiones futuras. Sarkis ha dejado 12 de las 72 vidrieras que había concebido especialmente para el Dominio.

ARMIN SCHUBERTObjets sphériques, Parque HistóricoCreador de arquitectura natural, Armin Schubert trabaja esencialmente a partir de materiales en bruto (piedras, ramas, raíces, hojas, tierra, etc.) Los “objetos esféricos” denominados “sub-ex-terre” que ha creado para el Dominio de Chaumont-sur-Loire parecen surgir literalmente de la tierra.

ANDREA BRANZI Recinto sacro, Parque de GoualoupLa escultura de vidrio que este gran arquitecto y diseñador italiano ha creado por Chaumont-sur-Loire propone un recinto secreto, sagrado e inaccesible, un espacio poético donde nadie puede entrar, y donde la vegetación se desarrolla libremente.

GIUSEPPE PENONEArbre-chemin, 2012, Parque HistóricoEn interior de un bosquete apartado, Giuseppe Penone ha diseñado un auténtico jardín: laberinto misterioso, alamedas bordeadas de setos que invitan a una meditación secreta, porque “el bosque nos habla del bosque, pero al hablarnos del bosque nos habla del Hombre”.

Recinto sacroinstallation d’Andrea Branzi à Chaumont-sur-Loire, 2013

© Eric Sander



L’Œil de la Mémoireinstallation d’Anne et Patrick Poirier à Chaumont-sur-Loire, 2010© Eric Sander

PATRICK DOUGHERTYInstalación en el Parque HistóricoEn el Parque del Castillo de Chaumont-sur-Loire, el artista norteamericano Patrick Dougherty ha dibujado formas a la vez aéreas y vegetales. Monumentales, profundamente inspiradas en el lugar, interpelan a los visitantes en el recodo de los bosquetes por su aspecto semi-natural, semi-arquitectónico.

PABLO REINOSOInstalación en el Parque de GoualoupEn el imaginario del artista, el banco se hace caprichoso, como dotado de una vida propia que le conduciría a desarrollarse, crecer y germinar, dando rienda suelta a excrecencias imposibles, cuya locura trasciende el marco habitual de nuestra vida cotidiana. Cambiando nuestras costumbres al intervenir sobre un objeto común, por así decirlo, Pablo Reinoso introduce lo maravilloso en el parque del Dominio.

TADASHI KAWAMATACabanes dans les arbres, Promenade sous les arbres y Promontoire sur la Loire, Parque HistóricoEn sus obras creadas en 2011 en Chaumont-sur-Loire, el artista japonés Tadashi Kawamata juega con las relaciones de escalas y ofrece a los visitantes la experiencia de una inmersión total en la naturaleza y una nueva lectura del paisaje.

DOMINIQUE BAILLY L’abri, Depósito elevado de agua Situada en la frontera entre la escultura y el paisaje, Domi-nique Bailly crea una obra que juega con la arquitectura de los lugares que ocupa.

ANNE Y PATRICK POIRIERCapella dans la clairière, L’œil de la Mémoire y Lieu de rêve, Parque Histórico / L’œil de l’Oubli, Nevera del Valle de las BrumasLas obras de Anne y Patrick Poirier se inscriben con sutileza en el paisaje del parque. Bloques de granito esculpidos o grabados inmersos en la hiedra y los matorrales del Parque histórico, sus obras son el rastro facticio de búsquedas arqueológicas y cuentan, a los paseantes que las descubren, una historia de memoria y de nostalgia.

FRANÇOIS MÉCHAINL’Arbre aux Echelles, Parque Histórico Referencia a la novela de Italo Calvino, “El barón rampante”, en la que el héroe se refugiaba en los árboles para escapar de las exigencias de la vida cotidiana, este “arbre aux échelles” del escultor y fotógrafo François Méchain es una invitación poética que mira el mundo desde otro punto de vista, desde más lejos, desde más arriba.

