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Dossier Presse 2016
www.biarritz-lesbeauxjours.com
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SOMMAIRE
Edito ………………………………………………………………………...............Page 3
Agenda ……………………………………………………………………............. Page 4
Une vie de Rossini : Les Forces Majeures – Karine Deshayes ...............Page 5
Ressac – Quatuor Voce ………………………………………………….........Page 9
Bach – Pygmalion ………………………………………………………….........Page 12
Bachar Mar-Khalifé ………………………………………................................Page 14
Le Balcon ……………………………………………….......................................Page 16
Chucho Valdés & Afro Cuban Messengers…………………………….Page 19
Tarifs & Billetterie ………………………………………….…………………….Page 22
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EDITO
Les Beaux Jours | Biarritz | 13-21 mai 2016
« C’est l’esprit intrépide de Chucho Valdés que nous avons voulu afficher comme étendard de cette
première véritable édition des Beaux Jours. Ce précurseur de tendances a su mettre les étiquettes aux
placards en faisant la synthèse de ses influences jazz, classique, cubaine, arabo-andalouse… en
réinventant son propre langage au cours d’une carrière immense. Mettre les étiquettes de côté, c’est
bien ce que nous voulons faire avec ce nouveau festival en mélangeant 3 siècles de musique !
La musique classique, emmenée ici entre autres par 3 jeunes chefs d’orchestres pleins de panache et
parmi les plus emblématiques de la nouvelle génération, sera au centre d’un panorama musical plus
large avec le Jazz, les Musiques du Monde, la Pop ou encore l’Electro. Elle sera également associée
aux autres arts tels que les arts numériques pour cette édition 2016 avec la création originale Ressac.
Les Beaux Jours est donc un festival hybride. Musique du passé ou musique du présent, tous les
genres peuvent y être tendance, avec un seul mot d’ordre : la qualité. Les styles ne sont pas opposés
mais réunis et connectés.
A l’heure d’internet où l’ensemble de la Culture est à portée d’un clic, notre limite n’est autre que celle
de notre curiosité. Aux Beaux Jours, nous essayerons de l’attiser à chaque fois un peu plus ! »
Thomas Valverde, Directeur Artistique [email protected]
06 52 96 08 08
Organisation : Ville de Biarritz – Service des Affaires culturelles – Villa Natacha – 110, rue
d’Espagne – 64200 Biarritz
05 59 41 57 50 – [email protected] – www.biarritz.fr
Contact presse : Marie-Hélène Labasse – 05 59 41 57 53 – [email protected]
www.biarritz-lesbeauxjours.com
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AGENDA
Vendredi 13 mai – 20h30 l
Théâtre du Casino
Une vie de ROSSINI
LES FORCES MAJEURES
Karine Deshayes (mezzo-soprano), Direction
Raphaël Merlin
Samedi 14 mai – 19h et 20h30 l
Dimanche 15 mai – 17h et 18h30
Le Bellevue
RESSAC Création originale - Commande du
festival Les Beaux Jours
Ravel Quatuor en Fa Majeur Op. 35 :
QUATUOR VOCE
YANNICK JACQUET (Label ANTIVJ) :
scénographie & création vidéo
Mardi 17 mai – 20h30 l
Eglise Sainte-Eugénie
BACH Motets
PYGMALION
Direction Raphaël Pichon
Mercredi 18 mai – 20h30 l
Atabal
YA BALAD
BACHAR MAR-KHALIFé
Aleksander ANGELOV (Basse) / Dogan
POYRAZ (Batterie)
Vendredi 20 mai – 20h30 l
Théâtre du Casino
LEVINAS Concerto pour un piano espace n°2
RIMSKI-KORSAKOV / Lavandier Shéhérazade
LE BALCON
Direction Maxime Pascal, Alphonse Cemin
(Piano)
Samedi 21 mai – 20h30 l
Gare du midi
TRIBUTE TO IRAKERE
CHUCHO VALDéS & AFRO CUBAN
MESSENGERS
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Une vie de Rossini – LES FORCES MAJEURES Karine Deshayes – Direction Raphaël Merlin
Vendredi 13 mai 2016 – 20h30 l
Théâtre du Casino
Ils seront 37 musiciens derrière la star du chant lyrique, la mezzo-soprano Karine Deshayes, sous la baguette du jeune chef d’orchestre Raphaël Merlin (violoncelliste du désormais célèbre Quatuor Ebène). Jeune et atypique ensemble, les Forces Majeures sont parmi la fine fleur des orchestres de chambre européens. Composé de membres des quatuors Ebène, Voce, Varèse, Tana, Phosphos ou de super solistes d’orchestres prestigieux, il donne ses premiers concerts en août 2014 dans le cadre du Festival du Haut Limousin où il est en résidence. Il se produit pour la première fois à Paris en novembre 2015 dans la cathédrale Saint-Louis des Invalides.
Lors de ces premiers concerts, Raphaël Merlin demande à son amie, Karine Deshayes, d’en être la marraine. Vocaliste hors-pair, lauréate des Victoires de la musique classique en 2016, elle est aujourd’hui une mezzo-soprano que l’on se dispute. A l’instar de Raphaël Merlin, elle cultive un dynamisme, une audace et une sensibilité qui lui permettent de s’imposer sur les plus grandes scènes du monde (Paris, Met de New-York, San Francisco…). Grande spécialiste de Rossini, elle a triomphé à plusieurs reprises dans le rôle de Rosine du Barbier de Séville, ou d’Angelina de La Cenerentola. Ensemble ils enregistrent chez le label Aparté, un programme consacré à Rossini dont la parution est prévue le 29 avril 2016.
Le programme retrace de manière non chronologique les moments marquants de la vie du compositeur qui mena à l’apogée le bel canto, avec notamment les chefs-d’œuvre de ses jeunes années (Una voce poco fa du Barbier de Séville) jusqu’à ses œuvres plus tardives.
Les Forces Majeures, Collectif de chambristes sont en résidence à la Ferme de Villefavard en Limousin.
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Karine Deshayes intègre le Conservatoire National Supérieur de
Musique de Paris, dans la classe de Mireille Alcantara, après avoir obtenu une licence de musicologie à la Sorbonne. Elle suit les master-classes de Régine Crespin, et rejoint la troupe de l’Opéra de Lyon où elle interprète, entre autres, les rôles de Cherubino (Les Noces de Figaro), Stephano (Roméo et Juliette) et Rosina (Le Barbier de Séville). © Carole Doutre Dès 2002, elle chante à l’Opéra National de Paris dans Rusalka, puis elle se produit au Festival de Salzbourg dans La Flûte enchantée (Deuxième Dame) sous la direction de Riccardo Muti, et, en 2006, elle fait ses débuts au Metropolitan de New-York dans le rôle de Siebel (Faust).
