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SAMEDI 9 FÉVRIER – 20H

España !

Jules Massenet (1842-1912)Le Cid (suite de ballet)

Maurice Ravel (1875-1937)Alborada del gracioso

Édouard Lalo (1823-1892)Symphonie espagnole

entracte

Emmanuel Chabrier (1841-1894)España

Claude Debussy (1862-1918)Iberia

Maurice RavelBoléro

Les SièclesFrançois-Xavier Roth, directionTedi Papavrami, violon** Tedi Papavrami joue un violon du luthier Christian Bayon (2005) fait à son intention, monté pour ce concert de cordes en boyaux.

Fin du concert vers 22H45.

2

Espagne vécue, Espagne rêvée 

Rythmant la vie parisienne durant toute la seconde moitié du XIXe

siècle, les expositions universelles nourrissent le goût des Français

pour l’exotisme, des contrées « nègres » jusqu’à l’Extrême-Orient

dont la musique pour piano d’un Debussy se fait l’écho sublimé.

Moins lointaine mais tout aussi attirante, l’Espagne gagne elle aussi

ses lettres de noblesse en terres artistiques, telle cette Carmen qui

tourne bientôt la tête à Mérimée, avant Bizet. Friande de sonorités

nouvelles, désireuse de s’encanailler gentiment, la musique n’est en

effet pas en reste. Ravel et Debussy n’échapperont pas à cet appel du

Sud, et avant eux Chabrier, Saint-Saëns ou Lalo y sacrifieront volontiers.

3

samedi 9 février

Jules Massenet (1842-1912)Le Cid, suite de ballet

Castillane

Andalouse

Aragonaise

Aubade

Madrilène

Navarraise

Opéra composé en 1884-1885. Livret de l’opéra signé d’Adolphe d’Ennery, Louis Gallet et Édouard Blau, d’après Le Cid

de Corneille (1637). La suite fut créée (incorporée à l’opéra lui-même) le 30 novembre 1885 à l’Académie de musique.

Durée : environ 25 minutes.

Un an seulement après le triomphe de Manon et d’Hérodiade, l’opéra Le Cid, en novembre 1885, confirme la réputation de Jules Massenet. L’action de l’ouvrage, d’après la pièce homonyme de Corneille, se déroule dans l’Espagne du XIe siècle : Chimène cherche à se venger de Rodrigue, qui a tué son père, mais elle ne peut cesser de l’aimer – et finira par l’épouser. L’ouvrage est le dernier de Massenet à répondre à l’esthétique du « grand opéra », marquée par la richesse des moyens, musicaux et scéniques. Un ballet apparaît comme il se doit au milieu du deuxième acte, intégré à l’action : sur la grande place de Burgos, l’Infante fait l’aumône, tandis que des danses populaires se succèdent. Massenet compose ici des pages poétiques et enlevées, de couleur ibérique, qui ont rapidement trouvé leur autonomie au concert, annonçant les partitions hispanisantes plus tardives de la musique française (Rapsodie espagnole et Alborada del gracioso de Ravel ou Iberia de Debussy).

La « Castillane » présente un innocent motif des flûtes, avec lequel contrastent plusieurs emportements orchestraux. Dans l’« Andalouse », vents puis cordes aiguës déroulent une mélodie mystérieuse sur un motif obstiné des cordes graves. Le thème de l’« Aragonaise » tournoie, scandé par le tambour de basque, jusqu’à une joie trop appuyée pour être tout à fait innocente – souvenons-nous qu’un drame se joue : Chimène vient d’apprendre que Rodrigue était le meurtrier de son père. Il y a aussi dans ces danses une furie qui trahit une soif de vengeance (tout comme l’élément dansé n’est jamais loin de la tragédie dans Carmen de Bizet).