RAINER GROSSToi(t) à terre, Parque Histórico Poniendo en escena procesos vivos, cambiantes y efímeros, el artista alemán Rainer Gross realiza instalaciones con formas fluidas, unas veces gráficas y otras orgánicas, cuya silueta evoca el tejado de la Torre de Amboise.




PATRICK BLANCSpirale végétale, Patio de las CaballerizasInventor de los muros vegetales, Patrick Blanc propone una creación inédita en Chaumont-sur-Loire, hoja gigante que se enrolla sobre sí misma hasta constituir una cueva secreta, abierta al cielo.

LUZIA SIMONSStockage, CastilloUn viaje por el color a través de una serie de escanogramas de gran formato de tulipanes despixelados y repixelados se ofrece a la mirada, a través de motivos fragmentados, sumamente precisos en el detalle y agrandados hasta lo inconcebible por esta artista brasileña instalada en Berlín.

JANNIS KOUNELLISSans titre, Cocinas del CastilloEl bosque de vigas y campanas creado por Jannis Kounel-lis en 2008 es una obra enérgica y espectacular, donde el artista expresa su voluntad de “despertar” el castillo, dado que cada campana simboliza, según él, una boca que deja escapar un grito. L’abri

installation de Dominique Bailly à Chaumont-sur-Loire, 2011© Eric Sander

IV. EL DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRE

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Propiedad de la Región Centro-Valle del Loira desde 2008, Centro cultural de encuentros, el Dominio de Chaumont-sur-Loire agrupa el Castillo, los Parques, el Centro de Arte y Naturaleza y el Festival Internacional de Jardines. Instalaciones artísticas, exposiciones fotográficas, encuentros y coloquios que exploran las relaciones entre el arte y la naturaleza convierten al Domino en el primer Centro de Arte y Naturaleza completamente dedicado a la relación de la creación artística de la naturaleza y del paisaje.

CLAVES DEL DOMINIO

12.000 m2 de de superficie total (edificios)32 hectáreas de Parque 1 extensión de 10 hectáreas, acondicionadas por Louis Benech en 2012

Más de 100 artistas contemporáneos y fotógrafos invitados entre 2008 y 201612 galerías de exposición, es decir, cerca de 2.000 m26 restaurantes repartidos entre el Castillo, el Patio de la Granja y el Festival Internacional de Jardines

100% de aumento de frecuentación (2007 - 2016)Más de 400.000 entradas en 2016 (200.000 en 2007)20.000 niños recibidos para realizar actividades pedagógicas en 2016

1 propietario: la Región Centro-Valle del LoiraAbierto 363 días al año75% de autofinanciación

Un lugar de 5 estrellas para la Guía Michelin: 2 estrellas para el Castillo y 3 estrellas para el evento del Festival Internacional de Jardines.


PROGRAMA 2017 EL DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRE

Vue aérienne du Château / © DR

PassageInstallation de Cornelia Konrads à Chaumont-sur-Loire, 2015 / © Eric Sander

Le jardin flottant du songeFestival International des Jardins, 2016 / © Eric Sander

1. Una misión plural Desde 2008, el Dominio de Chaumont-sur-Loire es propiedad de la Región Centro-Valle del Loira, que promovió la creación de una nueva institución pública de cooperación cultural (EPCC) destinado a llevar a la práctica un ambicioso proyecto artístico. La Región Centro-Valle del Loira es una de las primeras entidades territoriales que se ha presentado como candidata para la adquisición de un Dominio nacional particularmente prestigioso, debido a su pasado y a su situación excepcional a orillas del Loira, paisaje clasificado en el patrimonio mundial de la UNESCO.

Esta institución pública tiene como misión asegurar, por una parte, la protección y la valorización del conjunto de los componentes inmobiliarios y mobiliarios del Dominio, que incluyen el Castillo, las Caballerizas, las dependencias, el Parque y las colecciones y, por otra, desarrollar un conjunto de actividades relacionadas con la naturaleza, centradas en la creación contemporánea, en el Castillo y en el Parque, incluyendo el Festival Internacional de Jardines, creado en 1992 y una temporada de arte contemporáneo, que en 2017 celebra su 9ª edición.