Son répertoire comprend de nombreux rôles : les rôles-titres de La Cenerentola, Cendrillon, La Navarraise, Carmen, Elena (La Donna del Lago), Isolier (Le Comte Ory), Charlotte (Werther), Poppea (Le Couronnement de Poppée), Sesto (Giulio Cesare), Dorabella (Cosi fan tutte), Sesto (La Clémence de Titus), Fenena (Nabucco), Urbain (Les Huguenots), Nicklausse (Les Contes d’Hoffmann), Adalgisa (Norma), Isoletta (La Straniera) ou encore Roméo (I Capuleti e i Montecchi). Elle se produit sur les grandes scènes lyriques françaises et étrangères (Metropolitan Opera de New York, San Francisco, Teatro Real de Madrid, Liceu de Barcelone). Récemment, elle a chanté le rôle-titre de La Belle Hélène à Toulon, ainsi que La Cenerentola à l’Opéra de San Francisco et Nicklausse des Contes d’Hoffmann au Metropolitan Opera sous la direction de James Levine. Elle se produit également en récital et en concert, sous la direction d’Emmanuelle Haïm, Emmanuel Krivine, David Stern, Kurt Masur, Louis Langrée, Myun-Whun Chung et Josep Pons. Karine Deshayes a remporté le Premier Prix du Concours des Voix Nouvelles en 2002 et les Victoires de la Musique, catégorie artiste lyrique en 2011 ainsi que cette année, en février. Elle a enregistré de nombreux disques, dans des répertoires différents (Cantates romantiques françaises, La Bonne Chanson de Fauré, La Chanson d'Eve avec Hélène Lucas, Shéhérazade de Ravel).
« La mezzo-soprano Karine Deshayes nous envoûte. La voix est pleine et souple, l’émission vocale
superbement contrôlée, la diction soignée. » Télérama
www.karinedeshayes.com
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© Carole Doutre Raphaël Merlin : né en 1982, il débute la musique à six ans au Conservatoire à Rayonnement Régional de Clermont-Ferrand : violoncelle, musique de chambre, piano, composition, piano-jazz. Il intègre en 1997 le CNR de Boulogne-Billancourt où il étudie le violoncelle avec Xavier Gagnepain, la musique de chambre avec Hortense Cartier-Bresson et la direction d'orchestre avec Janos Komives. Fort d'un 1er prix dans chacune de ces disciplines, il est reçu en 2001 dans la classe de Philippe Müller au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dont il sort quatre ans plus tard avec un diplôme de formation supérieure, mention Très bien à l'unanimité.
La musique de chambre occupe une part centrale de son activité notamment depuis son entrée, en 2002, dans le Quatuor Ébène, composé de Pierre Colombet, Gabriel Le Magadure et Mathieu Herzog, 1er prix 2004 du concours international de l'ARD de Münich. Poursuivant une carrière internationale de premier plan (Wigmore Hall à Londres, Carnegie Hall de New York, Théâtres du Châtelet et des Champs-Elysées à Paris, Philharmonies de Berlin et Cologne, Musikverein de Vienne..). Le quatuor enregistre en exclusivité pour Erato/Warner (albums Ravel-Debussy-Fauré, Brahms, « Fiction », Mozart, Mendelssohn, « Brazil », et un live Schubert-Dvorak avec Menahem Pressler en 2014). Raphaël Merlin se produit aussi comme soliste avec les Orchestres du Conservatoire Tchaïkovski de Moscou, d'Auvergne, de Massy, Sostenuto, Paris Sciences et Lettres, réalise des arrangements, s'investit dans divers projets, notamment en zone rurale (Festival « Les Chaises musicales », en Poitou-Charentes), enregistre le trio op. 114 de Brahms (Accord-Universal), le trio et les quintettes de Fauré (avec Eric Le Sage, Alpha), le trio de Philippe Hersant (Triton), et un album de tango, « Café 1930 » (ensemble Contraste, Zig-Zag Territoires). Parmi ses expériences de chef d'orchestre, la direction de l'Orchestre du lycée Racine, du Sérénade Orchestra, de l'Orchestre des Lauréats du Conservatoire de Paris et la fondation d'Opus 93 et du « Petit Lion » ont conforté Raphaël dans une conception chambriste de l'art de l'orchestre, ce qui l’amène tout naturellement à fonder les Forces Majeures en 2014. En 2008, le Klangforum Mitte Europa lui passe sa première commande de compositeur : une pièce pour quatuor à cordes et orchestre, « Eléa », créée avec le Quatuor Ébène à Cracovie et Munich en 2011. Son duo pour violon et violoncelle « Pas de Deux » a été créé au Concertgebouw d'Amsterdam en novembre 2012, et un concerto pour violoncelle et cordes, commande du violoncelliste Nicolas Altstaedt, est en préparation pour le festival de Lockenhaus.
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Les Forces Majeures : créés par Raphaël Merlin (chef d’orchestre et violoncelliste du Quatuor Ebène) et Martin Kubich (directeur artistique du Festival du Haut Limousin), les Forces Majeures rassemblent principalement des instrumentistes issus de formations prestigieuses de musique de chambre (Quatuors Ebène, Voce, Varèse, Tana, Psophos, Abegg, Giardini, Ardeo, trios Atanassov, Métral, Quintette Aquilon…), d’orchestres hexagonaux de premier plan (Orchestres National de France, National d’Ile de France, du Capitole de Toulouse, des Pays de la Loire, etc.), ou sortant tout juste de formations musicales supérieures. Orchestre à géométrie variable - d’une formation de musique de chambre à un orchestre symphonique - il aborde un vaste répertoire allant de la période classique (fin du 18ème siècle) à aujourd’hui. Par ce choix, cet ensemble atypique dans le paysage musical refuse la spécialisation et s’adapte aussi bien aux oeuvres symphoniques que lyriques.