L’orchestre est tout en légèreté dans l’« Aubade ». La « Madrilène » consiste d’abord en un délicat duo de cor anglais et flûte, bientôt accompagné par la harpe (qui figure une guitare, bien entendu) ; sa seconde section, très rythmée, est constituée d’une mélodie joyeuse soutenue par les castagnettes et traversée de puissants accords. Dans la « Navarraise » aussi, l’orchestre marque avec énergie une mélodie quelque peu obsessionnelle, puis ramène le thème tournoyant de l’« Aragonaise », avant la péroraison explosive.

Nicolas Southon

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Maurice Ravel (1875-1937)Alborada del gracioso

Composition : 1905 dans sa version pianistique.

Orchestration : 1919.

Création de la version orchestrale : 17 mai 1919, Paris, par l’Orchestre Pasdeloup dirige par Rhené-Baton.

Effectif : piccolo, 2 flutes, 2 hautbois, cor anglais, 2 clarinettes en si bémol, 2 bassons, contrebasson – 4 cors en fa,

2 trompettes en ut, 3 trombones, tuba – 3 timbales, crotales, triangle, tambour de basque, castagnettes, tambour

militaire, cymbales, grosse caisse, xylophone – 2 harpes – cordes.

Edition : 1920, Demets, Paris.

Durée : environ 9 minutes.

Alors que les versions orchestrale et pianistique de la Rapsodie espagnole sont quasi concomitantes, l’orchestration de l’Alborada del gracioso est assez tardive. Quatrième pièce des Miroirs pour piano, cette « sérénade du bouffon » fut en effet composée en 1905, et pas orchestrée avant 1919. Illustrant le goût profond de Ravel pour les échanges entre piano et orchestre (souvent dans le sens de l’orchestration, comme en témoignent Le Tombeau de Couperin, Ma mère l’Oye ou les Valses nobles et sentimentales, écrites à l’origine pour un ou deux pianistes), l’Alborada se tire bien mieux de l’exercice qu’Une barque sur l’océan, également extraite des Miroirs mais orchestrée des 1906, qui fut éreintée par la critique. Ici au contraire, comme dans la plupart des autres orchestrations ravéliennes, « brillent une ingéniosité et une virtuosité qui n’ont jamais été surpassées » (Christian Goubault). Les timbres que la version pianistique portait en germe s’y retrouvent magnifiés, plus colorés encore (glissandi de harpes et flûtes, plainte du basson solo) – tout en demeurant, pour certains, sublimes : ainsi ce son de guitare si prégnant… sans guitare.

Angèle Leroy

Édouard Lalo (1823-1892)Symphonie espagnole, opus 21

Allegro non troppo

Scherzando : Allegro molto

Intermezzo : Allegretto non troppo

Andante

Rondo : Allegro

Dédiée au violoniste Pablo de Sarasate.

Composée en 1874, créée le 7 février 1875 aux Concerts populaires de Jules Pasdeloup, sous la direction de ce

dernier, avec le dédicataire au violon.

Durée : environ 29 minutes.

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samedi 9 février

D’abord connu comme violoniste et altiste, Édouard Lalo acquiert sa notoriété de compositeur grâce à la Symphonie espagnole, qui devient rapidement l’une des partitions d’orchestre les plus célèbres du répertoire français. Composée en 1873 pour le virtuose Pablo de Sarasate, l’œuvre est créée en février 1875 aux Concerts populaires de Jules Pasdeloup.

« Symphonie » ? Pas au sens traditionnel, puisqu’elle comporte cinq mouvements, et fait briller un soliste. « Espagnole » ? Oui et non : des rythmes ibériques y sont employés, et l’orchestre est coloré, mais c’est d’une Espagne recréée qu’il s’agit, pas toujours mise en exergue d’ailleurs. Certains ont parlé d’un concerto déguisé, d’autres d’une symphonie concertante ou d’une suite d’orchestre avec soliste. La Symphonie espagnole est tout cela simultanément, mais elle est déterminée surtout par la personnalité de son destinataire et dédicataire, Sarasate, à qui Lalo offrit une partition taillée sur mesure, capable de le faire rayonner tout en rappelant sa nationalité.