2. Un ambicioso proyecto cultural De la suntuosa decoración deseada por Diana de Poitiers a las extravagancias de la princesa de Broglie, de los medallones de Nini a los recitales de Francis Poulenc, de Nostradamus a Germaine de Staël, del Parque de Henri Duchêne al Festival Internacional de Jardines, Chaumont-sur-Loire siempre ha estado a la vanguardia de la creación, la elegancia y la fantasía. Respetando totalmente esta rica historia artística, desde 2008 el Dominio de Chaumont-sur-Loire propone una programación artística viva y diversificada durante todo el año, sobre la relación entre arte y naturaleza, en el Castillo, los Parques y en el marco del Festival Internacional de Jardines. Todas las actividades (instalaciones, intervenciones artísticas, exposiciones de fotografías, coloquios, encuentros, etc.) están relacionadas con esta temática.

Centro Cultural de Ecuentros desde octubre de 2008, el Dominio de Chaumont-sur-Loire forma parte de una red europea de instituciones de prestigio, reconocidas por el Ministerio francés de Cultura y de Comunicación, que tienen como misión el desarrollo de un proyecto artístico ambicioso y contemporáneo en un monumento de importancia nacional, anclado en su territorio.

El Parque y el Festival Internacional de Jardines de Chaumont-sur-Loire han obtenido la etiqueta “Jardin remarquable” y en 2011 “Arbres remarquables”. El evento “Festival des Jardins” ha recibido 3 estrellas por la Guía Michelin, que se suman a las 2 estrellas del Castillo. También cuenta con la etiqueta “Qualité tourisme”.

Château du de l’autre rive de la Loire / © DR

La rivière de tulipes, 2016 / © Eric Sander


Chantal Colleu-DumondDirectora del Dominio de Chaumont-sur-Loire y del Festival Internacional de Jardines, comisaria de exposiciones

Catedrática de Letras clásicas, Chantal Colleu-Dumond ha realizado gran parte de su carrera fuera de Francia donde ha ocupado numerosos cargos culturales, como:- Directora del Centre Culturel Français de

Essen (Alemania) de 1982 a 1984.- Agregada artística en Bonn de 1984 a

1988.- Consejera cultural y científica en Bucarest (Rumania) de

1988 a 1991- Directora del Departamento de asuntos internacionales y

europeos del Ministerio francés de Cultura de 1991 a 1995.- Consejera cultural en Roma de 1995 a 1999. - Apasionada por el patrimonio y los jardines, creó la

colección “Capitales oubliées” y ha supervisado la publicación de una decena de obras. Dirigió el Centre Culturel de l’Abbaye Royale de Fontevraud, desarrollando un proyecto sobre la imagen del patrimonio. Ha creado numerosos proyectos y eventos, particularmente en el ámbito del arte contemporáneo y de la fotografía

- Consejera cultural ante la Embajada de Francia en Berlín y directora del Institut Français de Berlín, de 2003 a 2007.

- En septiembre de 2007, Chantal Colleu-Dumond asumió la dirección del Dominio de Chaumont-sur-Loire que reúne el Festival Internacional de Jardines, el Castillo y el Centro de Arte y Naturaleza, de los que asume la programación artística y el comisariado de las exposiciones.

Autora de varias obras, ha publicado, entre otras, “Jardin contemporain mode d’emploi” en las Ediciones Flammarion, traducido al inglés y al chino y en la primavera de 2017 publicará una obra sobre “art et nature” (arte y naturaleza) en Chaumont-sur-Loire.