Sa vocation : réunir des artistes d’excellence dont les qualités intrinsèques - écoute, réactivité, engagement - permettent de monter des programmes exigeants et d’offrir à tous les publics des spectacles dynamiques et originaux. Les Forces Majeures donnent leurs premiers concerts en août 2014 dans le cadre du Festival du Haut Limousin et accompagnent deux artistes aux carrières internationales : le pianiste Nicholas Angelich et la mezzo-soprano Karine Deshayes. En juin 2015, l’ensemble enregistre son
premier disque consacré à Giaochino Rossini. Il retrouve la chanteuse lyrique Karine Deshayes dans un programme mêlant judicieusement les mélodies, interludes et airs d’opéras du Cygne de Pesaro. L’orchestre collabore en 2015 avec la violoniste japonaise Sayaka Shoji et la violoniste française Sarah Nemtanu. Il se produit pour la première fois à Paris le 19 novembre 2015 lors d’un concert dans la Cathédrale Saint-Louis des Invalides retransmis en direct par Radio Classique.
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RESSAC Création originale (Commande du festival Les Beaux Jours) RAVEL Quatuor en Fa Majeur Op : 35 – Quatuor Voce Yannick Jacquet (Label ANTIVJ) : scénographie & création vidéo
Samedi 14 mai 19h et 20h30
Dimanche 15 mai 17h et 18h30 l Le Bellevue
La musique de Ravel mêlée aux arts numériques Une performance visuelle et musicale, installation inédite au Bellevue.
Simulation «Ressac » © Yannick Jacquet
De la mer à perte de vue, le reflet du soleil scintillant sur une houle tranquille, le ressac, mais aussi le fracas, la tempête et un nuancier infini de bleu, c’est cet univers d’océan tendant à l’abstraction, qui donnera vie en image à la musique du quatuor à cordes de Maurice Ravel, qu’interprétera le Quatuor Voce, installé au centre de la scénographie. La création visuelle de Yannick Jacquet sera projetée sur un dispositif d’écrans, installés en arc de cercle de manière à entourer les musiciens et à épouser le champ de vision du spectateur sur 180 degrés. Le fractionnement du support de projection ouvre le champ des possibles à l’artiste, en lui permettant de faire varier par écran le rythme de défilement des images, le nuancier des couleurs. Grâce au prisme de cette projection immersive, tous les sens sont engagés et le spectateur est appelé à ressentir d’une manière totale la musique de Ravel. Les réalisations de Yannick Jacquet, souvent in-situ, sont fortement influencées par les questions liées à l’architecture. Co-fondateur du label vidéo ANTIVJ, ses projets ont été présentés dans de nombreux pays d’Europe mais aussi en Corée du sud, Japon, Russie, Mexique et Etats-Unis. Durée du spectacle : 30 minutes environ – 4 séances tout public
Séances scolaires le vendredi 13 mai à 11h et 14h. Inscriptions au 05 59 41 57 50
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Yannick Jacquet [Suisse - France] Né à Genève en 1980 et installé à Bruxelles en 2005, Yannick Jacquet décline ces créations vidéo sous toutes sortes de formes et de collaborations. Que ce soit dans le domaine de la scénographie, des installations ou de performances, toujours, l’idée de sortir la vidéo de l’écran est présente. Ses réalisations, souvent in-situ, sont fortement influencées par les questions liées à l’architecture. Il collabore régulièrement avec de nombreux artistes et plus particulièrement ceux du label Antivj dont il est un des membres fondateur. Depuis 4 ans, un de ses projets phare est sa collaboration avec le graveur Fred Penelle sur le projet Mécaniques Discursives qui a été présenté une vingtaine de fois en Europe et Asie.
www.antivj.com
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© Sophie Pawlac
En une décennie, le Quatuor Voce s’est fait entendre sur les scènes du monde entier, en quatuor et aux côtés d’artistes d'exception, de Yuri Bashmet à Juliane Banse. Pour la saison 2014 - 2015, il est notamment l'invité du théâtre des champs Élysées (Paris), du Wigmore Hall (Londres) et du Kioi Hall (Tokyo) aux côtés de Lise Berthaud et Mami Hagiwara. Depuis leurs débuts en 2004, les Voce s’attachent à défendre le grand répertoire du quatuor à cordes, une ambition pour laquelle ils sollicitent les conseils de leurs aînés (Quatuor
Ysaye, Günter Pichler, Eberhard Feltz).
Cette exigence les amène au plus haut niveau et ils remportent en quelques années de nombreux prix dans les concours internationaux, à Crémone, Genève, Vienne, Bordeaux, Graz, Londres et Reggio Emilia. En 2013, le quatuor fut nommé "Rising Stars" par l’European Chamber Hall Organisation (ECHO) comprenant une tournée de concerts dans les salles les plus en vue d'Europe.Leurs deux premiers enregistrements, consacrés à Schubert puis Beethoven, sont salués et recommandés par les magazines The Strad, Télérama ou le journal Neue Zürcher Zeitung.
Ouverts au monde qui les entoure, ils créent régulièrement la musique de compositeurs d’aujourd’hui – Nicolas Bacri, Gianvicenzo Cresta, Graciane Finzi, Alexandros Markéas, François Meimoun, Bruno Mantovani, Zad Moultaka, Christophe Looten… Leur curiosité les amène à expérimenter différentes formes
de spectacle : ils prêtent leur voix à des chefs-d’œuvre du cinéma muet, de Murnau à Keaton, et partagent leur univers avec des personnalités aussi variées que le musicologue Bernard Fournier, le chanteur et guitariste -M-, la chanteuse canadienne Kyrie Kristmanson ou le chorégraphe Thomas Lebrun. Enfin, ils ont à cœur de transmettre leur expérience en enseignant à de plus jeunes quatuors ou en encourageant la pratique amateur dans le cadre de stages. Le Quatuor Voce a bénéficié depuis sa création de nombreux soutiens, parmi lesquels ProQuartet CEMC, le Théâtre de la Cité internationale, la Fondation Banque Populaire, l’Académie musicale de Villecroze, l’Institut Albéniz, la Fondation Charles Oulmont, la philharmonie de Paris.
www.quatuorvoce.com
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BACH, Motets – PYGMALION
Direction Raphaël Pichon Mardi 17 mai – 20h30 l Eglise Sainte-Eugénie
Un vent nouveau souffle sur la musique baroque : il s’appelle Raphaël Pichon et c’est l’un des meilleurs chefs d’orchestre français de la nouvelle génération.