L’Allegro non troppo n’est pas éloigné d’un premier mouvement de symphonie, le ton hispanique demeurant pour l’instant peu prononcé. En revanche, l’auditeur est bel et bien transporté dans une Espagne rêvée avec le Scherzando, proche d’une séguedille. Plus encore dans l’Intermezzo, page colorée qui repose sur un rythme de habanera. D’une atmosphère plus tzigane qu’espagnole, l’Andante s’enchaîne au brillant Rondo, dont le rythme évoque à la fois une malagueña et une habanera.

Nicolas Southon

Emmanuel Chabrier (1841-1894)España

Composition : 1883.

Création : 4 novembre 1883, à Paris, aux Concerts Lamoureux (Théâtre du Château d’Eau).

Effectif : piccolo, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 4 bassons – 4 cors, 2 trompettes, 2 cornets à piston, 3 trombones,

tuba – timbales, triangle, tambour de basque, grosse caisse, cymbales – 2 harpes – cordes.

Publication : 1884, Paris, Enoch Frères et Costallat.

Durée : environ 8 minutes.

Lors de la création d’España, en 1883, Chabrier se vit brusquement propulsé sur le devant de la scène. Immédiatement bissée, puis fréquemment redemandée dans les années suivantes, la pièce valut à son auteur, jusqu’ici compositeur d’opérettes obscures, une véritable gloire – au point d’ailleurs qu’elle a éclipsé aux yeux du public le reste de sa musique. Surfant sur la vague hispanisante qui continuera de faire la joie d’un Rimski-Korsakov, d’un Debussy ou d’un Ravel, España chante « les refrains vigoureux de la jota, combinés avec les phrases libres et rêveuses des malagueñas. Ces deux essences musicales des Espagne du Sud et du Nord y sont mêlées et superposées selon toutes les fantaisies de la polyrythmie, cette caractéristique des musiques orientales » (comme l’explique le programme distribué lors de la première). Inspirée par un voyage en Espagne de juillet

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à septembre 1882, elle fut d’abord écrite pour piano. Son énergie rythmique se vit par la suite parée de couleurs orchestrales séduisantes : pizzicati guitaristiques des cordes, tintements de triangle, harpes tantôt sèches, tantôt cristallines, basson staccatissimo, trombones conquérants… De cette partition qu’il voulait d’une volupté débridée, Chabrier dira ensuite d’un ton faussement détaché : « c’est en fa majeur et rien de plus ».

Angèle Leroy

Claude Debussy (1862-1918)Iberia, seconde Image pour orchestre

Composition : 1905-1908.

Création : le 20 février 1910 aux Concerts Colonne, à Paris, sous la direction de Gabriel Pierné.

Effectif : 4 flûtes, 3 hautbois, 3 clarinettes, 4 bassons – 4 cors, 3 trompettes, 3 trombones, 1 tuba – timbales, grande

batterie – 3 cloches – célesta, 2 harpes – cordes.

Éditeur : Durand.

Durée : environ 20 minutes.

Des trois Images pour orchestre, Iberia est la plus développée et aujourd’hui la plus célèbre. Sa création en 1910 suscita pourtant l’incompréhension du public et l’hostilité d’une bonne partie de la critique. À l’exception d’un groupe d’admirateurs, parmi lesquels Ravel (« étreint jusqu’aux larmes par cette ruisselante Iberia »), on reproche tantôt à Debussy le caractère factice de ses emprunts folkloriques ou le caractère anecdotique des éléments descriptifs, tantôt l’aspect scolastique de la forme. Peu comprennent combien ces références sont purement imaginaires – images trouvées et distillées dans une composition qui ne doit rien à un quelconque folklore : la plasticité des idées, leur déploiement s’accompagnent d’une invention formelle éblouissante, où l’art de la transition, de l’ellipse et de l’amalgame triomphent. Sous la netteté de la ligne et l’éclat diurne de cette Espagne rêvée se dissimule toujours quelque surprise ou ambiguïté. « J’ai essayé de faire autre chose – en quelque sorte des réalités – ce que les imbéciles appellent impressionnisme, terme aussi mal employé que possible, surtout par les critiques qui n’hésitent pas à en affubler Turner, le plus beau créateur de mystère qui soit en art ! ».