3. Los actores del Dominio

Bernard Faivre d’Arcier Presidente del Consejo de Administración del Dominio de Chaumont-sur-Loire

Titulado por la École des Hautes Études Commerciales, por la Sorbonne en Literatura, por el Institut d’Etudes Politiques de París y por la Ecole Nationale d’Administration. - Administrador civil del Ministerio francés

de Cultura (desde 1972)- Director General Delegado del Institut National de

l’Audiovisuel (INA)- Encargado de misión ante el Presidente del Centre

National du Cinéma (CNC)- Director del Festival de Avignon de 1979 a 1984 y de 1993

a 2003- Asesor cultural del Primer Ministro (1984-1986)- Presidente Fundador de LA SEPT, delegación francesa del

canal ARTE- Organizador de los eventos del Bicentenario de la

Asamblea Nacional (1989)- Consultor internacional para los festivales de Houston,

Roma y Tokio- Presidente del Fondo Internacional para la promoción de

la cultura en la UNESCO- Director de Teatro y Espectáculos en el Ministerio francés

de Cultura (1989-1992)- Director del Centre National du Théâtre de 1993 a 1998- Fundador de la red teatral europea Theorem- Comisario General de la Temporada Cultural Húngara en

2001 en Francia (Magyart) y en 2003 de la Temporada Cultural Polaca (Nova Polska).



4. Obras e instalaciones 2008 - 2016

Fundado en 2008, el Centro de Arte y Naturaleza celebra este año su noveno aniversario. Desde su creación, en las 32 hectáreas del Dominio han tomado cuerpo muchas exposiciones y proyectos inéditos.

Artistas plásticos y fotógrafosEn 2008Jannis Kounellis / Erik Samakh / Rainer Gross / Victoria Klotz / Andreas Gursky / Alex MacLean / Jean Rault / Michel Séméniako En 2009Nils-Udo / François Méchain / Dimitri Xenakis y Maro Avrabou / Daniel Walravens / Vincent Péraro / Patrick Blanc / Rodney Graham / Jacqueline Salmon / Guillaume Viaud / Deidi von Schaewen / Luzia Simons / Jean-Louis Elzéard En 2010Anne y Patrick Poirier / Bob Verschueren / Côme Mosta Heirt / Marie Denis / Benoît Mangin y Marion Laval-Jeantet / Karine Bonneval / Thibaut Cuisset / Toshio Shimamura / Marc Deneyer / Marie-Jésus Diaz / Marc Riboud / François Trézin / Ralph Samuel Grossmann En 2011Sarkis / Tadashi Kawamata / herman de vries / Dominique Bailly / Gerda Steiner y Jörg Lenzlinger / Gilbert Fastenaekens / Helene Schmitz / Manfred Menz / Shin-Ichi Kubota

En 2012Sarkis / Giuseppe Penone / Patrick Dougherty / Michel Blazy / Shigeko Hirakawa / Peter Briggs / Samuel Rousseau / Darren Almond / Alex MacLean / Eric Poitevin / Gilles Walusinski / Brigitte Olivier

En 2013David Nash / Armin Schubert / Klaus Pinter / Eva Jospin / Andrea Branzi / Fujiko Nakaya / Michel Gérard / Sarkis / Claude Lefèvre / Nicolas Lenartowski / Jacques du Sordet / Jeffrey Blondes

En 2014Henrique Oliveira / Chris Drury / Vincent Barré / Nikolay Polissky / Miguel Chevalier / Stéphane Erouane Dumas / Gilles Coudert / Bae Bien-U / Jocelyne Alloucherie / Hanns Zischler / Ralph Samuel Grossmann / Yan Pei-Ming

En 2015Tunga / El Anatsui / Gerda Steiner y Jörg Lenzlinger / Antti Laitinen / Christian Lapie / Cornelia Konrads / Edward Burtynsky / Naoya Hatakeyama / Alex MacLean / Xavier Zimmermann / Jean-Christophe Ballot / Malik Ohanian / Gérard Rancinan

En 2016Andy Goldsworthy / El Anatsui / Giuseppe Penone / Marc Couturier / Wang Keping / Lee Bae / Pauline Bazignan / Yamou / Jean-Baptiste Huynh / Luzia Simons / Davide Quayola / Han Sungpil