En 2006, il fonde l’ensemble Pygmalion Chœur et Orchestre. Deux ans plus tard, leur premier album reçoit un Diapason d’Or. Un succès foudroyant, qui les mène dans les plus prestigieuses salles et festivals d’Europe (Philharmonie de Paris, Salle Pleyel, Opéra Royal de Versailles, Festival d’Aix-en-
Provence, de la Chaise-Dieu, Musikfest de Brême, Muziekgebouw d’Amsterdam…).
Centré sur Johann Sebastian Bach et Jean-Philippe Rameau, Pygmalion mène un travail exigeant et poussé autour de la formation chorale et instrumentale.
Les Motets, considérés comme une des œuvres vocales les plus abouties de Bach, alternent entre le recueillement et la plus pure des exaltations. Ils trouveront en Raphaël Pichon et son ensemble (24 chanteurs, 4 instrumentistes) des interprètes hors-pair.
Moderne et passionné, il réinterprète les classiques avec fraîcheur et enthousiasme. Les critiques relèvent l’énergie et le dynamisme de Pygmalion qui rendent la musique présente et vibrante, proche de l’auditeur : nulle préciosité, juste une volonté de prouver leur intimité avec les œuvres.
L’année 2016 est marquée par une première Passion selon Saint Matthieu qui sera donnée à Bordeaux (où l’orchestre est en résidence depuis le 1er janvier 2014 à l’Opéra National), ainsi qu’à la Chapelle Royale de Versailles, Dijon et Cologne.
www.ensemblepygmalion.com
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RAPHAEL PICHON
Chef d’orchestre
© François Sechet
Né en 1984, Raphaël Pichon débute la musique au sein de la
Maîtrise des Petits Chanteurs de Versailles puis poursuit ses
études musicales de chant, violon et piano au sein des
Conservatoire à Rayonnement Régional et Conservatoire National
Supérieur de Musique de Paris. Tout d’abord jeune contre-ténor,
ses expériences le mènent à chanter sous la direction de Jordi
Savall, Gustav Leonhardt, Ton Koopman, mais aussi Geoffroy
Jourdain avec lequel il aborde spécifiquement la création
contemporaine.
En 2006, il fonde et dirige l’ensemble Pygmalion, chœur et orchestre dédié au répertoire sur
instruments d’époque. Leur répertoire se veut à l’image des filiations qui relient Bach à Mendelssohn,
Schütz à Brahms, ou encore Rameau à Berlioz. Avec cet ensemble aujourd’hui associé de l’Opéra de
Bordeaux, il est invité aux festivals de la Chaise-Dieu, de Beaune, de Saint-Denis, de Radio-France
Montpellier, d’Ambronay ou de Saintes et remporte un grand succès avec son interprétation du
répertoire choral sacré de Johann Sebastian Bach et le cycle des tragédies Dardanus, Hippolyte et
Aricie et Castor et Pollux (Jean-Philippe Rameau). 2015 a notamment été marquée par une première
production lyrique aux Opéra de Bordeaux et
Versailles (Dardanus de Jean-Philippe Rameau, mise en scène Michel Fau). L’ensemble est invité
régulièrement à l’Opéra de Bordeaux, à la Philharmonie de Paris, à l’Opéra-comique, au Bozar de
Bruxelles, aux opéras de Versailles et Rouen, à la Fondation Royaumont, au festival de Saint-Denis,
aux Grands Interprètes de Toulouse, mais aussi au Palau de la Música Catalana de Barcelone ou
encore à la Musikfest de Brême, au Muziekgebouw d’Amsterdam ou encore aux Philharmonies de
Hambourg et Essen.
Les débuts de Raphaël Pichon dans le répertoire lyrique sont marqués en 2010 par L’Opera seria
(Florian Leopold Gassmann) à Nantes, puis par une production scénique de la Passion selon Saint
Jean (Bach) aux côtés du Holland Baroque Society à Amsterdam. Depuis 2012, on le retrouve auprès
du Stavanger Symfonikorkester, de l’Orchestre National de Montpellier, de l’Orchestre Symphonique et
Lyrique de Nancy, des Violons du Roy à Québec ou encore de l’Orchestre de chambre de Lausanne. Il
développe ainsi son répertoire en abordant Noces (Stravinsky), la Messe en ut mineur (Mozart), le
Requiem allemand (Brahms) ou encore Elias (Mendelssohn). En 2014, il fait ses débuts au Festival
d’Aix-en-Provence avec Trauernacht mis en scène par Katie Mitchell, spectacle repris au DNO
d’Amsterdam, à Valence, Paris, Arras et Lisbonne.
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Ya Balad – BACHAR MAR-KHALIFE Aleksander Angelov (Basse) DoganPoyraz (Batterie)
Mercredi 18 mai
2016 – 20h30 l Atabal
© Lee Jeffries
Un goût sucré de lait concentré, la fumée du café sur le feu, le zaatar (thym) dans les croissants, le savon baladi («du pays») et la rugosité du gant de toilette en loofah : tous ces souvenirs ont été semés en lui par son Liban natal. Bachar Mar-Khalifé chante un pays exposé à la mer et qui ne cesse de chasser ses souvenirs vers le large, avec son soleil, ses neiges, les citronniers, le jasmin, le vin, l’arak, la chair et le kebbe cru. Mais aussi les alternances de lumière et d’obscurité, les explosions de flashes, les battements de la bougie ou le ronronnement des générateurs. Dans son troisième album intitulé Ya Balad («Ô pays»), le chanteur parle de sa proximité perdue à sa terre. Il raconte la nostalgie qui le rattache à ses racines et l’oubli qui le pousse à la pérégrination. Le pays lui-même a pris le chemin de l’exil, expulsé par la conception nationaliste de la patrie. Les paysages ont été remplacés par la carte, l’horizon par les frontières, le chant par l’hymne national, la vérité de la voix par l’imposture du clairon. D’où le drame d’un pays à la croisée des civilisations mais qui ne suffit plus à ses enfants. Ceux-ci se retrouvent coupés de l’origine qui sauvegarde le rapport au monde: la langue. Mêlant piano, clavecin, percussions, batterie, synthétiseurs, mélodica et nay, ce troisième album joue la réconciliation entre les différents parcours musicaux de Bachar Mar-Khalifé (entre la percussion et le piano), et consacre le chant en arabe comme instrument central de son expression. Plus que jamais, sa liberté triomphe de toute contrainte stylistique. À l’écoute de cet album, on croit surprendre le compositeur dans son atelier. De ces chansons qui y sont rassemblées, il fait présent au monde où parfois les guerres se dérobent: «j’ai passé dix jours en studio, au domaine La Borie en France, en compagnie de mon ingénieur son et ami Joachim Olaya. Le studio se trouvait dans des jardins d’une beauté rare, propice à l'isolement hermétique.» Avec ses couleurs «reggae-oriental», Balcoon évoque la caricature d’une jeunesse libanaise tiraillée entre l’adhésion et le rejet par rapport à soi, qui mélange dans son discours l’arabe, l’anglais et le français, et dont la culture musicale s’est construite au son de la musique classique arabe (Oum Kalthoum...) et du Rock (Doors, Pink Floyd...). «Les paroles de cette chanson s'écrivent toutes les nuits dans les bars de Beyrouth». Dans Kyrie Eleison, «Saint»-Khalifé implore Dieu d’épargner les hommes: «Laisse-nous tranquille!» Mais ce n’est pas pour congédier le sacré. «J’ai tout d’un croyant, mais je n’aime pas Dieu». Le sacré, Bachar le retrouve sur scène, dans l’espace de sa propre création. Cela ne l’empêche pas d’invoquer la Mère de la déité dans l’autre prière que contient l’album, Madonna, pour les enfants partis
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prématurément, sur une musique de son père, Marcel Khalifé, et des paroles du poète Irakien, Saadi Yousef. Il y a aussi les départs provisoires qu’empruntent les dormeurs, sur l’air de la berceuse de Théodore Botrel, Dors mon Gâs et celui de la comptine traditionnelle libanaise, Yalla Tnam Nada, avec Golshifteh Farahani, seule et unique invitée de l’album.