Le premier mouvement, « Par les rues et par les chemins », s’apparente à un rondeau au rythme de sevillana dont le retour du thème est séparé par des thèmes nouveaux qui ressurgiront dans les autres mouvements. Le second, « Les Parfums de la nuit », répond à une forme tripartite complexe avec coda sur un rythme de habanera souvent soustrait à l’oreille. L’écriture innove tant sur le plan de l’orchestration que sur celui du traitement des motifs, préfigurant, d’après le compositeur Jean Barraqué, la technique orchestrale de Jeux, sa dernière œuvre symphonique : « Debussy y fait un emploi systématique de l’extrême division des pupitres et amorce déjà, par le morcellement orchestral des motifs, la pratique de la discontinuité sonore. »

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samedi 9 février

Le dernier mouvement, « Le Matin d’un jour de fête », s’enchaîne au précédent par une transition – « Ça n’a pas l’air d’être écrit », disait Debussy avec satisfaction. Un thème de marche se dessine progressivement, hésite, suspend sa progression avant de s’ébranler pour évoquer le passage d’une « banda de guitarras y bandurrias ». Un nouveau thème au violon solo, « libre et fantasque », traverse la scène, amplifié au hautbois, avant le retour du défilé, la coda et le rappel du premier mouvement. Ce cortège fantasque chemine dans une grande fluidité de tempi et d’atmosphères qui en accentuent le caractère presque onirique.

Cyril Béros

Maurice RavelBoléro

Composition : juillet-octobre 1928.

Création : 22 novembre 1928, Opera Garnier a Paris, par l’Orchestre de l’Opéra sous la direction de Walther Straram.

Effectif : piccolo, 2 flutes, 2 hautbois (et hautbois d’amour), cor anglais, petite clarinette en mi bémol, 2 clarinettes

en si bémol, clarinette basse en si bémol, 2 bassons, contrebasson – 4 cors en fa, petite trompette en ré, 3 trompettes

en ut, 3 trombones, tuba, 3 saxophones – 3 timbales, 2 tambours, cymbales, tam-tam, celesta – harpe – cordes.

Édition : 1929, Éditions Durand, Paris.

Durée : environ 13 minutes.

Que dire de ce Boléro que tout le monde connaît, à tel point qu’il fait partie des œuvres classiques les plus interprétées au monde ? Que Ravel, approché par Ida Rubinstein qui voulait qu’il écrive une musique de ballet pour elle, pensa d’abord à orchestrer l’Iberia d’Albéniz, avant d’y renoncer faute d’avoir obtenu les droits, pour finalement écrire cet ovni ? Que pour son créateur, cette pièce était « vide de musique » : « pas de contrastes et pratiquement pas d’invention à l’exception du plan et du mode d’exécution », des « thèmes […] dans l’ensemble impersonnels – des mélodies populaires de type arabo-espagnol habituel » ? Qu’en effet toute l’œuvre tient – comme tout le monde le sait – sur l’immense crescendo orchestral qu’elle propose, répétant à l’envi ses deux thèmes de 16 mesures chacun sur l’ostinato du tambour (souvent remplacé par une caisse claire) ? Que si l’orchestre est particulièrement étendu et riche de timbres (le cor anglais, le saxophone soprano, le célesta…), l’orchestration elle-même est plutôt « simple et directe tout du long, sans la moindre tentative de virtuosité » (Ravel toujours) ? Que l’on reste pendant près de quinze minutes sur le même balancement de do majeur, avant un détour in extremis vers un mi éclatant, bien vite corrigé par un dernier do ? Que si l’écriture est inouïe, le cataclysme, ce « triomphe généralisé des forces du mal » (Marcel Marnat), est lui hérité d’un morceau comme La Valse, pessimiste, violent ? On pourrait en dire bien d’autres choses encore ; mais c’est à chacun de décider de dépasser le cliché pour tenter de comprendre la force de cette musique.