5. Agenda 2017

ABRIL DE 201701 ABRIL DE 2017: apertura de las exposiciones y las instalaciones de arte contemporáneoInstalación de Sheila Hicks (en el marco del encargo especial de la Región Centro-Valle del Loira).Instalaciones y exposiciones de Sam Szafran, El Anatsui, Stéphane Guiran, Sara Favriau, Karine Bonneval, Marie Denis, Andrea Wolfensberger, Mâkhi Xenakis, Miguel Chevalier, Davide Quayola, Gabriel Orozco, Andy Goldsworthy, Yamou, Mathieu Lehanneur, Cornelia Konrads, Henrique Oliveira, Nikolay Polissky, Chris Drury, Vincent Barré, Jannis Kounellis, Giuseppe Penone, Sarkis, Tadashi Kawamata, Patrick Dougherty, Armin Schubert, Andrea Branzi, Pablo Reinoso, Dominique Bailly, Anne y Patrick Poirier, François Méchain, Rainer Gross y Patrick Blanc.

20 DE ABRIL DE 2017: apertura del Festival Internacional de Jardines “Flower Power / El Poder de las Flores”

JULIO DE 2017Entrega de los premios de JardinesCon la entrega de estos premios, el Dominio valoriza y acompaña en sus carreras a equipos de diseñadores, a menudo jóvenes y siempre con talento, manteniéndose fiel a uno de los valores esenciales del Festival: el descubrimiento de los nuevos grandes creadores del futuro.

JULIO y AGOSTO de 2017Los Nocturnos de Chaumont-sur-Loire“Jardins de Lumière”: por la noche, los jardines de Chaumont-sur-Loire se magnifican con iluminaciones extraordinarias. Diodos electroluminiscentes que, por sus colores, sus luces y sus reflejos revelarán aspectos inéditos, ambientes insólitos y misteriosos. Este evento es posible gracias a la colaboración de Philips, Citéos y Néolight.

Chaosinstallation de Vincent Barré à Chaumont-sur-Loire, 2015 / © Eric Sander

Explosive NatureJardins de Lumière, 2016 / © DR

L’archipel de Shodo Suzuki© Eric Sander

OCTOBRE 2017Vacaciones de todos los santos: “Splendeurs d’Automne”El Dominio se viste con sus mejores galas y propone a quienes lo deseen visitas, paseos y descubrimientos de vegetales poco comunes. Entre otras cosas, podemos descubrir cuadros vegetales creados para la ocasión a base de follajes y verduras de temporada, pero también coloquíntidas con múltiples formas y cucurbitáceas que han invadido el Dominio y decoran las alamedas, las dependencias y el castillo.

DE NOVIEMBRE DE 2017 A FEBRERO DE 2018Exposiciones de inviernoConsulte nuestra página web a partir de septiembre de 2017.Durante las fiestas, se organizan permanentemente talleres para los niños.

“Jardins d’hiver”: con la transformación de sus invernaderos, su huerta, sus caballerizas y el Patio de la Granja en lugares de ensueño a pesar del frío y las inclemencias, el Dominio demostrará que los jardines pueden hacer soñar, incluso en invierno.

Splendeurs d’Automne, 2016 / © Eric Sander

Jardins d’hiver, 2016 / © DR



V. INFORMACIONES PRÁCTICAS

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TARIFAS

GUÍA MULTIMEDIA

En 10 idiomas (4 para niños) para visitar el castillo, 4,00 € en suplemento de todas las tarifas

Adulto

Niños 6

6 a partir de 6 años

Aplicaciones ambién disponible para

TARIFA FAMILIAS - 36,00 €Gratuito para 2 niños menores de 12 años por la compra de 2 entradas tarifa completa Dominio.