Mais le chanteur lui-même ne s’endort pas. Et sa chanson Layla, prenant en témoin son propre père, nous en donne la raison : la nuit l’a oublié et a fini par s’effacer de sa mémoire. Chanson de fête et de danse, Lemon est le fruit d’une collaboration
musicale de Bachar et de sa mère sur un poème de l’Égyptien
Samir Saady. Après le duo enregistré sur l’album Hawak de Yolla Khalifé, le compositeur a voulu
insister sur le côté brut, simple et répétitif de la musique populaire. L’originalité de cette chanson
orientale réside dans l’utilisation d’un clavecin baroque accordé en quart de ton: «C’était la révélation au
studio, je l’ai réutilisé dans d’autres chansons par la suite.»
Laya Yabnaya est la reprise d’une chanson érotique populaire qui parle de l’amant malheureux frappé par la folie. «C’est une chanson assez violente qui est traditionnellement chantée avec légèreté et joie. J’ai voulu lui redonner son sens premier et honorer avec moins de formes la réalité de cet homme.» Une certaine perdition est perceptible dans Wolf Pack, «transe moderne, jouissive et fissurée», improvisée le soir à la fin de la séance d’enregistrement au studio. Ce morceau dansant et anarchique est le résultat «de la fatigue... et du vin» avoue Bachar. L’unique morceau instrumental de l’album, Ell3 (comme «elle») est un duo piano-mélodica. «Ce morceau est tout ce que je peux donner en amour, en image, en mer, barque, vent et étoiles. Ce morceau est pour Ell3.» Depuis son précédent album (Who's Gonna Get The Ball... InFiné 2013), Bachar Mar-Khalifé a établi son séjour dans le voisinage des autres arts. Quelques morceaux de l'album ont trouvé leur genèse au théâtre ou dans le cinéma: Yalla Tnam Nada a été composé pour le générique de fin du film «Go Home» de Jihane Chouaib dans lequel l'actrice iranienne Golshifteh Farahani qui chante en duo avec Bachar, tient le premier rôle. Kyrie Eleison était destiné au film «Fièvres» de Hicham Ayouch (Étalon d’or du Fespaco 2015), et Layla est le thème principal du film «Layla Fourie» de Pia Marais (mention spéciale du jury à la Berlinale 2013). Outre le cinéma, Bachar a joué le spectacle «Le paradis de Helki» mis en scène par Charif Ghattas, et dont la première s’est tenue au théâtre des Bouffes du Nord à Paris. Les morceaux Wolf Pack, Ell3, et Ya Balad y étaient joués pour la première fois. Le choix de la photo, prise par l’anglais Lee Jeffries, en couverture du disque lui est apparu comme une évidence au vue de sa série de portraits de sans-abris «Lost Angels». «Son œuvre m’a bouleversé et les connexions avec les sujets de mes chansons me semblaient inévitables. » déclare Bachar. « Ses sujets sont des êtres à la fois lumineux et tristes. Bruts. La notion de perte chez eux est forte. Comme s’ils avaient tout perdu, mais que leur humanité en était exacerbée. Ses images renvoient également au sacré. À la représentation de la passion, de la souffrance heureuse».
Sur scène, après avoir défendu ses chansons en solo depuis ses débuts, Bachar présentera dès l’automne un nouveau live en trio (piano-basse-batterie). Un désir de s’entourer qui lui tenait à cœur depuis longtemps, mais qu’il n’avait pu atteindre jusqu’ici. Grâce à l’énergie du groupe, Bachar souhaite explorer de nouveaux rapports avec le public, plus organiques et intimes. Par l’émotion toujours mais
aussi par la danse, voire la transe. www.bacharkhalife.com
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LE BALCON
LEVINAS – Concerto pour un piano espace n°2 RIMSKI-KORSAKOV / LAVANDIER – Shéhérazade
Direction Maxime Pascal, Alphonse Cemin (Piano)
Vendredi 20 mai 2016– 20h30 l Théâtre du Casino
Le Balcon crée des spectacles naviguant entre la musique d’aujourd’hui, le répertoire classiques et les expériences les plus troublantes de musiques actuelles. Il définit ainsi une action musicale qui abolit les frontières entre le public et les interprètes. Musique électronique et poème symphonique russe dans une même soirée: le choix est à l’image de l’ensemble Le Balcon, toujours à la recherche de nouvelles expériences,
naviguant entre la musique d’aujourd’hui et le répertoire classique. Le jeune chef Maxime Pascal, qui reçut les conseils de Pierre Boulez, est en 2014, le premier Français à remporter le Young Conductors Award du Festival de Salzbourg, concours de chefs d’orchestre très en vue. Cette consécration attire l’attention sur ce passionné de musiques contemporaine et électronique, ainsi que sur son ensemble. Fondé en novembre 2008, Le Balcon réunit de jeunes musiciens, chanteurs, compositeurs et ingénieurs du son. Il cherche à abolir les frontières entre le public et les interprètes, revendiquant un spectacle total où le recours à la sonorisation n’est plus tabou. La Partition de Michaël Levinas (1980) développe un style singulier d’une extraordinaire puissance expressive. La pièce de Rimski-Korsakov (1888) s’inscrit quant à elle dans ce courant musical du XIXe siècle d’exotisme orientalisant, puisque le compositeur russe s’est inspiré du fameux conte des Mille et une nuits pour créer cette Shéhérazade. L’œuvre est transcrite avec brio pour un ensemble de 18 musiciens par le jeune compositeur Arthur Lavandier.