Angèle Leroy

8

Tedi Papavrami

Arrivé tout jeune en France, Tedi

Papavrami découvrait un pays et une

culture qui lui étaient totalement

étrangers. Sa curiosité naturelle et son

besoin d’apprivoiser la langue française

pour pouvoir faire de ce pays le sien,

une grande solitude aussi, le poussèrent

à dévorer les livres, toujours en français :

Stendhal, Proust, Flaubert, Dostoïevski,

Tchekhov, Kafka… Car c’est entre autres

ce qui singularise cet interprète rare

dans le monde musical : une curiosité

qui en dépasse les frontières, alliée à des

exigences intellectuelles et artistiques

qui lui permettent de franchir la distance

entre son domaine d’origine et d’autres

horizons. C’est donc tout naturellement

qu’en 2000, après la disparition du

traducteur albanais Jusuf Vrioni, qui

assumait jusqu’alors cette tâche, il

reprendra le flambeau de la traduction

de l’œuvre d’Ismail Kadaré, qu’il avait

connu enfant, en Albanie. Cette

échappée dans le monde littéraire

devient aussi pour lui un moyen

« d’exister professionnellement pour

la première fois en dehors du violon ».

Ce violon qui depuis toujours a fait partie

de sa vie lui est transmis dès l’âge de

cinq ans par son père, brillant professeur,

ayant développé au fil d’une longue

expérience pédagogique, l’art

d’enseigner cet instrument à de jeunes

enfants. Les progrès de Tedi Papavrami

sont rapides puisque trois ans plus tard

il est capable de jouer les Airs bohémiens

de Sarasate en public, en compagnie de

l’Orchestre Philharmonique de Tirana.

À onze ans, il exécutera sur scène le

Premier Concerto de Paganini avec la

redoutable cadence d’Émile Sauret. Nous

sommes en 1982. L’Albanie est un pays

volontairement coupé du monde, dans

lequel, par un extraordinaire hasard, le

flûtiste Alain Marion, de passage pour un

concert, remarque le jeune virtuose et le

fait inviter à Paris en qualité de boursier

du gouvernement français. Il y devient

l’élève de Pierre Amoyal au

Conservatoire de Paris (CNSMDP). Des

apparitions dans des émissions de

télévision populaires de cette époque,

telle Le Grand Échiquier, ponctueront

cette période ainsi que des apparitions

en concert. À l’âge de quinze ans, à la fin

de son parcours d’étudiant, c’est seul

que Tedi Papavrami poursuit son

développement musical et instrumental.

Peu avant, avec ses parents, il fuit le

régime communiste en vigueur en

Albanie pour s’installer avec eux en

France : des sanctions très lourdes

s’exerceront en représailles sur le reste

de la famille demeurée en Albanie, et ce

jusqu’à la chute du régime communiste

en 1991. Tedi Papavrami et ses parents

quittent Paris, afin de ne pas se trouver

à portée des fonctionnaires de

l’ambassade d’Albanie à leur recherche

et s’installent à proximité de Bordeaux,

où l’aide d’amis proches leur permettra

de s’établir. À la faveur de plusieurs prix,

Tedi Papavrami entame alors une

carrière de soliste et de musicien de

chambre. En 2003, remarqué sur un

plateau de télévision par l’actrice Jeanne

Moreau, il campe un Danceny violoniste,

aux côtés de Catherine Deneuve,

Ruppert Everett et Nastassja Kinski, dans

une adaptation des Liaisons dangereuses

de la réalisatrice Josée Dayan. Il vit

désormais à Genève en Suisse, où il

occupe un poste de professeur de violon

au conservatoire de la ville depuis

septembre 2008. Le quotidien de Tedi

Papavrami se partage entre le violon,

la musique de chambre (il est membre

du Quatuor Schumann, formation avec

piano) la traduction, le sport, la

transmission de son savoir musical,

et la transcription pour le violon seul

d’œuvres originellement conçues pour le

clavecin ou l’orgue (publiées aux éditions

Ries & Erler, Berlin).