Gratuito para los menores de 6 años

1 Tarifa reducida para jóvenes de 12 a 18 años y estudiantes previa presentación de su carné 2 Acceso a la totalidad del Domino: Festival Internacional de Jardines, Parque de Goualoup, Castillo, Caballerizas y Parque Histórico 3 Acceso a la totalidad del Domino y a los Nocturnos 4 Acceso al Festival Internacional de Jardines, al Parque de Goualoup y al Parque Histórico5 Acceso al Castillo, a las Caballerizas y al Parque Histórico

PROGRAMA 2017 INFORMACIONES PRÁCTICAS


CONTACTO PRENSAClaudine Colin Communication Caroline [email protected]él : +33 (0) 142 726 001

Adulto Tarifa reducida 1 Niño de 6 a 11 años

Billete Dominio para 1 día 218,00 € 11,50 € 6,00 €

Billete Dominio para 2 días 330,00 € 20,00 € 10,00 €

Festival Internacional de Jardines 4 15,00 € 9,50 € 5,00 €

Castillo 512,00 € 7,00 € 4,00 €

HORARIOS

El Festival Internacional de los Jardines está abierto todos los días del 20 de abril al 5 de noviembre de 2017, de 10 a 20 h (horarios variables según las estaciones del año)El Castillo y el Parque están abiertos todo el año y las exposiciones del 1 de abril al 5 de noviembre de 2017.A partir de abril, el Castillo está abierto de 10 a 18 (horarios variables según las estaciones del año). La decoración y las exposiciones de invierno hacen del Castillo un lugar vivo todo el año.

ACCESO

Chaumont-sur-Loire está situado entre Blois y Tours, a 185 km de París. Autopista A10 y A85, salida Blois o Amboise.

Numerosos trenes realizan el recorrido todos los días en la línea París Austerlitz - Orleans - Tours, parada en Onzain-Chaumont-sur-Loire o en la línea TGV Paris-St Pierre des Corps y, después St Pierre des Corps-Onzain-Chaumont-sur-Loire.Durante el verano, un tren directo ida y vuelta comunica la estación de Austerlitz y la estación de Onzain/Chaumont-sur-Loire.

APARCAMIENTO GRATUITO

La Loire vue de la terrasse

du Château© Eric Sander


VI. SELECCIÓN DE VISUALES DISPONIBLES PARA LA PRENSA



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A continuación encontrará una selección de visuales destinados a la prensa.Tienen a su disposición una mayor galería de visuales en alta definición y libre descarga, en nuestro sitio web www. domaine-chaumont.fr (sección presse (prensa))


PROGRAMA 2017 VISUALES PARA LA PRENSA


Glossolalia, commande spéciale de la Région Centre-Val de Loire à Sheila Hicks, 2017 - © Eric Sander

Sheila Hicks© Eric Sander

Ugwu, installation d’El Anatsui à Chaumont-sur-Loire, 2016© Eric Sander

Le Nid des murmures, installation de Stéphane Guiran à Chaumont-sur-Loire, 2017 - © Eric Sander

Sam SZAFRAN, Sans titre, 2016. Aquarelle sur carton, 200 x 300 cm. Galerie Claude Bernard / © GCB /Jean-Louis Losi, Paris / ADAGP, Paris

Mâkhi Xenakis© M. Xenakis

‘ou, prologue pour une chimère’, installation de Sara Favriau pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017 - © Éric Sander

O/1. zwischen Null und Eins,installation d’Andrea Wolfensberger à Chaumont-sur-Loire, 2017 - © Eric Sander

Réflexions oniriques© S. Guiran

Herbier de Curiosités, installation de Marie Denis à Chaumont-sur-Loire, 2017 - © Eric Sander

Saccharumania, installation de Karine Bonneval à Chaumont-sur-Loire, 2017 - © Eric Sander

‘In - Out / Paradis artificiels, 2017’, installation de Miguel Chevalier pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire, 2017 - © Éric Sander


NOTAS

www.domaine-chaumont.fr72

Dominio Regional de Chaumont-sur-LoireInstitución pública de cooperación cultural Domaine de Chaumont-sur-Loire 41150 Chaumont-sur-Loire Tél. : +33 (0) 254 209 [email protected]

www.domaine-chaumont.fr

Propiedad de la Región Centro-

Valle del Loira

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DOMINIO DE CHAUMONT-SUR-LOIRE CENTRO DE ARTE Y … · y el mundo vegetal es la fuente de una obra de ... ha convertido su taller parisino, en el que se ... suntuosos colores primarios