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Maxime Pascal, chef d'orchestre
Né de parents musiciens, Maxime Pascal débute tôt l’apprentissage du piano puis du violon à Carcassonne. Il est admis en 2005 au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans les classes d'écriture, d'analyse musicale et d'orchestration. Ressentant rapidement la nécessité de diriger, il s'inscrit dans la classe de direction d'orchestre de François-Xavier Roth. Encore étudiant, il fonde en 2008 l’orchestre Le Balcon (nommé d’après la pièce de Jean Genet), conjointement avec
les compositeurs Pedro Garcia-Velasquez, Juan-Pablo Carreño et Mathieu Costecalde, le pianiste Alphonse Cemin et l’ingénieur du son Florent Derex. La particularité de cet orchestre à géométrie variable, jouant tous les répertoires, est de faire appel aux techniques de sonorisation. Maxime Pascal y développe sa vision du spectacle musical : ce doit être une expérience saisissante et radicale pour les spectateurs. Il est ainsi amené à travailler avec des personnalités comme Pierre Boulez, George Benjamin, Michael Lévinas ou Arthur Lavandier. L'Athénée Théâtre Louis-Jouvet devient en 2013 lieu de résidence pour Maxime Pascal. Il y donne avec Le Balcon l'opéra Ariadne auf Naxos de Richard Strauss mis en scène par Benjamin Lazar, un spectacle vidéo sur le Pierrot Lunaire créé par l'artiste colombien Nieto, Le Viol de Lucrèce de Benjamin Britten ou encore tout récemment l'opéra Le Balcon de Peter Eötvös mis en scène par Damien Bigourdan. Par ailleurs, la grande fascination qu'exercent sur lui les opéras de Stockhausen l'a conduit à travailler à Cologne avec Suzanne Stephens et Kathinka Pasveer et à jouer à Paris plusieurs scènes de ces opéras. Maxime Pascal a également dirigé l'Orchestre National de Lille, la Camerata Salzburg, le SWR Sinfonieorchester de Baden-Baden und Freiburg, le Kammerorchester de Munich et le Gustav Mahler Jugendorchester. Il a été invité au Festival Musica de Strasbourg, à la Folle Journée de Nantes, au Festival Ars Musica de Bruxelles, au Festival de Pâques de Deauville, à la Villa Médicis de Rome, au festival Paris Quartier d'été, au Festival Messiaen de la Meije, au Festival Berlioz de la Côte Saint-André, au BIFEM de Bendigo en Australie, au Festival de Salzbourg, au Théâtre Impérial de Compiègne, à l'Opéra d'Avignon et au Festival de Saint-Denis. Très attaché au rayonnement de la pratique symphonique amateur, il est depuis 2008 le directeur musical de l'Orchestre Impromptu, un orchestre amateur parisien. Maxime Pascal est soutenu depuis 2012 par la Fondation Orange. Il est également en résidence à la Fondation Singer-Polignac depuis septembre 2010. L’Académie des Beaux-Arts lui décerne en novembre 2011 à l’Institut de France le Prix de Musique de la Fondation Simone et Cino del Duca pour le début de sa carrière. En mars 2014, il est le premier Français à remporter le Nestlé and Salzburg Festival Young Conductors Award.
www.lebalcon.com
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© Meng Phu Arthur Lavandier est un compositeur français, diplômé d’un premier prix de composition de l’École Normale de Musique de Paris (avec prix spécial de la SACEM), et des classes d’écriture et d’orchestration du CNSM de Paris. Depuis sa sortie du conservatoire, il travaille étroitement avec l’ensemble Le
Balcon, pour lequel il crée l’opéra De la Terreur des Hommes, en 2011 (il est pour cet opéra lauréat des bourses d’Aide à la Création et d’Aide à la Production de la fondation Beaumarchais), ainsi que de nombreux arrangements, comme Shéhérazade de N. Rimsky-Korsakov, qui est donné au festival de Deauville, les Mirages de G. Fauré, avec le contre-ténor Rodrigo Fereira, ou encore la Symphonie Fantastique d’H. Berlioz, jouée au festival Berlioz de la Côte-St-André. Il réalise également plusieurs orchestrations de bandes originales pour le cinéma, la dernière étant celle du long-métrage Minuscule (Futurikon), César 2015 du meilleur film d'animation, enregistrée par les musiciens du London Symphonic Orchestra à l’Air Studios, à Londres. Arthur Lavandier accorde une place particulière à la voix autant dans son travail de compositeur que d’arrangeur, et collabore régulièrement avec des chanteurs comme Manuel Nuñez-Camelino, Léa Trommenschlager ou Julie Fuchs, pour laquelle il coconçoit le spectacle De quoi j’ai l’air, qui est créé en mars 2014 à l’opéra d’Avignon. Il crée aussi avec le chœur les Cris de Paris les Fureurs Héroïques (en décembre 2012 à l’opéra de Lille) en collaboration avec l’écrivain Federico Flamminio. Finaliste du grand prix de composition Reine Elisabeth 2012, il gagne en mai 2014 le prix SwissLife À quatre mains, en tandem avec le photographe Julien Taylor. C'est dans le cadre de ce prix qu'il compose l'opéra de chambre Bobba pour ténor et ensemble, créé en septembre 2015 à la Cité de la Musique (Paris) et qu'il travaille à la conception du livre-disque Mémoires de Bobba (édité chez Actes Sud) en collaboration avec le photographe. Il est actuellement en train de travailler sur un nouvel opéra, Le Premier Meurtre, commande de l’ensemble Le Balcon, de l'opéra de Lille et de la fondation Singer Polignac, sur un livret original de Federico Flamminio et mis en scène par Ted Huffman, qui sera créé à l'opéra de Lille en mars 2016.