François-Xavier Roth

François-Xavier Roth est l’un des chefs

les plus charismatiques et entreprenants

de sa génération. Depuis septembre 2011,

François-Xavier Roth est chef principal

de l’Orchestre Symphonique de la SWR

de Fribourg et Baden-Baden. Il est

également chef invité de l’Orchestre

National de la BBC au Pays de Galles

et entretient par ailleurs des relations

privilégiées avec le London Symphony

Orchestra et l’Ensemble intercontemporain

qu’il dirige régulièrement. Le répertoire

de François-Xavier Roth s’étend de la

musique du XVIIe siècle aux créations

contemporaines, du répertoire

symphonique ou lyrique à la musique

d’ensemble. En accord avec cette

démarche, il crée en 2003 Les Siècles,

orchestre d’un genre nouveau, jouant

chaque répertoire sur les instruments

historiques appropriés. Les Siècles ont

également créé leur propre émission,

Presto !, qui a été diffusée chaque

semaine, durant ces trois dernières

années, sur la télévision nationale

française (France 2) devant plus de

quatre millions de téléspectateurs.

Ses récentes et futures activités incluent

des concerts avec le London Symphony

Orchestra, l’Orchestre Philharmonique

de Rotterdam, une tournée au Japon

avec l’Orchestre Symphonique de la SWR

de Fribourg et Baden-Baden, l’Orchestre

Philharmonique de Bergen, l’Ensemble

intercontemporain, mais aussi

9

biographies

l’Orchestre Symphonique de la Radio

Finlandaise (Helsinki), l’Orchestre

Gulbenkian (Lisbonne), l’Orchestre

de Chambre de Munich et Les Siècles

avec des concerts à la Philharmonie de

Cologne, au Klara Festival de Bruxelles,

au Festival de la Rheingau et à l’Académie

Nationale Sainte Cécile de Rome.

François-Xavier Roth est également

Impliqué dans la direction d’opéras,

les productions de Mignon d’Ambroise

Thomas et des Brigands d’Offenbach

à l’Opéra-Comique sous sa direction de

Paris ont été acclamées par la critique.

Dans les saisons à venir, François-Xavier

Roth dirigera Lakmé de Léo Delibes et le

Vaisseau Fantôme de Richard Wagner.

Les Siècles

Formation unique au monde, réunissant

des musiciens d’une nouvelle génération,

jouant chaque répertoire sur les

instruments historiques appropriés,

Les Siècles mettent en perspective, de

façon pertinente et inattendue, plusieurs

siècles de création musicale. Les Siècles

se produisent régulièrement à Paris

(Cité de la musique, Salle Pleyel, Opéra-

Comique), Aix-en-Provence, La Côte-

Saint-André, Laon, Caen, Metz, Grenoble,

Nîmes, Royaumont, Soissons et sur

les scènes internationales à Brême,

Bruxelles, Wiesbaden, Luxembourg,

Cologne, Amsterdam, Tokyo, Essen,

Londres… Leur dernier enregistrement

consacré à Stravinski vient d’être élu

« Disc of the Year » par le Times,

« Editor’s choice » dans le BBC music

Magazine & Gramophone et a remporté

le prestigieux prix Edison Klassiek 2012

aux Pays-Bas ainsi que le Preis der

Deutschen Schallplatten Kritik en

Allemagne. Leur disque Bizet-Chabrier

a été récompensé d’un Diapason d’or

et a reçu 5 étoiles dans le magazine

allemand Fono Forum. Six opus ont déjà

été édités dans leur label Les Siècles

Live en coédition avec Musicales Actes

Sud : la Symphonie fantastique de

Berlioz, la Symphonie n° 3 avec orgue

et le Concerto pour piano n° 4 de Saint-

Saëns, les Trames n° 2, 4 et 8 de Martin

Matalon, L’Oiseau de feu d’Igor

Stravinski, le Concerto pour piano n° 2

de Théodore Dubois et la Dante-

Symphonie de Franz Liszt. Soucieux

de transmettre au plus grand nombre

la passion de la musique classique, les

musiciens de l’ensemble proposent très

régulièrement des actions pédagogiques

dans les écoles, les hôpitaux ou encore

les prisons. Les Siècles sont également

l’acteur principal de l’émission de

télévision Presto ! proposée à plusieurs

millions de téléspectateurs sur France 2

et éditée en DVD avec le concours du

Centre National de Documentation

Pédagogique. Depuis 2012, la formation

s’est enrichie d’un ensemble vocal à

géométrie variable lui permettant

d’aborder les grandes pages du

répertoire lyrique, d’oratorios et de

musique sacrée. Mécénat Musical

Société Générale est le mécène principal

des Siècles. L’orchestre est conventionné

par le ministère de la Culture et de la

Communication et la DRAC Picardie pour

une résidence en Picardie. Il est soutenu

depuis 2011 par le Conseil Général de

l’Aisne pour renforcer sa présence

artistique et pédagogique sur ce

territoire. L’orchestre est également

artiste en résidence au Forum du Blanc-

Mesnil avec le soutien du Conseil Général

de Seine-Saint-Denis et intervient

régulièrement dans les Hauts-de-Seine

grâce au soutien du Conseil Général et

de la Ville de Nanterre. L’orchestre est

soutenu par l’Art Mentor Foundation

pour l’achat d’instruments historiques, le

Palazzetto Bru Zane - Centre de musique

romantique française, la Fondation

Échanges et Bibliothèques, Katy &

Matthieu Debost et ponctuellement par

la SPEDIDAM, l’ADAMI et le FCM.

L’ensemble est artiste associé au Grand

Théâtre de Provence, au Festival Berlioz

de La Côte Saint-André, au Festival de

Saint-Riquier et au Festival de l’Épau.

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Violons IFrançois-Marie Drieux

Amaryllis Billet

Blandine Chemin

Pierre-Yves Denis

Varoujan Doneyan

Simon Milone

Sébastien Richaud

Laetitia Ringeval

Noémie Roubieu

Matthias Tranchant

Vanessa Ugarte

Violons IIMartial Gauthier

Laure Boissinot

Caroline Florenville

Mathieu Kasolter

Arnaud Lehmann

Emmanuel Ory

Matilde Pais

Claire Parruitte

Rachel Rowntree

Byron Wallis

Altos

Sébastien Lévy

Hélène Barre

Carole Dauphin

Vincent Debruyne

Catherine Demonchy

Marie Kuchinsky

Gwenola Morin

Lucie Uzzeni

Violoncelles

Julien Barre

Nicolas Cerveau

Guillaume François

Jennifer Hardy

Marion Martineau

Lucile Perrin

Émilie Wallyn

Contrebasses

Sophie Luecke

Carina Cosgrave

Cécile Grondard

Marion Mallevaes

Michel Robache

Flûtes

Jean Bregnac

Julie Huguet

Isabelle Pierre

Marion Ralincourt

Hautbois

Vincent Arnoult

Anne Chamussy

Stéphane Morvan (cor anglais)