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©Françis Vernhet
TRIBUTE TO IRAKERE CHUCHO VALDES & AFRO CUBAN
MESSENGERS
Chucho Valdés - piano, directeur | Yaroldy Abreu Robles - percussions, voix | Rodney Barreto - batterie, voix | Dreiser Durruthy Bombalé - tambours batá, voix | Gastón Joya - contrebasse, voix | Ariel Bringuez - saxophone ténor | Rafael Águila - saxophone alto | Manuel
Machado - trompette | Reinaldo Melián - trompette | Carlos Sarduy - trompette lead
Samedi 21 mai 2016 – 20h30 l Gare du Midi
Monstre sacré de la musique cubaine, lauréat de cinq Grammy Awards et de trois Latin Grammy Awards, ce pianiste et compositeur est l’une des figures les plus influentes dans l’histoire moderne du jazz afro-cubain. Il y a quatre décennies, Chucho Valdés révolutionnait le panorama musical cubain avec son groupe de jazz Irakere dont les sonorités et les arrangements sonnent toujours incroyablement modernes. Avec une force volcanique qui s’est imposée autant dans les rythmes de danse que dans les pièces symphoniques, Irakere n’a jamais cessé d’être une fascinante forêt peuplée d’animaux mythiques et de tambours sacrés. Chucho Valdés en apporte une nouvelle preuve, à 73 ans, après la redécouverte des partitions originales du groupe qu’il a confiées à une génération de musiciens qui n’étaient pas nés quand Irakere triomphait. Il nous livre son florilège d’influences, conga de Carnaval, mambo, classique, convoque les esprits de la santería avec tambours bata et chants yoruba, rajoute même des couleurs arabo-andalouses. Un mélange détonnant, une énergie alliée à la poésie, un tourbillon où règne la nostalgie des big bands cubains, sans oublier ce lyrisme empreint de spiritualité qui domine l’œuvre du compositeur.
« C’est groove, c’est swing, c’est latino, ça déchire l’espace. » Eliane Azoulay. Télérama
MULTICOLORE ET AFRO-LATIN, LE CHUCHO NUEVO EST ARRIVE ! C’est un tout autre pas de géant que le pianiste propose avec ce nouvel opus, Border-Free. Texto : Sans Frontières. Un titre qui a valeur programmatique : les barrières dûment établies, Chucho Valdés les a franchies depuis tout petit, jouant à saute-moutons avec les styles, bop, pop, son, mambo, classique, contemporain et ainsi de suite… Tout n’est finalement que matière à créer de la musique. Voilà pourquoi la loi des sacro-saintes catégories, les histoires de chapelles et les œillères des gardiens du temple, il s’en est affranchi avec style, le sien : une main de fer et un doigté de soie, qui peut
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caresser ou fracasser le clavier, tourner autour d’une simple ligne mélodique, décoller sur une dense rythmique ou partir dans des vertiges harmoniques. Impossible de cerner l’art de Chucho Valdés, « le pianiste le plus complet au monde », selon un magazine de référence dans le jazz. Un pur (impur ?) produit de l’école cubaine, il incarne ce qu’un autre Caribéen, le philosophe martiniquais Edouard Glissant, désigne par le Tout-monde. Une notion qui n’a rien à voir Avec le conformisme de l’universel ni l’uniforme du métissage. Et à bien l’écouter, la musique de Chucho Valdés raconte autrement une même version du monde, ouvert par nature à l’autre, une « archipellisation » de la pensée qui invite à tracer des passerelles entre les mondes, à briser les murs des identités segmentées. Voilà sans doute aussi pourquoi le Cubain se présente en couverture en chef indien, rappelant au souvenir des oublieux que les peuples autochtones font partie de l’histoire des Amériques, tout comme les Black Indians de La Nouvelle-Orléans ont participé à l’histoire du jazz. Ce qu’il confirme preuve à l’appui avec « Afro-Comanche », un titre qui revient sur un épisode peu connu : l’histoire de quelques Comanches déportés dans les provinces orientales cubaines, au cours du XIXe siècle. « À Cuba ils ont rencontré les Afro-Cubains et ont fondé des familles. De ce métissage sont nés des enfants reconnus comme Afro-Comanches », rappelle Chucho Valdés. Le clin d’œil amusé de la couverture ne doit donc pas masquer le sérieux de l’entreprise : en puisant dans cette source d’inspiration, Chucho Valdés ne fait que prolonger, autrement, une quête entamée voici plus de cinquante ans. Cette recherche musicale l’a sans cesse poussé à repousser les frontières, à repenser la nature profonde son identité polymorphe. Irréductible à une voie, il a choisi la diversité des voies, non pour y déterminer un plus petit dénominateur commun, mais bel et bien pour inventer un univers toujours plus ouvert. Ce que Edouard Glissant nomme dans Poétique de la Relation par créolisation, « métissage sans limites, dont les éléments sont démultipliés, les résultantes imprévisibles ». C’est ainsi qu’il faut entendre et comprendre le « rapprochement » de Chucho Valdés avec les Indiens d’Amérique du Nord mais aussi la vieille Europe arabo-andalouse, deux cultures dont chaque Cubain peut légitimement se revendiquer. Chucho Valdés les passe au filtre de son expérience originelle, au tamis de ses idées originales : adepte de la mystique santeria, il bat encore une fois le rappel des esprits syncrétiques aux sons des tambours. Ceux du piano qu’il martèle, ou ceux des traditionnels batá. À l’image des messagers invisibles de cette religion, l’afro-cubain messenger porte à nos oreilles des grandes âmes qui l’ont nourri, ce panthéon intime qu’il convoque dans ce recueil. L’album s’ouvre ainsi sur « Conga-Danza », spéciale dédicace à María Cervantes « fille du grand Ignacio Cervantes, l’un des pères des pianistes cubains et compositeur des “36 Danses Cubaines” ». Et « Tabú », l’unique reprise, est un thème de Margarita Lecuona, à qui l’on doit le classique « Babalú Ayé » et qui n’est autre que la sœur d’Ernesto Lecuona, « le meilleur pianiste Cubain de tous les temps » selon Chucho qui prend ici un solo d’une rare élégance. Quant à « Caridad Amaro », ce thème porte le nom de sa grand-mère. « Elle aimait que je joue pour elle le concerto de Rachmaninov et ce morceau reprend vers la fin une version, à ma façon, d’une partie de ce concerto. » De même, il rend avec « Bebo » un hommage « plein de tendresse et de respect » à son tutélaire père, « à sa façon de composer et de jouer ». Et « Pilar » célèbre sa « chère mère disparue, à qui je dois tant ». « Elle aimait les préludes et les fugues de Bach et aussi le morceau “Blue In Green” de Miles Davis dont j’ai repris ici quelques éléments. »
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Composé en 1986 à l’occasion du carnaval de Las Palmas de Gran Canaria, « Santa Cruz » est l’occasion pour le Cubain de se remémorer l’esprit du guitariste Canario (Santi), dans une thématique aux faux airs flamenco. Enfin, il passe le mince détroit de Gibraltar pour saluer la mémoire d’un grand musicien marocain avec « Abdel », et aborder à sa main les gammes arabes et les rythmiques orientales. À travers ses multiples hommages collatéraux, Chucho Valdés remet encore une fois au centre des enjeux la dimension spirituelle de la musique. Et au-delà, chacun des esprits invoqués lui permet de traverser tout le spectre des noires et blanches. Tellurique yoruba et classique contrepoint, improvisations collectives et narration solitaire, chants irradiant et transe entêtante, vertiges harmoniques et recueillement mélodique, tout est possible, tout est même son contraire. « Chaque nouvel album de Chucho Valdés est un bouquet de cubanismes, d’illuminations et d’union de contraires : l’énergie alliée à la poésie. », note avec justesse son ami Leo Brouwer. « Dans cet album, nous avons voulu rapprocher des genres compatibles avec les racines afro-cubaines. », ajoute le pianiste qui a réuni à ses côtés une équipe au diapason de ses intentions. Un quintette majeur du latin
jazz : Rodney Barreto (batterie), Gastón Joya (contrebasse), Dreiser Durruthy (tambours batá), Reinaldo Melián (trompette) et Yaroldy Abreu (percussions cubaines). Auquel il ajoute un piment de La Nouvelle Orléans : le saxophoniste Branford Marsalis convié sur trois thèmes, deux au ténor et un final de toute beauté au soprano. Avant de nous revenir tel qu’en lui-même, afro-cuban messenger devant l’éternel, fidèle à une esthétique dont il a lui-même posé de profonds jalons, Chucho Valdés aura creusé de nombreux sillons. Des chemins buissonniers quelque part entre Monk et Ravel ; des sentiers lumineux
éclairés par Ernesto Lecuona et Bill Evans. Autant de pistes de réflexion, fondatrices et fondamentales, pour ce musicien qui cherche et trouve dans les notes, noires et blanches, la matière à faire jaillir un univers de toutes les couleurs. À l’image des visions surréalistes du peintre Lam, dont une œuvre servit de support à Misa Negra, album totémique d’Irakere. Une jungle sonore plus qu’un groupe de musique, un creuset générationnel plus qu’une addition de surdoués, Irakere est entré depuis belle lurette au panthéon des musiques cubaines. Tous au service de son maître d’œuvre, une vision polymorphe où le jazz entre en transe, où le funk se joue en version latine, où le bon vieux swing se conjugue avec la clave si typique. Emblématique de toute sa démarche, Irakere n’est malgré tout qu’une partie de la carrière bien plus vaste de Dionisio Jesús « Chucho » Valdés Rodríguez. Il y eut un avant, et puis un après. Avant ce fut les leçons de piano au conservatoire, les premières années à se faire la main, à parfaire une science du contrepoint et un sens de la mélodie ajustée auprès de son père, Bebo Valdés, haute autorité de la musique cubaine. En 1959, le jeune homme débute d’ailleurs dans Sabor de Cuba, sous la direction de ce dernier, avant qu’il n’émigre. Agé de 19 ans, Chucho Valdés demeure lui à La Havane où il va vite devenir un des piliers du label Egrem, tout en développant en parallèle ses propres projets : Chucho Valdés et son combo, en 1960, puis l’Orquesta Cubana De Musica Moderna, un septet plus orienté jazz, et enfin Irakere, qui s’impose dès son premier disque en 1974 avec « Bacalao Con Pane », un classique de groove bariolé ! Dès lors, il va enchaîner les succès, engranger les Grammy, renouvelant constamment cette formation et cette formule durant plus d’un quart de siècle. Et après l’an 2000 ? Ayant déjà rejoint l’écurie Blue Note, le natif de Quivicán signe désormais sous son seul nom des disques qui font la synthèse de soixante ans de musiques, où il se projette tout autant vers de nouveaux territoires : New Conceptions, puis Chucho’s Steps, saluent ainsi les géants de l’histoire du jazz.
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Tarifs (hors frais de location)
Concerts A (Les Forces majeures / Chucho Valdés) : CAT 1 : 35 € | Tarif réduit 30 € - CAT 2 : 30 € | Tarif réduit 25 € Concert B (Le Balcon - Pygmalion) : CAT 1 : 30 € | Tarif réduit 25 € - CAT 2 : 25 € | Tarif réduit 20 € Concert Bachar Mar–Khalifé : Tarif plein : 25 € | Tarif réduit : 20 € Tarif spécial Ressac : Tarif plein : 13 € | Tarif réduit : 8 € Tarif scolaires Ressac : 3 € / élève – Gratuit pour les accompagnateurs
Abonnement 2 concerts (A + B) : CAT 1 : 55 € | tarif réduit : 50 € - CAT 2 : 45 € | tarif réduit : 40 € Abonnement 3 concerts (A + A + B) : CAT 1 : 75 € | tarif réduit : 69 € - CAT 2 : 66 € | tarif réduit : 60 € Tarif Réduit : Comités d’entreprises, élèves et professeurs du Conservatoire, - 26 ans, demandeurs d’emploi, bénéficiaires de l’AAH (Sur présentation d’un justificatif) Places numérotées pour Les Forces Majeures, Le Balcon, Chucho Valdés
Billetterie
Office de tourisme 05 59 22 44 66 – biarritz.fr
Réseau Ticketnet (E. Leclerc, Elkar…) : ticketmaster.fr
Réseau Dispobillet (Fnac, Carrefour, Géant…) : fnac.com | francebillet.com
Concert Bachar Mar–Khalifé :
Possibilité de réserver sur atabal-biarritz.fr
Organisation
Direction des Affaires culturelles, Villa Natacha 110 rue d’Espagne 64200 Biarritz - 05 59 41 57 50 - [email protected]
www.biarritz-lesbeauxjours.com
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Ibrahim MAALOUF
Richard GALLIANO
© Agence Photomobile 2015
L’Edition 2015 en
Avant-Première