Clarinettes

Laurent Bienvenu

François Miquel

Rhéa Vallois

Bassons

Céciel Jolin

Antoine Pecqueur

Thomas Quinquenel

Michaël Rolland

Saxophones

Christine Rall

Elliott Riley

Cors

Yun-Chin Gastebois

Cyrille Grenot

Yannick Maillet

Pierre Rougerie

Trompettes

Emmanuel Alemany

Krisztian Kovatz

Sylvain Maillard

Fabien Norbert

Trombones

Cyril Lelimousin

Jonathan Leroi

Damien Prado

Tuba

Sylvain Mino

Percussions

Camille Basle

Sylvain Bertrand

Matthieu Chardon

Benoît Gaudelette

Nicolas Gerbier

Eriko Minami

Harpes

Valeria Kafelnikov

Julien Marcou

L’Association est soucieuse de soutenir les actions favorisant l’accès à la musique à de nouveaux publics

et, notamment, à des activités pédagogiques consacrées au développement de la vie musicale.

Les Amis de la Cité de la Musique/Salle Pleyel bénéficient d’avantages exclusifs pour assister

dans les meilleures conditions aux concerts dans deux cadres culturels prestigieux.

Les Amis de la Cité de la musique et de la Salle Pleyel

DEVENEZ MÉCÈNES DE LA VIE MUSICALE !

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CONTACTS

Patricia Barbizet, Présidente

Marie-Amélie Dupont, Responsable 

252, rue du faubourg Saint-Honoré 75008 Parisma.dupont@amisdelasallepleyel.com

Tél. : 01 53 38 38 31 Fax : 01 53 38 38 01

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Les partenaires média de la Salle Pleyel

LUNDI 4 MARS, 20H

Giuseppe VerdiRequiem

Orchestre National de LilleJean-Claude Casadesus, directionChœur Philharmonique Tchèque de BrnoVeronika Dzhioeva, sopranoLilli Paasikivi, mezzo-sopranoStuart Neill, ténorRoberto Scandiuzzi, basse

Coproduction Orchestre National de Lille, Salle Pleyel

SAMEDI 6 AVRIL, 20H

Nikolaï Rimski-KorsakovLa Légende de la ville invisible de Kitège et de la demoiselle Fevronia (extraits)Sergueï RachmaninovRhapsodie sur un thème de PaganiniJohannes BrahmsSymphonie n° 4

Orchestre National du Capitole de ToulouseTugan Sokhiev, directionNicholas Angelich, piano

Coproduction Orchestre National du Capitole de

Toulouse, Salle Pleyel.

SAMEDI 13 AVRIL, 20H

Ludwig van BeethovenQuatuor à cordes n° 15Quatuor à cordes n° 8

Quatuor HagenLukas Hagen, violonRainer Schmidt, violonVeronika Hagen, altoClemens Hagen, violoncelle

DIMANCHE 14 AVRIL, 11H

Ludwig van BeethovenQuatuor à cordes n° 11 « Serioso »Quatuor à cordes n° 10Quatuor à cordes n° 6

Quatuor HagenLukas Hagen, violonRainer Schmidt, violonVeronika Hagen, altoClemens Hagen, violoncelle

DIMANCHE 14 AVRIL, 16H

Ludwig van BeethovenQuatuor à cordes n° 9Quatuor à cordes n° 13Grande Fugue op. 133

Quatuor HagenLukas Hagen, violonRainer Schmidt, violonVeronika Hagen, altoClemens Hagen, violoncelle

VENDREDI 19 AVRIL, 20H

Robert SchumannScènes d’enfantsÉtudes symphoniques op. 13Modeste MoussorgskiTableaux d’une exposition

Denis Matsuev, piano

MERCREDI 15 MAI, 20H

Joseph HaydnSonate pour piano n° 60 en ut majeurJohannes BrahmsSonate pour piano n° 3 op. 5Sergueï ProkofievSonate pour piano n° 8 op. 84

Yefim Bronfman, pianoCoproduction Productions Internationales Albert

Sarfati, Salle Pleyel.

Salle Pleyel | et aussi…